RETROMANIA - Sentireascoltare

Simon 

reynoldS 

RETROMANIA 

digital magazine | settembre 2011 | n. 83 

dEUS 

The Horrors 

Helado Negro 

Jonathan Wilson 

Benji Boko 

Rival Consoles 

Stephen Malkmus

sentireascoltare.com 

p. 4 

p. 10 

p. 26 

Direttore: Edoardo Bridda 

Recensioni p. 60 

VHS grindhouse » 120 

Gimme some inches » 122 

Re-Boot » 124 

Direttore responsabile: Antonello Comunale 

Ufficio stampa: Teresa Greco, Alberto Lepri 

coorDinamento: Gaspare Caliri 

progetto grafico e impaginazione: Nicolas Campagnari 

reDazione: Alberto Lepri, Andrea Simonetto, Antonello Comunale, Edoardo Bridda, Gabriele 

Marino, Gaspare Caliri, Nicolas Campagnari, Stefano Pifferi, Stefano Solventi, Teresa Greco, 

staff: Stefano Gaz, Stefano Solventi, Stefano Pifferi, Giancarlo Turra, Gaspare Caliri, Marco 

Canepari, Teresa Greco, Fabrizio Zampighi, Nino Ciglio, Fabrizio Gelmini, Marco Braggion, 

Federico Pevere, Andrea Napoli, Mauro Crocenzi, Diego Ballani, Gabriele Marino 

copertina: retromania 

Turn On 

Lucrecia Dalt, Washed Out, Apparat 

Tune-In 

Jonathan Wilson, Benji Boko, Rival Consoles, Stephen Malkmus 

Drop Out 

dEUS 

The Horrors 

Retromania Simon Reynolds 

Helado Negro 

gUiDa spiritUale: Adriano Trauber (1966-2004) 

settembre N.83 

ReviewMirror » 126 

Campi magnetici » 134 

Classic album » 135 

SentireAscoltare online music magazine 

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Lucrecia Dalt 

—Compendio di musica 

flessibile— 

Colombiana ma di stanza a Barcellona, 

con all’attivo collaborazioni importanti 

con F.S.Blumm e James Pants: genesi di 

Lucrecia Dalt 

Turn-On. 

Con le sue riletture di brani di Iggy Pop, Simon & Garfunkel, 

Burt Bacharach e Osvaldo Farres, Cuatro Covers – in 

spazio recensioni – è solo l’ultimo tassello del percorso 

musicale multiforme di Lucrecia Dalt. Una biografia, 

la sua, che ingloba i classici, si perde in un’adolescenza 

trip-hop per poi uscirsene con una formula autarchica e 

minimale, sussurrata e imprevedibile, in bilico tra post, 

ambient, kraut, elettronica. E’ il cambiamento la struttura 

portante del suono: pochi tratti ma fondanti, fuori dai 

facili punti di riferimento e dentro un equilibrio coerente 

e minimale, mutevole ma al tempo stesso credibile. 

Coordinate stilistiche che si mescolano a geografie 

già di per sé peculiari, lei colombiana di Medellín trasferitasi 

armi e bagagli a Barcellona. Con un’infanzia trascorsa 

in una famiglia che con la musica ha sempre trafficato: 

«Mio nonno quand’era piccolo suonava la batteria e poi 

è diventato anche un’ottimo musicista di maracas; mia 

nonna suonava la chitarra; mio zio da ragazzino costruì 

un sistema artigianale per il karaoke per cantare le canzoni 

di Nino Bravo. In casa si ascoltavano Beatles, Jimi Hendrix, 

Doors, Pink Floyd, Bob Dylan, Velvet Undergrond. Tutti artisti 

che rinconduco a momenti diversi della mia vita». La 

semina è feconda ma il raccolto genera frutti insospettabili. 

Se è vero che a metà anni Novanta una cassettina 

clandestina dei Portishead rivela alla Dalt – al secolo 

María Lucrecia Pérez López - un mondo ai confini con 

l’elettronica, il beat sintetico, le macchine, di cui prima 

non si aveva nemmeno percezione. Il passaggio successivo 

è un praticantato compito tra vinili e giradischi, per 

poi approdare al looping via laptop e alla musica suonata 

animati da una spinta creativa «introspettiva, solitaria, 

ma al tempo stesso eccitante». 

Gli esordi discografici differiscono e non poco dalla 

Dalt contemporanea. Acerca (Series, 2005) mostra una 

musicista più interessata alla programmazione che al ricorso 

a una strumentazione tradizionale. Dieci brani che 

citano la lezione di certa indietronica tedesca versante 

Notwist (con qualche vaga cadenza dubstep/ambient), 

presagiscono quel perfezionismo formale che diverrà un 

tratto distintivo ma ancora non sorprendono per originalità 

e carattere. Preferendo un rassicurante tappeto sintetico 

alle geometrie instabili e difficilmente circoscrivibili 

che verranno di lì a poco. Anche il passo successivo Like 

Being Home (Series, 2007) sa di terreno di prova, un EP 

dall’anima folktronica nobilitato da un approccio pop fin 

troppo lineare, capace tuttavia di mostrare anche qualche 

segno di un cambiamento in atto, di un’ elasticità 

potenzialmente avventurosa. 

L’album che sancisce la maturità artistica arriva due 

anni dopo e si chiama Congost (Pruna Recordings, 2009): 

«Ho fatto tutto con un laptop e tre microfoni, mettendo 

insieme il suono di chitarra, basso, voci, tamburello, violoncello, 

tromba, xilofono, strumenti di legno, giare, bottiglie, 

spugne, borse di plastica, percussioni improvvisate, registrazioni 

ambientali e samples di batteria. E’ il mio disco 

più personale e consapevole. Ho scritto le melodie e ho registrato 

e mixato tutto il materiale, ad eccezione di alcuni 

interventi strumentali di amici». Voce sospesa in un limbo, 

brani spruzzati di psichedelia (Ceniza), ambient (Zig Zag) 

e claustofobie assortite kraut-wave (Too Much Light), ma 

soprattutto un sentire che preferisce astrarre, lavorare 

sul mood, piuttosto che cedere alle strutture organizzate 

troppo ripetitive o alla forma canzone tradizionale: 

«Quello che passa è quello che mi sembra giusto e coerente 

sul momento. Col suono cerco di non rinchiudermi in una 

zona troppo “confortevole”. Trascorro molto tempo cercando 

nuove combinazioni di effetti per riuscire ad ottenere 

elementi inediti dalla stessa sorgente». 

Tutto scorre e tutto si modifica. Al punto che lo split 

Pasillo uscito l’anno scorso in condivisione con i Radioaisle 

sembra ridefinire ancora una volta le direttive stilistiche. 

Scegliendo una secchezza minimale, certe chitarre 

scarnificate su bassi inquietanti, un’elettronica sempre 

più trasparente e complementare. Un fil rouge ripreso 

dal Cuatro Covers citato in apertura che mostra una personalità 

autonoma e votata alla contemporaneità, nella 

consapevolezza di ciò che le accade attorno: «Mi sento 

particolarmente vicina a una certa scena di Los Angeles 

perchè ho collaborato col Dublab e ammiro musicisti come 

Nite Jewel, Julia Holter, Dam-Funk, Daedalus. Apprezzo anche 

Luke Sutherland, James Pants, Daisuke Tanabe, Gudrun 

Gut, Felix Kubin, Beak>, Momus, Hauschka». 

Fabrizio zampighi 

4 5

Washed Out 

—Melanconia e 

ambivalenza— 

Abbiamo sentito al telefono Ernest 

Greene in occasione dell’uscita del 

suo primo album lungo. Fotografia 

sul fenomeno Washed Out: dai fasti 

dreamwave del 2009 all’adult glo 

odierna... 

Turn-On. 

Ernest Weatherly Greene è sicuramente un ragazzo stereotipico 

per la generazione dei nati negli Eighties. Ha un 

accento riconducibile a quello del suo Stato, la Georgia. 

Possiede quella tipica cortesia americana, gentile e allo 

stesso tempo un po’ freddina e, tra i suoi coetanei, ha fatto 

le scelte più comuni dell’americano integrato: si è sposato 

prima dei trenta, ha cambiato un paio di città e case, 

ha passato svariate serate davanti a Prison Break e Lost. 

Come musicista, la casistica è ancor più normalizzata: 

un passato remoto in una indie-rock band nei Novanta 

e la realizzazione, da solo, in cameretta, nei Duemila con 

i fidi Reason e Cubase nel desktop. Se proprio vogliamo 

chiudere il quadro: a 12 o 13 anni gli troviamo in casa 

ascolti grunge e ovviamente i Nirvana, con i quali Ernest 

ha iniziato le prime strimpellate alla chitarra. 

Anche l’atteggiamento casual che lo contraddistingue, 

dalle prime interviste alla nostra chiacchierata telefonica, 

è probabilmente rimasto lo stesso, così come lo spirito 

un po’ ondivago da provincia americana dal quale Washed 

Out trae ispirazione e strategie di fuga, idealmente, 

in Europa. 

Su Skype gli raccontiamo la storia del glo-fi imparata e 

poi scritta svariate volte in altrettanti articoli e recensioni. 

L’avrà sentita centinaia di volte ma è doveroso verificare 

in prima persona cosa ha da dirci in proposito. Gli 

spieghiamo che per la stampa europea - e per l’internet 

italico - la cosiddetta scena, anche nota come chillwave, 

è stato uno di quei grandi momenti onanistico-giornalistici 

dove ci si è potuti sbizzarrire unendo alberi genealogici, 

sonorità e una precisa sociologia: il tuffo catartico 

dei nati negli 80s verso l’epoca dei propri genitori attraverso 

la lente seppia del ricordo estivo. 

Il ragazzo risponde pragmatico: la stampa mi ha permesso 

di farmi conoscere a livello internazionale, e suonare dal 

vivo, quando giusto qualche mese prima ero a casa disoccupato 

dai miei genitori attaccato a My Space. Le devo molto 

e sono stato onorato di finire negli stessi articoli di Toro 

Y Moi, Neon Indian e Memory Tapes. Quello che hanno 

scritto sulla scena è vero, ma non dimentichiamoci che gli 

Eighties sono stati considerati da noi stessi spazzatura per 

lungo tempo, soltanto in un secondo momento, quando 

qualcuno ha cambiato idea ed ha finito per influenzare gli 

altri, le cose hanno preso una direzione diversa... 

Greene non nasce musicalmente da stereotipi pruriti 

kitsch, le prime mosse pre-discografiche e precedenti 

alle pubblicazioni su Mexican Summer, erano un misto 

tra l’ambient e certo Hip-Hop, tra software craccato e 

overdubbing di chitarra, piano e la sua voce davanti al 

mix. All’epoca, il georgiano ascoltava il catalogo Stones 

Throw, tante non precisate produzioni psichedeliche e, 

in particolare, Koushik con il quale sentiva un’affinità 

diretta. Chiaramente non è tutto qui e c’è tanto altro: in 

svariate interviste emerge un po’ di tutto, da Grouper 

a (chiaramente) Panda Bear (Animal Collective), e in 

pratica, tutto il Pitchfork output. 

Con Washed Out, Ernest è stato più volte tentato di 

prendere direzioni sperimentali ma alla fine a prevalere 

è stato un minimalismo di impronta dance. Il progetto 

Washed Out è senz’altro legato alla musica da ballo, o 

meglio ne ingloba alcune sonorità come la balearica, 

la trance, certi ricordi Rave e l’House. Nell’album lungo 

Within And Without troviamo alcune canzoni come 

Eyes Be Closed o Echoes che sono chiaramente orientate 

in questo senso, mentre nel resto del disco prevale una 

vena ambient pop dai rimandi meno direttamente legati 

agli 80s. L’ho chiamata adult glo nella recensione e a lui 

la definizione piace: la sua, mi racconta, è stata una transizione 

fatta di prove ed errori che si è configurata sempre 

di più nel formato canzone e di conseguenza nel delineare 

una strategia personale - per sottrazione aggiungerei - 

incentrata sul canto. 

Ernest è ossessionato dal personal style da sempre, aggiunge 

che quest’album è semplicemente una collezione 

di tracce scritte in diversi momenti ma averle pensate 

durante una lunga tournée davanti a così tanti pubblici 

differenti lo ha aiutato a sintetizzare maggiormente l’idea 

sonica originaria. Differentemente dagli esordi, dove le 

produzioni erano, ai suoi occhi, o troppo psych o troppo 

dance, l’album risulta decisamente coeso e, trovata la 

quadratura, si sono aggiunti i richiami di fino: il pop primi 

Novanta, ci racconta, ma soprattutto quegli smalti di 

melanconia/ambivalenza che ha sempre visto nei Mazzy 

Star e amato, in generale, nell’ascolto musicale. 

Del resto, allo stesso modo dei progetti Memory Tapes 

o Toro Y Moi dell’amico Chazwick Bundick, anche per 

Greene, il 2011, è stato l’anno dell’emancipazione da una 

scena chill che nel giro di due anni si è inesorabilmente 

disinnescata. Per distinguere maggiormente il proprio 

lavoro, il ragazzo ha inoltre scelto, per la prima volta, di 

dosarlo tra casa e studio di registrazione avvalendosi 

anche dell’aiuto di un produttore come Ben Allen, un 

georgiano come lui che nel passato ha lavorato con calibri 

grossi come Animal Collective e Deerhunter. 

Ben è amico di Ernest da molti anni oramai e il 25% 

del lavoro è stata una collaborazione serrata tra me e lui 

nel suo studio di Atlanta, ci ammette, precisando che 

sono stati 12 giorni per 12 ore filate al giorno. Ben aveva 

un’agenda folle di impegni ma con il senno di poi essermi 

costretto a lavorare con il tempo che stringeva mi ha reso 

più concentrato e ha soltanto fatto bene al lavoro finale. Di 

Ben ho apprezzato soprattutto il trattamento sulle percussioni 

che hanno conferito all’album molta dinamica e profondità 

ma anche la qualità dell’incisione delle parti vocali 

(registrate sempre in studio). 

Greene è rimasto lo stesso ragazzo dai riferimenti squisitamente 

europei: dal mainstream pop di fine Ottanta 

britannico all’Ibiza di inizio ‘90, ma il lavoro di sintesi e 

l’esperienza lo hanno maturato. Dal vivo, per esempio, 

dopo l’abbandono dei laptop set per voce e mac nel 

2009, e l’esperienza con la band Small Black l’anno successivo, 

Greene è pronto per fare il live che ha sempre 

voluto: una indie band di cinque elementi con voce, doppia 

tastiera, basso e batteria con la quale suonare il disco 

in modo differente. Questa volta, ci afferma, funzionerà 

davvero. La formazione precedente era concentrata sul proprio 

di progetto. Avevamo provato troppo poco e i risultati 

non erano stati eclatanti. Ora le cose sono diverse, il suono 

è più compatto e rifinito. 

Sul tubo ci sono già alcuni assaggi dove si vede e 

s’ascolta un gruppo piuttosto affiatato pur con qualche 

dubbio sulle resa canora dello stesso Greene. Del resto, 

non è difficile immaginare Washed Out come un progetto 

da cameretta (a pensare alle canzoni) e studio (a 

registrarle). Abbiamo sempre affermato che il ragazzo 

ambient della Georgia ha più l’anima del producer che 

non quella del musicista. Lui, di converso, ci racconta 

d’essere cresciuto come live musician. Ha più di un anno 

e mezzo d’esperienza in formazione dal vivo, ci dice; e tra 

poco lo scopriremo dato che lo avermo da noi nelle tre 

date del tour italiano, mentre questo inverno, per chi 

potrà, sarà all’ATP Nightmare Before Christmas Festival. 

Lo hanno chiamato direttamente i Battles, co-curatori 

dell’evento assieme a Les Savy Fav e Caribou, artista con 

il quale è stato recentemente paragonato (non a torto. 

Ascoltate You and I per esempio). 

Nel frattempo, a proposito di produzioni, c’è già un remix 

project attivato: Grimes ha inciso una sua versione di 

Eyes Be Closed, Steve Moore (Loverock) ne ha fatto una 

versione più 80s e Miami Vice, Sposhrock una spacey 

con l’aggiunta di un vocoder e Star Slinger, un’ultima 

dal tiro più hip hop. Niente male per un ordinario ragazzo 

della provincia americana. 

Edoardo bridda 

6 7

Apparat 

—Meet The Band— 

Apparat si svela e ci racconta 

interessanti dettagli sul nuovo album 

previsto per settembre, le prossime 

collaborazioni, la band e il live set... 

Turn-On. 

Apparat non è uno che ha bisogno di presentazioni, ma 

piuttosto uno che costringe continuamente a fare il punto 

della situazione. Dalla ambient-techno warpiana del 

periodo in Shitkatapult alla dancey-IDM di Orchestra Of 

Bubbles con lady Ellen Allien, dalle mosse indietroniche 

di Walls allo slowbeat di Moderat, lo stile di Sascha Ring 

è in continua evoluzione, e ormai è difficile da definire 

in maniera univoca. 

Abbiamo approfittato della sua presenza al Meet In Town 

2011 di Roma per meglio comprendere il suo coinvolgimento 

nel progetto Apparat Band, che dal 2007 ad oggi 

è sempre più consolidato, e per spillargli qualche segreto 

circa il prossimo album, partendo dalle anticipazioni che 

vi avevamo già dato: si chiamerà The Devil’s Walk, uscirà 

il 25 settembre per la Mute e in base ai due singoli già 

rilasciati (la minimalista e yorkiana Ash/Black Veil e una 

Black Water dai sapori dream e glo-fi), sembrerebbe voler 

mostrare il lato più cantautoriale e ‘dreamy’ dell’artista 

berlinese. 

Gli stimoli delle frequenti collaborazioni artistiche, 

il rapporto con l’elettronica e l’evoluzione del proprio 

sound: questi alcuni degli interessanti argomenti emersi 

durante la chiacchierata, insieme a un paio di indiscrezioni 

a voce bassa ed alcune riflessioni su cosa comporti 

non essere più un adolescente. Apparat si mette a nudo: 

ecco le sue confessioni. 

Dopo oltre dieci anni di musica ed evoluzioni, è piuttosto 

complicato definire te ed il tuo stile. Come ti 

presenti oggi? 

Non mi piace star fermo. Ho sempre bisogno di nuove 

sfide, è per questo che provo continuamente nuove 

cose. Dopo tutti questi anni la mia musica ha un sound 

più organico: uso ancora i sintetizzatori, ma li tratto in 

un modo differente. Uso molto le registrazioni coi microfoni, 

mischiandole col suono. Suppongo abbia voluto 

smetterla con le manopole e i display per un po’. 

Sembra che ti piaccia particolarmente collaborare 

con altri artisti. Facciamo finta che nessuno leggerà 

le tue risposte e dicci: qual’è stata la collaborazione 

più interessante/eccitante/importante per te? 

Sono state tutte esperienze differenti. Lavorare coi 

Modeselektor è stato sorprendentemente formativo. 

Nessun grosso diverbio, solo lunghe chiacchierate sui 

piatti e su piccole cose. Ogni cosa ha preso il tempo necessario. 

Quando ho lavorato con Ellen Allien eravamo 

molto più veloci, ma abbiamo litigato un sacco. A un 

certo punto qualcuno prevaleva sull’altro e facevamo 

in quel modo. Non era un sistema democratico come 

in Moderat. Più dittatoriale, col dittatore che cambiava 

continuamente (ride). 

Per il mio ultimo album sono stato aiutato da gente 

molto cool: Josh dei Telefon Tel Aviv e Nackt dei Warren 

Suicide. E una volta imparato a far tesoro delle idee degli 

altri, proprio non ho più voglia di lavorare da solo. 

Raccontaci del live set che stai preparando al Meet 

In Town, e delle differenze che ci saranno rispetto al 

tuo prossimo album in studio. Ti abbiamo visto live 

un paio di anni fa con un suono dreamy-tech, vero? 

È ancora così? Chi sono i componenti della Apparat 

Band, e da dove vengono? 

Beh, è la prima volta nella mia vita che suono con una 

band fatta interamente da persone e senza l’aiuto di 

computer. O almeno, non computer che facciano musica: 

ne abbiamo due sul palco, ma sono amplificatori 

per le chitarre e loopstation. Tutto viene suonato live, e 

suona davvero umano ed organico. Non è molto elettronico. 

E nemmeno l’album lo sarà. Potrei dire che in 

questo periodo i suoni elettronici sono solo una piccola 

parte della mia musica. Un ulteriore strumento. 

Che musica ascolti oggi, e quali sono stati i tuoi primi 

ascolti quando eri ragazzo? 

Ascolto soprattutto musica drone e d’atmosfera. Gli ultimi 

dischi che ho comprato sono stati Tim Hecker e Max 

Richter. Quand’ero adolescente ho iniziato con techno 

piuttosto rude, poi mi sono spostato verso gli Autechre 

e roba più astratta. È come se la musica che ascolto diventasse 

sempre più dolce e calma ogni anno che passa. 

Cos’è arrivato per primo, l’amore per il groove, la melodia 

o il ritmo? 

L’amore per il groove, decisamente. Quand’ero piccolo 

ero un batterista, ma è qualcosa che cambia continuamente 

e i ritmi nella mia musica vanno scomparendo 

sempre di più. Forse a un certo punto cambierò di nuovo 

idea, ma in questo momento proprio non credo che la 

bella musica abbia bisogno di un appropriato “ritmo”. 

Qual’è la tua concezione della musica dance? È più 

una “dance cerebrale” o una dance fisica/ritmica? 

Qual’è la componente più importante, e perché? 

Per me la dance deve essere grezza, fisica e sorprendente 

in ogni momento. È una cosa che non accade spesso - è 

per questo che preferisco stare a casa. 

Com’è cambiato il tuo rapporto con Berlino in questi 

anni? 

Prima uscivo spesso, ma era come se avessi un deja-vu 

ogni volta che andassi in un club. Come se lo avessi già 

fatto. Probabilmente sto solo diventando vecchio. In 

questi giorni preferisco godermi la campagna delle periferie 

di Berlino, piuttosto che i suoi clubs. 

Nuove collaborazione per il futuro? 

Penso di voler soffermarmi sulla mia band. Suona davvero 

come una grande idea fare un band album. Mi sono 

sottoposto al lavoro in studio così tanto in passato, giusto 

per provare delle cose, e qualche volta è venuto fuori 

qualcosa di buono. Ma era più un prova-e-riprova. Non 

credo che possa continuare a lavorare così. Preferisco 

scrivere canzoni alla vecchia maniera, e poi lavorarci con 

la band invece che buttarmi subito sui computer. 

E ovviamente farò un nuovo album Moderat un giorno. 

E un altro con Ellen! 

Carlo aFFatigato 

8 9

Tune-In. 

Jonathan Wilson 

Testo: Giancarlo Turra 

From Us To YoU 

Difficile affermare con esattezza da dove parta l’onda 

che, in questo inizio di nuovo decennio, sta consegnando 

dischi di ambito “cantautorale” di portata non 

indifferente. In attesa di ulteriori sviluppi, diremmo 

che la corrente è sempre stata lì: viva, pulsante e suo 

malgrado carsica, siccome gli anni zero hanno visto i 

riflettori puntarsi impazziti da altre parti. Adesso, dopo 

le baruffe su quanto di rilevante e imperdibile ci siamo 

lasciati alle spalle, è forse giunto il tempo di accantonare 

freakerie, silicio e contaminazioni totali per recuperare 

una dimensione intima e confessionale. Diversa da 

quel gioco un po’ disincantato e un po’ divertito di moderni 

songwriters come Will Oldham e Bill Callahan, 

alle prese con giochi di identità e paraventi. Adesso, 

l’ambizione è mettersi in mostra di nuovo. Di lasciare 

le ferite al sole e al sale del pubblico affinché guariscano. 

Oppure, che almeno se ne ricavi materia di canzoni 

che rimangano. Date un’ascolto in giro e respirate la’ria 

fresca però antica di Bon Iver, Josh T. Pearson e Laura 

Marling. Ognuno inevitabilmente riconducibile a qualche 

altro troubadour precedente che viene tuttavia trasceso, 

mescolato con anime affini. E’ musica popolare, 

pertanto un problema come l’originalità non ha senso. 

Conta aggiungere qualcosa al canone affinché perduri, 

come sosteneva il padre del revival folk britannico, Cecil 

Sharp, un secolo fa. 

—Lo spirito del canyon— 

Un nuovo talento è nella Città degli Angeli, a stendere ponti tra passato e futuro. 

Volevate un nuovo M Ward? Il suo nome è Jonathan Wilson... 

CoUnTrY roads... 

In questo quadro policromo ha fatto la comparsa Jonathan 

Wilson, classe 1974 dalla Nord Carolina. In trasferta 

- come tanti sudisti prima di lui: Gram Parsons, Leon 

Russell e Tom Petty tra i tanti - in California; soprattutto 

intestatario di un lp, Gentle Spirit, che profuma di classico 

istantaneo. Punto di arrivo di una passione d’altri 

tempi, tanto è autentico e presente in ogni gesto, ogni 

decisione, ogni parola di questo trentasettene. Le ragioni 

stanno, probabilmente, nella fatica fatta per arrivare a 

questo esordio e in un’origine tipicamente americana: 

”Sono nato a Spindale, North Carolina. Mio nonno era un 

predicatore battista, per cui ero costantemente dentro 

quella “vibrazione” spirituale. Mio padre suonava in un 

complesso e ricordo che quando un membro della band 

non si presentava, prendevo il suo posto passando da uno 

strumento all’altro. Era un gesto naturale”. 

E, inoltre, in una gavetta lunga e tortuosa, scandita 

nel ’95 dai Muscadine, fondati con l’amico Benji Hughes 

e smarritisi dentro un esordio edito tre anni più tardi 

dalla Sire. Dopo la fine del sodailzio, Wilson vagava on 

the road tra California (nella comunità hippie di Topanga, 

poi spazzata via), Georgia e New York per stabilirsi infine 

nel Laurel Canyon. Ancora e sempre “golden state”, ma 

in un’alveo celebre per aver visto nascere e svilupparsi 

tra ’68 e ’74 la celeberrima e florida scena capeggiata da 

Joni Mitchell e C.S.N.&Y.; mano a mano più fortuna- 

10 11

ta epperò sempre meno brillante artisticamente, fino a 

sconfinare nel molle autocompiacimento di James Taylor 

e Carly Simon. 

...awaY From Home 

Con Rick Rubin vicino di casa, Wilson inizia con l’amico 

Chris Robinson dei Black Crowes - southern man come 

lui: questione di sangue - ad animare le serate con jam 

in cui si confrontano musicisti di diverse generazioni. 

L’elenco è impressionante: Johnathan Rice, Vetiver, 

membri di Wilco e Jayhawks, il tastierista di Tom Petty 

& The Heartbreakers Benmont Tench, Elliot Easton dei 

Cars, gente che aveva incrociato gli strumenti con Steve 

Miller, Van Morrison e Neil Young. 

Il soffio vitale, divertimento a parte, è diverso dai “bei 

tempi andati”: c’è uno scambio di conoscenze tra giovani 

e anziani in cui Rilo Kiley siede a fianco dell’ex Grateful 

Dead Phil Lesh e un filo connettivo viene intessuto. Si 

traffica con cover e brani improvvisati, invece di suonare 

ognuno le proprie cose agli altri. E’ un ritorno al “noi” 

dopo il “me” dei seventies, ma col senno di poi. Così che 

la storia e il retaggio proseguono e si arricchiscono senza 

che il passato venga perduto o schiacci la prospettiva 

dentro una cartolina. Semmai, esso funge da solida base. 

“Mi sono trasferito nel Laurel Canyon senza aspettarmi di 

trovare una qualche cultura rock anni ’60 che avevo idealizzato. 

Sapevo quale leggenda lo circondasse ma non ne 

afferrai porfondità ed essenza che dopo un po’. Ha senso 

che sia stata una sorta di mecca per i muscisti perché quello 

spirito perdura: la musica ha un suono diverso, emana un 

timbro naturale. E’ un luogo speciale, dunque non mi soprende 

che tanti dei miei artisti preferiti abbiano risieduto 

qui. Per vent’anni, mio padre teneva delle jam il mercoledì 

sera con gli amici; quando arrivai a Los Angeles, cercai lo 

stesso tipo di situazione, ma poiché non esisteva, ce la creammo 

da soli!” Se vi pare ancora un patetico revival da 

figli dei fiori… 

slow TUrning 

Questa è, comunque, l’incubatrice che tramuta Jonathan 

in session man e produttore assai richiesto. Versatile, 

anche, considerando come appaia - tanto per citarne 

qualcuno - in Vagabonds di Gary Louris e Momofuku di 

Elvis Costello, a fianco di J. Tillman ed Erykah Badu. 

Nel frattempo, mette mano a un’opera solista in cui fa 

tutto da solo intitolata Frankie Ray, la cui (non) publicazione 

diverrà un calvario: “Firmai un contratto con la Koch, 

il che all’poca pareva la cosa giusta da fare. Poi saltò fuori 

che, come tavolta succede, non facevano che positicipare 

l’uscita. La cosa peggiore per un’artista è che le sue cose 

non vedano la luce al momento giusto; oppure che non 

siano più rappresentative nel momento in cui sono pubblicate. 

Alla fine, dopo un anno e mezzo, mi rifiutai di immetterlo 

sul mercato e adesso Frankie Ray - nonostante copie 

‘fisiche’ circolino complete di artwork - si trova su I-Ttunes”. 

Wilson affronta lo smacco impegnandosi ancor più a 

fondo nella produzione e, quando lo sfrattano dalla casa 

di Laurel Canyon per troppo rumore, allestisce uno studio 

di registrazione - ovviamente dotato di apparecchiature 

analogiche - a Echo Park. Siamo al 2009, e il ragazzo 

seguita ad abbeverarsi alla fonte della migliore musica 

d’oltreoceano, incamera influenze preparandosi a dire la 

sua. Ultimo imprimatur ufficiale lo scorso aprile, quando 

si esibisce da David Letterman con Robbie Robertson. 

HappY Trails 

Il risultato di tanta pazienza e tribolare è un folk traslucido 

e opalescente d’acido che ottunde i sensi, aggrovigliandosi 

sinuoso e pigro alle pieghe della mente e 

attraversando in orizzontale anni Sessanta e Settanta. 

Necessita di frequentazione ripetuta, Gentle Spirit, meglio 

se tramite un vinile che fantastichi doppio ponte steso 

tra Neil Young che incide On The Beach senza fantasmi 

attorno e David Crosby che conserva il senno dopo If I 

Could Only Remember My Name. Ancora: la sfoglia torpida 

dei Pink Floyd sotto il sole di Ibiza attorno ai flash di 

Spirit e Quicksilver Messenger Service. 

The Way I Feel (esaltante viluppo di elettriche, organo 

e archi), Can We Really Party Today? (meditazione in 

punta di corde) Waters Down (blues narcolettico e dolce 

con stridori all’orizzonte) indicano la cura di chi ha sin 

qui intepretato i desideri altrui e adesso corona i propri, 

in un presente che maneggia lo scintillare di Gentle 

Spirit, Natural Raphsody e Railroad Boy. Emergono la sapienza 

degli arrangiamenti e una penna che trae forza 

dalle dilatazioni della jam, consegnando composizioni 

lunghe e oniriche cosparse di rumori, di sottili straniamenti 

che parlano una lingua personale. “Per quanto mi 

riguarda, la scrittura di canzoni è simile a dipingere. Non c’è 

niente di più gratificante che vedere qualcosa svilupparsi 

e prendere forma durante le registrazioni e il missaggio. 

Inizio a scrivere con la chitarra acustica o il piano e lascio 

di proposito alcune parti non finite, così da poter inserire 

un elemento casuale nel processo. Gentle Spirit è il primo 

lavoro che vede una band e molti ospiti ad aiutarmi, il che 

è stato una gioia”. 

Nella piena riuscita della quale ricopre un ruolo indispensabile 

la conoscenza dei tanti “ieri” del rock, rivitalizzati 

con mano abilissima: “Traggo intuizioni e sonorità da 

certe formazioni psichedeliche che mi piacciono come JK & 

Co., ma la lista delle mie influenze è lunghissima: J.J. Cale, 

John Prine, Gary Higgins, Andy Cabic, Skip Spence, Canned 

Heat e – sin da ragazzino - John Lennon e Neil Young. Per 

quanto uno voglia scegliere e indicare noni strani o semisconosciuti, 

ritengo che ciò che ti influenza davvero e ciò che 

tu vorresti ti influenzasse restano due cose diverse“. 

E’ frutto d’amore e competenza, la musica di Jonathan 

Wilson. E’ un regalo forse troppo bello per anni 

incerti, confusi e frettolosi. Fatelo vostro senza esitare. 

12 13

Tune-In. 

Testo: Carlo Affatigato 

Benji Boko 

Intervista a Benji Boko, uno dei più interessanti giovani ribelli della scena dance 

UK. L’occasione ideale per entrare nel profondo del fermento londinese e carpirne 

segreti ed ambizioni 

Dopo aver toccato con mano lo spirito delle realtà emergenti 

USA nell’intervista a M A N I K, il secondo appuntamento 

della nostra rubrica di approfondimenti dance 

sbarca finalmente nella famigerata scena londinese, da 

anni una fucina di talenti d’eccezione, nuove mode e illuminanti 

crossover di stili. Per l’occasione siamo riusciti 

a contattare uno dei giovani emergenti più interessanti 

del panorama UK odierno, Benji Boko, su cui avevamo 

già acceso i riflettori all’uscita del suo debut album Beats, 

Treats & All Things Unique: un 24enne letteralmente esploso 

durante lo spettacolo di capodanno 2010 alla O2 

Arena, dove insieme a Calvin Harris, Justice e Deadmau5 

ha mandato in visibilio un pubblico di 17.000 persone 

e che, da allora, continua ad alimentare la fama 

esplosiva dei suoi live act, in cui puntualmente sfodera 

un impareggiabile talento in mixing e mash-ups. 

Lo abbiamo chiamato innanzitutto per approfondire 

le origini del suo eclettismo e i propositi che lo spingono 

a provare combinazioni sempre più coraggiose, ma 

soprattutto per poter guardare da vicino lo spirito della 

dancing London di oggi, considerata dai più l’ambiente 

artisticamente più stimolante del globo. La metropoli 

più cool del momento ospita una scena dance selvaggia 

e irriverente, ricca di nomi autorevoli largamente conosciuti 

come Four Tet e James Holden, a cui recentemente 

si aggiungono giovani chiacchierati come Katy B, 

—In Da Club #2— 

Jamie XX, SBTRKT e Maya Jane Coles (lasciando fuori 

realtà meno orientate al club come James Blake e Jamie 

Woon). 

Benji Boko è solo l’ultimo tassello di un puzzle in 

continua espansione, e nell’intervista è venuto fuori 

l’identikit del tipico artista UK, con la sua irrefrenabile 

voglia di distinguersi e guardare avanti e la sensazione 

di appartenere ad una vera elite artistica, cosa che ci ha 

spinto ad azzardare un parallelo con la Detroit dei primi 

anni ‘80. Abbiamo provato a capire come mai questo 

particolare fermento sta avendo vita proprio in Inghilterra, 

e nel frattempo abbiamo scoperto i progetti ambiziosi 

di Benji, che proseguono ad un ritmo sorprendente. 

Un giovane simpatico, estroverso e pieno di energia: 

ecco ciò che è emerso in circa venti minuti di conversazione... 

Ciao Benji! Che ne dici di iniziare con una presentazione 

rivolta a chi non ti conosce? Chi è Benji Boko? 

Wow, gran bella domanda! Diciamo che sono un giovane 

24enne che ama far musica e che nei concerti diventa 

un fottuto matto da legare. Ma in generale quello che 

voglio è esprimere me stesso in ogni modo o forma, e 

con ogni mezzo. 

Questo è proprio lo spirito che si percepisce nel tuo 

album di debutto. Una combinazione folle di stili di 

diversissima natura: funk, hip-hop, reggae, house... 

14 15

Quali aspetti preferisci valorizzare quando fai musica, 

tendi più a far ballare o a stimolare la dimensione 

d’ascolto? 

Penso che le canzoni migliori siano quelle che riescono 

in entrambi gli intenti. In generale il mio album è prettamente 

orientato all’ascolto, lo puoi metter su a casa o in 

macchina, anche se ci sono 3 o 4 brani che potrebbero 

andar benissimo nei club. Quando però si tratta di un 

concerto o un dj-set, il dancing diventa il cuore della 

questione, e il mio compito è quello di far scatenare la 

gente nel modo migliore. Sono due lati del mio carattere, 

e non sono nemmeno tanto differenti: l’uno ama far 

ballare le persone nei live show, l’altro vuol essere più 

espressivo, prendersi il suo tempo, toccare una maggiore 

profondità, magari essere meno divertente ma in compenso 

più riflessivo. 

Le tue performance live sono sempre accolte con 

grande entusiasmo. C’è un alone di leggenda che circola 

nel web riguardo ai tuoi mesh-ups live: strani incroci 

improvvisi capaci di tirare in ballo tanto Snoop 

Dogg e Missy Elliot quanto i Simpson o Mozart. Da 

dove viene questa tua abilità? 

Fondamentalmente non ho alcuna inibizione. Non mi lascio 

scoraggiare dal fatto che certe cose non dovrebbero 

andar su in un club. Se un pezzo di musica sta bene insieme 

ad un altro pezzo di musica, e un altro, e un altro più 

lento, e un altro più hard, non ho alcuna remora a unirli. 

Alla fine è tutta musica, se funziona, funziona! Mi sento 

completamente libero di scegliere, se ritengo valida una 

certa combinazione, questa sarà nel mio live show. 

Nessuna inibizione e nessuna regola: potrebbe essere 

il ritratto della scena dance UK di oggi. Mi interesserebbe 

il tuo punto di vista in proposito, la 

sensazione è che in UK (e a Londra in particolare) gli 

artisti siano meno soggetti a regole rispetto al resto 

del mondo, più propensi a partorire qualcosa di nuovo. 

Cosa ne pensi? 

È vero, c’è un sacco di gran musica a Londra oggi, e non 

limiterei la cosa alla sola dance. Personalmente è come 

se ci fosse qualcosa nell’aria che mi ispira nel far musica, 

che mi spinge a guardare al futuro e creare qualcosa che 

non è ancora stato fatto. Non so se è una cosa che vale 

per tutti, ma sono convinto che l’Inghilterra abbia qualcosa 

di decisamente prezioso. Decisamente. 

E come mai proprio in UK, e proprio a Londra? 

Wow, sinceramente non saprei. L’inghilterra ha anche 

la fama di essere piena di hooligans, ma non è così, la 

maggior parte di noi è gente che pensa. Forse è anche 

qualcosa che deriva dalla storia della nostra nazione, 

dalle varie dominazioni, qualcosa che ci spinge sempre 

a portarci avanti. In ogni caso non è una virtù che coin- 

volge tutti, la musica più cool è prodotta da una stretta 

minoranza. Siamo in sostanza dei ribelli che vogliono 

creare qualcosa di differente, per quelli che sono stanchi 

di sentire sempre le stesse cose in ogni club. Il mondo sta 

cambiando, l’Inghilterra sta cambiando, la tecnologia sta 

facendo progressi, e noi vogliamo essere tra quelli che si 

evolvono meglio degli altri. 

Un’elite di ribelli che fanno qualcosa di differente, un 

po’ quello che successe a Detroit negli anni della nascita 

della techno. Anche per voi far musica “nuova” 

è una missione? 

Sì, potremmo dire così. La missione è quella di seguire 

le evoluzioni del momento, di stare al passo coi tempi 

cercando di non suonare noiosi. Forse non siamo ribelli 

esattamente come è accaduto in altri contesti storici/ 

musicali. Forse siamo semplicemente ragazzi intelligenti. 

Quali sono le tue ispirazioni? Quali artisti ti hanno 

influenzato maggiormente? 

Penso che Fatboy Slim sia stata la mia principale ispirazione, 

sotto tutti gli aspetti. Ho sempre considerato 

la sua musica estremamente creativa. Poi tanti altri: 

Coldcut, DJ Yoda, Danger Mouse, Jay Z, Dr. Dre, The 

Neptunes, Timbaland... 

Un sacco di hip-hop! 

Oh sì fratello, adoro l’hip-hop! Quando ho ascoltato Busta 

Rhymes l’ho trovato così creativo, differente, quasi 

non fosse hip-hop. Sono molto influenzato dal suo carattere, 

dal suo modo di pensare la musica. Anche i suoi video, 

sono così strani, folli. Penso che l’aspetto visuale sia 

ispirativo tanto quanto quello musicale, e Busta Rhymes 

è sia visivamente spettacolare che musicalmente creativo. 

E lo stesso vale per Fatboy Silm: prendi il video 

di Praise You, dove lui salta e balla per strada, fuori da 

un cinema americano. Quel video sarà costato meno di 

400 sterline. Lo trovo molto significativo: si può essere 

creativi anche con pochi soldi. 

Come stai cercando di distinguerti dagli altri? 

Eheh, altra domanda difficile! In generale prendo spunto 

da quei djs o live performer che mi esaltano, come 

i Chromeo, che per me sono davvero cool. Però percepisco 

un diffuso abbassamento della qualità: ormai 

tutti fanno i dj, i producers, bisognerebbe smetterla coi 

giochetti! Nei miei live show, ad esempio, quello che 

faccio è live remixing: prendo tutti gli strumenti che ho 

a disposizione, i laptops e gioco sull’improvvisazione. E 

mi sembra che in giro non ci sia nessuno che faccia cose 

del genere al momento. Sento di essere ossessionato 

dall’idea di essere differente. Non so quanto mi riesce 

nella realtà, ma mi sforzo di pensare in modo differente 

in ogni istante. In ogni istante. 

E direi che il tuo album è riuscito a suonare differen- 

te. Ora che sei arrivato al debutto discografico, come 

ti senti? 

Ovviamente sono spaventato dall’idea che la mia prossima 

prova sia meno apprezzata della precedente. Ho già 

prodotto un sacco di materiale per il prossimo album, 

ma voglio prendermi del tempo per lasciarlo sedimentare, 

e vedere se tra un paio di mesi suonerà meglio o 

peggio. Nel frattempo mi butterò sui remixes: stanno 

già per uscirne due, un remix di Beardyman e un altro 

di Kidda su Skint Records. Voglio pubblicare un disco di 

miei remix, e poi tornare al mio secondo studio album. 

Voglio fare le cose con calma, tornare più e più volte sul 

materiale del mio prossimo album. Voglio farlo diventare 

qualcosa di molto meglio, più potente, più melodico. 

Sono molto eccitato in proposito, verrà fuori qualcosa 

di sorprendente. 

Ottimo. A quando la pubblicazione? 

Probabilmente alla fine dell’anno prossimo, o all’inizio 

del 2013. Vedremo. 

Ok. In chiusura ti chiedo di convincere chi non ti conosce 

ad ascoltare il tuo album. Cosa gli diresti? 

Penso che il mio album possa piacere quasi a tutti. Perché 

tocca tanti generi, ogni traccia è diversa dall’altra. È 

un album che vuol far divertire, vuol trasmettere gioia. 

È come se fosse un viaggio. Un viaggio nella mia testa. 

Puoi ascoltarlo prima di andare a dormire, o quando ti 

svegli, quando sei in viaggio o quando fai sesso, in ogni 

situazione! Credo di aver raggiunto una sorta di completezza 

in Beats, Treats & All Things Unique, e penso che le 

persone genuine lo apprezzeranno. 

16 17

Tune-In. 

18 

Rival Consoles 

Testo: Edoardo Bridda 

Ryan L. West è cresciuto in una piccola cittadina vicino 

Leicester smanettando videogame, ascoltando paccate 

di IDM e imbottendosi di visioni sci-fi e sculture robotiche. 

I suoi non erano gli anni Novanta della Warp e dei 

robot con in mano lo spinello della famosa compilation, 

bensì i 2000 bastardi del fidget e del p-funk. Seguendo le 

orme di qualche connazionale, le strade che in passato 

lo avrebbero condotto nelle varie contee ambient e idm 

del Regno Unito (Mo Wax, Planet Mu, Warp, Rising High, 

Ninja Tune) lo portano invece in Germania, patria di Robert 

Raths e di un’etichetta, la Erased Tapes, piuttosto 

distante dall’immaginario del classico idmmer innamorato 

dei film di fantascenza. 

La label si occupa di cinematica folk-pop post-Kid A 

e chamber elettroacustica e, all’interno di questi ambiti, 

Rival Consoles e il side project Aparatec, si configurano 

apparenemente come anomalie: sono gli unici progetti a 

farsi carico di un sentire warp-iano ma sono anche legati 

ad aspetti neo-classici che riportano a una macro idea 

filmica del label manager perfettamente incarnata dal 

musicista più famoso in scuderia, Ólafur Arnalds. Ryan, 

del resto, ama un tomo titanico come Drukqs, bibbia drill 

di Aphex, e tutto il Venetian Snares estremo fatto di ritmi 

impossibili e musiche classiche: l’estetica cameristica 

non come fine ma forte mezzo “di contrasto”. 

All’inizio, Rival Consoles esprimeva lo scontro tra la 

—Melodie complesse— 

In un momento di complicazioni ritmiche, dall'Inghilterra arriva un personaggio 

cresciuto a pane, Aphex Twin e Daft Punk a dire basta. E' il momento di melodie 

ambiziose, videoludiche (e complicate) 

britannia ultra modernista dell’IDM e la tradizione classica 

dell’Europa continentale: all’epoca dell’eppì The 

Decadent (2007) o dell’esordio IO pravalevano seriosità 

e frattali, braindance e archi seriosi, residui drum’n’bass 

e note veloci à la Squarepusher, ritorni al purismo acid 

dell’Aphex della serie Analord e chamber music. Con Kid 

Velo il discorso si ribalta: a contrastare una rimica semplificata, 

troviamo una complessità tutta melodica e un 

funky sintetico che deve moltissimo ai Daft Punk, alla 

disco music e qualcosa anche all’house. Dalla cinematica 

sci-fi in odor di Moby di un brano come Kitch (apparso 

anche nella prima compilation della Erased Tapes sottotitolata 

At The End Of All Music Happiness Will Be Erased), si 

passa a una videoludica bambinesca e a una pornografia 

per robot (Futurama docet). L’elemento magniloquente 

e l’amore per la cibernetica non sono spariti (Vos), supportano 

e giocano di sponda con giocosità inedite e, a 

loro modo, coraggiose. 

Ci vuole fegato per suonare complesse trame attraverso 

sintetizzatori ultra saturi che portano alle radici 

nerd dei parigini di Discovery e tutto questo coraggio, a 

sua volta, conduce al paragone con Luke Vibert: entrambi 

possiedono radici briannicamente (ambient)techno 

ed entrambi trovano la quadratura nelle molteplici modalità 

kitch-troniche francesi. Come in un ritorno al nocciolo 

- dai 90s alla chip tune music degli eighties - Rayan 

19

einterpreta e reinventa con l’estro e la fronte umidiccia 

del maghetto del coin-up. E’ ovvio che nell’intervistarlo 

la prima domanda ha riguardato proprio questo. 

Il tuo nuovo album richiama immediatamente alla 

mente gli arcade game degli 80s, e per dirla tutta 

sembra andare in profondità nella “demo scene” music, 

la musica suonata nei crack intro dei videogiochi 

craccati per C64… 

Sono creciuto con i computer game come tutti quelli che 

sono cresciuti negli anni Ottanta. La cosa che mi piace di 

più di quella musica è di quanto volesse essere drammatica, 

nonostante le pesanti limitazioni. C’è qualcosa che 

muove veramente nei suoni elettronici che cercando di 

comunicare qualcosa di epico o tragico 

È interessante notare che nel momento in cui gente 

come 4mat e goto80 stanno spingendo sui confini 

della chiptune music, tu te ne vieni fuori con un album 

ispirato ai videogiochi ma suonato con synth e 

drum machine del roster Warp 

Probabilmente perché i preferisco sonorità profonde e 

pesanti. Mi piacciono le batterie che si stagliano in potenza 

e amo che i synth siano grossi e increspati. 

C’è un sacco di funk ed electro in Kid Velo. E naturalmente 

c’è un sacco di gente che parla di Daft Punk e 

dell’influenza che hanno avuto nella tua musica 

Daft Punk sono una grandissima influenza tanto quanto 

un sacco di grossi musicisti elettronici come Röyksopp, i 

Chemical Brothers, Justice, ecc. Quel che mi piace di loro 

è la confidenza e lo stile con la quale fanno musica. Lo 

fanno così bene che sono amati praticamente da tutti. In 

musica ci sono due tipi di creatività: la creazione dell’idea 

e la sua esecuzione. E hai entrambe sei il massimo, ma se 

possiedi solo la prima non significa minimamente che 

hai per le mani una grande canzone, ci sono così tanti 

fattori che influiscono nel risultato, un buon giudizio è 

sempre necessario per mettere tutto assieme e questo 

penso che sia quello in cui i musicisti che ti ho citato mi 

influenzano di più. 

Rispetto a Justice e Digitalism, mi piace in te quell’attitudine 

nerd per i dettagli che i Daft hanno sempre 

coltivato… 

Ah, grazie, I guess... 

Il suo sembra un approccio da produttore. Sei parecchio 

metodico e dietro a Rival Consoles sembra 

ci sia un motto: fare complessità dietro a restrizioni 

tecnologiche… 

ci sono un sacco di complessità differenti, la mia musica 

non è eccessivamente complessa, è complessa all’interno 

del genere. Cerco di trovare un bilanciamento tra 

semplice e complesso tra melodie e strutture, ma non 

come una regola, se qualcosa funziona in un modo 

molto semplice sono contento di utilizzarla. E’ semplicemente 

difficile trovare forme semplici che sono anche 

lontanamente uniche. Penso che dal punto di vista tecnologico, 

serva parecchia programmazione e automazione 

nel creare sintetizzatori che si evolvano e maturino 

nel tempo. Come nella traccia Vos il synth che apre 

è un vocoder che ha il suono del traffico come se fosse 

un modulatore, questo causa un sacco di profondità e 

picchi nel volume e nell’energia del synth che lo rende 

veramente ricco. 

In IO la complessità riguardava di più il ritmo. Venetian 

Snares, Drukqs di Aphex Twin.Questo è più una 

faccenda di melodie e armonizzazioni 

Penso che sia l’aspetto più forte della musica e perché 

c’è una mancanza forte di nuove idee melodiche a mio 

avviso. Dappertutto vedi ambient, lo-fi e un sacco roba a 

base di glitched rhythmic noise. Volevo che l’album fosse 

differente da questi estremisti del ritmo e probabilmente 

ho finito per essere estremo dall’altro punto di vista… 

Nell’album puoi sentirci alcuni percorso del dopo 

Daft Punk. Citavo Digitalism, Justice e aggiungerei 

anche gli Autokratz. E’ interessante vedere una nuova 

generazione di brit producer rompere le barriere 

tra Londra e Parigi 

Yeah! Mi piace il french electro e l’house e mi piace molto 

della musica francese quel senso dello stile semplice 

però difficile da catturare. Sono stato persino scambiato 

per un french producer a un concerto! 

Musica concreta. In Kid Velo hai campionato qualcosa. 

E’ c’è pure una chitarra che mi ha ricordato la hit 

degli Stardust dei 90s… Mi piace osservare la tua musica 

anche pensando che ci metti dentro dei segreti 

come gli special level dei videogiochi 

Infatti nessun effetto sonoro da videogame è stato utilizzato. 

Ho impiegato principalmente campionamenti di 

sci-fi film e french art film. Un sacco di producer utilizzano 

suono 8bit ma penso che non renda migliore la loro 

musica. Le qualità del synth sono le cose che contano. 

Il tuo side project Aparatec è ancora vivo? 

La mia etichetta (Erased Tapes ndr.) lo vuole far rivivere 

giusto per un’ultima uscita e c’è ancora del materiale che 

potremmo utilizzare. Potrei fare qualcosa nel futuro ma 

per il momento sono troppo impegnato con Rival Consoles. 

Come Luke Vibert, hai forti radici in techno e acid, ma 

nella tua musica si trovano anche tagli House e pop… 

Sono molto pignolo con House e Acid, e mi piace molto 

Luke Vibert. Penso che techno e l’acid hanno una brutta 

reputazione perché c’è troppa merda in giro, preferisco 

l’House alla techno perché esibisce più stile e melodia. 

Mi piace veramente il buon pop perché è così diretto. 

Melodia stampate in faccia. Che ti piaccia o no. Penso 

che la gente pensa che le cose più subdole e riservate 

siano più intelligenti… 

Live set o dj set? Entrambi? Cosa dobbiamo aspettarci 

da un tuo show? Video? 

Ricreo metà del set con il materiale che ho nelle track 

missandolo ecc. Mi piace tenere le cose semplici però. 

Un sacco di gente che usa ableton pensa di dover fare un 

centinaio di cose. Meno opzioni e più pensiero è quello 

che fa la differenza. 

Quando hai iniziato a fare musica quali erano i tuoi 

miti? Sei cambiato ora? 

Ho sempre amato Aphex Twin e Daft Punk. Quando 

sono andato all’università mi sono focalizzato di più 

sulla musica proprio perché vedevo cosa potevo farci. 

Ho ascoltato un sacco di roba differente da John Cage 

a Stockhausen, Ligeti, Elgar, Merzbow. Ora ascolto roba 

ambiziosa, fresca e nuova… 

20 21

Tune-In. 

22 

Stephen Malkmus 

—L’indolenza del genio— 

Nessuna nostalgia, semmai il compiaciuto orgoglio di chi non ha bisogno di 

scendere a patti con un formidabile passato. Due chiacchiere con Stephen Malkmus. 

Testo: Stefano Solventi 

A volte ritornano. Anzi, in realtà è sempre stato fra noi. 

In posizione centrale. Una presenza costante malgrado 

l’hype si fosse ormai depositato su altri lidi, altre effervescenze. 

Forse perché quel modo di caracollare con noncuranza 

arguta e trepidazione dinoccolata è diventata 

una vera e propria coniugazione del fare rock. Ben oltre i 

Novanta, anni che videro la calligrafia lo-fi dei Pavement 

farsi segno caratterizzante di un’epoca in procinto di ricevere 

in faccia la risacca dell’illusione progressista, del 

Sogno Americano messo alle corde, deturpato e ridicolizzato. 

Tanto valeva ghignarci sopra uno spaesamento 

ora scontroso, ora beffardo, ora bisognoso di stringersi 

in una burbera, intensa malinconia. Scompaginare il canone, 

eleggere lo scazzo a fondamenta di un percorso 

emotivo autentico, perché autenticamente radicato in 

una quotidianità fatta prevalentemente di disillusione. 

C’erano già molte se non tutte le premesse di ciò che 

stiamo tristemente vivendo oggi. Per questo quando in 

una canzone del suo utlimo disco il quarantacinquenne 

Stephen Malkmus dileggia le predilezioni esistenziali 

di un senatore - desideroso in fin dei conti di soddisfare 

le proprie più basse brame ben prima del bene collettivo 

- non sembra affatto fuori ruolo. Anzi, appare del 

tutto legittimato, una figura autorevole in materia. Sebbene 

- si badi bene - non intenda affatto impelagarsi tra 

le sempre nutrite fila del rock engagé. No, non è il suo 

stile. Lui, l’ex-Pavement, è l’ex-ragazzone dalllo sguardo 

inquieto sotto una scorza decisamente matura, diresti 

quasi posata, che fa la sua parte nell’ordine sociale (la 

famiglia, gli amici), compresa la facoltà di rimarcarne i 

tragicomici risvolti. Dall’alto d’uno scranno musicale edificato 

in oltre venti anni di carriera, di cui quasi l’ultima 

metà passata a costruire un repertorio solista (in condominio 

coi fidi The Jicks, a onor del vero) di tutto rispetto. 

Addentrandosi album dopo album in una dimensione 

psichedelica che lo hanno reso autore e interprete rock 

a tutto tondo, capace di sfornare gragnuole soniche micidiali 

ferma restando una scrittura improntata alla più 

salda e imprendibile obliquità. 

Con Mirror Traffic il signor Malkmus sembra chiudere la 

parabola recuperando i tempi, i modi e la versatilità della 

fase centrale Pavement, coincidente per intendersi col 

rimarchevole Wowee Zowee. Se il termine malkmusiano 

ha un senso - e lo ha - ebbene questo disco lo incarna 

alla perfezione: un carosello iresistibile di genio e indolenza, 

di fatalismo stropicciato ma vigile, di flemmatica 

arguzia rock che ha smesso da un pezzo la maschera 

della trasgressione per covare il senso di una vita normale. 

Con tutti gli spigoli e le assurdità del caso. Con le 

straordinarie contingenze dell’ordinario volgere degli 

affetti e dei conflitti. Un plauso dunque alla produzione 

di Beck, capace di infondere la propria visione sonora 

senza prevaricare anzi esaltando la calligrafia di Stephen 

e dei sodali Jicks. In coincidenza di questo francamen- 

23

te inatteso apice artistico, abbiamo più che volentieri 

scambiato qualche chiacchiera telefonica col rocker di 

Santa Monica. 

Il tuo ultimo album con i Jicks ha 15 tracce e un sacco 

di ottime idee. Pensi che sia in qualche modo merito 

della recente reunion con i Pavement? 

Forse un pò, ma non più di tanto. E’ possibile che suonare 

nuovamente le vecchie canzoni dei Pavement abbia in 

parte influenzato la realizzazione di queste ultime. Ma 

molte le stavamo già eseguendo dal vivo prima della 

reunion. 

Mi pare che le canzoni di Mirror Traffic recuperino 

quel senso di disincanto e spontaneità che non avevamo 

più notato dai tempi di Wowee Zowee. Sei d’accordo? 

Forse sì. Mi pare che il primo album dei Jicks mantenga 

quello spirito, dopodichè sono entrato in una fase più 

progressive, con suoni più pesanti e in un certo senso 

anche più oscuri. Tornando alle vecchie cose ho cercato 

di essere accattivante in maniera differente, merito anche 

di Beck la cui produzione ha reso tutto più solare e 

frizzante. 

C’è anche una forte componente psichedelica. E’ un 

influenza che hai sempre coltivato o è qualcosa dovuto 

alla tua maturazione artistica? 

Come ascoltatore e fan, vengo influenzato da quelle 

cose che mi sorprendono maggiormente. Cose che suonano 

creative, magari realizzate con strumenti differenti 

e non strettamente rock’n’roll. Credo poi che la maggior 

parte delle melodie che adoro siano un pò selvagge e in 

qualche modo psichedeliche perché in fondo la chitarra 

è e sarà sempre lo strumento che preferisco. 

Mirror Traffic è il tuo quinto album coi Jicks, lo stesso 

numero di quelli realizzati con i Pavement. Non credi 

che sia il momento di smettere di pensare a Stephen 

Malkmus come l’ex leader dei Pavement? 

Vorrei che fosse possibile ma credo che sia difficile. 

Dovrei avere un grande successo perchè questo possa 

accadere. Prendi artisti come Neil Young o Nick Cave: 

la gente parlando di loro non cita in continuazione Birthday 

Party o Buffalo Springfield solo perché hanno 

avuto un grande successo con la loro carriera solista. 

Personalmente sono fiero di quello che i Pavement mi 

hanno portato e la loro notorietà non mi imbarazza affatto. 

Probabilmente la gente continua a parlarne perché 

alcuni considerano la musica dei Pavement più importante 

di quella dei Birthday Party, o in qualche modo ha 

significato di più per loro. Ad ogni modo è una buona 

cosa. E’ molto difficile dimenticarsi di cose che sono state 

speciali per qualcuno, me compreso. In fin dei conti si 

tratta di una parte di me, di tutte le mie canzoni scritte 

sin dall’inizio della mia carriera pertanto non ho problemi 

a farmene una ragione. 

Da quanto tempo conosci Beck e quando è nata l’idea 

di una vostra collaborazione? 

Ci siamo conosciuti circa vent’anni fa. Difficile credere 

che sia passato così tanto tempo. A quel tempo stava 

preparando l’album con Loser (Mellow Gold, ndr.) e lo vidi 

cantare quella canzone ad un concerto. Era un ragazzo 

simpatico, molto amichevole e anche un pò timoroso. 

Stava diventando molto popolare un pò dappertutto e 

credo che temesse di essere considerato una sorta di 

one hit wonder, una specie di loser, proprio come quello 

del brano. Per cui era tutto ‘Hey, non sono solo questa 

canzone, sono molto di più’. Poi abbiamo fatto parecchi 

tour nei 90s e ci incontravamo spesso, soprattutto nel 

backstage, anche solo per dirci ‘ciao’. Quando ho iniziato 

a pensare al disco lui aveva già iniziato a fare il produttore. 

Credo sia stato un bel cambiamento nella sua vita, 

voglio dire, smettere con i tour e dedicarsi di più alla 

famiglia. Così mi ha chiamato per dirmi quello che stava 

facendo. Con tutte le esperienza che abbiamo condiviso 

è stato naturale dire ‘hey, facciamo un disco’. Ecco cosa è 

successo un paio di anni fa. 

Che differenze hai riscontrato rispetto agli altri produttori 

con cui hai lavorato? Ha un modo particolare 

di lavorare? 

E’ difficile da dire. Come ingegnere del suono ha il suo 

stile personale ma altre cose sono simili. Alla fine per 

me si tratta sempre di preparare gli strumenti e iniziare 

a suonare. Sono tutti molto veloci a trovare i suoni giusti, 

hanno le loro idee riguardo a come deve suonare 

la batteria e il basso, piuttosto che le voci e la chitarra. 

Ognuno ha le proprie preferenze nel modo di registrare 

ed equalizzare. E’ tutto un pò noioso, più interessante per 

una rivista tecnica, credo. Ma ognuno di quelli con cui ho 

lavorato sapeva il fatto suo e faceva le cose in maniera 

differente. Credo che Beck sia un ottimo ingegnere del 

suono: ha registrato parecchie cose, ha realizzato sette 

album per conto suo per cui era certamente molto 

preparato. Per il resto si entra nei gusti personali. Uno 

come Beck credo che si adatti facilmente con chiunque 

lavori. Ha ascoltato i pezzi e poi si è tolto di mezzo lasciandoci 

fare le nostre cose, senza darci troppi consigli 

in fase di registrazione. Penso che avrebbe fatto di più 

se, ad esempio, il nostro batterista avesse suonato male. 

Ci possono essere vari problemi mentre registri. E’ possibilie 

non trovare il groove giusto o cose del genere e 

lui avrebbe potuto aiutare in qualche modo o dire ‘proviamo 

con un altro pezzo’. Ma fortunatamente non ce 

n’è stato bisogno. 

Come artisti, trovo che ci sia sempre stata una certa 

somiglianza fra voi due, ma non credevo che ci potesse 

essere una simile armonia fra i vostri stili... 

Siamo entrambi di LA, ragazzi californiani, e siamo appassionati 

delle solite cose... Arte, libri... L’idea di trovare 

nell’arte una fuga dalle nostre vite; magari è qualcosa 

che ognuno fa da teenager... In un certo senso è strano 

che due come noi possano essere amici... Non lo conosco 

così bene nella vita... Lui è giù a Los Angeles e io sono 

qui. Ma musicalmente, è vero, siamo piuttosto simili. 

Alcuni degli artisti preferiti all’interno del nostro magazine 

si sono fatti una reputazione nel corso dei 90s 

(penso ad esempio a Pj Harvey e Flaming Lips), cosa 

significa per un eroe dei 90s come te suonare per una 

giovane audience nel 2011? 

Beh, è molto bello. Mi ricorda di quando negli anni 80 

avrei voluto assistere al concerto di gente dei 70s come 

Lou Reed o Iggy Pop. Una cosa tipo ‘andiamo a vedere 

quel tipo cool e attempato ancora così forte’... Beh, Lou 

non era così cool a quel tempo ma era sempre The Reed! 

Oppure uno come Mark Smith... 

Immagina se fossi nato 15 o 20 anni dopo. Come ti 

muoveresti se la tua carriera come musicista iniziasse 

adesso? 

E’ difficile da immaginare. Credo che alla fine sarei nella 

solita situazione ma ci sarei finito con mezzi diversi. A 

quei tempi si sentiva parecchia musica nuova. Fra i 16 e 

i 25 scavavo parecchio fra le cose nuove per cercare di 

capire me stesso. All’epoca mi sarei rivolto a un amico 

di qualche radio o di qualche fanzine o avrei utilizzato 

il passaparola. Ora il passaparola passa per Internet, ci 

sono queste figure in rete, che possono essere website 

particolarmente cool o semplicemente persone, magari 

amici, che possono trasformarti in qualcosa di nuovo. 

Internet ha velocizzato tutto quanto ma mi sembre che 

le cose che ho sempre pensato che fossero forti, lo sono 

tutt’ora. Mi riferisco a cose di 20-30 anni fa, o anche più. 

Cose tipo Velvet Underground, Beatles, Wire, il punk 

rock, i Sex Pistols. Magari anche Pavement, Dinosaur 

Jr, Pj Harvey, My Bloody Valentine. La gente continua 

a pensare che siano grandi artisti. 

Dal nostro punto di vista, diciamo ‘europeo’, tu ha 

sempre rivestito il ruolo dell’outsider che ci ha sempre 

intrigato. Pensi che le tue canzoni, specialmente 

le ultime possano essere considerate in qualche 

modo politicamente o socialmente impegnate? 

Beh, non molto. E’ ancora una piccola stravangante parte 

della borghesia che continua ad apprezzare questa 

musica. Personalmente non vedo nessuna rivoluzione 

all’orizzonte. E’ una specie di accessorio di lusso per gente 

che è andata al college, bene educata: una piccola 

percentuale del mondo. Vorrei fosse diverso, qualche 

volta. Ma non so se vorrei una vera rivoluzione. Mi piacerebbe 

che ci fossero cambiamenti in medio oriente, 

ma non credo di essere la persona più adatta a parlarne. 

Credi che quello con i Jicks sia il tuo progetto definitivo 

o hai in mente qualcosa di diverso per il futuro? 

Non saprei, per il momento sto facendo questo. La mia 

vita è con mia moglie e la mia famiglia. anche mia moglie 

lavora, così tutte le mie energie sono impegnate in 

questo per il momento. 

Verrai in Italia prossimamente con i Jicks? 

Sicuramente... Probabilmente saremo a Milano. Magari 

anche a Bologna, c’è un’ottima scena da quelle parti. 

Magari scenderemo anche più a sud. Bisogna aspettare 

e vedere ma spero davvero di si. 

24 25

deus 

—La bellezza e il movimento— 

Drop out 

Abbiamo intervistato la band 

belga a pochi giorni dall’uscita del 

nuovo album, Keep You Close, terzo 

capitolo di una istituzione del 

rock che ha saputo sopravvivere ai 

Novanta, con dignità... 

Testo: Federico Pevere 

26 27

“Aveva la capacità di accettare la sempre maggiore frequenza di corpi stesi sulle rotaie 

e di trasformarla in un concetto filosofico, per così dire: il mondo stava andando in 

rovina, precipitava a capofitto in un qualcosa di guasto e cattivo, ben lontano da ciò 

che un tempo era saldo e solido e, ovviamente, tenuto insieme con acciaio e legno e 

pietrame – precisi diritti di precedenza, orari solo di rado traditi”. 

Episodi incendiari assortiti – David Means 

episodi inCendiari assorTiTi 

Dimenticate i litigi, le pause infinite, gli addii inconsapevoli. Scordatevi gli 

anni Novanta. Dimenticate la band di una vita, fermatevi e pensate all’incarnazione 

dell’indie rock primordiale, definitivo già nell’essenza, nell’idea, 

come doveva essere. Rimodella(tela) sulla vostra pelle, devasta(tela) come 

fosse la vostra sola educazione sentimentale ai tempi del senza internet, ma 

con l’aggiunta del tutt’altro. Vi riscoprerete adulti, e con voi, tra dicotomie di 

passato avvolgente e futuri indistinti, gli eroi dell’antichità rock del vecchio 

continente, un po’ malconci ma vivi. Vivi. Escludendo I’armata britannica, 

ad emergere ritroverete solo un nome spiccare tra (pochi) altri, profetico 

ed esibizionista: dEUS. Il gruppo belga, nonostante le devastazioni di line 

up di fine secolo scorso, rappresenta una delle poche istituzioni rock a tutto 

tondo (e spigolature) a livello europeo. Una certezza invasata costellata da 

(quasi) capolavori indiscussi, seppur antichi; un viaggio per nulla scorrevole 

tra la schizofrenia di Worst Case Scenario e la calma apparente di Ideal Crash, 

passando per la consapevolezza dell’imprevedibilità di In A Bar, Under The 

Sea. I Novanta a risplendere di luce propria. 

E poi sei anni di silenzio, inevitabili per rispedirti nel dimenticatoio o 

nell’elevarti a culto, necessari se del tuo gruppo ne hai fatto ragione di 

vita. Pocket Revolution, del 2005, li rilancia nella mischia, un po’ appannati 

e confusionari (ricordate Bad Timing: l’inizio della seconda esplosione), 

conveniente trampolino di lancio per Vantage Point, del 2008, così ruffiano 

e inevitabilmente ammiccante da risultare amorevole anche a chi fan non 

era. Un trittico chiuso (in sei anni, un’inezia in casa dEUS, sei album in più 

di vent’anni) ora da Keep You Close (in uscita il 19 settembre), a costituire il 

tassello mancante, la saldatura definitiva figlia di una line up consolidata 

e da un leader mai così leader, collante tra collante, il pavoneggiante Tom 

Barman, uomo della provvidenza dieci anni fa a ricostruire il tutto, come 

prima, tra i cocci del successo. 

Dell’ultimo album e di tutt’altro, ne abbiamo parlato con il chitarrista 

Mauro Pawlowski, Deus ex machina sonoro del rock belga (come dimenticare 

le intuizioni malate dei The Love Substitutes e l’intimità noise dei 

Club Moral?), che rappresenta il lato drammatico (musicalmente) e sornione 

(umanamente) dei nuovi dEUS; il sole incalzante di Grugliasco (città-centro 

industriale alle porte di Torino) ce lo presenta di nero vestito, devastato da 

lunghi balbettii e innocui silenzi (è reduce da sedici ore di tour bus), così 

attento nel misurare le parole, anche quelle dimenticate. Con lui si gioca 

d’intuito, come con l’amalgama sonoro stratificato dei dEUS, si indovina. 

Partiamo da lontano e dall’odiato: le definizioni e le etichette improvvisate. 

Tra l’eleganza del movimenTo 

Keep You Close potrebbe costituire in casa dEUS, l’album della maturità; sicuramente 

non quello della consacrazione, ride Pawlowski che poi improvvisamente 

serioso annuncia, sì, siamo diventati una band matura. Lo siamo 

sempre stati, analizza scivolando nell’arroganza piacevole. Quando si tratta 

di recensire un loro album risuona l’eco delle antiche parole di Barman, la 

definizione della loro musica, come due facce della stessa medaglia. Una spontaneità 

e naturalezza che li porta a concepire in un continuum sonoro unico, 

digressioni sonore velate di melanconia, vedi i due estremi dell’ultimo disco 

a costituirne l’ossatura cesellata: dalla melodia trafitta dal dolore dell’iniziale 

Keep You Close alla nera e devastata d’organi, Easy, passando per veri e propri 

anthem: ammiccanti prima, il singolo Constant Now, decisamente rock’n 

roll, se non baldanzoso (ci passino il termine mainstream), e quindi l’ovvietà 

decisa di Dark Sets In. 

Chiedo una definizione. In una parola? Bellezza, risponde pronto. Si fa improvvisamente 

pensieroso. Con l’ultimo album ci siamo soffermati su uno 

stato d’animo più definito, più intimo e personale. Introspettivo. Anche se l’unica 

parola decisiva nel rappresentare questa nostra fase è la ricerca ostinata 

della bellezza. Abbiamo scritto molta musica nell’ultimo anno, un paio di ep 

usciranno entro la fine del 2011 - confida Pawlowski - tutta accomunata da 

uno spirito diverso rispetto ai precedenti lavori, disomogenei e in qualche modo 

schizofrenici. 

La scrittura delle canzoni risente di un approccio più caldo e melanconico, 

per nulla rassegnato, ma in qualche modo consapevole del proprio stato 

umano, sofferente o ottimistico non ha importanza, verrà da sé. In una parola, 

liquido, volubile, a cos’è dovuto? Pawlowski parte da lontano: Quando 

spendi molto – o forse troppo - tempo assieme, si condividono gli stessi umori, 

le stesse emozioni. Si crea un vortice in cui diventi parte di un processo creativo 

28 29

continuo e incontrastabile, c’è chi pensa ai violini, chi ai cori, chi perfeziona gli 

arrangiamenti, chi si concentra sulla melodia. Tutti vivono e si occupano di qualcosa 

di diverso nelle proprie vite, poi nei Deus tutto torna allo stato brado, tutto 

è diversificato prima, eppure accomunato poi. Non pensiamo alla riuscita finale 

delle canzoni, a come devono suonare. Tutto va oltre l’umore del momento. Le 

canzoni nascono assieme se c’è questo sintomo: le stesse sensazioni, la stessa 

predisposizione, poi la musica rifletterà esclusivamente la nostra condivisione, 

null’altro, niente di personale. 

Anarchia e famiglia, condivisione e movimento definiscono il processo; il 

come dei dEUS rappresenta l’essenza della creatività, tutto, il fine ultimo 

della loro ricerca. Pawlowski nel corso dell’intervista usa continuamente le 

parole exciting e brilliant, non bisognose di traduzione. Il cerchio si chiude 

e così l’obiettivo diventa la ricerca della bellezza, senza dimenticare l’eccitazione 

e il movimento, dopo tutto siamo una rock band - l’agitazione è nella 

nostra natura – diventata famiglia, vista la regolarità con cui sono usciti gli 

ultimi album. La band diventa ossimoro, viene alla mente la canzone Slow 

come manifesto del nuovo corso, un elegia dell’agitazione: piace pensarla 

come il movimento della lentezza. 

la perFezione o la provvisorieTà 

Il pomeriggio è assolato, a risuonare c’è solo asfalto; l’epica live dei dEUS 

non ne risentirà nonostante il pubblico di granito. Keep You Close è un album 

ampiamente metabolizzato dai componenti della band, a sostenerlo 

il fine lavoro di rifinitura, a definirlo nell’ultimo anno, una sottile manualità 

da cesellatore, una sorta di (ri)definizione post live. Un’influenza importante 

sulla resa definitiva dei pezzi l’ha avuto la dimensione live, non in termini di 

cambiamento effettivo, e cioè una sorta di ripensamento sulle dinamiche che 

costituiscono i pezzi, tutto ciò in base alla reazione del pubblico, ma dal punto 

di vista dell’approccio nella registrazione del disco, il feeling tra noi e il pubblico 

è stato fondamentale, ha trasmesso freschezza ed eccitazione alle registrazioni. 

Una sorta di prova generale, quindi. Sì, le volevamo suonare live prima di 

finirle. Un test in bilico tra la sensazione di perfezione che ti trasmette il disco 

e la provvidenziale provvisorietà del live, un gioco di rimandi che si rifletteva 

esclusivamente sul nostro mood, una sorta di condivisione ben diversa dal rinchiudersi 

per un anno nel nostro studio di registrazione, una sorta di bunker 

gradevole, tra fiori di plastica e famiglie al seguito. 

Mettersi in gioco e ritirarsi a meditare. Il nuovo disco è pronto, definitivo, 

non ci possono essere ripensamenti e così la scaletta del concerto di Gugliasco 

è incentrata soprattutto sui pezzi più antichi, calcando una sorta di best 

of, inframmezzata da piccoli inserti dal nuovo repertorio. E così, all’ombra del 

gigantesco centro commerciale, Slow riempie di groove e impulsi la scena, 

Tom Barman indiavolato con la chitarra saccheggia la folla. Sun Ra e Instant 

Street sono terreno di Pawlowski, a rilanciare ricami chitarristici per i cori dei 

mille di Gugliasco. La già citata Constant Now risuona già come un classico, 

pop e danzereccia al punto giusto, all’apparenza un outtake di Vantage Point 

in sostanza il nuovo singolo della band di Anversa; tutt’altro discorso per 

Ghosts (è solo la seconda volta che la suoniamo, quasi si giustifica Barman), 

fiacca e ridondante, ancora bisognosa di attenzioni in chiave live. Tra i bis, 

la tribalità diventata assordante di Dark Sets In, uno dei pezzi di punta di 

Keep You Close, futuri cori casalinghi a casa Pukkelpop, il tutto a lanciare 

l’apoteosi serpentina di Bad Timing e l’inno a sudare, l’immancabile Suds 

and Soda. Un’esibizione frastornante, kitsch, a rasentare l’esibizionismo più 

sofferente. L’ennesima dicotomia. 

A ben vedere, dalle premesse pomeridiane dell’affabile Pawlowski, una 

dimensione che ci ha contagiato, consentendoci un approccio più caldo nella 

scrittura dei testi e della musica di Keep You Close. Il risultato? La conferma 

della nostra indole, della nostra doppia anima. L’album può essere paragonato 

The Ideal Crash, con cui condivide lo stesso produttore, David Bottrill, 

e lo stesso taglio emozionale, come testimoniano la similarità delle due 

copertine del disco. Piccoli esempi, particolari che diventano associazioni. 

Pensavamo che una vecchia foto inglese – a ritrarre due scienziati intenti ad 

analizzare un fossile (il loro passato, ndr) - fosse semplificativa del nostro nuovo 

corso, smettiamola con queste inutili fotografie rock’n roll! Sono alla ricerca del 

passato, loro come noi, e quindi dell’armonia antica. 

non è Un paese per giovani 

Molte sono le suggestioni – se non le divagazioni – che dipingono e costituiscono 

il mondo dEUS. Il cinema (Any Way The Wind Blows) di Tom Barman. 

L’amore per la letteratura (amo alla follia il genio di David Foster Wallace) di 

Pawlowski, vedi i suoi viaggi in Italia con la meglio gioventù letteraria del Belpaese 

(Sandro Veronesi, Francesco Pacifico, Caterina Bonvicini, Paolo Giordano). 

A livello prettamente musicale, a testimoniare tutta quest’effervescenza 

belga, ci pensano i continui rimandi e le immancabili collaborazioni. Spicca, 

nell’ultimo album, la rivolta sentimentale di Twice, dove le voci di Barman e 

Greg Dulli diventano letteralmente tutt’uno. La differenza è indefinibile, il 

tutto raccolto da un epica senza possibilità. Tom e Greg Dulli si sono cercati e 

annusati a lungo. Poi per caso, l’incontro durante una pausa del tour con i Gutter 

Twins, inevitabile la proposta di collaborare nel nuovo disco, ai cori in Twice e in 

Dark Sets In. Il tutto è stato molto naturale, la sua grande voce ha fatto il resto. 

Il tutto si è risolto in paio d’ore di lavoro, molto intense e brillanti. 

Il discorso scivola inevitabilmente su Mark Lanegan, qualcosa sembra accomunare 

alcune delle sue atmosfere devastate con la direzione amara e 

predestinata (verso il buio) di Keep You Close. Pawlowski sorride, hai colto 

nel segno, lo ammiriamo molto, sarebbe molto interessante una collaborazione 

con lui. Riferimenti musicali inevitabili, e tra le possibili collaborazioni 

immaginarie e non? Tra i morti, senz’altro, James Brown e Fela Kuti. Tra 

i vivi, amo moltissimo il primo Franco Battiato, periodo Fetus, con lui sì, mi 

piacerebbe collaborare. Penso immediatamente all’immagine di un Battiato 

timorato che canta Energia durante la trasmissione RAI. Tutto è Pop. Il pop 

diventa maschera come il pubblico di Battiato, perso poi tra le divagazioni 

di Meccanica. Il pop ci mangia, e poi, ci digerisce? Siamo etichettati continuamente, 

ne siamo costretti e assuefatti da questa cultura. Siamo parte di un 

sistema senza giovani, sì, siamo costretti ad essere pop. C’è chi etichetta tutto, 

ma c’è chi non ne vuole fare parte. 

La bellezza è etichettabile? Sicuramente no, ma Il futuro dei dEUS è stato 

scritto, l’aspetto kitsch degli anni zero è stato ridimensionato, incastrato solo 

nel perimetro live, alla bellezza il resto. 

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—Sons And Fascination— 

Drop out 

the horrors 

Dai recessi catacombali di Strange 

House ai voli pindarici di Skying: 

facciamo il punto di un'ascesa musicale, 

emotiva e artistica. 

Testo: Diego Ballani 

32 33

Nei primi mesi del 2007 la metro di Londra è tapezzata di manifesti di 

questi ossuti ventenni carichi di occhiaie. Gli Horrors sono il gruppo del 

momento, quello che tutti vogliono vedere dal vivo e che nella capitale 

britannica riempie le pagine delle free press. 

L’entusiasmo dei molti va di pari passo allo scetticismo dei più. Non bisogna 

essere troppo smaliziati per capire che band così pesantemente connotate 

a livello di suono e immagine, si bruciano velocemente, facili prede di hype 

vampirici, di quelli che ti succhiano prospettive e forze e ti lasciano senza 

coscienza sul pavimento di una scena musicale cinica e iperscrutabile. 

Solo qualche mese prima un amico me ne parla in termini entusiastici 

in occasione della prima calata italiana: “Devi vederli, sembrano i Morlocks 

intenti ad eseguire il repertorio dei Jesus And Mary Chain”. Aggiunge che le 

ragazze che facevano la fila di fronte al camerino della band non erano esattamente 

(per quantità e qualità) quelle che alle nostre latitudini accolgono 

i negletti gruppi revivalisti. 

In effetti la pesante ombra del glamour li pedinava dalla loro formazione, 

avvenuta non molto tempo prima. Spider Webb (al secolo Rhys Webb) 

gestisce lo Junk Club di Southend e nonostante la giovane età, è un’autentica 

eminenza in campo 60s garage e freakbeat; oltre ad essere un fanatico 

collezionista di rarissimi 7’’, organizza serate a tema che diventano in breve 

uno degli appuntamenti più cool in città. E’ qui che inizia a fare comunella 

con quattro abituali frequentatori. “Joshua (Hayward, chitarrista) ed io lavoravamo 

da un macellaio - ricorda il cantante Faris Badwan - Joe (Spurgeon, 

batterista) e Tom (Cowan, bassista) lavoravano invece in un mattatoio.” Ecco 

in parte spiegata la natura efferata del progetto. 

Ad appena due settimane dalla nascita gli Horrors tengono il loro primo 

concerto. “Abbiamo eseguito cinque pezzi. Sapevamo a malapena suonare gli 

strumenti”. Due di quei cinque pezzi sono The Witch dei Sonics e Jack The 

Ripper di Lord Screaming Sutch, ma a colpire nel segno non è tanto la 

musica, quanto la compattezza di immagine per cui optano, qualcosa che li 

distingua immediatamente all’interno della congestionata scena britannica, 

una specie di versione gotica e vittoriana dei Music Machine. Le premesse 

per l’hype ci sono tutte. Ed è a questo punto che arriva anche la musica. 

Gli Horrors iniziano ad infilare una sequenza mozzafiato di singoli dal suono 

rovinoso: il fuzz arrugginito, le stilettate di Vox e i feedback a profusione 

generano un magma sonoro su cui Badwan urla come un orco delle fiabe 

sull’orlo di una crisi isterica. Per il primo Sheena Is A Parasite (centocinquanta 

secondi di chitarra che stride come le unghie di Freddy Krueger sul ferro) 

viene anche girato un video, affidato al regista Chris Cunningham, in cui il 

premio Oscar Samantha Morton è posseduta da fremiti soprannaturali che 

la scuotono al ritmo osceno del brano. Roba da brividi. 

Nei primi mesi del 2007 tutto sembra pronto per accogliere l’esordio della 

band più chiaccherata dal tempo degli Oasis. Possono le fantasie sinistre 

di un gruppo di giovani perpetuarsi per la durata di un intero LP? Strange 

House vince la scommessa anche se di misura. Come a voler chiarire da 

subito i propri intenti, i cinque aprono l’album proprio con Jack The Ripper 

e lo infarciscono di un garage rock da cavernicoli, gravido di atmosfere cimiteriali 

trascinatesi a noi dai recessi più oscuri dei 60s. Una carcassa sonora 

intrisa di incrostazioni wave, capaci di sedurre con le atmosfere decadenti 

dei Bauhaus e quelle dolenti dei Birthday Party. 

Lo scarto da tanti act revivalisti è affidato ad una produzione moderna, 

frutto del lavoro di ben cinque produttori (fra cui spiccano i nomi di Alan 

Moulder, Jim Sclavonous e Rick Zinner degli Yeah Yeah Yeahs) e di un uso 

dello studio che fa tesoro della passione della band per la musica dance 

(“Nella nostra collezione troverai parecchia roba acid house e drum and bass” 

affermava in quei giorni Cowan). Non manca neanche l’eco del recente New 

Rave, grazie ad un organo Acetone usato come una vera e propria arma 

contundente. 

A rafreddare gli entusiasmi è una certa uniformità di fondo e la sensazione 

che quello degli Horrors sia un progetto studiato a tavolino. Sono loro 

stessi ad accorgersene con un filo di amarezza: “Pensiamo che la gente non 

riesca a credere che una band vestita così possa interessare qualcosa della musica”. 

Ecco allora che la trasformazione ha inizio. 

A marzo del 2009 sul sito degli Horrors fa la comparsa un video di austera 

bellezza diretto dall’ex Jesus And Mary Chain Douglas Heart. Sea Within A 

Sea mostra la band trasfigurata in un contesto da happening psichdedelico: 

è il nuovo inizio e al tempo stesso il superamento del discorso fin qui intrapreso 

dal quintetto britannico. Divisa rigidamente in tre sezioni (intro 

metronomico alla NEU!, parte centrale wave-gaze e coda electro pop), la 

canzone è un manifesto programmatico della durata di quasi dieci minuti 

che non ha ancora trovato eguali all’interno della discografia horrorifica. 

Dentro c’è tutta la smania art pop dei nuovi Horrors. 

Primary Colours, irrompe qualche mese più tardi con le sue folate chitarristiche 

che si innalzano come dense spirali di fumo, le tastiere boreali che 

saturano i colori e sfocano ritmiche e melodie. Si tratta del più entusiasmante 

mix fra post punk, psichedlia e kraut rock sia ascoltato da tempo, un suono 

emozionante e cerebrale che pretende di essere ascoltato e assimilato. Ci 

sono ancora sporadici assalti dal grottesco piglio horror (in particolare su 

New Ice Age) ma sembrano solo echi del recente passato. Il centro nell’album 

34 35

sta nei graffi e nelle carezze di Who Can I Say, con le sui refoli sintetici alla 

Joy Division e le dolorose abrasioni del fuzz; nel technicolour dream a 8mm 

di Mirror’s Image, con i suoi loop electro stranianti, che perdono consistenza 

fino a sciogliersi in una densa mescola shoegaze. 

Per la prima volta si percepisce che la creatura Horrors è un mostro bicefalo. 

Da una parte c’è il saldo appiglio al lato gotico del progetto garantito 

da Badwan e dal suo oscuro songwriting, dall’altra c’è lo spirito più eclettico 

di Cowan e Webb (che nel 2009 pubblicano l’ep Something Clockwork 

This Way Comes con il moniker Spider And The Flies, segnato dal 

comune amore per il compositore Joe Meek, per i Can e la new wave) decisivo 

nell’imprimere la svolta artsy al gruppo. In particolare, benchè ancora 

ancorata al canovaccio verse-chorus-verse, la formula degli Horrors sembra 

sempre più lagata alla ricerca di sonorità suggestive, dell’effetto straniante 

e dell’atmosfera disturbante. “Non siamo il tipo di band che si siede sul tour 

bus con la chitarra acustica e cerca di tirare fuori un pezzo. Abbiamo bisogno 

di stare in uno studio e sfruttarne tutte le potenzialità”. 

A produrre l’album questa volta è Geoff Barrow, di cui probabilmente non 

sapremo mai l’entità del contributo artistico, ma al quale è facile attribuire 

la paternità di un’effettistica cinematica presente anche negli ultimi Portishead. 

A chi chiede loro se sono preoccupati della reazione dei fan della 

prima ora, i cinque rispondono seccamente: “non siamo interessati ad avere 

fan spaventati di un simile cambiamento”. 

La svolta, peraltro, è evidente anche dal vivo, non solo per il look che 

rinuncia agli eccessi goth degli esordi, prediligendo un nero sobrio da Manchester 

primi 80: il set si basa sulle nuove canzoni (i brani di Strange House 

vengono stipati quasi interamente nei bis), ma fallisce il tentativo di riprodurre 

dal vivo il maestoso impianto sonoro di Primary Colours, quasi che 

gli Horrors debbano ancora portare a compimento la loro dimensione live. 

In particolare si percepisce la difficoltà della band nel reinventare il proprio 

show, rispetto agli infuocati esordi in cui i cinque davano libero sfogo al 

proprio estro teatrale ed eseguivano ogni brano al doppio della velocità, 

in pieno spirito garage punk. Badwan, dal canto suo, fa quello che può, ma 

non è ancora lo sciamano psichedelico che ci si aspetterebbe ascoltandolo 

sulle tracce dell’album. 

Nonostante questo, riguardano proprio lui le notizie che rompono il silenzio 

attorno alla band. L’esibizione in Vaticano dei Cat’s Eyes, il progetto 

parallelo di Faris e della soprano e polistrumentista canadese Rachel Zeffira, 

genera un’onda mediatica che si propaga fino a fare del duo un’entità 

autonoma di primissimo piano. Badwan si dimostra autore raffinato e interprete 

duttile: cita Morricone e Nino Rota e spinge di un passo in avanti la 

propria vocazione cinematica. 

Nell’omonimo esordio, pubblicato la scorsa primavera, i Cat’s Eyes rinverdiscono 

i fasti di storici duetti dei sixties come quello Hazelwood/Sinatra e 

Gainsbourg/Bardot grazie ad una serie di brani prepotentemente evocativi, 

capaci di spaziare dal pop soul all’exotica, mantenedo connotazioni maestose 

e tenebrose. Con gli Horrors ancora in studio a preparare il seguito di Primary 

Colours ci si interroga l’impatto che il nuovo progetto del singer possa avere 

sulla band originaria. “Posso solo dire che sono migliorato come musicista – confida 

Faris – e spero che questo si rifletta anche nella musica degli Horrors”. 

Still Life, il primo singolo estratto dal nuovo lavoro, spiazza ancora una 

volta, sebbene possa considerarsi come l’ovvia prosecuzione del lato sin- 

tetico di Primary Colours. Più che un upgrade si tratta di un aggiustamento di 

tiro rispetto al lavoro precedente. “Quello che abbiamo fatto è stato semplicemente 

rallentare i tempi, aggiungere ritmo, dare più respiro alla voce - afferma 

Cowan - Ci sono poi tutta una serie di idee astratte, non necessariamente collegate 

ad un suono, che tuttavia volevamo sperimentare. La cosa più importante 

è stato portare avanti quel feeling iniziato con Primary Colours, quel senso di 

esaltazione e positività”. Intanto sono due le parole che si inseguono come 

un tam tam attraverso tutte le recensioni: Simple Minds. 

In effetti il passo lento, la vocalità solenne di Badwan e lo sfarfallio di 

tastiere ricorda proprio quello della band di New Gold Dream. Sottotraccia 

però c’è di più, ed è l’uscita di Skying a confermarlo. E’ storia di questi giorni, 

ma vale la pena ricordarla: il lavoro che la band compie su timbri, sonorità è 

complesso e strutturato. I brani sono omaggi floreali all’art pop di tradizione 

europea. Nella densa stratificazione sonora dell’album si sovrappongono i 

bagliori della Sheffield dei primi 80s, l’austerità della Berlino dei tardi 70s e 

la leggerezza della Manchester dei primi 90s. I tappeti sintetici la fanno da 

padrone e creano eleganti strutture psichedeliche talvolta scardinate da un 

uso imprevedibile della chitarra. E’ un suono al tempo stesso, trascendente 

e straordinariamente immanente, che si prende i suoi spazi ma si muove 

sempre all’interno degli steccati del pop. 

Sarà interessante valutarne l’impatto live ora che la band ha deciso dare 

maggiore omogeneità ai propri set eseguendo esclusivamente i brani degli 

ultimi due album. Tuttavia Skying lascia la piacevole sensazione di rappresentare 

l’inizio di qualcosa, più che la sua compiuta realizzazione: la perpetua 

transizione di una band che nel tentativo, ancora mortificato, di trovare se 

stessa, lascia per strada perle destinate a segnare in maniera indelebile il 

pop di questo primo scorcio di millennio. 

36 37

etroMANIA 

Simon ReynoldS 

Drop out 

Lungo ragionamento a distanza 

con Simon Reynolds su un tema 

cruciale come la ‘fine della musica’, 

tra hauntology, r’n’b, dubstep, 

Terzo Mondo, mixed media & 

web, free impro, boom bap, emulrock... 

Testo: Gabriele Marino 

38 39

Per chi legge SA, Reynolds non ha certo bisogno di presentazioni. Ma un 

ripasso dei fondamentali ogni tanto sicuramente non guasta. 

Simon Reynolds (Londra, 1963) è nell’immaginario di chi consuma critica 

musicale «quello che ha inventato il termine post-rock». È considerato uno 

dei massimi critici contemporanei, influente anche in ambito accademico 

(popular music studies e dintorni), indicato dagli addetti ai lavori come perfetto 

esempio di integrazione tra puntiglio metodologico e capacità narrative. 

Tra i suoi lavori, in cui è spesso evidente uno sfondo teorico mutuato 

dalla teoria critica e dai cultural studies, vanno citati almeno i basici Energy 

Flash: A Journey Through Rave Music and Dance Culture (1998; ed. it. Generazione 

ballo/sballo, Arcana, 2000; rist. 2010 Energy Flash), in cui si è occupato 

delle sottoculture elettroniche emergenti in Inghilterra, dalla house al rave 

e oltre (è l’harcore continuum ragazzi), e Rip It Up and Start Again: Post Punk 

1978-1984 (2005; ed. it. Post-Punk, Isbn, 2006), monumentale ricostruzione 

storico-critica della new wave (qui invece la nostra recensione dell’antologico 

e auto-celebrativo follow up di Post Punk, Bring the Noise, in italiano Hip-Hop- 

Rock, che traccia i percorsi del meticciato musicale bianco+nero dagli anni 

Ottanta ai Duemila). 

Reynolds ha cominciato a scrivere di musica sulla fanzine autoprodotta 

Monitor (1984) ed è poi passato alla stampa regolare, prima su «Melody 

Maker» e, poi come freelance di lusso, su «Mojo», «Uncut», «The Wire», «Village 

Voice», «New York Times». Il suo ultimo libro è Retromania, un saggio 

sulla vera e propria “ossessione del passato che sembra permeare la cultura 

pop contemporanea”, uscito a giugno per Faber&Faber e di cui attendiamo 

l’edizione italiana per metà settembre. Il suo blog personale è http://blissout. 

blogspot.com/. Questo invece il blog italiano dedicato a Retromania, curato 

da Isbn: http://retromania-isbn.blogspot.com/. 

Fine della musica?– Abbiamo avuto il piacere di intervistare via Skype 

Michele Piumini. Ci ha parlato del suo lavoro di traduzione per i tuoi libri 

e ci ha dato molte gustose anticipazioni di Retromania, la cui versione 

italiana uscirà il 15 settembre come sempre per Isbn. Fin dal titolo e dai 

lanci sul web il libro ci ha subito interessato; molto semplicemente, perché 

il suo tema è la ‘fine della musica’ (e delle arti in generale). Nel senso 

pienamente post-moderno di fine della Storia, del progresso come freccia 

orientata verso il futuro, fine del nuovo. Michele ci ha fatto capire come 

il libro sia, da questo punto di vista, piuttosto pessimista. Ci rivolgiamo 

sempre più al passato della nostra memoria per trovare ispirazione e - soprattutto 

- prendere interi blocchi di materia musicale: abbiamo avuto il 

revival degli Ottanta, dei Novanta, abbiamo rivalutato il Kitsch, i b-movie 

e così via. In musica adesso c’è l’Hauntology, con il glo-fi, la chill-wave, 

l’hypnagogic pop, tutte forme di sublimazione della nostalgia di un certo 

passato musicale. Ecco, da un punto di vista strettamente pratico, la big 

question è: cosa succederà quando i nostri figli o i loro figli si troveranno 

di fronte come uno possibile revival un “revival del revival”? 

Come parte delle mie ricerche per Retromania ho letto The End of History 

di Francis Fukuyama; non il libro del 1992, proprio il saggio originale, 

scritto poco prima della caduta del Comunismo e che in un certo senso la 

anticipava. Quello che mi ha più sorpreso è stato scoprire quanto il saggio 

fosse ambivalente: non è assolutamente una trionfalistica celebrazione della 

vittoria del capitalismo liberale contro il socialismo. Il paragrafo conclusivo 

immagina secoli e secoli di noia gettare la loro ombra sul nostro futuro: 

un’era post-ideologica di compiaciuto consumismo. Fukuyama pensa che 

finiremo con il re-inventarci scismi ideologici giusto per rendere la nostra vita 

più interessante, usandoli come un defibrillatore per fare ripartire il cuore 

della Storia. 

L’equivalente musicale di questa idea di una infinita fine della storia è una 

delle cose su ho più meditato in Retromania, come quando scrivo che la pop 

music finirà “non con uno schianto [è una citazione da The Hollow Men di Eliot, 

ripresa da molti e ad esempio da Richard Kelly nel suo film-corto circuito 

pop Southland Tales; ndr] ma con un box set i cui quattro dischi che non 

avrai mai il tempo di infilare nel lettore”. Uno stato di entropia assolutamente 

piacevole, in cui possiamo usufruire di tutti i capolavori di cinque decadi di 

storia del rock, come pure di tantissimi tesori perduti e di estemporanee 

scoperte marginali provenienti dal passato, in cui possono nascere continuamente 

nuove band per offrire infinite sottili ricombinazioni che rimescolino 

le carte del catalogo di stili offerto dal passato. L’Ipod e Internet, con la loro 

sovrabbondanza di scelte, hanno aperto la strada ad una condizione postideologica 

del fandom musicale, in cui siamo tutti eclettici e galleggiamo 

tra i generi, avanti e indietro tra i decenni, senza mai prendere davvero una 

posizione, senza mai concentrarci davvero su un particolare genere, scena, 

epoca. La mia curiosità intorno alla musica mi conduce verso l’eclettismo, 

ma il mio carattere mi fa tendere verso l’ossessione. Puoi vedere in azione 

questa mia vera e propria lotta interiore lungo tutto Retromania: da una parte, 

mi sento profondamente attratto da quella che la giornalista di punk del 

NME Julie Burchill ha sprezzantemente descritto come “rock’s rich tapestry” 

(la ricca tappezzeria del rock); dall’altra, credo, come del resto la Burchill, 

che l’essenza del fandom musicale sia il fanatismo (è quello che significa 

40 41 

james ferraro

fan, fanatico). La musica insomma dovrebbe essere questo, dovrebbe essere 

una monomania, una devozione e un credo dedicati ed esclusivi. Per me, 

l’Ipod shuffle rappresenta una specie di incessante e promiscuo galleggiare, 

un andare alla deriva, senza scopo né passione. 

C’è qualcuno (di nuovo) lì fuori?– Riesci a trovare oggi qualche forma 

musicale davvero nuova? La dimensione del cambiamento musicale 

sembra avere cambiato scala, diventando sempre più piccola. Oggi, per 

esempio, siamo costretti ad esaltarci (se proprio vogliamo esaltarci per 

qualcosa) per un minuscolo mutamento stilistico all’interno della carriera 

di un produttore dubstep, sempre all’interno della sua estetica dubstep… 

È così difficile cambiare oggi? Sempre che cambiare faccia rima con rinnovarsi 

e rinnovare… 

Mi capita di incontrare cose che mi colpiscono e mi sembrano “nuove”, 

“relativamente nuove”, “abbastanza nuove” (di solito c’è sempre un qualche 

modificatore prima di nuovo). Ma tendono ad essere sporadiche e isolate, 

piuttosto che collegate a generi e a una occorrenza più generale. Negli anni 

Novanta c’erano interi generi o movimenti che avanzavano come massicce 

ondate di innovazione, e queste maree di novità si sono sostenute tra loro 

per anni, in alcuni casi per una intera decade. Il rave potrebbe essere un esempio, 

specialmente la linea che dall’hardcore arriva alla jungle, allo UK garage 

e al 2step, tutte fasi interne ad una stessa macro-scena/macro-genere. 

O l’r’n’b, che si è dimostrato sorprendente anno dopo anno, se segui la linea 

che da Teddy Riley passando per Timbaland arriva ai Neptunes. E si può 

dire che anche l’hip hop e la dance hall abbiano rappresentato una costante 

fonte di innovazione da metà degli Ottanta fino a tutti i primi Duemila. Con 

buona probabilità si può dire lo stesso del metal, anche se io non l’ho mai 

seguito da vicino, ma sicuramente anche agli occhi di un outsider è sembrato 

mutare sensibilmente per tutti gli Ottanta e Novanta. 

Nel decennio scorso, al contrario, è sembrato che i generi principali siano 

rimasti piuttosto statici, e che solo qualche volta, in mezzo a una grande 

quantità di lavori poco avventurosi, fosse possibile trovare dei lampi isolati 

di novità. Come ho detto, trovo che l’r’n’b dei Duemila non sia stato anche 

solo lontanamente innovativo come quello con cui Timbaland rivoluzionò 

l’intera scena. Eppure, in anni recenti, sono rimasto di stucco davanti a cose 

come Umbrella di Rihanna e Single Ladies di Beyonce, due pezzi che mi 

hanno davvero impressionato. 

Sul dubstep… Preso nell’insieme, mi sembra un’estensione degli anni 

Novanta, una sorta di coda della discendenza che dalla jungle ha portato 

verso lo UK garage. È un genere che produce ancora e con regolarità materiale 

eccitante, che si propone con un suo feel di novità: certi pezzi di Zomby, 

Cooly G, James Blake, Ramadanman e pochi altri. Penso che attualmente 

la frangia wobble della scena [wobble è l’etichetta onomatopeica che indica 

i bassi super-treble di certo dubstep; ndr], che gli ‘intenditori’ disprezzano 

perché conservatrice, rozza e machista, sia in realtà l’area che sa più di nuovo 

all’interno del dubstep. Il beat dell’halfstep e quelle bassline meccaniche e 

stridenti degli oscillatori sono genuinamente nuove. Semplicemente, sono 

davvero sgradevoli! Potrebbe anche piacerti un blast repentino di “filthstep”, 

prendendolo come una piacevole dose di abietto e ringhiante rumore, ma 

42 

per nessuna ragione al mondo mi andrebbe di passare un’intera serata ascoltando 

Borgore e Stenchman. In altri ambiti della musica elettronica, 

penso che produttori come Ricardo Villalobos e Actress stiano facendo 

cose davvero interessanti, per quanto, ancora, il loro lavoro suoni come 

un’estensione della minimal house e del glitch e di altre cose dei tardi anni 

Novanta. 

Una cosa che mi sembra invece piuttosto epoch-defining, identificativa 

e modellativa di questo momento musicale, sono le sperimentazioni con la 

voce, la vocal science: varie forme di testurizzazione digitale delle voce come 

l’Autotune, l’accelerazione o il rallentamento dei vocals, il micro-editing dei 

sample vocali e la creazione di nuovi pattern. Questo avviene in tutto il 

panorama musicale, dal livello ultra-underground del footwork di Chicago, 

fino all’elettronica hip spinta da Pitchfork e FactMagazine (Burial, James 

Blake), alla witch house dei Salem e al cuore del pop mainstream con Black 

Eyed Peas e Ke$ha. Le origini di questo fenomeno si possono fare risalire 

agli anni Novanta, a produttori garage come l’americano Todd Edwards e 

produttori jungle come l’Omni Trio, indietro fino a Nitro Deluxe, questo act 

electro/house newyorkese che faceva cose pazzesche con i sample vocali 

usati come note di una tastiera, anno 1987. Ma la vocal weirdness sembra 

essere ancora oggi un’area con grosse potenzialità. 

rihanna

Saturazione del linguaggio?– Questo impasse musicale generalizzato 

potrebbe essere anche un impasse propriamente linguistico? Se la musica 

è arrivata in qualche modo alla fine, non potrebbe essere perché 

non siamo più in grado di creare nuovi idiomi o anche solo sotto-idiomi 

musicali (per non parlare di veri e propri nuovi strumenti o modi di fare 

musica)? E come possiamo giudicare la storia ormai cinquantennale di 

tutto quel del filone chiamato free improvisation o improvvisazione non 

idiomatica (da Derek Bailey in avanti) che ha cercato proprio di uscire 

dalle gabbie dei generi e degli stili - un fallimento? Personalmente penso 

che sia stato un approccio produttivo fino a un certo periodo e che poi si 

sia in qualche modo standardizzato, automatizzato, allo stesso modo di 

come si automatizza la peggiore pop music su scala industriale. È il dark 

side di molta della cosiddetta avant-garde music… 

Non mi sono mai appassionato alla musica improvvisata. Trovo la sua 

filosofia abbastanza sospetta, per quanto mossa da buone intenzioni, perché 

non credo che tutta questa libertà assoluta e questa mancanza di limiti 

facciano davvero la felicità di qualcuno o possano portare a fare della buona 

musica, della buona arte. Disciplina e concentrazione sono la chiave della 

soddisfazione emozionale e psicologica, restrizioni e regole sono vitali per la 

creazione artistica. Basta fare un paragone tra i primi fantastici pezzi hip hop 

e rave, realizzati con un equipaggiamento veramente basico come l’MPC 

Akai o programmi come Cubase, e la musica elettronica dei Duemila, molto 

più complessamente strutturata e lavorata, per vedere come, quando hai 

meno possibilità, meno agevolazioni a tua disposizione, meno memoria nel 

campionatore, puoi raggiungere risultati molto più potenti. Tornando all’improvvisazione, 

in teoria è un approccio che dovrebbe aprire questo infinito 

mondo di possibilità sonore; ma nella pratica i performer tendono spesso a 

cadere in un vocabolario di pernacchie, cigolii, crepitii, sirene, ecc. alla fine 

piuttosto omogeneo e prevedibile. Sono d’accordo con Brian Eno quando 

brian eno 

dice che l’intera storia del free jazz e dell’improvvisazione non idiomatica 

fuori dal jazz si è dimostrata fuorviante. Personalmente, preferisco ascoltare 

la jazz fusion degli anni Settanta, anche le cose più pompose e massimaliste 

che sono venute fuori dall’approccio di Miles Davis. 

Lo stesso tipo di omogeneità affligge altri movimenti musicali che hanno 

cercato di andare al di là di ogni regola, verso uno spazio astratto. È successo 

alla musica concreta e all’elettronica del secondo dopoguerra. Io amo molto 

alcune di queste musiche, così tanto da riuscire ad apprezzarne anche tutti 

gli esponenti di terza categoria, ma è davvero sorprendente constatare 

quanto velocemente questa cosiddetta “musica infinita” abbia prodotto i 

suoi cliché e i suoi suoni standardizzati. 

Il Terzo Mondo come risorsa? – È possibile che le musiche provenienti 

da “altri posti” - ovviamente in un’ottica occidentale e occidentalizzata, 

e quindi India, Cina, Africa - possano costituire un’importante risorsa residua 

per fare “nuova musica”? I paesi cosiddetti emergenti offrono un 

ventaglio di musiche - specialmente “estreme”, metal, noise, elettronica 

- molto interessante, che sembra in qualche modo riflettere le condizioni 

di vita di quei luoghi (penso al rap superslang e heavy bassy giamaicano, 

al thrash metal indiano, ecc.). Abbiamo già avuto esperienza di questo 

fenomeno con artisti giapponesi, per esempio Merzbow o i Ruins di 

Tatsuya Yoshida… 

È certamente possibile che una prossima ondata di rinnovamento per la 

popular music venga dai paesi non occidentali nel loro complesso e cioè dai 

paesi in via di sviluppo o da potenze demografiche come Cina, India e Brazile. 

I loro sistemi economici super-dopati genereranno ogni sorta di tensioni 

sociali e spaccature culturali e questo potrebbe generare una forma musicale 

genuinamente del 21° secolo, che conquisti il mondo così come accaduto in 

passato con il jazz e il rock’n’roll. L’esplosione del pop/rock avvenne quando 

le forme folk incontrarono l’amplificazione elettrica e i mass media. Potrebbe 

accadere che il folk non occidentale si scontri con le tecnologie digitali e 

con Internet generando qualche nuovo inimmaginabile sound. Potrebbe 

essere qualcosa di fortemente integrato con la dimensione visuale, in un 

modo che non si è ancora visto nei video pop, nonostante la loro esistenza 

da diversi decenni. Una forma in cui il suono non venga “accompagnato” 

dalle immagini, ma sia completamente immerso, fuso con le immagini del 

visual e in cui le due cose vengano generate simultaneamente. 

Mixed media e il web?– Pensi che sia possibile uscire dalla stasi creativa 

attraverso una sperimentazione insistita sui mixed media? Se le arti (cinema, 

letteratura, grafica, musica) sembrano essere arrivate in qualche 

modo alla frutta, è possibile mettendole assieme creare qualcosa di 

più potente, magari di nuovo, sviluppando le intuizioni dei pionieri della 

electronic literature e dell’electronic video? Il futuro dell’arte è insomma 

nello sviluppo delle tecnologie elettroniche e di quelle web based? 

Vedi alla risposta precedente. A ben vedere, finora la gran parte delle 

tecnologie digitali e di Internet è stata orientata alla facilitazione, non hanno 

44 45

cioè creato interamente nuove attività possibili o nuove forme artistiche, ma 

hanno semplicemente reso grandemente più facili le cose che facevamo già 

nell’era analogica. Per esempio, l’iPod è uno strumento molto più capace e 

flessibile del walkman; il filesharing è la drammatica espansione del circuito 

di tape-trading che esisteva già negli anni Ottanta; i blog sono fanzine che 

puoi pubblicare molto più frequentemente di quanto era possibile fare ai 

tempi della carta e dell’inchiostro e che puoi distribuire in tutto il mondo e 

a costo zero. Anche Youtube è paragonabile al mercato che i fan di un particolare 

artista mettevano in piedi per scambiarsi le copie dei video con le 

sue apparizioni televisive in giro per il mondo. Per quanto riguarda il musicmaking 

e il dj-ing, le tecnologie digitali per lo più eliminano tutta la parte 

legata alla fatica e all’abilità tecnica, che erano necessariamente richieste nei 

contesti analogici: tagliare e montare nastri è stato sostituito dai software di 

editing e molte delle operazioni di deejaying più complesse e difficili adesso 

possono essere fatte in automatico dai programmi. 

Quello che vale davvero la pena di osservare sono le cose che prima 

erano inconcepibili e che adesso il digitale rende possibili. Il fatto di rendere 

tutto mostruosamente più semplice ed economico non è necessariamente 

un bene per la musica, perché porta ad un flusso di sovrapproduzione. Il 

fatto che oggi siano richieste molte meno capacità per creare musica apre i 

giochi a un sacco di persone che un tempo sarebbero state scoraggiate dalle 

difficoltà tecniche di base o dalle abilità richieste che non possedevano o 

dal tempo e dai soldi necessari da investire. E scoraggiare molte persone dal 

fare un disco sarebbe effettivamente una cosa utile. 

Boom bap vs. Hardcore continuum? – Nel 2009, 2tall (Jim Coles) e Kper 

(Laurent Fintoni) hanno pubblicato un mega-mixtape chiamato A Boom 

Bap Continuum (http://www.aboombapcontinuum.com), con il quale 

intendevano sintetizzare 10 anni, 1999-2009, di estetiche hip hop, una 

“evoluzione in continuità”, da Lootpack, Company Flow, Sound Providers, 

Busta Rhymes, passando per la rivoluzione di J Dilla (e Dabrye, Prefuse73, 

Madlib), fino a produttori come Paul White, Dam-Funk, Hudson Mohawke, 

Nosaj Thing, Harmonic 313 e pezzi come Wind It Up di Pritchard e Om’Mas 

Keith dei Sa-Ra, includendo anche artisti chiave del dubstep/grime come 

Kevin Martin (The Bug, King Midas Sound), Joker e Loeafah. L’idea è 

che l’hip hop si sia evoluto da una forma dominata dalla figura dell’MC 

e incentrata quindi sul rapping a una forma strumentale con al centro la 

figura del producer, ma mantenendo sempre e comunque il focus sulle 

sue radici funk, al di là di tutte le etichette di genere che sono state coniate 

nel tempo come glitch, wonky, abstract ecc. Fin dal titolo, la compilation 

sembra polemizzare con il tuo hardcore continuum, suggerendo che 

tu non abbia sottolineato a dovere l’influenza dell’hip hop nell’elettronica 

popular inglese e affermando che l’hip hop, oltre le manifestazioni più 

appariscenti, oltre il mainstream dei rapper milionari che dominano le 

charts, sia ancora una forma vitale e produttiva. Che ne pensi? 

È una prospettiva interessante oltre che un buon mix. Ci sono tantissime 

altre narrazioni musicali all’interno della musica beat-based che possono 

co-esistere con l’hardcore continuum. Non sono in competizione tra loro. 

C’è il continuum della trance, quello del gabber/Euro-hardcore, quello della 

house e così via. E si intersecano in alcuni punti particolari: per esempio, 

l’hardcore belga dei primi anni Novanta si interseca con entrambi i continuum 

hardcore/jungle e gabber. Ma è possibile riconoscere e seguire una 

linea unica lungo tutta questa intricata proliferazione di suoni. 

Non penso che il trip hop sia parte dell’hardcore continuum, ci sono 

punti dove si intersecano, in figure come Roni Size, forse. Ma molto trip 

hop è stato comunque grandioso - particolarmente Tricky e i Massive Attack 

- e la sua collocazione più giusta è proprio nel boom bap continuum. 

Le forme strumentali di trip hop, come quelle di Dj Vadim o della Ninjatune, 

appartengono a questa linea evolutiva. Il boom bap è un tipo particolare 

di hip hop che punta più sul movimento della testa che sul ballo vero e 

proprio, e questo calza a pennello al trip hop, che è sempre stato un genere 

incentrato su un groove lento e che richiedeva una predisposizione stoned, 

immersiva e contemplativa alla musica. 

L’idea che io non abbia mai sottolineato l’influenza dell’hip hop 

nell’elettronica inglese è però sbagliata. Sono stato anzi il primo giornalista 

a mettere in evidenza la sterzata breakbeat nella rave music, dicendo che 

si trattava della cosa più avventurosa e fruttuosa che stava accadendo alla 

dance inglese e che avrebbe portato a esiti molto più validi della progressive 

house e della trance che all’epoca stavano ricevevano anche troppa attenzione 

e consenso critico. L’hardcore breakbeat e la jungle sono stati proprio 

una conseguenza dello scontro tra hip hop, house music e reggae. Ma, guardando 

all’essenziale, l’hardcore è stato soprattutto una questione di fast rap. 

I Public Enemy sono stati un’enorme influenza per tutti i b-boy inglesi che 

si stavano sintonizzando sulla acid house diventando dei raver. Agli Shut 

Up and Dance, pionieri dell’hardcore, piaceva definirisi “fast rap group”. E i 

Public Enemy non hanno mai fatto boom bap, erano più che altro una raffica 

46 47 

tricky

di rumore high-energy e questa atmosfera apocalittica e rivoltosa. Un approccio 

al suono molto punk, un ruggito a medie-frequenze. L’hardcore rave 

accolse proprio questo aspetto del rap di fine anni Ottanta: vedi le cose più 

uptempo, riff-oriented e sonicamente stridule come It Takes Two di Rob Base 

e Dj EZ Rock, le produzioni di Marley Marl, le prime cose della Def Jam. Penso 

che quando l’hip hop si è ammorbidito ed è diventato conscious, dal 1989 in 

avanti, e ha preso questa direzione del sample ricercato (del crate-digging) 

e del boom bap strumentale, molti b-boy inglesi non abbiano apprezzato 

questo cambiamento. Era gente che aveva ascoltato l’acid house, che era 

una roba maledettamente futuristica, e il cui metabolismo era su di giri a 

causa l’ecstasy; così presero i beat che apprezzavano di più dell’hip hop - i 

break beat, i sub-bassi, i sample stridenti, lo scratching, il rapping che agitava 

le folle di MC lanciatissimi come Flava Flav - e cominciarono a combinarli 

con la house. In America la “hip house” - i Jungle Brothers che rappano sopra 

pezzi di Todd Terry - fu una moda passeggera, mentre in Inghilterra presero 

la cosa molto sul serio. Terry, la cui versione newyorkese della house era 

inzuppata di attitudine hip hop, molto più sampledelica della house classica 

di Chicago, era considerato un dio all’interno della scena rave UK. 

La mia idea generale sulla questione è che non esista soltanto il boom bap 

nella storia dell’hip hop. Ci sono molti altri percorsi all’interno dell’hip hop 

e dello stesso rap. La linea che unisce l’electro anni Ottanta e gli stili Dirty 

South come il bounce e il crunk, per esempio. In ogni caso, le mie due fasi 

preferite del rap sono quella della seconda metà degli anni Ottanta (Def Jam, 

Marley Marl, Salt N’Pepa, Erik B & Rakim, Public Enemy, ecc.) e gli ultimi anni 

Novanta/primissimi Duemila (quello che chiamo street rap: Cash Money, 

Ludacris, Ruff Ryders and DMX, Lil Jon, ecc.). Mi piacciono anche alcune cose 

del filone conscious, groove-oriented e boom bap (J Dilla è uno dei miei 

favourites), ma in definitiva, il mio rap preferito è quello chiassoso, aggressivo, 

aspro, spesso futuristico, non propriamente groovy. [22 giugno 2011] 

public enemy 

la Tavolozza onnisCienTe 

QUesTioni CenTrali, marginali e aCCessorie 

aspeTTando ‘reTromania’ 

di Stefano Solventi 

Da queste parti attendiamo ogni nuovo libro di Simon Reynolds come 

un piccolo grande turning-point. Il giornalista e scrittore londinese è uno 

dei pochi in grado di storicizzare il passato prossimo connotandone in alta 

definizione le isobare stilistiche e le forze vettoriali, dettagliandole con gustosa 

maniacalità. Con la fragranza schietta e forbita d’una visione che è assieme 

dall’alto e dal basso, lo sguardo espanso del satellite e quello orizzontale di 

chi annusa il vento e la qualità delle nuvole. Stavolta, per quanto mi riguarda, 

l’attesa è anche maggiore. Stando infatti alle anticipazioni, ampiamente confermate 

dalla nostra intervista, Retromania tratterà argomenti che su questa 

webzine abbiamo spesso avuto modo di affrontare. E abbiamo fondati motivi 

per ritenere che lo farà con una lucidità che a noi - ahinoi - è mancata (ci consoliamo 

con la soddisfazione di averci provato). All’inizio fu con un articolo 

- correva l’anno 2004 - su quello che ci piacque definire emul-rock, ispirato 

allo sciame di band di smaccata ispirazione new wave (nei suoi vari aspetti, 

compresi prodromi e succedanei) che ebbe il merito di riaccendere gli entusiasmi 

delle allibite generazioni post-undicisettembre. Quell’effervescenza 

stradaiola, scafata, sia pure sbruffoncella (come spesso il rock ama essere), ci 

sembrava significare anche qualcos’altro: ci sembrava indicare una modalità 

espressiva inedita, una nuova mappa di riferimenti stilistici, emotivi, culturali. 

Un’atomizzazione estetica che oltrepassava d’amblé le tradizionali specificità 

culturali, geografiche e generazionali. Perché i nuovi soggetti rock quelle barriere, 

semplicemente, sembravano ignorarle. Cosa era accaduto? 

Azzardiamo una risposta: si stava affacciando alla ribalta la generazione 

delle band di “nativi digitali”, per i quali tutta la storia del rock - anche quella 

meno accessibile, più “esoterica” - era una enorme tavolozza disponibile e 

simultanea. Esperienza e conoscenza, frutto di annosa dedizione e ricerca, 

smettevano di essere patrimonio esclusivo e denotativo di appassionati 

all’ultimo stadio per divenire un gesto di pura e semplice condivisione (via 

web, naturalmente). L’ultimo degli sbarbatelli poteva permettersi di godersi 

i gioielli scabri della scena proto-punk californiana e discettarne pure, alla 

stessa stregua del ribaldo cinquantenne incanutito. E magari poteva persino 

saperne di più, averne un quadro prospetticamente più strutturato. Tutto 

ciò valeva - ormai da qualche anno - per i semplici appassionati. Ma chi più 

appassionato di un (sia pure aspirante) musicista rock? Naturale perciò che 

questo nuovo stato delle cose riverberasse nelle nuove proposte musicali. 

Pensateci: il ventaglio di possibilità stilistiche dal quale pescare la propria 

calligrafia musicale - sul quale strutturare il proprio background - si presentava 

d’un tratto pressoché sterminato. E sommamente slegato da qualsivoglia 

istanza - diciamo così - momentanea e territoriale. Una sorta di onniscienza 

iper-globalizzata. Detto altrimenti, in ogni luogo ed in qualsiasi condizione 

socio-politica poteva verificarsi una qualsiasi fenomenologia musicale frutto 

di qualsivoglia incrocio di modelli e reminiscenze. Rendendo di fatto possibile 

lo sbocciare di innumerevoli revival contigui, consecutivi, sovrapposti, 

contemporanei. Uno stato di revival permanente. 

Presto fu chiaro che la riarticolazione dei tanti, tantissimi “passati” del rock 

diventava un intercalare sempre più diffuso, e non certo tra i soli debuttanti. 

48 49

sufjan stevens 

Anzi: anche nei musicisti di più lungo corso covava un fanciullino-emulatore 

che presto iniziò ad affiorare in superficie. Naturale, a pensarci bene: 

chiunque perseguisse un rinnovamento della propria cifra espressiva non 

poteva che abbeverarsi alla grande fonte del sapere condiviso. Poi, o forse 

innanzitutto, c’era da tenere in grande considerazione un aspetto legato alla 

percezione della cosa. Come già sottolineato, per i semplici appassionati era 

mutato drasticamente il contesto, i presupposti, lo scenario insomma nel 

quale si consumava l’adorato gesto dell’ascolto. In ragione di ciò persino 

l’artista più “analogico”, quello che si ostinava a farsi largo nella mata escura 

del passato a colpi di vinili, poteva egualmente venire percepito come il 

prodotto di una riarticolazione di codici appartenenti al grande calderone 

del web. Insomma, non c’era scampo: volenti o nolenti eravamo precipitati 

in un’era di inevitabile post-modernità sonora. Tanto valeva farsene una 

ragione. E godere dei buoni, anche buonissimi frutti - chessò, un Sufjan 

Stevens, gli Oneida, i cari Arcade Fire... - che non mancavano di sbocciare. 

Come è sempre stato e come sempre sarà. 

oneida 

C’era però un corollario che iniziava a farsi luce: non aveva più senso 

andare in cerca di “scene” musicali. O almeno, non come accadeva fino a 

pochi anni prima (a ben vedere, i Novanta sono stati il decennio delle grandi 

scene, nonché l’ultimo). In ogni cameretta del globo tecnologicizzato può 

decidersi il prossimo fenomeno musicale, la prossima combinazione intrigante, 

l’intruglio sonoro che monopolizzerà i social network per il prossimo 

warholiano quarto d’ora di celebrità. Ogni musicista è un soggetto autonomo. 

Ogni cervello - ogni sensibilità - è uno dei tantissimi punti nodali della 

rete in grado di incrociare, organizzare, plasmare i dati, essendo in possesso 

cioè dei mezzi per smentire ogni premessa stilistica corrente e determinare 

una combinazione interessante. Quindi - ed è un quindi grosso come un 

transatlantico - più nessuna scena è possibile. Proprio perché tutte lo sono. In 

attesa di una nuova dimensione sonora che a dire il vero appare del tutto improbabile 

- un’invenzione che prescinda le modalità del passato definendo 

un percorso inedito, che ci obblighi a scozzare i riferimenti assodati in oltre 

mezzo secolo di pop-rock - possiamo ipotizzare che una scena connotata 

come la Seattle del grunge o la Bristol del Trip-hop non sarà più possibile. 

Casomai si verificasse, avverrà alla stregua di una coincidenza estemporanea, 

la cui fenomenologia sarà pesantemente determinata da una distorsione/ 

forzatura giornalistica (che era comunque tipica anche delle scene tradizionali: 

è la stampa, bellezza). 

Queste solo alcune delle questioni che ci piace apparecchiare sul tavolo 

in attesa di leggere Retromania, volume che potrebbe fornirci se non le 

risposte del caso quanto meno nuove e insospettabili chiavi di lettura. Già 

che ci siamo, tanto per condire ulteriormente l’attesa, ne approfittiamo per 

spendere una obiezione preventiva. Prendiamola larga: dal momento che 

hai l’opportunità reale di accedere ad una quantità formidabile di musica 

- tendente, in ordine alle umane possibilità, all’infinito - di qualsivoglia origine, 

stile e collocazione temporale, scegliere cosa ascoltare diviene un atto 

sommamente significativo. Scegliere consapevolmente di dedicare i prossimi 

trenta minuti all’ascolto di una playlist, una scaletta, un programma, al 

limite pure un disco, è prima di ogni altra cosa un gesto di auto-limitazione. 

E perciò di individuazione. Come dice il vecchio adagio: sei ciò che ascolti. 

Ok, forse non diceva così, ma non è mai stato tanto vero come adesso. 

Certo, bisogna porre attenzione però alla parola da un milione di dollari: 

“consapevolmente”. Ebbene, chi o cosa governa questa consapevolezza? E 

quanta ce n’è in ciò che Reynolds chiama col consueto acume, connotandolo 

negativamente, “fandom”? Tale pratica non potrebbe rappresentare una 

nuova modalità di individuazione, un processo blandamente determinato, 

un peregrinare per approssimazione e impulsi, ok, ma non per questo meno 

nutritivo e niente affatto privo di discernimento, convinzioni, ragione? In ultima 

analisi, a fronte di una situazione drasticamente mutata, non potrebbe 

trattarsi di una modalità nuova frutto dell’ennesimo, inevitabile, naturale 

adattamento evolutivo? Insomma, non ci starà mica diventando un apocalittico, 

il buon Reynolds? 

Ok, mi sembra più che abbastanza. Ne riparleremo fra poche settimane. 

In epoca post-Retromania. 

50 51

helAdo 

Negro 

—Canta, o gufo del post-glo— 

Drop out 

Roberto Lange rivisita il glo con 

elementi sudamericani. Fra mille 

progetti e collaborazioni lo abbiamo 

intervistato ripercorrendo 

la sua carriera gustando un gelato 

nero.. 

Testo: Marco Braggion 

52 53

Canta Lechuza è il nuovo disco di Roberto Carlos Lange, un ragazzo che 

tra gli svariati alias si fa chiamare Helado Negro e suona come se avesse 

passato la giornata a mangiare calippi di glo-fi e granatine di bossa nova in 

una spiaggia affollata del Sud America. 

Il missato suona fresco, lontano dalle candeggine pop del 2009 che oggi 

sarebbero improponibili. Dietro ci senti lo stile e l’esperienza di chi ha lavorato 

sodo per portare a casa un risultato personale, lontano dall’hypsteria e 

dalle mode. E’ il motivo principale per cui lo abbiamo contattato telefonicamente 

nella sua casa di Brooklyn in un pomeriggio caldissimo, con in 

testa le note di un cangiante mondo sonico capace di spaziare tra hip-hop, 

avanguardie varie, installazioni, ambient e art-pop. 

rooTs 

Roberto è subito accomodante e chiacchierone al telefono, quasi come se 

fosse lì con te a sorseggiare una limonata con zucchero e Martini bianco. Ci 

racconta di essere nato da genitori equadoregni che amavano la musica ma 

di essere cresciuto in Florida, a Miami. La musica che lo ha accompagnato 

lungo tutta l’infanzia è quella del suo Paese d’origine. Ce l’ho nel sangue, fa 

parte delle mie radici, afferma subito, aggiungendo che il padre faceva molto 

spesso delle feste a casa e invitava diversi musicisti a suonare cover o canzoni 

folk. I suoi genitori non erano musicisti, ma la musica equadoregna era parte 

della famiglia. Quando diventa adolescente, inizia però a rifiutare le radici. 

I Lange stanno a Miami, mica in Sud America, e nella città gira un sacco di 

musica elettronica, si iniziavano a sentire pezzi con le drum machines, sintetizzatori 

e campionatori. Quella roba, ci racconta, la passavano pure alla radio. 

E’ stata una grossa influenza. 

I primi passi Lange li muove in un misto di folk, anni Ottanta e macchine 

cheap, influenze che vengono riprese e traslate nei primi dischi a nome 

Boom & Birds (l’EP Confetti del 2004 e il full Camino de manos chuecas del 

2005): suoni hip-hop tagliati con l’elettronica intimista quasi viennese di 

Kruder & Dorfmeister (che avevano iniziato a sfondare con l’idea del downtempo 

di qualità bossato quasi un decennio prima). Il tutto abbastanza derivativo, 

ma comunque godibile. Un sound che nell’EP si collega anche alle 

atmosfere dei Tortoise (Sometimes Too Lucky) e nel full trova coerenza e 

compatta le idee di una stagione abbozzata, spunti e lampi di inizio millennio 

che scaldano le mani del ragazzo, derivati in gran parte dalle giustapposizioni 

di un altro mago dell’homemade electro: Luke Vibert. 

Bbreaking e tagli elettrici sono il pane quotidiano di una carriera 

all’insegna dei continui traslochi: Crescere in Florida ha influenzato le mie 

produzioni, ammette, ma è ad Atlanta dove ho imparato i fondamenti del soul 

e dell’r’n’b. Lì c’è un background black immenso e la comunità musicale nera 

è molto solida. Ho iniziato a collezionare dischi,campionarli, approfondito le 

mie conoscenze musicali sulla musica americana in genere dal blues al jazz. 

Roberto è orgoglioso di aver frequentato il Sud degli States e aggiunge 

una riflessione: molte volte a New York o Chicago si dice ci siano queste scene, 

ma i musicisti che le fanno provengono principalmente del Sud. Sun Ra era 

dell’Alabama, John Coltrane del North Carolina. 

epsTein 

A cavallo del nuovo millennio il ragazzo aveva già iniziato a pubblicare demo 

e tracce a nome Epstein. Il disco che raccoglie le prime registrazioni della sua 

54 55

mutazione (composte quando viveva a Savannah in Georgia) esce nel 2004 

per Botanica Del Jibaro e poi viene ristampato su Asthmatic Kitty (etichetta 

che pubblicherà da lì in poi tutti i suoi lavori): Puñal. Qui riprende le lezioni 

dei turntablisti à la DJ Vadim o DJ Shadow (Playa, Mar, Cerdo, Juego sembra 

venir fuori direttamente da ...Endtroducing), ma non si impunta su un tecnicismo 

da nerd, anzi, viaggia su coordinate che collegano mondi street, world, 

electro, funk e jazz in un sentimento che richiama l’estetica Ninja Tune più 

aperta che mai a visioni alternative all’ortodossia dei b-boys, comprendendo 

nelle sue corde l’intimismo del post-rock vanpeltiano (Te Conozco Sin Pelo) e 

il blues stralunato di Beck. La materia sonora di Epstein è comunque figlia di 

una cultura sampledelica che in quegli anni vivacchia su allori ormai rinsecchiti 

e inizia velocemente ad eclissarsi, a causa delle spinte innovative che 

arrivano dal mondo underground UK, quali grime e dubstep. Anche da qui 

si capisce come il ragazzo sia caparbio e vada dritto per la sua strada, senza 

affidarsi a troppi talent scout o scenesters. 

Il percorso temporale delle uscite di Epstein è singolare, dato che il successivo 

disco (Gente Sin Pueblo del 2004) riflette in un flashback ulteriore le 

registrazioni di quando il ragazzo abitava a Miami (2003) e ad Atlanta (2004). 

Nel sito ufficiale Roberto afferma che questa musica è per muoversi e per 

non vedere confini. Un percorso che con il passare del tempo si avvicina alle 

origini e che anche oggi con il moniker di Helado Negro tenta di guardare 

sempre al passato. 

Gente Sin Pueblo è una raccolta di idee che trova nel bbreaking e nella 

sampledelia le sue coordinate principali: DJ Food (El Cuco) e Funki Porcini 

(Sin Pueblo) numi tutelari della mente creativa di Roberto. La parabola del 

progetto Epstein non è ancora conclusa. In seguito ai due album citati, usciranno 

successivamente un progetto a nome Epstein Y El Conjunto (Canto 

De Hermanos, su Arepaz, 2007), Otros nel 2008 (registrato tra Atlanta e New 

York, sempre su Arepaz), When Man Is Full He Falls Asleep e Sealess Sea (entrambi 

su Asthmatic Kitty nel 2009 e 2011), quest’ultimo purtroppo passato 

in sordina qui da noi, ma notevole nella capacità di coniugare le produzioni 

di Panda Bear/Animal Collective con un suono organico di bbreaks dal 

sapore old-school misto ambient-noughties. 

Tanto per non annoiarsi, il ragazzo inizia contemporaneamente una collaborazione 

con il chitarrista/bassista Matt Crum a nome ROM. Nel 2000 

partono come un gruppo di improvvisazione free influenzata dal post-rock 

che ben presto diventa un modo per scambiare idee soniche tagliate con 

l’accetta dello studio. In nove anni escono un 7” (Crawl Upside Down), un 12” 

(Into the Clouds) e due album (Self-titled e Foot Signal). 

gelaTo nero 

Ma torniamo al gelato. In Georgia Roberto conosce Guillermo Scott Herren 

aka Prefuse 73. Lavorare con lui è facile, dato che sono buoni amici; ci conosciamo 

dal 1999. Con Guillermo approfondisce le nozioni di studio engineering 

che da lì a breve gli permetteranno di lavorare per Savath & Savalas, All 

Tiny Creatures (un remix), My Brightest Diamond (l’album Shark Remixes 

Vol. 3), Bear In Heaven (il missaggio del fortunato disco omonimo) e di collaborare 

tra gli altri anche con Schools of Seven Bells. Collaborazioni che 

gli fanno vedere le cose da un’altra prospettiva (vedi ad esempio il remix per 

Epstein dello stesso Prefuse e di Jaytram, batterista degli Yeasayer). 

Con questi biglietti da visita, parte da Atlanta e va a finire guardacaso a 

Brooklyn, New York. Il posto più adatto per emergere nel panorama indie 

di inizio millennio. Qui inizia a smanettare anche con i video (la gran parte 

dei quali è visibile sul suo sito in costante aggiornamento) e a pensare a 

un nuovo progetto: Helado Negro, appunto. Un moniker che può essere 

incluso nel ‘flashback-continuum’ reynoldsiano degli anni ‘80 ‘90. Non avevo 

altra scelta, ci dice, parlando ancora delle sue origini musicali: quegli anni 

sono stati importanti per la mia formazione, ascoltavo tutto quello che usciva 

quando ero bambino, ed ero come una spugna gigante; è inevitabile quando 

cresci riferirti alle cose che sentivi da piccolo. 

HN sembra essere più song oriented dei lavori licenziati a nome Roberto 

Carlos Lange (vedi ad esempio il mini pseudo-ambient Short-lived Music del 

2001). La ragione per cui separo i due nomi - ci spiega Roberto, un po’ sorpreso 

dalla domanda - è che quando canto in spagnolo mi chiamo Helado Negro e 

quando canto in inglese ridivento Roberto. Quando faccio cose col mio nome 

è per progetti specifici, che probabilmente non dureranno molto. 

56 57

Il primo disco di HL risale al 2009 (Awe Owe su Asthmatic Kitty). Il sound 

è un folk speziato con testi in spagnolo, strumenti della tradizione sudamericana, 

tropicalismi à la Tom Zé (Dos Suenos, Dahum) e percussioni che 

ricordano ancora una volta l’approccio di Beck ai suoni che provengono 

da sotto l’equatore. Il disco risulta piacevole all’ascolto, ci riporta al sogno 

post-balearico (Espuma Negra) che in quel periodo sta montando una nuova 

onda glo che esploderà nelle prove successive di Ariel Pink, Toro Y Moi, 

Washed Out (anche lui vivie in Georgia) e molti altri. Di Neon Indian ci dice 

ad esempio di aver sentito i suoi primi lavori e di esserne stato colpito positivamente. 

Mi ricordano le produzioni hip-hop degli anni ‘90 e penso di pescare 

anch’io dallo stesso serbatoio, anche se le influenze maggiori vengono dai miei 

amici, dalle persone con cui collaboro. L’acustico che si scontra con l’elettrico 

nell’uso dei loop e dei samples (Time Aparts): un mix che arricchisce - come 

nelle vecchie produzioni On-U Sound di Adrian Sherwood - la canonica base 

sul quattro costruendo una delle tante ipotesi possibili di latin psych-funk 

ammiccante all’hip-hop. 

L’anno successivo esce il mini Pasajero. Qui HN si mette alla voce e alla 

chitarra, lasciando a una squadra di collaboratori le altre strumentazioni. 

In più assolda la cantante Julianna Barwick, che aggiunge backing vocals 

e magie atmosferico-ambient (Jurame) a una visione sonica sempre più 

slavata, infarcita di echi (La la, Adios Maldito Mundo) e melodie pop cantabilissime 

(Rosita). La collaborazione con Julianna inizia tre anni fa, quando 

Roberto le chiede di aprire un concerto di HN; è poi approdata ad un tour 

e probabilmente proseguirà con un progetto che dovrebbe ultimarsi alla 

fine di quest’estate. 

Non c’è due senza tre: quest’anno HN aggiunge al CV Canta Lechuza, un 

controcanto south al botto di Destroyer (Kaputt), che prescinde dai ricordi 

‘techno’ delle star già menzionate e si arma delle features proprie del cantautorato: 

attenzione alla voce e alla melodia (2° Dia), pochi e semplici overdub, 

qualche effetto ricordo elettronico (Cenar En La Mañana) e il gioco è fatto, 

tanto che in certi punti fa pensare a qualche canzone del nume Caetano 

Veloso (Mi piacerebbe cantare come lui. Mi piacciono la bossa e il suono della 

sua musica). 

Ma che ha di diverso rispetto ai glo-fiers più blasonati? La chiave di lettura 

della sua musica deve puntare alle radici. Non a caso il ragazzo ha indagato 

sulle sue origini, producendo due mixtapes (Oscuro como boca de lobo, su 

Now-Again/Stones Throw) di standard folk sudamericani, che comprendono 

tracce di Gato Barbieri, Victor Jara e altri artisti poco noti della cosiddetta 

diaspora latinoamericana. Quei suoni lo hanno sicuramente influenzato, 

anche se con quei due tapes non ho tentato di studiare, mi piace di più essere 

influenzato passivamente. Mi piace sentirli e non analizzarli più di tanto. 

Lo slackerism e l’understatement di ogni bravo artista contemporaneo 

insomma. L’eredità folk mescolata con pochi ingredienti di sintesi porta a una 

consapevolezza nuova, che guarda sì al passato delle consolles e dei suonini 

a 8 bit, ma che sa anche spingersi più in là, acquistando un sapore che alla 

lunga dura di più, forse perché corroborato da fondamenta più solide, o 

perché l’elemento ritmico non prevale e non scavalca troppo la vocalità, conferendo 

un’aura pop al tutto. La necessità delle ritmiche è confermata anche 

dallo stesso Roberto, che ci spiega come ai suoi occhi Canta Lechuza sia un 

disco dancey. Dipende dal modo in cui balli. A me sembra che sia un disco per 

far muovere la gente. Tutte le cose che ho fatto sono sempre state fatte con molti 

sintetizzatori e con campionatori. Awe Owe ad esempio è stato scritto in gran 

parte con campioni sui quali i musicisti suonavano. Penso che sia sempre difficile 

interpretare quello che si fa. Se c’è una chitarra non è detto che sia folk music. Mi 

interessa di più l’evoluzione del suono della parte tecnica. Il titolo dell’album 

letteralmente sta per ‘canta gufo’ e viene fuori da un verso tradizionale della 

religione Santeria che ha delle radici Yoruba. All’inizio volevo chiamare l’album 

‘Al gufo cosa importa?’, ma poi l’ho cambiato così. Non è un’ordine che viene 

dato al gufo. Non so bene cosa voglia dire, dipende da come lo interpreti. Io ci 

vedo più di un significato in quelle parole, ma non è letterale. 

non solo mUsiCa 

Roberto come abbiamo detto, è attivo anche sul lato video. Le sue produzioni 

riflettono un’attitudine quasi interamente lo-fi, che si ricollega al 

lavoro di molti creativi over trenta di cui abbiamo già parlato sulle pagine 

di SA (vedi il rinnovato interesse per la cheap-tune music o il glo-fi stesso). 

Infanzia e adolescenza attaccati alla TV (mia nonna ne aveva una in bianco e 

nero), magari proprio con colori lo-fi (i miei amici avevano queste strane TV a 

proiezione, con tre cerchi per proiettare le immagini... ricordo queste immagini 

così saturate e poco chiare, sono le cose che mi sono sempre piaciute vedere) e 

alle mitiche iconografie Nintendo: ho smesso di giocare quando la grafica era 

troppo realistica, non era più fantasiosa, assomigliava troppo al reale... è per 

questi motivi che mi piace l’analogico, perché è un’interpretazione della realtà, 

non tenta di rappresentarla al meglio, è solo un’idea. 

Questa multimedialità (Roberto ha collaborato anche a varie sculture sonore 

per installazioni) non sembra stressarlo: ogni cosa che faccio è collegata e fa 

parte della mia vita. Se sono ispirato non mi pesa lavorare su più fronti, anche 

se mi piacerebbe essere un po’ più bravo per quanto riguarda i video, ci dice 

ridendo. Un artista a tutto tondo che sta già lavorando ad un nuovo disco 

(probabilmente in uscita il prossimo anno) e che se troverà agganci in Europa 

suonerà ad Ottobre anche nel vecchio continente. Date un’occhiata al 

suo sito, e se potete mettetelo in playlist nel prossimo Festival. 

58 59

— cd&lp 

Recensioni 

settembre 

aa. VV. - utmarKEn 2011 (utmarKEn, luglio 

2011) 

Genere: noise 

A soli due anni dalla pubblicazione dell’omonimo 10 

pollici (che non mancammo di salutare con gioia nella 

relativa recensione) chiude, immaginiamo per questioni 

di permessi, l’Utmarken di Goteborg, centro polivalente 

sede di tutta la scena noise/out locale. Se nel 2009 era 

stato il suddetto vinile a celebrare il momento di maggior 

attività e creatività dei ragazzi svedesi, pare giusto 

che oggi sia un box di tre cassette a sancire la fine 

dell’esperienza. E qualcosa è pure cambiato nel corso 

di questi pochi anni, anche se più a livello anagrafico 

che altro. 

Ritroviamo infatti i beniamini (si fa per dire) Ättestupa in 

apertura con una Orostid - Greppet Hårdnar non così ispirata 

come lo fu a suo tempo Änglamakerskan ma sempre 

in grado di scandire l’immancabile liturgia funebre. 

Matthias Andersson non è più con Källarbarnen ma si è 

messo in proprio sotto il moniker Arv & Miljö, così come 

Viktor Ottosson non compare come Street Drinkers ma 

con l’assai più rumoroso, e rovinoso, Blodvite. 

New entry anche per David Eng degli Ättestupa, che 

col nuovo solo-project Skuggor ci martoria le orecchie 

degli otto minuti di Luften Blev Döv, e una nuova e più 

disastrata versione di Black Death che i Lust For Youth 

recuperano dall’album Solar Flare. Chiude Sewer Election 

e il suo harsh già da tempo sinonimo di garanzia 

letale. 

Un ricettario di malessere nordico, insomma, che ancora 

un volta fa il punto su una delle scene più attive e prolifiche 

- al limite dell’ipertrofia - d’Europa. Chissà cosa si 

inventeranno i giovani vandali scandinavi ora che la loro 

alcova non c’è più. 

(6.7/10) 

andrEa napoli 

aaron dilloWay - lip SynCing to VErmE 

(hundEbiSS rECordS, luglio 2011) 

Genere: noise 

Il reprobo in fuga dai Wolf Eyes, il padrone della efferata 

Hanson, il noiser più freakettone di tutti (do you remember 

Nepal?) riprende a pieno regime la sua produzione 

unendo le forze di nuovo con la premiata ditta Hundebiss, 

pronta ad incartarne come suo solito il nuovo albo 

in vinile. Lip Syncing To Verme vede Dilloway tornare a 

pubblicare sull’italico suolo dopo la sortita in cassetta 

proprio per la Hundebiss col titolo omonimo. Non di ristampa 

si tratta però, quanto di rielaborazione extended 

del mood che pervadeva quella tape in rigorosa edizione 

limitata. Droni montanti di sfattume noise e immondizia 

a bassa fedeltà che si scioglie in una stasi ambientale 

putrida fatta di materici rimasugli (A1), spastiche parentesi 

ritmiche dal procedere nonsense (A2), loop di nastri 

manipolati, tagliati, cuciti, imbastarditi innervati però da 

una predilezione cinematica (A3). 

La label, sempre attenta a edizioni curate nel minimo 

dettaglio (questa è in formato origami gigante e apribile), 

ne parla come di uno “slow motion Stan Brakhage on 

K”, per evidenziare il portato fluido e cinematografico del 

flusso sonoro. A noi viene più in mente una passeggiata 

bucolica in una landa di fangose aberrazioni, dalle quali 

si tenta di uscire in tutti i modi ma vi si resta imprigionati 

senza possibilità di fuga. Provate a calarvi nell’ascolto 

delle due lunghe tracce untitled del lato B e converrete 

che sembrano la colonna sonora di una discesa senza 

ritorno, drammatizzata fino allo spasimo, nelle sabbie 

mobili. Mai morte fu tanto piacevole. 

(7/10) 

StEFano piFFEri 

amEliE tritESSE - Cazzo nE SapEtE Voi dEl 

roCK and roll (intErno4rECordS, luglio 

2011) 

Genere: reaDinG rock 

C’è un senso di feroce familiarità che ti aggredisce appena 

partono le note degli Amelie Tritesse. Quelle che 

Manuel Graziani, apprezzato giornalista musicale, ha 

preparato per il suo progetto, sono le storie di un’umanità 

periferica che da queste parti dovremmo conoscere 

fin troppo bene. 

Tutta quella parte della provincia italiana, che non è 

quella falsamente ecumenica di Ligabue, per cui la formazione 

fatta sui dischi (magari dei Gun Club, sognando 

le palme di Miami) è importante quasi quanto gli insegnamenti 

di nonni coriacei (come quelli cantati nella 

highlight 

a WingEd ViCtory For thE SullEn - a WingEd ViCtory For thE SullEn (KranKy, 

SEttEmbrE 2011) 

Genere: post ambient 

Cosa può mai accadere se un visionario del dream pop come Dustin O’Halloran - la metà mascolina dei 

Devics, da tempo autore di un apprezzato percorso parallelo solista - e un artefice del miglior postambient 

come Adam Wiltze - del duo texano Stars Of The Lid - decidono di unire gli ineffabili intenti? 

Qualcosa di non clamoroso, certo, ma denso e intenso a dispetto della dogmatica levità. Sette tracce 

orchestrali per il debutto omonimo di questo progetto denominato A Winged Victory For The Sullen, 

sette passi tra le nuvole coltivando angelici turbamenti, palpitazioni tenui 

e trascendenze paniche. 

Archi come il respiro misterioso della natura o il brusio segreto di tutte le 

albe già state e future, il piano che sgocciola accorata pensosità come un 

Brian Eno liofilizzato (Requiem for the Static King Part Two), impressionismo 

e romanticismo sfumati d’astratto (il Debussy bradicardico di Minuet for a 

Cheap Piano, lo Chopin misterico della splendida A Symphony Pathetique), lo 

struggimento artico e pastorale degli ultimi Sigur Ròs (Steep Hills of Vicodin 

Tears), certa delicata narcosi Terry Riley (All Farewells Are Sudden), il tutto sullo 

sfondo d’un minimalismo imperturbabile e accorato (l’apprensione Eric Satie 

dell’iniziale We Played Some Open Chords and Rejoiced, For the Earth Had Circled the Sun Yet Another Year). 

Questo disco è il tedio sublime che stavamo cercando e non avevamo osato chiedere. Un’ipotesi di retroavanguardia 

appartata, accattivante in virtù di una raffinatezza mai forbita, fieramente obsoleta. La 

dedica al mai troppo rimpianto Mark Linkous è il tipico valore aggiunto della faccenda. 

(7.3/10) 

StEFano SolVEnti 

tenera Oplà). Nei suoi testi c’è un senso dell’ironia arguto 

e pungente, capace di fermarsi ad un passo dal cinismo; 

come quando in uno dei brani più divertenti e amari 

della raccolta (Liverpool Pub) fa i conti con lo stato d’animo 

di un precario alle prese con il rampantello di turno. 

Ad accompagnare la prosa c’è un gruppo affiatato e concreto, 

che rifugge dalle tentazioni artsy per ricorrere a 

strutture squisitamente rock. “Un energico read’n’rock di 

provincia”: sono loro stessi a suggerire la definizione più 

corretta sulla copertina del libro che accompagna il cd. 

Un mix inestricabile di musica e letteratura e vita che 

alterna sferzate elettriche, meditazioni digitali e crescendo 

elettroacustici che finiscono per prorompere in un 

canto liberatorio (La Sudarella). Un caso più unico che 

raro in un panorama musicale pronto come non mai ad 

affibbiare etichette fallaci. 

(7/10) 

diEgo ballani 

antitEQ - m.ag.ma Ep (magmatiQ rECordS, 

aprilE 2011) 

Genere: techno, iDm 

Non è ancora troppo tardi per recuperare l’ultimo EP di AntiteQ, 

dj e producer milanese con un paio di uscite in breve 

formato al suo attivo e un interessante sound esterofilo 

fatto di techno, idm e dubstep che val bene una chance. 

Questo Music Against Masses intende realizzare ancora una 

volta la rivincita della dance intelligente sulla pista techno, 

e lo fa accumulando complessità d’ascolto come da catalogo 

Warp ‘90 (B, N), con tanto di nerdismi 8bit che fanno 

tanto Aphex Twin (C, A). ‘Fuck dance, we are artists’? Non del 

tutto, perché la prepotente cassa in quattro sullo sfondo 

regala durezze di stampo teutonico e accende comunque 

le sinapsi sensibili all’aria del club europeo. In realtà dunque 

è più sfoggio dei propri mezzi che sviluppo di un concept. 

Tutto in una misura che non guasta e con un carattere ben 

definito. C’è speranza per un full-lenght qui in Italia o anche 

qui è inevitabile la fuga a Berlino? 

(6.6/10) 


60 61

antonEllo brunEtti - opEn to ChangE 

(autoprodotto, maggio 2011) 

Genere: sonGwritinG rock 

Chitarra acustica da folk singer vissuto, qualche nota di 

piano ad aggiungere un velo di condensata autorevolezza 

e per finire un’eterea sognatrice voce sufficiente a 

toccare le corde più intime dell’animo. Potrei fermarmi 

qui per raccontare questo debutto solista più che valido 

del calabrese classe ’85 Antonello Brunetti. Ma siccome 

il disco consta anche di un’altra metà, chiamiamolo 

lato B, più elettrico, caotico e meno studiato, tocca fare 

un distinguo. Buona parte di Open To Change si può 

facilmente ricondurre ai soliti noti del songwriting (Jeff 

Buckley, Nick Drake, Joni Mitchell), e in definitiva risulta 

essere questa la prospettiva più compiuta, felice e 

meglio resa del disco; brani come Underwater o My Will 

Becomes Weird ci restituiscono un cantautore in grado di 

disegnare originali e fascinose melodie e a pennellarci 

sopra testi taglienti, sognanti e provocatori. 

C’è poi l’altra metà, più italiota, che ha riferimenti vaghi 

(Carmen Consoli, Paola Turci) e che pecca di quell’accuratezza 

nella resa sonora e negli arrangiamenti che 

invece è motivo di vanto della prima parte. Nello stato liquido, 

Ordine, Crowded Train, appaiono come frammenti 

capitati per caso o per sbaglio in una raccolta di belle 

canzoni scolpite con gusto e passione per un genere 

che Brunetti non si limita ad imitare, ma che riesce ad 

interpretare e a riscrivere con originalità e coraggio. Il 

genere è dei più difficili, va detto. La concorrenza è spietata. 

Open To Change potrebbe rappresentare un buon 

viatico per smuovere le acque, per catturare l’attenzione 

di qualche discografico, per segnalare la propria presenza 

in un mare affollatissimo. Ma certi esperimenti, per il 

momento, meglio abbandonarli. 

(6.4/10) 

gianluCa lambiaSE 

apparat - thE dEVil’S WalK (mutE, 


Genere: post-rock 

Dell’ultima svolta acustica di Apparat vi avevamo già 

dato doverose anticipazioni con le news e con un’intervista 

incentrata sul sound della formazione band. E a 

chi voleva toccare con mano, bastava assistere a uno 

degli ultimi live per far balzare subito agli occhi il nuovo 

assetto: Sascha Ring al centro della scena, chitarra in 

mano e microfono alla bocca, e i membri restanti dedicati 

all’accompagnamento strumentale, che tradotto in 

termini sonori significa componente elettronica ridotta 

all’osso e un profilo post-rock in bilico tra Sigur Rós e 

Coldplay, che faceva sentire la mancanza del carattere 

più sperimentale dell’artista berlinese. 

Arriva The Devil’s Walk, realizzato in collaborazione con 

Patrick Christensen dei Warren Suicide e Joshua Eustis 

dei Telefon Tel Aviv, e le tiepide impressioni precedenti 

non vengono di fatto ribaltate: impostazione cantautoriale 

preponderante (Song Of Los), impronta netta del 

Thom Yorke solista (Escape, Ash/Black Veil) e zuccherosità 

dreamy che fan quasi chillwave (Black Water). Il 

formato lungo permette di inquadrare meglio il disegno 

complessivo e svela una certa attenzione per il mood e 

le suggestioni del suono minimale (c’è dell’anima dietro 

brani come Goodbye e Candid De La Calle), ma compone 

un quadro scarno e algido, senza finezze compositive 

degne di nota e sicuramente derivativo. 

Censurare la sincera volontà di adottare un nuovo volto 

sarebbe cattivo (e sospettare che si stia volutamente 

mirando al popolo dei postrockers è pura perfidia), ma 

se ti nascondi dietro le orme tracciate da altri è lecito 

sollevare obiezioni. Avevamo già assistito lo scorso anno 

ad un analogo abbandono delle certezze electro con 

Trentemøller e il suo Into the Great Wide Yonder . 

Da quelle parti però c’erano ricchezza di contenuti e 

precise intenzioni espressive, qui povertà espressiva e 

qualche piacioneria di troppo. E il carattere mostrato 

negli ultimi quindici anni dov’è finito? 

(5.9/10) 


aQuadrop - Soul Ep (l2S rECordingS, 

agoSto 2011) 

Genere: italian post-Dubstep 

Di quell’immensa distesa di realtà sommerse che è la 

scena dubstep/wonky italiana, il milanese Aron Aquadrop 

Airaghi è tra quelli col sound più esterofilo ed originale. 

E infatti è anche tra quelli più apprezzati oltre il 

confine, avendo acquisito una certa autorevolezza coi 

primi eppì e soprattutto con l’album Aurora Borealis 

del 2010, col quale ha approcciato la materia dubstep 

spaccandola tra conservatorismo downtempo e intraprendenza 

wobble. Dopo aver catturato l’attenzione di 

producers come Untold, EL-B e Starkey, quest’anno 

il ragazzo sta dicendo la propria sulle nuove pieghe 

post-dubstep/future-garage in corso, e questo Soul EP 

arriva dopo un percorso di avvicinamento partito con 

il singolo iLICK YOU (che al caro SBTRKT piacerebbe un 

sacco) e proseguito con una Drops che sembra uscita 

dal recente catalogo Hotflush. 

Le spinte controverse del nuovo corso step mostrano sia 

la voglia di andare oltre che l’orgoglio di appartenenza 

ad una storia che ha radici lontane, per cui l’intelligente 

rispolvero 2-step garage di Soul è il giusto omaggio al 

passato da parte del nuovo che avanza. Le spinte più 

coraggiose invece le danno Evolution, mescolando un 

feeling soul vagamente Jamie Woon alla frizzante vivacità 

Mount Kimbie, e King Of The Jungle, con un tappeto 

tribal-funky a sostegno di coraggiose tesi wonky-beat 

a metà strada tra Jamie XX e Flying Lotus. Che in Italia 

bolla qualcosa in pentola lo sapevamo già e ve l’avevamo 

detto più volte, ma constatare una qualità che nulla 

ha da invidiare alle ultime derive londinesi fa comunque 

un certo effetto. Aspettando l’esplosione definitiva... 

(7.1/10) 


aStrid WilliamSon - pulSE (onE littlE 

indian, agoSto 2011) 

Genere: ambient pop 

Quinto disco e un cambio di rotta sostanziale per Astrid 

Williamson, signora del pianoforte e della canzone proveniente 

dalla terra d’Albione. Se l’ultimo disco, Here 

Come The Vikigns del 2009, era apparso un appannato 

tentativo di mettere i propri talenti al servizio di un pop/ 

rock senz’anima, con Pulse decide di sfruttare la propria 

formazione di pianista e musicista classica per una 

ricerca sonora più originale e meno usa e getta. Le dieci 

composizioni giungono come il risultato di una stretta 

collaborazione con il produttore Leo Abrahams, noto 

per il suo lavoro con Brian Eno. 

Se il singolo Pour è una rivisitazione ambient dell’elettronica 

umana tardi Ninties venata di Europop, il resto 

del disco è in costante equilbrio tra pianismi minimali 

(Underwater), qualche ritorno alla chitarra pop-folk degli 

esordi (Connected), rock-pop radiofonico speziato di atmosfere 

aeree (la titletrack), esperimenti etno-camerisitici 

(Cherry), e ambient dolce venato della delicata voce 

della Williamson (Paperbacks, Husk). Una tavolozza di 

colori più ampia che cerca una quadratura tra Lisa Germano, 

l’ondata islandese tra Novanta e Duemila, il Brian 

Eno della musica per ambienti, e l’elettronica più easy. 

Nemmeno questo è un capolavoro, ma preferiamo il recupero 

di un pensiero musicale all’inconsistenza della 

rincorsa a un mercato radiofonico che sulla Williamson 

- forse a torto - ha già detto la propria. 

(6.6/10) 

marCo boSColo 

azari & iii - azari & iii (looSE lipS, agoSto 

2011) 

Genere: retro-house 

I canadesi Azari & III, ovvero Christian Farley / Dinamo 

Azari e Alphonse Lanza / Alixander III, hanno debuttato 

nel 2009 con Hungry For The Power, un cuore soul cir- 

condato dal classico tintinnare di vecchi house claps, 

una spremuta funky e sintetiche Inner City / italo disco. 

Il crooning extra black ci ricordava i dischi di Jimmy 

Edgar e qualcosa di Seth Troxler, i ritornelli si portavano 

dentro lo struggle della house diva. Fritz Helder e 

Starving Yet Full, i primi due di una lunga serie, erano 

i vocalist e il pezzo, uscito sulla francese I’m A Cliché, 

faceva il giro del mondo finendo nelle playlist di gente 

insospettabile come Grizzly Bear e Broken Social Scene. 

Lo stesso anno, “Azari and Third” ripete il botto con Reckless 

With Your Love, altra mossa felpata e dark, altro 

tuffo edonista negli eccessi della New York del Paradise 

Garage condito con la più basica tecnologia di Chicago 

e Detroit (bello anche il remix con la base hi-NRG / Snap 

di Tensnake), tutto tra metà e fine Ottanta con bpm morigerati, 

vedi alla voce Nicolas Jaar, specchi bagnati 

sulle pareti, r’n’b lascivo, visioni afrofuturiste (Indigo) e 

soltanto una piccola concessione agli eighties paraculi 

con il singolo, del 2010, Into The Night (di cui trovate 

anche un bel remix strumentale dello stesso Jaar). 

Ora che finalmente abbiamo l’album lungo per le mani 

scopriamo che la coppia era seria quando affermava a 

XLR8R di star lavorando alla propria new, futuristic shit. 

Si sono circondati di synth e hanno imbastito una vera 

e propria “orchestra analogica” in studio. Nel frattempo, 

sono diventati un quartetto che non rappresenta più 

(o non solo) una risposta a Hercules And Love Affair, 

Jessica 6 (Lost In Time e il nuovo singolo Manic) e compagnia 

boogie disco (Manhooker). L’album esplora varie 

Tunnel Vision, spazialità acid (Infiniti, Change Of Heart) e 

anche del vintage funk (Prince citato in Undecided) ma, 

a perderci, è un poco dell’originaria disinvoltura... 

(6.8/10) 


balam aCab - WandEr / WondEr (tri anglE, 

agoSto 2011) 

Genere: ambient-step 

Sembrava che andasse a parare nei lidi della witch 

house il giovane americano Alec Koone con il suo EP 

d’esordio (See Birds), ma visto che la bolla in poco più 

di un anno è bella che scoppiata, con questo full la sua 

direzione si affianca più che al noise drone delle streghe 

alle sonorità soul di James Blake e compagnia soulstep, 

aggiungendo atmosfere ambient che utilizzano i setting 

derivati dall’IDM e le vocals Novanta à la Lamb per 

costruire un quadretto di ambientronica meditativo e 

infinitamente retrò. 

Oh Why, che ha già fatto rizzare le antenne a più di un 

talent scout, riporta sul piatto un’atmosfera new age 

a bassa velocità con vocine in elio ed effettini ad 8 bit 

62 63

che non sai bene se sia più classica o rave post-Zomby. 

Await e Apart riesumano le voci liquide già utilizzate da 

Burial e soci soul-step in un giochino arcade innocuo, 

ma che con gli echi effettati ha un che di hauntologico 

e spiritato, quasi psichedelico, Motion è una dedica implicita 

alle voci innocenti di Björk, Welcome filtra voci 

liriche à la Antony, inabissandole in maelstrom cupi e 

senz’uscita, Now Time brilla di popness e di canzoncine 

per infanti, Fragile Hope si scontra con le atmosfere di 

Four Tet, perdendo molto per quanto riguarda originalità 

della proposta. 

Non si capisce bene dove voglia andare a parare il ventenne 

di Ithaca. Un disco di glich r’n’b che vive le contraddizioni 

post-00 del soulstep e del glo, situandosi in 

una microscuola che in Sun Glitters, Holy Other, How 

To Dress Well e nell’ultimo The Field trova buona compagnia, 

a cavallo tra elettronica, revival shoegaze e foto 

sfocate con colori pastello. Molta carne al fuoco che non 

prende una direzione decisa e facilmente riconoscibile, 

ma che preferisce fermentare in un limbo che ancora 

una volta propone (ma per quanto?) un revival new age 

per chi negli anni Ottanta era alle prese con le compilation 

Bimbomix. L’ennesima testimonianza dalla generazione 

post-noughties di dazed and confused people’. 

(6.6/10) 

marCo braggion 

banda blaCK rio - SupEr noVa Samba FunK 

(Far out, agoSto 2011) 

Genere: neo-brazilian 

Strano l’effetto che fanno i lifting. Nel senso che l’ensemble 

brasiliano guidato oggi da William Magalhães - che 

ha raccolto il testimone dal padre, il sassofonista e fondatore 

dell’ensemble Oberdan - prova a rinverdire una 

formula che, lungo i ’70, mescolava morbidezze black 

alla Kool And The Gang ed Earth, Wind & Fire guardando 

al jazz di Coleman Hawkins e ai maestri della 

bossanova, gettando nel calderone una presina di hiphop 

e qualche ospite prestigioso. Mossa che nondimeno 

sfocia in una serie di lusinghe ultraraffinate buone 

per la programmazione di Radio Montecarlo, come se 

un Donald Fagen autocompiaciuto timbrasse svogliato 

il cartellino per stendersi in spiaggia al più presto. 

Siccome i momenti più “modernisti” maneggiano soltanto 

luoghi comuni e quel poco di rap non disturba, 

pertiene alle due deviazioni dal percorso poste in chiusura 

consegnare le uniche cose memorabili. La falsa 

tranquillità di una Irerê con Gilberto Gil e una trasognata 

Aos Pés Do Redentor presa per mano da Caetano 

Veloso non bastano a conferire la sufficienza a un 

progetto dove Seu Jorge e membri dei Mobb Deep si 

aggirano spaesati. E che mostra sin troppe rughe. 

(5.5/10) 

gianCarlo turra 

barn oWl - loSt in thE glarE (thrill 

JoCKEy, SEttEmbrE 2011) 

Genere: Doom 

Il Signore verrà alla fine dei tempi a dividere i giusti dagli 

empi. I giusti ascenderanno nella Sua gloria. Per gli empi 

sarà pianto, stridore di denti, e il suono dei Barn Owl 

nella terra desolata. 

È una ferita lacerante Lost In The Glare, il lamento disperato 

dell’uomo senza una fede. Caminiti e Porras 

sono due anime smarrite che vagano nel deserto in 

cerca di un segno, in attesa di un bagliore accecante in 

cui lasciarsi andare. È una spiritualità che agogna uno 

spirito e si lascia sopraffare dalla paura (il folk desertico 

di Turiya) e dall’oscurità (la scurissima e opprimente The 

Darkest Night Since 1683 o il lamento per chitarre Light 

Echoes). Ma laggiù, da qualche parte, sembra spuntare 

sempre una flebile luce - i Popol Vuh inquieti negli 

apreggi vaganti di Devotion I, la trascendenza nel nulla 

del fingerpicking di Temple Of The Wind, o la maestosa 

speranza del tripudio finale al ralenti Devotion II. 

Umanamente parlando c’è da augurarsi che Caminiti e 

Porras trovino presto il bagliore accecante in cui perdersi, 

musicalmente c’è da sperare che non perdano un 

minimo della loro sceneggiatura visionaria. 

(7.3/10) 

FranCESCo aSti 

bioSphErE - n-plantS (touCh muSiC uK, 

giugno 2011) 

Genere: ambient techno 

Substrata, l’album più noto di Geir Jenssen, contiene 

uno dei brani (Hyperborea) inclusi nella colonna sonora 

dell’ultimo film di Terrence Malick The Tree of Life. A 

Seattle, lo scorso luglio, si è svolto un festival omonimo, 

Substrata 1.1, dove il musicista norvegese era presente 

sia nelle vesti di headliner sia come curatore di un workshop 

che ha portato un gruppo di fortunate persone 

alle Cascade Mountain Range per una session di phonoregistrazioni. 

Geir è un pilastro dell’ambient techno da oltre vent’anni. 

Dal suo primo lavoro ambientale a nome Bleep 

(The North Pole by Submarine, 1990) alla seguente 

carriera come Biosphere, il norvegese della prolifica 

Tromsø (Bjørn Torske, Röyksopp, Mental Overdrive) 

ha istituzionalizzato la propria figura come padre 

fondatore della arctic ambient (variante nordica della 

prima IDM britannica) e aperto la strada alle numerose 

highlight 

albErto arCangEli - pop doWn thE rabbit holE (autoprodotto, luglio 2011) 

Genere: pop psych 

Cose strane accadono ai tempi di internet. Tipo che una famosa azienda di pneumatici sceglie come 

soundtrack per una campagna pubblicitaria europea la canzone di un perfetto sconosciuto, pubblicata 

in un EP autoprodotto e liberamente scaricabile. E’ accaduto al circa quarantenne Alberto Arcangeli 

di Tavullia, cittadina marchigiana altrimenti celebre per aver dato i natali a Valentino Rossi. Proprio così, 

bisogna stare attenti perché le sorprese sono sempre dietro l’angolo, come ad esempio questo Pop 

Down The Rabbit Hole. 

Arcangeli si dichiara canonicamente devoto al verbo Beatles e Rolling Stones, ma se vi prendete il disturbo 

di dare un ascolto al famoso EP di cui sopra - Dreamsongs, licenziato un paio di anni fa - potrete 

imbattervi in ruspanti cover di Moby Grape, Buffalo Springfield e The Zombies, nonché una delle 

migliori riletture della kinksiana Sunny Afternoon che io ricordi. Sono tutte originali invece le dieci tracce 

di questo nuovo album che può essere considerato il suo primo vero e proprio, 

sintonizzato su un registro pop ammaliante e acidulo, marcatamente 

sixties tanto nel piglio sognante e giocoso quanto nel retrogusto obliquo. 

Non lo definirei un caso di retro-nostalgia quanto piuttosto la voglia di 

scegliersi una precisa collocazione emotiva, capace poi di riverberare nella 

contemporaneità sulla scorta di una scrittura fresca e intensa, oserei dire - 

addirittura - entusiasta. 

Vedi quando sboccia impetuosa e sghemba un po’ come potrebbe il nipotino 

gentile di Robyn Hitchcock (la title track), lennoniana come gli Eels 

più accomodanti (Hard Games e quella Wheels And Love il cui clip - realizzato dall’animatore Massimo 

Ottoni - si è aggiudicato il premio della crtica all’International Animation Festival Of Brazil), brumosa e 

struggente come dei Clientele in estasi Left Banke (Against The Day), tenera e indolenzita come capitava 

spesso ad Elliott Smith (Nothing Compares To Your Eyes). Parliamo di canzoni che non cambieranno la 

storia del pop-rock, ma ti possono cambiare il colore di un pomeriggio, se avete capito ciò che intendo. 

Il tutto in free download dal sito dell’artista, il che non guasta. 

(7.4/10) 


derive chillout dei Novanta. Negli anni, il musicista ha 

affinato le proprie tecniche come field recorder e scalatore 

professionista colmando così il gap tra la natura 

e musica. Il taglio ambientalista, del resto, si è presto 

tradotto in una misurata ricerca ricombinatoria degli 

elementi precedentemente messi in campo e non ha 

prodotto album che andassero oltre il compiacimento 

dei fan. Lo scorso lavoro (Dropsonde) poneva l’accento 

su un (post)jazz davisiano abbondantemente esplorato, 

mentre in quest’ultimo si ritorna ai quadretti narrativi 

della Tromsø pre-Röyksopp, a un IDM più brit che mai 

(echi Orbital in Genkai-1 e Fujiko) e alle solite soundtrack 

fine 70 (Jōyō), con la differenza che questo 

lavoro si pone come un concept a dir poco preveggente. 

N-Plants è basato sul sogno post-bellico giapponese e, in 

particolare, sul futuristico programma nucleare del Paese 

iniziato nel dopoguerra. Lo scorso febbraio il norvegese, 

ignaro oracolo di quel che sarebbe successo, affascinato 

dalle fotografie delle centrali e preoccupato dalla loro 

vicinanza al mare ha inciso le tracce dell’album dosando 

il rassicurante nitore giapponese (il sogno post-war) al 

compatto movimento verso il futuro (Shika-1) attraversando 

il mix con sinistri sibili (Sendai-1, Ikata-1) e scuri/ 

imperturbabili loop ritmici, aggiungendo infine sporadici 

monologhi in giapponese (Fujiko, Monju-1). 

E’ il lavoro più ispirato da un po’ di tempo a questa parte, 

ma quel che avrebbe potuto essere una grande opera, è 

in ultima analisi solo’ un lavoro dignitoso. 

(6.7/10) 


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londiE - paniC oF girlS (FiVE SEVEn muSiC, 


Genere: new wave, pop 

Di questi tempi, quando ti trovi davanti gli originali fa 

sempre un po’ strano. Senti un pezzo qualsiasi di Move 

Like This e lì per lì ti sembrano gli Strokes, e invece sono 

proprio i Cars. E allo stesso modo senti l’incipit tutto synth 

appiccicosi e schitarrate power pop del singolo What I 

Heard, pensi si tratti di chissà quale gruppettino fresco 

fresco e invece sono proprio loro, i Blondie (o meglio, ciò 

che ne resta: Debbie Harry, Chris Stein, Clem Burke più i 

gregari del caso). Già, fa strano trovarsi davanti gli originali, 

e non è tanto una questione di rughe e voci arrochite 

dallo scorrere delle stagioni. Nemmeno una questione di 

nostalgia, o di implacabili paragoni con l’irraggiungibile 

- per tanti, e sempre variabili motivi - produzione che 

fu. Come per il ritorno dei citati Cars, dipende sostanzialmente 

da come lo fai, in barba al tempo che passa. E a 

primo impatto con la tripletta che apre il nono album (in 

trentacinque anni!) dei newyorkesi, diresti proprio che 

non lo fanno poi così male: D-Day, What I Heard e Mother 

hanno il tiro melodico delle tipiche hit alla Blondie; no, 

non siamo a livelli contagiosi dei tormentoni classici (anche 

della relativamente recente Maria, l’insperato rilancio 

del ’99 se ben ricordate), ma l’impianto regge, insomma. 

Il problema che emerge via via non è poi tanto lo stile 

o la forma, ovviamente (la ripetizione fisiologica della 

storica formula vincente, vedi il reggaettino facile facile 

di The End The End), ma la ciccia. E qui ce n’è poca, 

troppo poca anche solo per accontentarsi ed essere 

semplicemente felici che siano ancora tra di noi, i Blondie. 

Di fronte alla fiacchezza e (duole dirlo) la schietta 

bruttezza di cose come Girlie Girlie, Wipe Off My Sweat e 

Le Bleu, viene quasi in mente l’ultimo Bowie di Reality (e 

non è un paragone lusinghiero, se come speriamo conoscete 

bene il duca Bianco); e a poco vale la presenza 

nientemeno di Zach Condon dei Beirut, la cui Sunday 

Smile viene ripresa in modo dopotutto onorevole e la 

cui tromba è possibile sentire qua e là, così come un 

paio di ballate che appaiono quantomeno ispirate (China 

Shoes e Words In My Mouth, che avremmo visto bene 

in bocca a Marianne Faithfull). Non tutti i ritorni riescono 

col buco, ahinoi (le copertine invece sì: questa qui, del 

pittore olandese Chris Berens, è invero notevole). 

(5/10) 

antonio puglia 

blood orangE - CoaStal grooVES (domino, 

agoSto 2011) 

Genere: 60s pop, 80s 

Avevamo rintracciato il moniker Blood Orange, nuova 

pelle di Lightspeed Champion, prima con S’Cooled (ottobre 

2009) e Forget It (settembre 2010), poi quest’anno 

con una manciata di tracce: il singolo Dinner (uscito per 

la Terrible di Chris Taylor ovvero Grizzly Bear, CANT), Bad 

Girls, ed infine Sutphin Boulevard.Dev Hynes, del resto, ci 

parlava del nuovo album già parecchi mesi fa in un’intervista 

all’altezza del sophomore Life is Sweet! Nice to 

Meet You alludendo a una tracklist incentrata sul lo-fi, il 

black-funk e il dub. Scordandosi di menzionare l’aspetto 

dominante, gli amati 80s, il prolifico texano aveva posto 

l’accento sulla peculiare natura aperta del progetto, rimasta 

tale a risultato finito tra episodi caratterizzati dal 

pop estivo della decade edonista e divagazioni ritmiche 

e/o atmosferiche desert lounge e post-punk. 

Sul lato propriamente melodico, improntato su una sintesi 

di funk e soul, il meglio dell’album lo ritroviamo in 

Forget It (surf e rockabilly e una crema solare di strofe e 

ritornello à la Prince / Elvis Costello, synth e pennate di 

chitarra Chris Isaak e tanto di assoli trash rock), Champagne 

Coast (succo mainstream 80s di gran classe), e 

nella versione dell’album di S’Cooled (base disco-dub 

Adrian Sherwood / PiL, il gioco di chitarrine caraibiche 

e percussioni a cascata circa 84), tascurabili invece gli 

episodi su basi desertiche come I’m Sorry We Lied (un 

giochino di basi wave e chitarre Morricone-Calexico) e 

Complete Future (una scusa per aggiungere il proprio 

punto di vista alle sonorità del Rome di Daniele Luppi 

e Danger Mouse) con la sola Can We Go Inside Now a 

ricavarne un rotondo artigianato pop. 

Merito assoluto di Dev: aver riportato alle orecchie certi 

assoli trash blues à la Chris Rea (Are You Sure You’re Really 

Busy?), richiami Soho Culture Club e ricordi Bowie altezza 

Little China Girl, come dire: se l’intuito e il talento sono fuori 

discussione, fosse veramente concentrato il ragazzo classe 

85 potrebbe sfornare degli autentici capolavori pop. 

(7/10) 


butChEr boy - hElping handS (damagEd 

goodS, agoSto 2011) 

Genere: inDie pop 

Una ricerca su Google potrebbe trarvi in inganno, perché 

la sigla sociale di questo combo britannico è precedente 

all’omonimo film di Neil Jordan (del 1997, tradotto 

in italiano come “Il garzone del macellaio”). John 

Blain Hunt ha cominciato al sua attività poetico-artistica 

agli inizi di quella decade, inviando versi a testate varie 

e realizzando qualche piccola performance, ma sicuramente 

senza saper suonare una nota con la chitarra. Ma 

se da questo terzo disco della band vi aspettate spoken 

word, reading e simili, siete stati tratti in inganno anco- 

highlight 

anthony JoSEph & thE SpaSm band - rubbEr orChEStra (naiVE, SEttEmbrE 2011) 

Genere: spoken/funk 

C’è un mondo dietro alle parole di Anthony Joseph caldo d’Africa, colorato di Caraibi, annaffiato di impegno 

civile e politico, corroborato dallo studio, dalla performance, dal girovagare alla ricerca di una 

ricostruzione del grande mito black, quello del più imponente esodo che l’umanità abbia mai conosciuto 

nella storia. Una migrazione costante, quella del popolo d’Africa che ha portato il proprio carico di 

tradizioni, musiche, profumi, colori e in ogni riva che ha toccato ha saputo 

lasciare un segno e prendere in prestito qualcosa. Meticciato dell’anima e 

dell’animo prima ancora che culturale ed etnico. C’è tutto questo dentro ai 

settanta e passa minuti che compongono Rubber Orchestra, il nuovo disco 

del poeta, romanziere, ricercatore universitario (Birkbeck College, University 

of London) e musicista Anthony Joseph e della sua “voodoo punk” Spasm 

Band. 

Un riferimento obbligato è sicuramente lo scomparso Gill Scott-Heron, probabilmente 

il più famoso artista dello spoken word. Il suo fantasma, però, 

si aggira solo nella lunga e conclusiva Generations, in cui il canto della diaspora si tinge di soft soul dai 

ritmi dilatati. Per il resto, i riferimenti, a cominciare dalla copertina con quei giubbotti di pelle e quei 

dreadlock, sono per il funk anni Settanta, per George Clinton, per i Parliament. Il tutto contaminato 

con il jazz di Bennie Maupin e Ornette Coleman, Miles Davis e Herbie Hancock, e con il calypso, la soca 

e i ritmi in levare dei Caraibi. 

Se Joseph ci mette il soul, non tanto nella vocalità, ma nel prendere a cuore le sue storie di “political 

funk”, i suoi sette compagni di viaggio, di cui val la pena di ricordare almeno la chitarra nerissima di 

Christian Arcucci e i duttili fiati di Oscar Martinez, aprono il ventaglio al free/noise (Cobra chiudendo il 

cerchio con altro funk politico, quello targato Pop Group), al soul pop venato di funk (Started Off As A 

Dancer), a territori caraibici in senso più stretto (Money Satan, Damballah), ma anche venando lo spoken 

di Joseph di rock (Bullet In The Rocks che fa il verso anche alla quasi omonima canzone dei Rage Against 

The Machine). 

Rubber Orchestra è anche una raccolta di poesie dello stesso Joseph, pubblica in contemporanea con il 

disco. Il che non fa altro che sottolineare come la sua arte e quella dei suoi sodali abbia bisogno di spazi 

ampi per essere apprezzata: non ci sono ritornelli da facile presa, né strizzatina alle classifiche. C’è “solo” 

la storia della diaspora d’Africa. 

(7.5/10) 

marCo boSColo 

ra una volta.Anni da autodidatta autarchico di sinistra 

hanno dato a John Blain Hunt le basi per suonare che, 

unite agli incontri giusti, hanno portato alla formazione 

di una vera e propria band, esordio sul palco del Royal 

Air Forces Association Club di Glasgow nel 2005. Da lì 

all’esordio discografico il passo è breve (Profit In Your 

Poetry, 2007) e le buone recensioni portano a un sophomore 

a stretto giro di tamburo (React Or Die, lavorato 

nel 2008, ma pubblicato l’anno seguente).Ma se non c’è 

spoken word, cosa si troverà dentro alle dodici tracce di 

Helping Hands? Belle And Sebastian up tempo (Imperial, 

Bluebells, Russian Dolls), bozzetti cinematografici à 

la Tindersticks (J Is For Jamie, T Is For Tommy), qualche 

sprazzo messicaneggiante come di Calexico solo appena 

più elettrici (The Day Our Voices Broke, I Am The 

Butcher). Quel che rimane è un pugno di buone canzoni 

indie pop, screziate di intelligenza e bagnate da una 

splendida viola che - talvolta - evoca John Cale. 

(6.5/10) 

marCo boSColo 

66 67

Cant - drEamS ComE truE (Warp rECordS, 


Genere: Dream pop 

Nei Grizzly Bear, Chris Taylor è il personaggio più Gus 

Van Santiano. Senza di lui non esisterebbero né i magici 

cori né le basi di basso ma soprattutto i ragazzi dovrebbero 

trovarsi un nuovo produttore e missatore. 

Label owner da un paio d’anni, apprendiamo ora che il 

fosco biondo ha sempre avuto nel cassetto il sogno di 

fare il songwriter e che però scrivere canzoni non è mai 

stato la sua specialità. Di sicuro, nei Bear, con Ed Droste e 

Daniel Rossen (Department of Eagles), non lo avrebbe 

realizzato facilmente e dunque ecco CANT, la sfida alla 

cronica incapacità nel completare i brani, un progetto 

nato dopo un tour con i Radiohead e i complimenti 

di Johnny Greenwood per i quali s’esaltò, interviste alla 

mano, soprattutto lui. 

Pubblicato in Europa da Warp e in USA per la sua Terrible 

Records (con la quale esordì con un primo 7 pollici sotto 

CANT, nel 2009, con Ghosts), il producer pubblica ora un 

dieci tracce pesantemente influenzate dallo streaming 

sonico di Thom Yorke & Co., in piccola misura dal Peter 

Gabriel solista agli esordi, e senz’altro dagli eighties di 

Forget firmato da George Lewis Jr. (Twin Shadow) di 

cui Taylor è stato, a sua volta, il produttore. 

La presenza di Lewis influenza parecchio gli smalti dayglo 

di Believe o l’ancora più 80s The Edge quando il cuore 

dell’album diluisce l’eredità dei Bear (le folk song in riva 

al mare BANG, She’s Found A Way Out, una lo-fi al piano 

Breicht) in una serie di contraltari per drum machine, 

bassi profondi e altri trick che abbiamo più volte incontrato 

nel catalogo contaminato ed eterogeneo della 

Warp dei 00s (vedi anche Answer). 

A mancare, in queste strutture aperte, sussurranti e potenzialmente 

infinite, è proprio il featuring di una personalità 

forte come Thom Yorke che sappia intersecarsi nei 

piani elettronici. L’album gioca consapevolmente con i 

propri limiti e conserva un suo fascino a patto che non 

rischi nelle citazioni (il piano di Rises Silent in evitabilissimo 

stile Pyramid Song). Dignitoso side project ma 

niente di più. Per ora. 

(6.8/10) 


CaShiEr no.9 - to thE dEath oF Fun (bElla 

union, agoSto 2011) 

Genere: inDie pop 

Una nota stampa che cita gli Stone Roses impone per 

lo meno di drizzare le orecchie al passaggio di questo 

gruppo di Belfast. 

In realtà, i rivoli di crema psycho folk che i Cashier 

No.9 riversano sull’ascoltatore incontra i temi floreali 

dei mancuniani solo nei suoi momenti più spediti, vuoi 

per una certa somiglianza del singer con le tonalità più 

alte della voce di Ian Brown, vuoi perché l’andamento 

soave e trasognato (al netto del groove danzereccio) 

dell’opener Goldstar ricorda il tema di Waterfall. 

Per il resto la grandeur un pò sognante, l’opulenza dei 

suoni (che porta ad esempio ad un utilizzo generoso di 

rulli di tamburi, xilofoni e synth a profusione) è quella di 

chi ha fatto propria la concezione barocca di Brian Wilson, 

Scott Walker e Phil Spector, seppur applicandola a 

melodie dal sapore West Coast e dall’appeal immediato 

(Lost At Sea, Goodbye Friend). 

I Cashier, peraltro, il loro Phil Spector lo hanno trovato 

nella figura del produttore David Holmes. E’ lui ad allestire 

una moderna versione del wall of sound, ricoprendo 

le melodie zuccherine di una patina opalescente che ne 

esalta la luminosità. Un gioco di riverberi che campisce 

ogni spazio donando ai brani quello stupore psichedelico 

che fa spiccare loro il volo. 

(6.9/10) 

diEgo ballani 

CauSa Sui - pEWt’r SESSion 2 (El paraiSo 

rECordS, luglio 2011) 

Genere: psicheDelia 

Avranno di che essere soddisfatti i patiti delle jam psichedeliche 

dilatate allo stremo con il volume 2 delle 

Pewt’r Session dei danesi Causa Sui. Lunghe improvvisazioni 

che passano in rassegna tutto il campionario 

pischedelico, dalle espansioni a la Grateful Dead fino 

allo space rock matrice Hawkwind, condito da abbondante 

salsa krauta. Quello che ricordano di più i Causa 

Sui sono gli Amon Dull II privi della carica misteriosa ed 

esoterica da sabba dei boschi mitteleuropei. 

L’apertura di Garden Of Forking Paths si apre con un 

andamento jazzato per poi sfociare in un profluvio di 

effetti wah e saliscendi chitarristici. Gelassenheit ricalca 

l’incedere di Hallogallo dei Neu! sbrodolandolo in una 

furia impro che perde le coordinate. La finale Brassica 

Blues mette i Led Zeppelin sotto codeina sfilacciando 

un hard blues per undici minuti. Pewt’r Session 2 è un 

disco più che dignitoso ma in cui alla fine a prevalere 

sono la caccia alla citazione e un’improvvisazione che 

sfocia sempre in suoni già noti. 

(6.3/10) 


Chllngr - haVEn (grEEn oWl, luglio 2011) 

Genere: Dub-soul 

C’è chi con un sol disco battezza il suono del momento 

anticipandone i risvolti che verranno, e chi si limita a 

inserirsi in un continuum consolidato cavalcando l’onda 

del tempo. C’è un anno, questo 2011, che verrà ricordato 

per la tonificante irradiazione soul che ha ridisegnato 

gli equilibri evolutivi, illuminando con un raggio trasversale 

le mosse migliori in campo dub, r’n’b e dance. 

E infine c’è un producer danese, CHLLNGR, che arriva 

esattamente a metà dei dodici mesi e debutta con un 

album, Haven, che funge da perfetto riassunto di quanto 

recentemente detto nei vari avvicendamenti step da 

James Blake in avanti. 

Sarebbe stato il momento più favorevole per aggiungere 

altri elementi di novità, ma Haven non vuole partecipare 

alla competizione: sceglie invece di ripartire da 

tesi classicamente Burial (Ask For, Haven) per mettere di 

nuovo al centro la questione soul, secondo schemi già 

collaudati da Jamie Woon (i risvolti rhythm-and-dub di 

Sundown e Dark Darkness) e SBTRKT (le beat-illusioni 

di Dusty e May 3). Un occhio dunque che guarda deciso 

agli ambienti caldi di Londra, ma uno stile che mantiene 

comunque una propria freddezza climatica. Il disco piuttosto 

si adagia sulla tipica desolazione dub, che risorge 

dalle ceneri e si riscopre intimista e gelosa dei propri 

contenuti. 

CHLLNGR va in controtendenza: mentre tutt’intorno 

le voci si sovrappongono cercando di affermarsi sulle 

altre, lui si muove con passo felpato e carattere timido, 

non punta ad imporsi ma propende ad una partecipazione 

passiva. Fosse arrivato con nove mesi di anticipo 

avrebbe fatto il botto, oggi invece si attesta come disco 

di rappresentanza del sound dell’anno, a cui però manca 

il guizzo per distinguersi. Ma si sa, l’esordio in sordina è 

il miglior presupposto per stuipire al ritorno... 

(6.8/10) 


ClamS CaSino - rainForESt Ep (tri anglE, 

giugno 2011) 

Genere: hip hop / Downtempo 

Di Clams Casino, negli ultimi mesi, abbiamo parlato parecchio, 

ed ecco finalmente il suo nuovo attesissimo EP: 

Rainforest, seguito di quell’Instrumental Mixtape che l’ha 

fatto conoscere al mondo come uno dei beatmaker più 

interessanti in circolazione (anche grazie alla prolifica 

collaborazione con Lil B, il freak numero uno del rap 

statunitense oggi). 

Cinque tracce che confermano quanto di buono avevamo 

scritto sul suo conto. Il giovanissimo producer 

del New Jersey, infatti, è un grandioso talento dell’era 

Internet, fautore di paesaggi sonori dal notevole impatto 

emotivo, racchiusi in strumentali hip hop dal gusto 

classico ma contemporaneamente ipermoderno. Natural 

è un trip emozionale con pitch rallentato; Treetop 

si staglia su un sample chitarristico e field recordings; 

Waterfalls riprende le intuizioni dei brani precedenti e 

le estremizza; Drowning è come un mantra per nativi 

digitali; Gorilla chiude il pacchetto con un gran gioco 

di piatti e riverberi. 

Un altro strike, quindi, nell’attesa del nuovo album ufficiale 

di Lil B, intitolato I’m Gay, in cui si spera che la 

combo che ha dato vita ad un capolavoro come I’m God 

si ripeta su quei livelli. Aspettiamo fiduciosi. 

(7.4/10) 

Filippo papEtti 

Clap rulES - goldEn handS (bEar FunK, 

luglio 2011) 

Genere: Disco-electro-pop 

Quando, nel 2009, erano saliti alla ribalta con i 12’’ Old 

Sequencer e Buio Omega, i Clap Rules erano andati giù 

di nu-disco grintosi e svergognati, mirando con decisione 

a far ballare senza perdersi in divagazioni nobili. 

Quest’anno l’italianissimo trio composto da Fabrizio 

Mammarella, Andrea Gabriele e Massimiliano Leggieri 

approda sulla lunga distanza e sposta l’accento su un 

piano parallelo: tono ritmico alleggerito, ispessimento 

della densità electro e aderenza al formato pop, vale a 

dire più cura verso l’orecchio e un certo distacco dalla 

pista. 

In Golden Hands prevalgono dunque sound di maniera e 

formule collaudate, vedi la leggiadria Junior Boys di Oh 

Uiba e Silver Mountains o l’incedere dritto house-electro 

di Pericoloso e Approccio. Tra i momenti più riusciti il vocoder-pop 

di Get Excited, a metà tra i primi Daft Punk e 

l’ultimo Squarepusher, le movenze 4/4 ambient di Azzardo 

e una breve parentesi (Golden Hands) di quella 

space disco che trova oggi piena espressione con Massimiliano 

Pagliara. Nel complesso non ci sono grossi 

appunti da muovere, ma rimane la sensazione che i tre 

nostrani abbiano potenzialità maggiori di quelle effettivamente 

espresse sul disco. Fine lavoro di produzione e 

sound piacente che accontenta tutti, ma il groove killer 

dov’è finito? 

(6.1/10) 


Colin l. orChEStra - inFinitE EaSE / good 

god (northErn Spy rECordS, luglio 2011) 

Genere: neo-country 

Ne parlavamo in occasione della fine-corsa targata Usa 

Is A Monster, di cui Colin Langenus era la metà esatta. 

Ora le prime release della propria personale orchestra 

68 69

sono qui, ma prima di addentrarvici, sono necessarie un 

paio di premesse: 1) dimenticate le sfuriate neo-progmetal 

della casa madre e tutta la ludica follia che le caratterizzava; 

2) tralasciate di concentrarvi sul suffisso 

“Orchestra” perché, pur supportato da un numero indefinito 

di collaboratori (fino a trenta!), questo è il progetto 

in solo di Langenus; da lui parte e con lui si conclude. 

Detto questo, infilarsi in questi due distinti album - non 

un doppio, ma due entità distinte seppur pubblicate 

all’unisono e per la stessa label - è come infilare la testa 

nella terra della tradizione che più americana non si 

può. Country, in primo luogo. Psichedelia, in secondo. 

Diciamo un 60/30 per esprimersi in percentuali, col restante 

10% sparso abilmente tra southern-rock, qualche 

spruzzata jazzy, del sano r’n’r virato deserto e anche 

qualche punto di weirdismi vari. Al centro del tutto c’è 

sempre e solo lui, però. L’insano chitarrista dread-locked 

e dal barbone rosso fuoco mostra come agire fuori dagli 

steccati sia una necessità più che un mero vezzo, muovendosi 

agilmente tra forme sonore che mai ci saremmo 

aspettati di sentire da uno come lui. Mai sopra le righe, 

mai rumorosa in senso stretto, eppure rivoluzionaria nel 

suo essere ancorata ad una tradizione “altra” rispetto al 

sentire musicale di Langenus. Uno che per inciso ha 

trafficato con l’underground diy americano più torbido 

con la Massive Distribution e che ora stravolge se 

stesso tra nenie country assolate e dilatate (You Need 

Sleep), desert-rock made in Meat Puppets (Paradise) o 

stomp-rock tutto fiati e sudismo (Nothing To Say). 

Se Good God sembra quello più regolare nelle sue forme 

classiche, qualche svisata avant e qualche sperimentalismo 

weird in più li rintracciamo in Infinite Ease: il rumorismo 

di fondo che apre la cavalcata di Beer Can, la 

psych solipsistica di Descaped, le lunghe dilatazioni di 

Hold Tite e Best Thing dicono di una eccentricità da intendersi 

etimologicamente come allontanamento da 

un centro indefinito e, insieme, fuga verso nuovi mondi 

da esplorare. 

(7.2/10) 


Comma - ViSionario (mK rECordS, giugno 

2011) 

Genere: cantautorato wave 

Coniugare un certo gusto anglofono con la tradizione 

cantautorale italiana non è mai stata cosa semplice. Il rischio 

di cadere nel retorico, nel già fatto, nello scimmiottamento 

o peggio ancora nel plagio, incombe sovrano. 

Trovare una soluzione originale e innovativa, in questo 

genere, è sempre obiettivo particolarmente difficile da 

raggiungere. In questo senso Comma, all’anagrafe Pier- 

paolo Mazzulla, insieme al suo alterego di penna Andrea 

Orlando, ci riesce molto bene, inventandosi in Visionario 

una terza via che se da un lato ha sì tanti riferimenti arcinoti 

(Ivan Graziani, Mario Venuti, Moltheni), dall’altro 

ha la maturità artistica di riprenderli e scriverci sopra 

qualcosa che si posiziona sia su una linea di continuità 

che di rottura, prendendo in prestito lo stretto necessario 

per metterlo in mostra alla giusta occasione. 

Lo fa in un susseguirsi di viaggi interiori e intimisti, ma 

anche raccontandoci semplicemente la vita di tutti i 

giorni: quella semplicità disarmante che solo la quotidianità 

sa dare. La titletrack è la ricetta ideale per chi si 

avvicina a questo disco. Una sorta di guida all’ascolto, di 

premessa intenzionale: “solo un visionario può cambiare 

la realtà/solo un visionario può far crollare un muro”. Romantica 

ballata di quelle che non si ascoltavano da tempo, 

Tramonto è un ottimo esempio di come il cantautore 

calabrese sappia giocare molto bene con melodie ariose 

e immaginifiche, mai mero accompagnamento ma volto 

a formare con le liriche un connubio inscindibile. Granello 

di Cielo, lievemente dipinta da un solitario pianoforte 

da bistrot francese, è l’emblema della piacevole leggerezza 

di un disco che fa incontrare scanzonati momenti 

pop rock (Anime, Due Corpi) e fotogrammi di riscatto 

sociale (L’escluso). 

Canzoni nell’accezione più italiota del termine: da canticchiare 

e strimpellare, senza astruse pretese storiche 

ma con l’ambizione, tutt’altro che scontata, di emozionare 

ed emozionarsi, far riflettere riflettendo. E di questi 

tempi non è poca cosa. 

(6.9/10) 


CSS - la libEraCiòn (CoopEratiVE muSiC, 


Genere: pop 

Come gli Wombats un anno dopo, ma nel rispettivo 

ambito elettro-contaminato, i brasiliani CSS erano, nel 

2006, una perfetta cartina al tornasole di ciò che era 

andato nei primi Duemila. Mescolavano punk e pop, 

sintetico e rock e se avevano senz’altro avuto il merito 

d’allungare la vita all’electro-clash (Chicks On Speed) 

rappresentavano la classica bolla speculativa per chiunque 

- dall’ascoltatore indie-generico (Off The Hook) al sofisticato 

divoratore p-funk (Music Is My Hot Hot Sex, Let’s 

Make Love and Listen to Death From Above) e di videoclip 

(Alala), dal discografico (Sub pop, Warner) al produttore 

videogame (Fifa, Midnight Club: Los Angeles...) - volesse 

vederci/respirarci/viversi una fetta di fugace inizio millennio 

abulimicamente citazionista. 

Con il successivo Donkey, e gli 80s che iniziano a spin- 

highlight 

bEirut - thE rip tidE (pompEii rECordS, agoSto 2011) 

Genere: fanfara pop 

Un percorso in salita con una pausa prima della meta, così si configura oggi il cammino di Zachary Francis 

Condon all’indomani dell’uscita di The Rip Tide, album definitivo di un ragazzo che da caso indie si è 

trasformato in un icona pop al pari di Arcade Fire, The National e Sufjan Stevens. 

La sua è una di quelle classiche storie a lieto fine: prima c’è stata la Gulag 

Orkestar, l’inserimento in una effervescente scena di nuove espressioni balcaniche 

non ordinariamente etniche quali A Hawk And a Hacksaw e Matt 

Elliott, poi il consolidamento della formula trans-balcanica con il sophomore 

The Flying Club Cup, e quindi il momento di riflessione e la conseguente 

mosse di lato: un doppio eppì diviso tra divagazioni messicane con la Jimenez 

Band di Oaxaca e una manciata di vecchie tracce elettroniche composte 

in gioventù sotto il nome di RealPeople. 

Ora a quattro anni di distanza, abbiamo le canzoni di quest’album, scritte 

nell’inverno scorso a New York e lungamente testate dal vivo (East Harlem compare già in Beirut: Live 

at the Music Hall of Williamsburg del 2009). Zac partorisce la sua versione della serenata pop-folk per il 

Sud del Mondo, qualsiasi esso sia, un cuore imbevuto di struggente malinconia e fanfare sul perimetro, 

mansuete, bofonchianti, a far da sfondo o da snodo. La melodia è padrona.Strofe e ritornelli dunque al 

comando e, in cima, il crooning, severo e imperturbabile, perfetto, quasi monocromatico ma compensato 

egregiamente dal songwriting (specie nei brani basati sull’accompagnamento al piano - Vagabond). 

Sterilizzando gli ottoni (A Candle’s Fire, Payne’s Bay, Port Of Call, The Peaock), e surfando sull’effetto cartolina 

impolverata del West, Zac ne esce con un trittico di classici istantanei come la citata Santa Fe, unica 

traccia ad avere un arrangimaneto elettronico (omaggio alla città dove Zac è nato anche artisticamente), 

l’accorata East Harlem (per chitarrina e fiati in background) o l’ancor più solitaria Goshen 1 (piano, voce 

e crescendo ai fiati).The Rip Tide è l’album definitivo per Beirut. Trentatrè minuti di titoli di coda. Il poi 

si vedrà. 

(7.35/10) 


gere (Move), i ragazzi si reinventano senza lo stesso 

successo (Left Behind), abbandonano l’indie-electro più 

ruspante, compattano e puntano svogliatamente alle 

radio fm e a quell’America che li ha sempre visti con 

freddezza e, a tempo perso, iniziano a giocare d’anticipo 

sui Novanta (Rat Is Dead (Rage)). Risultato: consolidamento 

di una nicchia mainstream “di riserva” negli UK, 

due passi indietro nelle charts dei singoli (tranne in Finlandia!?) 

e sbuffo del mondo internettaro che reclama 

ricordi 80s da immaginario collettivo e non l’ennesimo 

revival dell’intorno 78-84 (il p-funk di Jager Yoga o la 

mutant disco Reggae All Night).Con La Liberación, i CSS 

ritornano alle origini ma ritentano la scalata americana 

con le proteiche I Love You e City Girl che strizzano l’occhio 

all’infantilismo di Katy Perry e alla fake riotness di 

Ke$ha (vocoder compreso), e provano a condirli con 

i triti trucchetti punky degli esordi (lisergiche MGMT 

o sintetiche nu rave). Sono episodi piuttosto isolati e 

fortunatamente con il tropicalismo scazzato e divertito 

le cose vanno nella dirazione giusta salvo scadere in ritornelli 

da corso all’acquagym (Echo Of Love) o banalizzazioni 

Chicks On Speed (You Could Have It All). 

E’ un vero peccato che metà dell’album se ne vada in 

questa direzione quando era stata una bella Hits Me Like 

A Rock con tanto di cameo di Bobbie Gillespie (Primal 

Scream) ad anticipare l’intero album tra morbidezze 80s 

e vintage funk. Il rischio più grave, del resto, è quello di 

mandare all’aria una seconda parte che matura i citati 

tagli 90s di Donkey con risultati soprendentemente 

adulti. Lovefoxxx migliora la cadenza di qualche strofa 

in slacker punk (Rhythm To The Rebels) e il bassista e produttore 

del disco Adriano Cintra ci mette l’ideale mix di 

strati produttivi (Fuck Everything). 

Non sono male i brasiliani quando macinano la verve 

urban che va dai Sonic Youth alle Throwing Muses 

passando persino per i Pulp e una coda al pianoforte 

70 71

dell’ospite Mike Garson, session man per il bowiano Alladin 

Sane (Partners In Crime). E’ questo il nuovo volto 

radical chic del combo brasiliano (bella anche Red Alert), 

ancora pop-punk ma animato - e bentornati aggiungiamo 

- di sincera urgenza e fors’anche una rinnovata 

consapevolezza. Peccato per le schifezzuole nella parte 

iniziale. 

(6.5/10) 


daVE Cloud & thE goSpEl oF poWEr - 

praCtiCE in thE milKy Way (FirE rECordS, 


Genere: american white trash 

Bisognerebbe sempre andarci piuttosto cauti con i cosiddetti 

“miti underground”: basta un alone di stranezza 

ed ecco che ti spacciano per genio un semplice mestierante. 

Diteci infatti cosa c’entra mai lo sciamanesimo tirato 

in ballo dall’etichetta con il sig. Cloud, che da un 

quarto di secolo pare delizi con incendiare esibizioni dal 

vivo il sottobosco di Nashville. Sarà probabilmente un 

mago sulle assi di un palco, costui, nondimeno l’ascolto 

del suo nuovo disco restituisce cinquantacinque minuti 

di noia a tratti sconfinante nel puro fastidio. 

Una confusione dilettantesca che fa apparire Deviants e 

Butthole Surfers dei freschi diplomati di conservatorio 

- con però molta più creatività e gusto - e che ha spinto 

in passato l’altrimenti serio The Wire a definire Cloud un 

incrocio tra Roky Erickson e Charles Bukowski. Fosse 

vero soltanto la metà, questo poetastro dall’insopportabile 

birignao declamatorio caverebbe di tasca ben altro 

che tediosi siparietti esotici, ballate legnose e tremolanti 

atmosfere in bilico tra calligrafismi funk, space-rock 

e surf, che spesso alterna con una manovalanza hard 

da motociclisti del tutto priva di mordente e attributi. 

Accozzaglia tale da indurci a pensare dove stia, nel 

rutilante mondo della stampa musicale, il confine tra 

sprovveduto e furbacchione. 

(4.5/10) 


daVid thomaS broughton - outbrEEding 

(brainloVE rECordS, giugno 2011) 

Genere: folkpop 

Un talento purissimo. Dice qualcuno che il talento è la 

dote di sapersi fidare dell’istinto. Il capolavoro The Complete 

Guide to Insufficiency - già da allora si capiva 

ma a un lustro di distanza non mancano le conferme - è 

fatto di questo. Intuiva genialmente che si potesse fare 

musica minimalista prendendo i mattoni dagli stilemi 

del folk anglosassone. E, istintivamente, David Thomas 

Broughton canta senza pensarci, facendo che quegli 

stilemi vengano a lui, senza fatica - motivo per cui non 

manca di detrattori, che poco riguardo gli riservano, una 

volta nominate le derivazioni vocali e pathos da Anthony 

o Devendra Banhart. 

Le canzoni di Outbreeding sono articolazioni di un 

“buon senso” cantautoriale, tutto suo e del tutto coerente 

con gli anni in corso. Lo shift, rispetto a The Complete 

Guide e al precedente It’s in There Somewhere (fatti 

salvi alcuni casi, come Potential Of Our Progeny), è la dimensione 

band-oriented, l’uso di una batteria, di una 

chitarra, a volte di un pianoforte, di strumenti arrangiati. 

La voce raggiunge l’intensità a cui siamo abituati, tocca 

vette di svenevolezza, è sempre al centro dell’attenzione. 

David sospende però la tecnica tutta personale di 

coltivazione del frammento, prende a strutturare ciò che 

ha sempre lasciato all’ascoltatore, cioè la ricostruzione 

emozionale, aldilà della fruizione, dei brani. Ci si chiede 

cosa possa servire a Broughton una dimensione tanto 

tradizionale, se e in che modo riesca ancora a cadere 

in piedi. La risposta è contenuta in Staying True, una su 

tutte. Riscatto di scrittura e di arrangiamento, manifesto 

per la nuova personale onda. La canzone “chiusa” che 

chiude il capitolo canovaccio, forse. 

Non mancano certo, almeno nei titoli, le ripetizioni dal 

precedente It’s in There Somewhere (Ain’t Got No Sole, 

Nature). Eppure le due coppie di versioni sono aliene le 

une alle altre. Outbreeding è un altro mondo dove le 

cose che si chiamano alla stessa maniera sono diverse. 

Istintivamente continueremo a cercare sue notizie, a seguire 

le vicende di David, avendone colto l’intensità rara 

e la capacità di sorprendere con l’instabilità. 

(7.2/10) 

gaSparE Caliri 

dEEpChord - haSh-bar loopS (Soma 


Genere: tech-house 

Anche solo nelle nelle zone di contatto con deep e ambient-noise, 

la superiorità della formula techno-dub di 

Deepchord è fuori discussione: The Coldest Season 

è probabilmente una delle pagine più belle degli anni 

Duemila in quest’ambito e Liumin, dello scorso anno, 

un degno seguito che ha avuto il merito di divulgarne 

il verbo oltre i classici confini dell’elettronica. Con 

Hash-Bar Loops, registrato dal solo Rod Modell ad Amsterdam 

e pubblicato da Soma Records, il leggero calo 

di qualità dal 2007 a oggi va rilevato ma, di sicuro, non 

stigmatizzato. 

Senza Hitchell, Rod concentra maggiormente l’attenzione 

sull’ambient (il taglio Pan American di Spirits) e i 

minimal groove (Stars, City Center), tra beat chicagoani 

(Sofitel), latitudini marittime (i micro-tagli folk di Merlot) 

e altrettanto note basi propriamente techno (l’ordinaria 

Tangier e la più magmatica Electromagnetic); ritornano 

perciò fondamentali l’esperienza da solista (ricordiamo 

come sempre il capolavoro personale Incense & Black 

Light) e soprattutto l’uso del field recording, qui particolarmente 

rivolto allo studio della percezione del 

suono da club. 

Claps ridotti a phonoregistrazioni di sfregamenti di 

foglie (Oude Kerk) o sgocciolamenti dai tubi (Crimson), 

sporadiche voci lontane, riverberi del cemento e una costante 

cassa davvero subacquea (come se stessimo fuori 

del club dietro alla porta tagliafuoco di sicurezza - Balm - 

oppure nel bar in fondo a un lungo corridoio - Crimson) 

fanno di Hash-Bar un concept per esistenzialisti in pausa 

sigaretta che guardano il cielo fuori dal main stage con 

Biosphere in cuffia e i bpm ancora in corpo; un piede 

appoggiato al muro di una Amsterdam in ricordo Rave 

(Black Cavendish) e occhi fissi a guardar ebeti qualche 

particolare industriale nel capannone occupato (Neon 

And Rain).Diventa chiaro che il sound designer ci racconta 

le stesse cose di sempre scegliendo, di volta in 

volta, un’angolazione e setting di base differenti: Tokio 

era più omogenea e tech, la capitale olandese più magmatica 

e house. La maniera di una formula definitiva si 

rinnova grazie a un vecchio prefisso della critica musicale: 

art-dub-techno. 

(7/10) 


dESErt motEl - yarn (SoFa rECS, agoSto 

2011) 

Genere: inDie rock 

Li ricordo quattro anni fa all’esordio con un Out For The 

Week End ep che, come si dice, basta il titolo. Figuriamoci 

se un inveterato younghiano come il sottoscritto 

poteva non apprezzare. Poi dei Desert Motel non ho 

saputo più nulla fino ad oggi, allorché mi viene recapitato 

Yarn, l’esordio su lunga distanza per Sofa Recs. Che 

mi ha riservato qualche motivo di stupore. Pare proprio 

infatti che il quartetto di Aprilia capitanato dal chitarrista 

e cantante Cristiano Pizzuti, abbia allargato il raggio 

d’azione risciacquando i panni alt-country in un acidulo 

intruglio british. Ferma restando - bontà loro - la nota 

destrezza compositiva. Ed ecco quindi che gran parte 

delle dodici tracce in scaletta strizzano l’occhio ai palpiti 

indie-rock d’Albione, vedi quella Misery Road come potrebbero 

certi I Am Kloot, una Something che riverbera 

languori Oasis e le particelle Beatles di Valentine’s Gone. 

Discorso simile per una Flowers che addirittura scomoda 

impeto post-wave, mentre Let It Shine persegue carezzevoli 

mestizie acustiche che avrebbero spopolato in 

epoca NAM. 

Poi, siccome l’imprinting è una cosa seria, riaffiora eccome 

l’antica fregola Wilco - versante elettrico - nelle 

baldanzose trepidazioni di Paperstars e Kurtz. E’ un 

pendolare estetico tutto sommato intrigante, ancor più 

quando una Brugge, Belgium si aggira tra le coordinate 

con fare deliziosamente ibrido, cosa che fa - ancor più 

significativamente - pure quella Paths che ricordiamo 

nel suddetto ep in versione roots. Preso atto della nuova 

situazione, va detto che l’ascolto è gradevole anche 

se rispetto agli impegnativi modelli di riferimento paga 

dazio in termini di soluzioni sonore (puntuali ma abbastanza 

prevedibili) ed interpretazione (il canto si canta 

un po’ addosso con fare legnoso). Devono farne insomma 

di strada, i Desert Motel. Se scattano gli interruttori 

giusti, potrebbero farla davvero. 

(6.7/10) 


dEuS - KEEp you CloSE (piaS, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: rock 

Tre anni dopo aver consolidato il ritorno a pieno regime 

col più che discreto Vantage Point, i Deus ribadiscono 

il concetto col tipico album da rock-band matura. Detta 

altrimenti, la scaletta di Keep You Close mette in fila 

nove pezzi piuttosto ispirati e ben confezionati, forse 

la miglior collezione dai tempi di The Ideal Crash. Non 

fa né meno né più di questo. E lo fa piuttosto bene: le 

turbe Nick Cave via Afghan Whigs di Darks Sets In (non 

a caso troviamo il caro Greg Dulli ai cori, come anche in 

Twice), il rigurgito eighties di Constant Now (particelle 

INXS e Police in fregola Wall Of Voodoo), le inquietudini 

gotiche di The Final Blast e una title track che spennella 

romanticismo noir innervato d’archi e xilofono, valgono 

abbondantemente il prezzo del biglietto. Sarebbe 

perciò intellettualmente disonesto non considerarlo un 

buon disco. 

D’altro canto, non possiamo esimerci di tornare con la 

mente a quei Deus che rappresentarono una possibilità 

di rock “diversamente indie” nei Novanta: lo spiffero nel 

vaso di Pandora da cui sprizzavano spiritelli zappiani, 

inquietudini mitteleuropee, foghe noise, allucinazioni 

cabarettistiche e improcrastinabili struggimenti. Ecco, 

di quel brio versicolore e indocile, non è rimasto praticamente 

nulla, barattato alla pari con la padronanza 

dei mezzi e la lucidità calligrafica. Poco male, si sa 

come vanno queste cose. Gli anni passano, cambiano 

gli obiettivi, si smerigliano le fregole eccetera eccetera. 

72 73

highlight salmente tocca proprio ad un brano intitolato La Noia 

Cut handS - aFro noiSE (SuSan laWly, luglio 2011) 

Genere: afro-harsh-noise 

E così, mentre un Bennett - Tony - compie operazioni di necrofilia scorretta riesumando la salma/voce 

di Amy Whinehouse a nemmeno un mese dal trapasso, un altro Bennet, molto più efferato e privo di 

umana compassione (così come di meri istinti economici), compie una operazione di necrofilia corretta. 

Assonanze Bennett-Whinehouse / Bennett-Whitehouse a parte, la distanza tra i due mondi è a dir poco 

siderale. Mr William Bennett aka Whitehouse, smette i panni del violentatore 

sonico col quale si mostra da decenni sul panorama harsh-industrial 

e power-electronics mondiale per indossare quelli a nome Cut Hands. Efferato 

lo stesso, a ben vedere, ma lievemente più intelligibile e piuttosto 

sorprendente se non si conosce la vita recente del solitario noiser inglese. 

Afro Noise mette infatti le asperità Whitehouse al servizio dell’afro-sound 

percussivo di cui ultimamente, vedi alla voce Congotronics, il mondo occidentale 

ha conosciuto il valore primordiale, la profondità ancestrale e 

l’assoluto fascino a fronte di una povertà di mezzi (produttivi, oltre che di 

materie prime) incredibile. Bennett sposta l’attenzione non solo sul Congo ma anche sul Ghana e sui suoi 

funeral drumming per innescare una bomba ritmica a metà tra l’analogico e il digitale. Vera e propria 

tempesta di percussività primordiale che assume le forme della ossessiva reiterazione ritmica (l’opener 

Welcome To The Feast Of Trumpets), della techno terzomondista (Stabbers Concpiracy), della poliritmia 

(Shut Up And Bleed) non disdegnando efferatezze harsh (le lancinanti scudisciate di Munkisi Munkondi o 

i sibili stracciaorecchie di Nzambi Ia Lufua) e squarci di stasi synthetica (++++ Four Crosses). 

Non una novità questi contatti con mondi “altri”. Bennett ne ha recentemente dato prova in composizioni o titoli 

come Munkisi Munkondi (da Bird Seed del 2003), Nzambi Ia Lufua (in Cruise del 2001) e Bia Muntati (da Racket) 

tutte presenti in Afro Noise così come in quella opera di rielaborazione del Bennett-pensiero che fu Whitehouse 

Electronics ad opera del collettivo Zeitkratzer. Così come è una sorpresa scoprire che ci sia proprio lui dietro la 

compilation Estreme Music From Africa del 1997, una delle prime testimonianze della musica off africana. 

Whitehouse goes to Africa? Noi apprezziamo, pur rimanendo sempre più perduti nelle pieghe del suono 

di un progetto tra i più avanguardistici di sempre. 

(7.3/10) 


Però, che vi devo dire: a me questo programmino dal 

tiro ragguardevole, prodotto con la sagacia del caso, fa 

un po’ l’effetto di un panino dopo un’anatra all’arancia. 

Va bene giusto per completare il ciclo dell’appetito. 

(6.6/10) 


diliS - nulla da CapirE (SEahorSE 

rECordingS, SEttEmbrE 2011) 

Genere: cantautorato rock 

E’ di una leggerezza quasi irritante il nuovo disco dello 

stabiese Dilis, moniker dietro al quale si nasconde 

Pietro Di Lietro, già cantante e chitarrista dei La Condizione 

Danzante. Dal titolo vagamente de gregoriano, 

Nulla da capire è un lavoro omogeneo, ben curato, 

piacevole fin troppo. Chitarre acustiche ed elettriche 

sono più che sufficienti all’artista campano per disegnare 

carezzevoli e struggenti melodie in un folk altisonante, 

ricco di fascino e gusto. Nick Drake, Jeff 

Buckley, Damien Rice rappresentano quasi dichiaratamente 

i punti di riferimento: rincorsi, riletti, cercati, 

celebrati. 

E in parte il gioco riesce pure. Il vero limite - da prendere 

ad ogni modo con i guanti trattandosi di un lavoro che 

nel complesso supera ampiamente la sufficienza - sta 

nei testi poco convincenti, distonicamente lontani, a 

loro modo ripetitivi nel descrivere una condizione di 

precarietà interiore o relazionale ben inquadrata in Fatti 

distanti. Ci si muove poco e male, sicuramente non all’altezza 

delle più che buone soluzioni armoniche. Parados- 

il compito di dare una ventata di risveglio ad un lavoro 

che rischia di far fatica a catturare l’attenzione dell’ascoltatore 

per la sua intera durata. Un album che rimane 

comunque suonato molto bene e che strumentalmente 

ha delle perle da non trascurare (la titletrack, Ti Mostrerò, 

la fiammeggiante Kaos Kafè): idee interessanti che con 

testi più variegati e un cantato meno ammiccantemente 

sussurrato, potrebbero raggiungere risultati notevoli. 

Le qualità non mancano di certo. La rabbiosa, conclusiva 

e sferzante Diventiamo Cattivi ne è la riprova, andandosi 

a posizionare esattamente all’interno di questo solco: 

meno sdolcinato e più romantico, meno sussurrato e più 

onirico, meno ermetico (sic!) e più vissuto. Ti vogliamo 

più cattivo, Pietro. Speriamo di averti fatto arrabbiare 

abbastanza. 

(6.6/10) 


diStanCE (uK) - dubStEp allStarS - Vol. 8 

(tEmpa, SEttEmbrE 2011) 

Genere: Dubstep 

Greg Sanders aka Distance, ovvero, dell’oscurità e 

dell’atmosfera, il lato più riffettoso e pro-club della 

scuola dubstep, la scienza del basso tremolante roboassistito, 

il boomerang che raggiunge Scorn e torna in 

mano. 

Il prime mover della scena dubstep, tempo fa DJ per l’ex 

radio pirata Rinse FM (oggi convertita in passaparola 

pseudo-commerciale del genere), firma l’ottavo capitolo 

della saga più famosa e rappresentativa delle collane 

del dubstep con una combriccola del blasco formata 

da, tra gli altri, Benga, Cyrus, Tunnidge e naturalmente 

Pinch, personaggio di culto con il quale l’uomo divide il 

progetto Deleted Scenes (resuscitato per l’occasione). 

18 su 25 sono tracce esclusive, dubplate che il dj e 

producer custodiva gelosamente. Ben otto sono sue. 

E’ l’impronta, forte e coesa, di una tracklist che pivota 

sci-fi (la sua Knowing) e una generosa manciata di coriacei 

giri di wobble-dub cartilaginosi (Troubles, ancora 

di Distance) dove non c’è scampo se non accendendo 

la vista al calore. 

Circondato da bestie aliene, rettili (Out Of Reach di 

V.I.V.E.K) e cyborg di carne e circuiti (una bomba a mano 

come Ultimate Moment di Deleted Scenes), Sanders è 

entrato nel cono d’ombra. Gli electro headz modaioli 

gli preferiranno il pop (James Blake, Magnetic Man, 

Katy B.), l’intellighenzia europea il mash live di Roska 

o Kode9 ma appunto per questo l’ortodossia è importante. 

Chiamiamolo Predator-step, quando l’half step 

di gente come Kryptic Minds (la citata Transcendent) 

ne è l’aspetto più audiofilo. In entrambi i casi, si scava 

in profondità. Fin che ce n’è. 

(7/10) 


dJ ShadoW - i’m ExCitEd Ep (iSland, luglio 

2011) 

Genere: rockinG beats 

Shadow aggiunge al già buono I Gotta Rokk EP una 

seconda preview dell’album che uscirà il prossimo settembre. 

Quattro brani che spaziano dal rocking-ghetto 

‘molto’ M.I.A. di I’m Excited (con il featuring di Afrikan 

Boy), alla sperimentazione doom-elettronica della stupenda 

Banished And Forsaken, che ricorda le atmosfere 

più intimiste e ambient dell’esordio, tagliando con vocals 

ereditati direttamente da film horror che rimandano 

alle visioni più cupe della Londra underground e aggiungendo 

pure qualche rasoiata industrial e qualche 

colpo percussivo kraut. 

Nel ‘lato B’ c’è poi la visione rock psichedelica e profondamente 

californiana di Come On Riding, con classici 

riff e backing vocals à la Eagles che distende gli 

animi e prepara per la conclusiva Let’s Get It, miscuglio 

di assoli trash metal, hip-hop, folk e bbreaking 

elettronico dove ovviamente Shadow si accasa più 

facilmente. 

Le tracce di questo EP - a sentire il blog della crew 

Solesides - dovrebbero tutte comparire nell’album, 

ma per non sbagliare è meglio accattarselo. L’uomo 

si assesta su una buona media e ha qualche picco di 

eccellenza, che speriamo venga bissato su più episodi 

nel full. Una buona prova di resistenza sul campo per 

Josh. 

(6.8/10) 


domEniCo lanCEllotti - CinE priVê 

(malintEnti diSChi, agoSto 2011) 

Genere: new brazilian sounD 

Dopo aver trascorso gli anni zero ad azzardare rock 

sperimentale nei Mulheres que dizem sim e scozzare 

samba, psych e funk nei Domenico +2 (assieme ad 

Alexandre Kassin - già collaboratore di Arto Lindsay - e 

Moreno Veloso, figlio di Caetano), e dopo essersi fatto 

conoscere dalle nostre parti per aver partecipato alla 

rilettura della celentanissima Svalutation operata dai 

siciliani Akkura, il carioca Domenico Lancellotti - suo 

padre è il compositore di origine calabrese Ivor Lancellotti 

- giunge oggi all’esordio solista con questo Cine 

privê, da lui stesso prodotto mentre al missaggio ha 

pensato un pezzo da novanta come Mario Caldato Jr. 

74 75

highlight go ancestrale timeless e boundless innervato da una 

dEEp88 - CollECting duSt (12 rECordS, ottobrE 2011) 

Genere: italo-Deep 

Se vogliamo quantomeno arginare la fuga di cervelli musicali verso le label straniere (Eskimo Recordings, 

Gomma e BPitch ne sanno qualcosa), sarebbe il caso di tenerci stretti talenti nostrani come Alessandro Pasini. 

A maggior ragione se la formula è di quei prodotti italici che all’estero farebbero faville: il primo fulllenght 

a nome Deep88 offre una frizzante deep-house analogica pulita e 

rifinita con cura, con un imprinting classico ed un’eleganza più europea che 

liviense (la cassa dritta su tappeti synth di Summer Just Can’t Wave Goodbye 

e Coast To Coast tiene vicine tanto la moderna Germania di Mathias Kaden 

e Paul Kalkbrenner quanto la ambient-house britannica dei 90s). Un album 

dal carattere preciso, denso di quell’immancabile melodicità italo-disco che 

avvicina il tutto al sound sul quale Guglielmo Bottin sta costruendo la sua 

fama (Don’t Play Minimal, Play Minigolf, italians do house-disco better). 

Il ragazzo sa alimentare anche il lato più pop-oriented di Italo82 (sì, le radio 

potrebbero sforzarsi di più) o Funkanova (coi contributi vocali di The Huge a completare il mix ideale), 

e mostra disinvoltura di manovra lounge (G# Point, Stories) o jazz (House Is Coming, con citazioni di lusso 

verso i mostri sacri Larry Heard e Chuck Roberts a chiudere il cerchio della classicità). C’è tanta storia 

house in Collecting Dust, e vale soprattutto come riscoperta delle buone abitudini, una genuinità che 

premia in termini di spontaneità. Nel mondo perfetto le etichette locali avrebbero fatto a pugni per 

accaparrarselo e pomparlo a dovere, la dura realtà invece è che lui è finito in Germania e noi rischiam 

di restare con un pugno di mosche... 

(7.2/10) 


Dieci tracce che trasfigurano l’innesco bossa tra morbide 

nostalgie exotica e vaticini sintetici ipotizzando 

tropicalismo fragrante e contemporaneo. O, per usare 

le targhette del caso, Musica Popular Brasileira contagiata 

dal germe Brazilian Electronica, ferme restando 

però le radici della questione, siano esse la sensibilità 

acustica (Os Pinguinhos, Fortaleza) o il dinamismo percussivo 

(l’acidità dinoccolata di Pedra e Areia). Languida 

e futuribile, l’idea musicale di Lancellotti mira quindi ad 

un intrattenimento corroborato di implicazioni auditive 

complesse, vedi quella Receita che cincischia affabile e 

meditabonda per poi pennellare il ritornello d’estro spacey 

Terry Riley, oppure la formidabile Zona portuària 

che non spiacerebbe al David Byrne eniano, o ancora 

la title track pervasa di solleciti miraggi Steely Dan via 

dEUS. Impossibile poi tacere riguardo allo zuccherino 

di Su di te, adorabile italo-soul a base di sentimenti formattati 

sul miglior garbo malinconico sixties. 

(7.2/10) 


drEam WEapon ritual - anothEr ViEW 

(magiCK With tEarS, luglio 2011) 

Genere: etno-psych 

C’è irrimediabilmente l’umore della Sardegna mitica, 

ancestrale e meno à la page nelle note di Another View. 

Quello che i due ex T.A.C. Simon Balestrazzi e Monica 

Serra affidano alla nuova sigla Dream Weapon Ritual è, 

come da titolo, uno sguardo “altro”, scevro di qualsiasi 

implicazione etnica o folklorica ad uso mass-mediatico 

e ideale per inscenare una mini sinfonia in due soli atti 

(Unending Green Waves e Big Hungry Birds) in cui umori 

psichedelici e folkerie varie, evanescenze ambient e afflato 

sperimentale, eteree ambientazioni e spiritualità 

(semi)pagana convivono naturalmente in un unicum 

coeso e affascinante. 

Calarsi nell’ascolto dei flussi di coscienza improvvisati 

dei due autori su basi insieme acustiche e elettroniche 

(chitarre classiche ed elettriche, tanpura elettronico, salterio 

preparato, kaos pad e altro ancora), diviene così 

una sorta di stargate, un portale attraversando il quale 

si viene calati nell’immaginaria atlantide nostrana, luo- 

sensibilità che si direbbe più naturalista che esoterica. 

Perdersi è, come capirete, facile in questo mare, così 

come il rimanere appagati da tale stordimento seppur 

la durata esigua precluda abbandoni totali. 

(7/10) 


Edo - pEr VEdErE loSt (autoprodotto, 

FEbbraio 2011) 

Genere: italiana, pop 

Edoardo Cremonesi, classe 1986, qualche anno fa si è 

paracadutato sul palco di TRL per farsi autografare la 

chitarra dal cantante dei Muse. Tale chitarra fu poi utilizzata 

dal nostro per suonare nel suo gruppo grunge 

dell’epoca, gli Isterica. Per avventurarsi nel suo esordio 

cantautorale, queste due informazioni sono un buon 

punto iniziale. Edo, pur mantenendo in modo sorprendente 

un’invidiabile omogeneità di fondo, salta con disinvoltura 

da un onesto cantautorato indie-folk italiano 

a vaghi accenni sintetici (invero un po’ sbiaditi) che abbozzano 

un improbabile My Awesome Mixtape in fissa 

per Fatboy Slim e strane assonanze con Nicolò Fabi, il 

tutto senza farsi mancare l’armamentario completo di 

campanellini, chitarrine e tastierine senza il quale, attualmente, 

sembra si finisca per risultare poco credibili. 

La direzione musicale non propriamente a fuoco finisce, 

tuttavia, in secondo piano, colonna sonora di un 

monologo ininterrotto di un personaggio che potrebbe 

essere il tuo compagno di università che non aveva 

nessun problema a paragonare Cobain e Inzaghi e che, 

un giorno illuminato dall’ispirazione, finisce per cantarti 

i fatti quotidiani delle feste erasmus. 

Niente più di un pop ai minimi termini tradito nei propri 

intenti low profile sin da un titolo così radicato nell’oggi 

più profondo. Servirebbero più pause e poesia. 

(5.9/10) 

giulia CaValiErE 

ElEanor FriEdbErgEr - laSt SummEr 

(mErgE, luglio 2011) 

Genere: alt. pop 

Le vie del pop alternativo sono notoriamente infinite e 

ultimamente anche parecchio trafficate. Bene o male. 

Vedi il caso di Eleanor Friedberger, metà fraterna dei 

Fiery Furnaces, col qui presente Last Summer al debutto 

come solista. All’insegna appunto d’un pop accomodante 

ancorché scafato, denso di rimandi a certe 

effervescenze errebì e soul dei Seventies, guarda caso 

il decennio che vide nascere la cantautrice dell’Illinois. 

A tratti sembra d’essere dalle parti dell’ultima Joan 

As Police Woman, però senza quella devozione (vedi 

soprattutto Glitter Gold Year), quasi fidando invece nel 

retrogusto della superficialità, nelle incalcolabili implicazioni 

del semplice - che semplice mai è - intrattenere. 

C’è qualcosa di ingegnoso nella capacità di pezzi accomodanti 

come My Mistakes (twist giocattolo col cuore 

asprigno), I Won’t Fall Apart On You Tonight (le Go-Go’s 

sbarazzine) o Heaven (sogno sintetico glam caramellato 

motown) di riuscire a sembrare anche qualcos’altro. 

Deve avere a che fare con lo stesso fenomeno che rende 

oltremodo gradevole quella voce in bilico tra Lorella 

Cuccarini e una Kate Bush senza falsetti. Una qualche 

forma di talento che trova compimento nelle belle Owl’s 

Head Park (morbidezze arty Brian Eno e vaga aura etno 

Peter Gabriel) e quella Roosevelt Island che sembra 

un’appendice funky dell’ultimo Destroyer. Uno di quei 

non-capolavori che lasciano il segno. 

(7/10) 


F.S. blumm/luCrECia dalt - Cuatro CoVErS 

(la bÃ¨l nEtlabEl, maggio 2011) 

Genere: elettronica-ambient 

Tutto nasce da una collaborazione a distanza finalizzata 

a trovare un terreno musicale comune. Quattro cover di 

estrazione diversissima che nelle mani di Lucrecia Dalt 

e F.S. Blumm diventano un ipotesi di indietronica figlia 

della tradizione Morr mixata a un ambient destrutturato 

e distrattamente post-rock. 

Quizaz Quizas Quizas di Osvaldo Farres, Close To You di 

Burt Bacharach e Hal David, I’m Sick Of You di Iggy Pop 

e Old Friends di Simon & Garfunkel, trasfigurate in un 

fluire minimale di chitarra, basso, glokenspiel, piano (di 

Nils Frahm), beat sintetico. «L’idea era quella di fare qualche 

esperimento, come incrociare la musica di alcuni dei brani 

con le parole di altri o mescolare i linguaggi. Ad esempio il 

testo del brano di Bacharach è stato modificato con le parole 

di Close To Me dei Cure.» A illustrarci il modus operandi 

dietro a Cuatro Covers è proprio la Dalt, la stessa che riduce 

il brano di Farres a una Quizas Perhaps Quizas decadente 

e senza vie di fuga, i toni trionfali di Bacharach in una 

Close To Vos impalpabile e sfilacciata, la lascivia dell’Iggy 

più violento in una S.O.Y. elettro e monocromatica, la 

poetica crepuscolare di Simon & Garfunkel nel sussurro 

solitario di Old Amigos. Blumm dal canto suo fa quello 

che gli riesce meglio, ovvero aggiungere livelli, rumore, 

nuove chitarre, pur nell’ottica di un suono che rimane 

elementare, irregolare, difficilmente circoscrivibile. 

Filtrare il proprio background giovanile con un approccio 

contemporaneo: questa la principale linea guida del 

progetto. E l’esperimento - in download gratuito sul sito 

76 77

dell’etichetta - ci pare decisamente riuscito. 

(7/10) 


FEnnESz - SEVEn StarS (touCh muSiC uK, 


Genere: Drone 

A tre anni da Black Sea, Fennesz torna con un 10’’ sempre 

per Touch di cui verrà pubblicata a settembre una 

versione cd con l’aggiunta di un paio di remix (Shift, Reshift) 

già disponibili in download se si acquista il vinile 

presso il Touchshop. 

Il mini contiene quattro brani all’insegna di un suono 

crudo e diretto - spogliato del noise e senz’altro più povero 

rispetto alla tracklist del mare nero - dove la chitarra 

elettrica (ma anche acustica) del viennese troneggia 

su un missato di synth, giusto qualche linea di basso e 

altrettanto castigati inserti digitali. L’album è stato inciso 

lo scorso gennaio e le prime due tracce, Liminal e July, 

risalgono a esistenti versioni occasionalmente suonate 

dal vivo (Liminal è stata incisa in una camera d’albergo 

a Bali nel 2010), la prima vede l’austriaco dipingere a 

scure tinte una landa goth-industrial salvo poi risolverla 

in caldi arpeggi alla elettrica, la seconda, riporta alla 

cara trasfigurazione folk-pop attraverso un suono più 

pacifico e orchestrale. 

La vera novità del disco è comunque la batteria di Steven 

Hess (Fennesz stesso parla di voler includere le pelli 

nei lavori futuri), microfonata da Christoph Amann, 

presente nella traccia che dà il nome all’album, nonché 

l’aggancio più immediato all’indimenticato Endless 

Summer. Seven Stars riporta alla magia estiva dei suoi 

primi 2000 ma la sostanzia in una seconda trasfigurazione 

per synth, chitarra “in chiaro” e, infine, le timide spazzole 

del batterista (che non spostano il risultato finale di 

alcunché). Il finale Shift completa il mini con un drone 

ascensionale, elegiaco e crepuscolare che rimanda agli 

esperimenti goth dream primi 90 quali Lycia, Black 

Tape For A Blue Girl e co.. 

Rispetto alla magistralità di Black Sea, Fennesz sembra 

voler tornare ai basic della propria musica (4AD, shoegaze, 

drone music, i Beach Boys trasfigurati di Plays) per 

trovare nuove strade. 

(6.7/10) 


Fionn rEgan - 100 aCrES oF SyCamorE 

(hEaVEnly, agoSto 2011) 

Genere: folk/cantautorato 

C’ha messo cinque anni, ma alla fine la stoffa autoriale 

e personale comincia a farsi sentire. Dopo un esordio 

(The End Of History) nominato - da perfetto sconosciuto 

al Mercury Prize - e un sophomore in direzione 

più elettrica (The Shadow Of An Empire), il cantautore 

dublinese classe 1981 comincia a staccarsi dai riferimenti 

del genere a cui ha dimostrato amore sconfinato. 

Così si lasciano i territori totalmente dylaniani e l’intimismo 

più drakiano per cercare di scavare una propria 

linea accanto all’altro ingombrante dublinese di questi 

anni, Conor O’Brien, meglio noto come The Villagers. 

Il fingerpicking di janschiana memoria rimane un tratto 

saliente della composizione di Fionn Regan, ma si 

fonde con un arrangiamenti orchestrali che mettono 

insieme il folk britannico classico, con il pop orchestrale 

e qualche influenza esotica che fa capolino qua e là. 

Non mancano le ballate d’amore struggente con tanto 

di campanelle (Lake District), i calembeur linguistici (List 

Of Distractions), i riferimenti bucolici (For A Nightingale). 

Ma è con commistioni più personali, come il tentativo 

di unire le Cliffs of Moher con Tin Pan Alley di Horses Are 

Asleep o nella titletrack che si nota di più la stoffa della 

sua penna. 

Come si conviene a un folksinger, Regan sa certo scrivere 

poetiche storie di vita in musica (Sow Mare Bitch Vixen, 

1st of May), ma questo ce lo si aspetta. Quello che non ci 

si aspetta è che senza stravolgere una formula classica si 

riesca ancora a trovare poesia. Regan ci riesce. 

HVN228 Fionn Regan - For A Nightingale by heavenlyrecordings 

(7/10) 

marCo boSColo 

ganglianS - Still liVing (SoutErrain 

tranSmiSSionS, agoSto 2011) 

Genere: psych-pop in lo-fi 

Il comeback della formazione di Sacramento sembra 

mettere a fuoco le già ottime intuizioni proposte con 

Monster Head Room, l’esordio targato Souterrain Transmission 

che ci colpì favorevolmente un paio di anni 

fa. Ora il concentrato psych-rock in lo-fi del quartetto 

sembra avere un più ampio range col quale mostrarsi, 

sgrezzando le monodimensionali strutture portanti 

dell’esordio: dalle agrodolci e quiete introspezioni tipiche 

da ventenne rocker in action alle esplosive eruzioni 

di solare felicità si sfruttano numeri out-rock limitrofi a 

certa wave (Things To Know), slanci strumentali indie- 

80s ed estasi folkish californiana. Il tutto, sempre reso in 

maniera solare e spiaggia-friendly, come d’ordinanza. Se 

Ryan Grubbs, chitarrista e voce principale del quartetto, 

esordisce cantando al mondo “This is a sad, sad song / 

For all you sad, sad people” (l’opener Drop The Act) insomma, 

non c’è da prenderlo troppo sul serio. 

Still Living, nomen omen, ce li mostra vivi e vegeti, allegri 

e spensierati, sia che trattino la materia con vocalità 

sinfonic-pop retaggio di Beach Boys et similia (That’s 

What I Want), che emulino il ripescaggio rock 60s-oriented 

dei Thee Oh Sees (il mood oscuro e i coretti irresistibili 

di Jungle, le melodie twangy di Good Times) o 

che inanellino gemme di puro sixties sound wilsoniano 

(California) o di psichedelia soffusa e suadente (Bradley 

o Sleep), i quattro centrano sempre il bersaglio grosso. 

Dopotutto, è lo stesso portavoce della band ad ammetterlo: 

This is outsider music, but with a pop sensibility that 

brings everyone in. Come dargli torto? 

(7/10) 


gianCarlo FrigiEri - i Sonnambuli 

(autoprodotto, agoSto 2011) 

Genere: cantautorato 

Autoprodotto, autodistribuito e soprattutto - buon per 

lui, buon per noi - sempre più fertile, Giancarlo Frigieri 

torna a poco più di un anno dal buon Chi ha rubato le 

strade ai bambini? con questo I sonnambuli che di 

fatto ne raccoglie il testimone, insistendo nel solco di 

quella stessa sensibilità disallineata che a tratti sconfina 

in una calda, meditata misantropia. Tu chiamalo se vuoi 

cantautorato, senza prefissi né suffissi, questa critica intensa 

e impietosa sotto forma di canzoni ai (falsi) rituali 

del vivere civile e al loro inevitabile riverbero nell’intimità. 

Intendo proprio QUEL cantautorato, dei Guccini 

dei Bennato dei Bertoli e dei Gaber, per intendersi, le 

cui calligrafie aleggiano un po’ in tutta la scaletta. Quello 

che non si ha più il coraggio di fare e sentire, perché 

linguaggio trito e pretenzioso, compiacente e autogratificante, 

col tranello della retorica sempre pronto a 

spalancarsi ad ogni passo. 

Frigieri, invece, non fa una piega. Tiene la barra ferma 

e fiera, spreme lo sdegno con cura piantando gli occhi 

negli occhi del sonnambulismo esistenziale - senza fare 

sconti, neanche a se stesso - e perciò confeziona dieci 

ballate ben salde sulle proprie gambe. Perché a farlo con 

le giuste dosi di intensità, cura e asciuttezza, il giochino 

funziona eccome, ed è perfino capace di suonare ben 

immerso nella contemporaneità. Quando poi l’ex-Joe 

Leaman cala sul piatto gli ingredienti “alieni” del suo 

retroterra, è il classico grasso che cola: vedi ad esempio 

la flemma Fred Neil de Il turista, i tremori Tim Hardin 

nella splendidamente gaberiana Fino a rovinar del tutto, 

le palpitazioni semiacustiche Eels di Comodo o il fragore 

Neil Young/Steve Wynn di Controesodo. 

Per restare alle canzoni, doveroso mettere in rilievo 

come La madonna del cavalcavia vanti uno dei migliori 

testi - accorato e spiazzante - mai partoriti dal Nostro, 

mentre l’arguta La gente sciorina un bell’arrangiamento 

in bilico tra oriente e tex-mex. Forse la più bella del 

mazzo sarebbe l’indolenzita Non lo so dire, ma andrebbero 

prima digerite quelle somiglianze dell’arpeggio col 

tema di Rose rosse per te, e francamente la vedo dura. 

Disco sostanzialmente riuscito, robusto sia esteticamente 

che poeticamente al netto della tutt’altro che 

sgradevole fragranza low-cost. Ancora uno chapeau per 

Giancarlo Frigieri. 

(7/10) 


giorgio barbarotta - Snodo (gb, 

atraCouStiC, WondErmarK, giugno 2011) 

Genere: folk rock, pop 

E’ incline alla poesia intimista quanto alla denuncia sociale 

il nuovo album di Giorgio Barbarotta Snodo. Un’accoppiata 

forse non originalissima ma resa attraente e 

piacevole da un folk rock imbevuto di blues e melodia 

all’italiana diretto con passione e gusto dal cantautore 

trevigiano. E’ dedicata al premio Nobel per la pace 

Barack Obama il brano che apre il disco, Buone nuove, 

un’intensa e amara riflessione a cui fa seguito il singolo 

Noi, elegiaca rivendicazione ambientalista. Guai a 

prendersi troppo sul serio però e L’Alchimista, divertita 

metafora del mestiere del cantautore, e Galleggiando 

in provincia, ironica folk song sulla condizione degli artisti 

che vivono ai margini delle rotte che contano, sono 

pronte a ricordarcelo. 

La delicata dedica alla nascita di un figlio, Il Motore è 

l’amore, fa invece il paio con l’introspettiva ballad dal 

misurato sapore romantico Riesci ad imbrogliare il tempo, 

in un percorso più intimo e sussurrato. La denuncia 

delle condizioni di vita dei lavoratori nei campi di raccolta 

di pomodori al sud (Podere 41) e la rabbiosa Mediacrazia, 

nero e psichedelico atto d’accusa sull’imperare 

dei mezzi d’informazione, riporta l’album su frequenze 

decisamente più agguerrite e militanti. Ma nell’evocativo 

Snodo c’è ancora tempo per uno svincolo onirico e 

misticheggiante disegnato attraverso il connubio tra 

leggende di mare, storie di porto e credenze religiose 

(Dalla marea), una festosa celebrazione di vita e natura 

dai toni bandistico-edonistici (Sinfonia di maggio) e il 

personalissimo confronto-dialogo con il divino (Che ne 

diresti). Inutile girarci intorno: Barbarotta è uno che con 

le parole ci sa fare. Forse non sempre riesce a risolvere 

musicalmente come vorrebbe e in alcuni casi l’ascoltatore 

attento potrebbe avvertire un leggero senso di 

insoddisfazione condivisa con l’autore. Ma di contro 

ci sono le rime invidiabili di un poeta che dopo tanta 

78 79

gavetta ha confezionato un album godibile nella sua 

interezza e meritorio di vetrine importanti. 

(6.5/10) 


giorgio Canali E roSSoFuoCo - roJo (la 

tEmpESta diSChi, agoSto 2011) 

Genere: rock (combat?) 

Se Nostra signora della dinamite (2009) aveva spostato 

l’asse dalle parti di un cantautorato rock vero e proprio, 

mai tanto denso e pensoso per non dire intimista, con 

Rojo la premiata ditta Giorgio Canali e Rossofuoco 

torna a mettere l’accento sull’urgenza stradaiola, sull’indignazione 

scatarrata triturante retorica. Presentando il 

disco - il sesto del repertorio “solista” - lo stesso ex-CC- 

CP racconta di aver dovuto superare una crisi creativa, 

qualcosa a metà tra la sindrome da pagina bianca e lo 

stress da prestazione. Oppure, più probabilmente, una 

overdose da incazzatura per lo stato delle cose che lo 

inducevano perlopiù a masticare bestemmie. 

Poi s’è aperta una crepa di speranza, merito forse - chissà 

- del venticello primaverile che spirava dalle parti di 

Puerta del Sol, e puntuale è arrivata la reazione: ecco 

riaccendersi la spia del disincanto, ecco sgorgare queste 

undici canzoni come altrettante invettive calate a 

mitraglia, bestemmie - ebbene sì - ma acide e amare 

per demolire il facile conformismo delle illusioni, il tutto 

ricondotto alla irragionevole ragione del rock (in questo 

senso la opening track Regola #1 è una sorta di manifesto 

poetico). 

Lo spasmo è più diretto e sbrigativo che mai, insegue le 

proprietà liberatorie dell’immediatezza sacrificando un 

po’ di quel rovello scuro che nei precedenti lavori ispessiva 

la trama di ombre Noir Desir. Ciò non rappresenta 

affatto un problema quando l’estro è imbelvito: vedi la 

stoniana Risoluzione strategica #6, una non meno che 

travolgente Carmagnola #3 (dal formidabile finale) e 

quella specie di Bob Dylan trafelato - mai tanta armonica, 

in un lavoro di Canali - di Ci sarà (che se la sfornasse 

un Ligabue - ipotesi ab absurdum, s’intende - potrebbe 

galoppare nelle playlist d’ogni ordine e grado). A pagare 

dazio ahimè sono invece le ballate, a parte la discreta 

Controvento e una accorata ma un po’ fiacca Orfani 

dei cieli: si snoda piuttosto prevedibile difatti Treno di 

mezzanotte ed è piuttosto bruttina - un po’ come certi 

bolsi Modena City Ramblers, poniamo- quella La solita 

tempesta cantata assieme ad Angela Baraldi. 

Detto questo, ci sia consentito ribadire che quando lo 

zio Giorgio tiene lo sguardo truce ad alzo zero si va lisci 

e sferzanti as usual, vedi il sacrosanto pane al pane di 

Sai dove e le sincopi post-wave di Un crepuscolo qua- 

lunque. Insomma, con tutte le inevitabili e accidentali 

differenze del caso, è il solito Giorgio Canali. E questa è 

la buona notizia. 

(6.8/10) 


girlS namES - dEad to mE (tough loVE 

rECordS, giugno 2011) 

Genere: GaraGe pop lo-fi 

C’è un romanticismo combattuto ed esistenzialista alla 

base di questo disco e che distingue i Girls Names dalle 

dozzine di lo-fi pop act emersi in questi ultimi anni. Una 

sensibilità che permette loro di costruire dolcissime e 

pervicaci melodie dal taglio britannico, di quelle che 

si indossano per più di una stagione, a differenza delle 

decine di emuli dei Pains Of Being Pure At Heart che 

scorrazzano per l’underground. 

Probabilmente, non avessimo ancora nelle orecchie l’ultimo 

bellissimo album dei Crystal Stilts, apprezzeremmo 

Dead To Me con maggior vigore. Perché la materia 

trattata dal combo di Belfast, al netto della performance 

catatonica dei newyorkesi, è la stessa: garage 60s e languore 

noisy, influenze che in più di un’occasione arrivano 

a sovrapporsi. 

La sfasatura si avverte proprio sul piano delle melodie 

(doorsiani e diafani i primi, smithsiani e twee i secondi), 

ma anche su quello del carattere (fortemente tratteggiato, 

ai confini col grottesco quello degli Stilts, ancora 

in fieri quello degli Irlandesi). 

Ciò non toglie che i brani di questo grazioso dischetto, 

con il loro garage pop rumorso ed infettivo, ideale punto 

d’incontro fra l’allure shoegaze post J&MC e l’irrequietezza 

del C86 più mercuriale, forniscano un puntello di 

lusso a quel sentimentalismo dolciastro e appiccicoso 

che si vorrebbe adolescenziale, ma che fatalmente, è 

materia di struggimento per thirty something nostalgici. 

(6.8/10) 

diEgo ballani 

grEat SaunitES (thE) - dElay JESuS ’68 (il 

VErSo dEl CinghialE, maggio 2011) 

Genere: heavy psych rock 

Il duo nell’accezione post-White Stripes può voler dire 

garage-rock bluesy e pestone con basso&batteria che 

si slanciano a rotta di collo tra urgenza luciferina e incedere 

rock. Oppure psichedelia ascensionale infinita alla 

maniera degli Om. O ancora, noise brutale in modalità 

carrarmato come nel caso dei Lightning Bolt. 

Poi però, ed è il caso dei qui presenti The Great Saunites, 

ci sono esperienze che pur non innovando riescono 

nella affascinante fusione dei suddetti referenti. L. Kan- 

highlight 

dJ QuiK - thE booK oF daVid (mad SCiEnCE, aprilE 2011) 

Genere: hip hop 

C’era una volta Dj Quik e la Golden Age dell’hip hop statunitense. C’erano l’attitudine HC newyorkese 

e lo spirito rilassato e smooth di L.A., le scintille col morto tra East e West Coast e le guerre fraticide tra 

Crips e Bloods. C’era per l’appunto la carriera ventennale di un produttore/ 

rapper/beatmaker nato e cresciuto a Compton tra più rispettati della costa 

ovest: una specie di Dr. Dre in miniatura. 

La novità è che Dj Quik, all’anagrafe David Marvin Blake, è ancora qui e ha 

pure un sacco di cose da dire. A dimostrarlo c’è The Book Of David, album 

licenziato dalla sua Mad Science in questo 2011 segnato dal’omologazione 

del crunk lilwayniano, dal noioso hipster-hop di Tyler The Creator o dalla 

compravendita dell’anima di giganti come Snoop Dogg (di cui Blake mixò 

nel 2007 l’album Ego Trippin) da parte dell’euroconvertitore David Guetta. A 

dispetto di tutto ciò, Quik ci regala una boccata d’aria e una colonna sonora 

perfetta per quest’estate insolitamente fresca e conciliante. 

E’ chiaro fin da subito con Fire & Brimstone in cui si rispolvera la tipica inventiva ritmica dell’hip hop con 

la h maiuscola; poi in ordine sparso Luv Of My Life, Ghetto Rendezvous, Flow For Sale o la troutmaniana So 

Compton, tutte figlie del bay area sound, impregnate di devozione funkadelica a cavallo tra hip house, 

G-funk ed un sacco di losangelini (Gift, Kurupt BlaKKaz). Le liriche sono quelle di uno che ha vissuto 

tutto sulla propria pelle senza nessun compiacimento del passato gangsta. In questo senso Killer Dope 

possiede il ritornello/manifesto con il refrain “the street never changes, only faces do”, come a dire che il 

ghetto-meccanismo è sempre lo stesso: cambiano solo le facce delle persone che scompaiono sotto i 

colpi di Glock. 

Non mancano poi i numeri r’n’b (Do Today, Real Women, Hydromatic, Time Stands Still), sempre pregevoli 

e sempre ben interpretati dai feat. di Jon B. o Dwele: miele e classe. Qua e là ricompare pure l’ultrabeat 

lirico (rubato dall’anticoniano Dose One) di Bizzy Bone direttamente dai defunti Bone Thugs-n-Harmony. 

A proposito di grandi ritorni, in Boogie Till You Conk Out, è proprio lo scambio di battute sul microfono 

tra una pietra miliare come Ice Cube e lo stesso Quik a restituirci il commovente momento verità di 

questo disco: “Quik you are a Genius!” “No... you are a genius!” “Ok I’m a genius! hahahhaha..”. Modestia e 

consapevolezza in un solo colpo. 

Per concludere, non pensiate che questo sia un disco per nostalgici. TBOD è piuttosto un lavoro che fa 

venire la nostalgia di un tempo in cui fare hip hop era anche un modo per tramandare la musica del 

passato direttamente nel futuro (dov’è finita la cultura del diggin’?) e non semplicemente un modo per 

espandere l’ego ed il portafoglio di qualche rapper con sindromi depressive. Bel colpo vecchio! 

(7.7/10) 

dario moroldo 

dur Layola (batteria) e Atros (basso) - nome de plume 

dietro cui si nascondo i due protagonisti - mettono in 

scena tre lunghi brani in cui dispiegano l’ampia apertura 

alare tra psych dilatata, stoner corposo e rock mefitico 

prediligendo ovviamente la profondità del groove 

coinvolgente. 

Se qua e là emergono reminder Sleep (Golden Mountain) 

o Black Sabbath (l’attacco della title track), l’afflato krautrock 

alla Can (si noti il gioco di rimandi del titolo dell’al- 

bum) e le ambientazioni oscure ed ipnotiche sono rese 

in maniera molto personale tra scarti improvvisi di velocità, 

ritmiche mai statiche e vertigini umorali. Luca Ciffo 

(Fuzz Orchestra) alla registrazione e Giuseppe Ielasi al 

mixing sono poi più di una garanzia per questo giovane 

progetto lodigiano e l’ennesima bella sorpresa per la 

label di Alberto Pirti Messaggi. 

(6.8/10) 


80 81

houSEmEiStEr - muSiC iS aWESomE (boyS 

noizE, maggio 2011) 

Genere: electro-house 

Una delle ipotesi probabili è che quel matto di Housemeister 

abbia finalmente capito l’importanza di una 

struttura portante solida. Una questione che finora il 

ribelle producer berlinese non sembrava essersi posto: 

prima in Enlarge Your Dose (2006, voto: 6.4/10) e poi nel 

successivo Who Is That Noize (2008, voto: 6.1/10) a tenere 

banco erano state le sue ossessioni anarchiche, volte 

a mettere ogni cosa in discussione, sovrapporre stratificazioni 

ed esagerare la complessità. Un gusto nerd che 

pagava il prezzo dell’artefazione, trasformando un mix 

potenzialmente giocoso e naif in eccentriche operazioni 

a rischio autoreferenzialità. 

Music Is Awesome non stravolge il metodo, sia chiaro: le 

sferragliate electro sputano ancora sopra al ritmo mirando 

alla dissonanza noise (vedi The Little Robotman 

o nBaxx, insieme al compagno di follie Boys Noize) e i 

trattamenti 8bit rimangono la soluzione privilegiata per 

agevolare il groove (nella giusta misura, come in Feed 

The Robots o Clarisse). Eppure questa volta Martin Böhm 

lascia intendere di voler rinunciare in parte all’immagine 

spiritata per angolare efficacemente la fruibilità d’ascolto. 

Ne derivano piccoli ma importanti spiragli di novità, 

come un più equilibrato rigore electro-house che non 

forza il lato rave (una Rapide risulta affine a certe proposte 

di Mathew Jonson), una certa cura per le irrinunciabili 

simmetrie dance (Schnee Von Gestern) e un rallentamento 

dei ritmi mentre si studia l’approccio al nu-rave (Music Is 

Awesome sta bene dietro ai Digitalism). 

Non sarà esattamente una rivoluzione, ma una buona 

sorpresa sicuramente sì. 

(6.6/10) 


houSSE dE raCKEt - aléSia (KitSuné muSiC, 

agoSto 2011) 

Genere: pop rock 

I francesi Housse De Racket arrivano al secondo album, 

e la faccenda si sposta di poco rispetto al precedente 

Forty Love del 2008. Confermato quel giocoso indie-rock 

da autoradio facilmente godibile per chi già apprezza 

nomi come Kooks e Phoenix, con la hit Roman che non 

sfigura di fronte alla precedente Oh Yeah. Gli inserti elettronici 

sono previsti dalla ricetta anche perché fan tanto 

pop (Human Nature, Château) e qualche traccia di neopsichedelia 

light (Ariane) non ostacola le ambizioni del 

gruppo: Mtv li ha già adocchiati, ora tocca al marketing... 

(6/10) 


hudSon mohaWKE - Satin panthErS Ep 

(Warp rECordS, agoSto 2011) 

Genere: wonky 

Ross Birchard torna a pubblicare e lo fa con un EP veloce, 

colorato, hi-energy: in una parola, estivo. Enfant 

prodige della scena wonky, HudMo si mantiene fedele 

ai propri elementi di riconoscibilità (l’enfasi sul ritmo, 

la tavolozza di colori smaltati, il clash di elementi) declinando 

adesso l’amore per i breakbeat e per i sample 

vocali spezzati e pitchati in salsa più marcatamente footwork. 

Cinque pezzi per un quarto d’ora di durata totale, 

in free streaming sul canale Youtube dell’artista fino al 

giorno dell’uscita fisica del disco (qui invece la snippet 

preview, ancora disponibile). 

Octan è la intro, sfarfallio spacey alla Xevious ad libitum; 

Thunder Bay il singolo di cui avevamo già dato notizia, 

un frullato irresistibile di Timbaland, Flying Lotus, Supermario, 

nu-rave e footwork appunto; Cbat è un interludio 

ragga strumentale che fa pensare a A Milli di Lil 

Wayne, rullante secco e campanellino in levare; All Your 

Love punta agli anni Ottanta, opportunamente dopati 

alla sua maniera con una tastieraccia house stonata e 

tom tom tribali in primo piano; Thank you, ancora su 

breakbeat footwork, con dentro un tripudio di rullante 

che manco una marching band e inciso aperto con intrico 

di tastiere. 

(6.9/10) 

gabriElE marino 

idaho - you WErE a diCK (talitrES rECordS, 


Genere: slow-core 

Malgrado una carriera quasi ventennale, Jeff Martin ancora 

non ha il riconoscimento di cui dovrebbe godere. 

Perché è vero che si tratta dell’ennesimo songwriter - un 

californiano di studi classici nascosto dietro uno tra i più 

quieti stati dell’unione - a elogiare la lentezza, pure resta 

degno di interesse uno stile personale anche a fronte 

di evidenti somiglianze con Mark Eitzel (però meno 

sofferto e drammatico) e ai meno esangui Red House 

Painters (in ogni caso degli Idaho pressoché coevi). 

Come che sia, Jeff pare contento del riconoscimento 

puramente underground garantito da una decina di 

apprezzabili dischi giocati tra passi rallentati e chitarre 

meste (eccezione il più muscolare Three Sheets To The 

Wind del ’98), echi di Neil Young e ballate pianistiche 

raccolte senza disperazione. 

Malinconia di fine estate che scalda cuore e mente tramite 

canzoni da camera e cameretta che occasionalmente 

escono a dare un’occhiata al mondo e che all’appello 

mancavano da The Lone Gunman, primo frutto del 

contratto con la Talitres risalente a sei anni fa. Nulla di 

cambiato frattanto, se non che maturità e classicismo 

raffinano viepiù uno slow core romantico e avvolgente 

da artigiano colmo di classe e gusto. Ti scopri a farlo 

girare più volte, a lodarne la compattezza d’insieme e 

centellinare l’acidula title-track, gli acquerelli The Happiest 

Girl, Reminder e Flames, la raffinatezza dolente di 

Weigh It Down e quella invece briosa in Waited For You 

o Up The Hill, l’intimismo che sorregge The Setting Sun. 

Da tenere a portata di mano. 

(7/10) 


impoSSibili - SEnza ritorno 

(autoprodotto, giugno 2011) 

Genere: punk 

Per chi avesse voglia di gustarsi un punk di quelli senza 

pretese, suonato con distorsioni a manetta e i più 

semplici giri armonici, il nuovo disco dei veterani del 

punk milanese Impossibili fa più che al caso loro. Senza 

ritorno è un lavoro che venti anni fa avrebbe raccolto 

sicuramente consensi maggiori. Oggi dire qualcosa di 

nuovo sul punk non è facile né gli Impossibili sembrano 

volerci provare, confezionando, piuttosto, un album 

che dal vivo potrebbe regalare una divertente serata 

agli aficionados ma nulla più. La furia rabbiosa di brani 

come Utopia, Paura di reagire, Multinazionali, hanno il 

sapore della nostalgia più che dell’invettiva. Nostalgia 

per un mondo, una generazione, che sapeva veicolare 

attraverso un genere il rifiuto di regole, limiti, stereotipi 

e quant’altro. Ma il mondo e le generazioni sono 

cambiate. 

Ci si arrabbia con molto meno e forse non ci si arrabbia 

neanche più. Un punto senza ritorno, per l’appunto, ma 

tant’è. Molto affascinante invece il trittico dedicato alla 

figura della donna composto da Alice, Laura e Ilaria. Araya 

(voce, chitarra), Ale (basso, cori) e Davide (batteria) 

hanno indubbiamente personalità e esperienza da vendere. 

Trasuda tutto da questo disco, autoprodotto come 

ormai accade da diversi anni per uno dei più longevi 

gruppi del punk italiano. Ma il tentativo di rispolverare 

vecchi mood proto punk non basta allo storico gruppo 

meneghino per andare oltre una stentata sufficienza, 

meritata comunque per la costanza e la precisione mostrata 

anche in questo lavoro. Tutto però suona di già 

sentito, quando va bene, di vecchio, se va male. Poco 

convincente anche la cover di Voglio vederti danzare. 

Battiato è già di suo estremamente punk, perché provare 

a emularlo? 

(6/10) 


Jim o’rourKE - old nEWS # 5 (EditionS mEgo, 

giugno 2011) 

Genere: elettroacustica 

Vive di opposti, Jim O’Rourke? In qualche modo, se una 

persona fa di tutto, tocca anche gli estremi, che rimangono 

sempre più impressi nelle menti più che gli altri 

punti del continuum. Jim ci ha abituato a un ritmo di 

lavoro e a una frequenza di pubblicazione molto alta, 

prima, a lunghe pause, nel mentre, e oggi a un ritorno 

sui giradischi degli appassionati del noise, dell’elettroacustica, 

della musica sperimentale in uscita dai Novanta. 

Old News # 5 è il primo capitolo, sebbene sembri il 

quinto, di una serie di uscite per l’austriaca Mégo, posizionato 

sull’altra faccia della luna rispetto a The Visitor, 

piuttosto volto a seguire un andirivieni nel passato e 

nel presente degli esperimenti sui nastri di O’Rourke. 

Quattro brani che viaggiano dalle recentissime produzioni 

fatte dalla nuova base di Tokyo del compositore 

fino a risalire ai primi anni Novanta. E la regola sembra 

essere l’attrazione e la valorizzazione reciproca dei contrasti. 

Zero compromessi in Detain the Man to Whom, 

del 1992, noise elettroacustico massimalista e diretto. 

Ma, prima ancora, Jim ci rapisce con un tocco di nastri 

che accenna vie di fuga tonali quasi da primi minimalisti 

(Pedal & Pedal), maturità da manuale e piacere puro per 

chi ama il genere. 

Mother and Who, la fibrillante traccia che chiude il disco, 

e copre l’intero lato D, inizia invece con un delirio alla Alvin 

Curran, con sottofondo di timbri acutissimi che perforano 

le orecchie di coloro che sono ancora in grado 

di udirli. Eppure ciò che ci aspetta è una suite di switch 

on / switch off tra una nota e il tema che si origina da 

essa. Perfetto correlativo oggettivo, in definitiva, della 

musica di O’Rourke, maestro di tecnica elettroacustica 

e padrone degli sbalzi. Cogliamo l’esca e attendiamo 

con buone aspettative le prossime puntate della serie. 

(7.2/10) 

gaSparE Caliri 

JoliE holland - pint oF blood (anti-, 

giugno 2011) 

Genere: folk, americana 

L’avevamo lasciata ben cinque anni fa Jolie Holland con 

un disco che prometteva bene. Oggi torna nello studio 

casalingo accompagnata dai Grand Chandeliers: gli amici 

di sempre Shazad Ismaily al basso e Grey Gersten alla 

chitarra e in più il cameo straordinario di Mark Ribot 

nel downtempo blues di The Devil’s Sake. 

Se ai primi ascolti il disco può sembrare un po’ troppo 

derivativo e formalmente statico, col passare dei minuti 

(e probabilmente dei loop), si scopre come la texana 

82 83

highlight 

ES - tutti Contro tutti portiErE VolantE (FoSbury, SEttEmbrE 2011) 

Genere: rock 

Correva il 2003 quando gli Es si guadagnavano gli entusiasmi del mondo indie per The mistercervello 

LP, album che li vedeva esordire ufficialmente dopo l’autoproduzione altrettanto intrigante di MUSICA 

TEDesCA tric e troc (1999). Poi, chissà perché, non ne abbiamo più avuto 

notizie. Un po’ di tumulti in formazione, la “distrazione” di altri progetti (coi 

sodali Valentina Dorme soprattutto), forse una certa allergia per l’aria da 

catastrofe imminente degli anni zero. Insomma: spariti. Evaporati. Altro che 

iato, signori miei. Otto anni è un coma vero e proprio. Quando già stavamo 

per decretarne la morte clinica - al netto di qualche spasmo vitale in 

un paio di compilation perlatro ormai datate - la band trevigiana si rende 

oggi protagonista di un risveglio clamoroso col qui presente Tutti contro 

tutti portiere volante. Nel frattempo sono diventati un quintetto e le idee 

sembrano un po’ più solide, fermo restando il piglio balzano. Ovvero, stavolta abbiamo a che fare con 

canzoni vere e proprie, con la voglia di compiersi in quanto tali. 

Ascoltandole vieni colto da una strana sensazione: come se le ideuzze più imprendibili dei Novanta ti 

osservassero beffarde, sfarfallando vivaci tra stomaco e pensieri, scoppiettando nonsense allusivi come 

adrenaliniche apoteosi contro-emo. Quasi volessero dirci (quelle ideuzze): ci avete liquidate troppo in 

fretta, signori miei. Il programma si compie quindi nel segno d’un lo-fi sparso e dinoccolato (la svenevolezza 

ghignante di Ho ormai i tuoi nei, la noncuranza malkmusiana di Metà di metà), concedendosi 

sdilinquimento post-psych (Sto benissimo), divagazioni Flaming Lips via Polvo (Pardesòra, Air guitar) e 

sacrosanto estro noise-pop (Kerry Von Erich), mentre un simile processo euforizzante sembra riguardare 

tanto le vampe oblique degli Scisma (L’articolo the davanti a nome di band) che la gravità letteraria dei 

Marlene Kuntz (La lingua sotto i denti, Ex bambini buoni). 

E’ tutto un gioco, certo, graziosamente indocile ed evasivo, però tutt’altro che disimpegnato semmai 

impegnato - disperatamente impegnato - a tenere accesa la fiamma pilota dell’intelligenza. Vale a dire, 

cazzonismo analitico - per non dire anarchico - come antidoto per questi tempi grami. Che altro dire: 

felice di riaverli tra noi. 

(7.2/10) 


abbia trovato uno stato di grazia cavalcando la tradizione 

(vedi la cover di Townes Van Zandt Rex’s Blues) 

e rivangando i suoi blues (Littlest Birds l’avevamo infatti 

già sentita nel debutto Catalpa del 2003). In più ci sono 

l’omaggio al blues elettrico di Neil Young (l’opener All 

Those Girls), le puntatine rock slo-mo southern (Gold And 

Yellow), le visioni con violini oniric-country (June) e pure 

le strizzatine d’occhio al pop acustico (Wreckage). 

Un quinto album che conferma la Holland come una 

delle più interessanti voci americane fuori dalle scenes’, 

dentro un cammino che col passare del tempo si rivela 

pieno di personalità e di continua voglia di mettersi in 

gioco. Ben fatto, Jolie.(7.2/10) 


Jonathan WilSon - gEntlE Spirit (bElla 

union, SEttEmbrE 2011) 

Genere: aciD folk 

Più che un disco, quello di Jonathan Wilson, trentasettenne 

da Forest City, North Carolina, è un atto d’amore. 

Per una musica, il folk speziato d’acido che ha attraversato 

in lungo e in largo una stagione musicale 

che si è stesa a cavallo dei Sixties e dei Seventies, e una 

scena, quella del Lauren Canyon, rivitalizzata coinvolgendo 

Chris Robinson e attirando una pletora senza 

quasi fine di musicisti del giro Americana/alt-country/ 

folk psichedelico americano. Il risultato di questo atto 

d’amore, fatto di lunghe jam session immerse in quel 

mondo verticale che è un canyon e di tempi dilatati per 

la composizione e registrazione degli episodi, è un di- 

sco di folk capace di incamerare elementi pop, parente 

stretto di David Crosby, del Neil Young On The Beach e 

dei Quicksilver Message Service, di quella stessa musica 

di cui sono innamorati i Pink Floyd pre-dark side of 

the moon. 

The Way I Feel è un tributo alle chitarre dei Crazy Horses, 

supportate da un organo e agli archi che sono il tappeto 

su cui poggiano molte delle composizioni migliori. Il 

fingerpicking di Can We Really Party Today? è già materia 

da hobo su una strada polverosa, verso il sogno americano, 

mentre Waters Down si tinge di blues leggero per 

una delicata elegia bucolica che si chiude in scatoligici 

presagi di tempesta. I brani, spesso lunghi (ben oltre i 

sei minuti), di Gentle Spirit trasudano di presenze ectoplasmatiche, 

di echi e riverberi del canyon, di schegge 

e manipolazioni sonore che mostrano l’abilità di Wilson 

come produttore e ingegnere del suono (già con Erykah 

Badu, Elvis Costello e James Browne), oltre che la 

sua competenza polistrumentistica. Code e introduzioni, 

rumori e voci stranianti che appaiano senza essere 

annunciate in molti brani contribuiscono a dare quel 

tocco di acidità che basta a farlo stare fuori dalla strada 

maestra del folk e introdurlo in quel cono d’ombra dove 

psichedelia e folk si incontrano. 

Per un disco completamente registrato in analogico, 

e il cui principale output è l’antico vinile, Gentle Spirit 

appare comunque un disco di oggi, immerso com’è in 

quella nostalgia che sta caratterizzando molto del folk 

contemporaneo, poso desideroso di staccare lo sguardo 

da alcune decadi particolarmente foriere di talenti e 

grande musica. Lo fa guardando al passato con l’occhi 

dell’innamorato, ma anche con il giusto distacco di chi 

quel passato sa manipolarlo e renderlo nuovamente 

attuale. 

(7/10) 

marCo boSColo 

KanyE WESt/Jay-z - WatCh thE thronE (roCa-FElla, 

agoSto 2011) 

Genere: hip hop pop 

Pensato inizialmente come EP che raccogliesse il meglio 

dei brani messi in free download con l’operazione GOOD 

Fridays, diventato poi progetto autonomo e album vero 

e proprio, registrato in giro per il mondo, Watch the 

Throne è praticamente un jam album, infarcito com’è 

di ospiti (il solito Kid Cudi, una ottima Beyonce, un Bon 

Iver riconoscibile ma comunque troppo trasparente), 

pezzi co-cantati e co-prodotti (stradominano Kanye e 

Mike Dean ma ci sono anche RZA, Neptunes e Q-Tip). 

Jam album eppure lavoro più concreto, meno dispersivo 

di My Beautiful Dark Twisted Fantasy, e non poteva essere 

diversamente, dato che quello era un disco-manifesto, 

un progetto affetto da un gigantismo programmatico, 

da una megalomania baraccona e fuori misura, anche 

per Kanye. 

La formula di mesh hiphop + superpop viene ampiamente 

confermata, ma qui l’uomo trova, in coppia con Jay-Z 

(spaccone pure lui, ma coi piedi sempre ben piantati 

per terra), l’equilibrio giusto delle parti. No a caricature 

involontarie allora o a particolari tamarrate, via a giri 

incisivi, campioni molto indovinati e loop funzionali 

(Otis Redding, ovviamente James Brown, Quincy Jones, 

i Cassius, persino un trattamento killer su un mini-riff di 

Phil Manzanera), dosando bene dimensione rap (occhio, 

se Jay-Z quando vuole spacca tutto, Kanye è raramente 

interessante come rapper, semplicemente perché per 

lui il rappato e i testi non sono tanto un fattore estetico, 

quanto un espediente comunicativo, politico), appetibilità 

pop, trucchi elettronici (l’autotune ballad New Day, 

l’ostinato scampanellio di Welcome to the Jungle, una 

Who Gon’ Stop Me con lontani echi footwork, una Niggas 

in Paris dalle parti dei Die Antwoord) e suggestioni UK 

(leggi ragga). Il tutto sempre tra strada e poltrona di 

pelle, tra pathos sincero e sincera ostentazione di sé: 

“Now all my niggas designing and we all swaggin’ / Ignore 

the critics just to say we did it / This ain’t no fashion show, 

motherfucker, we live it”. 

Dicevamo dell’autocaricatura bypassata: beh, ci sarebbe 

proprio Made in America, inno di orgolio nazionale 

e di orgoglio nero (sfilano i santini Martin Luther King, 

Malcolm X, le prime grandi cantanti blues) come solo 

gli americani riescono a concepire, con una ‘bitch’ che 

sta manco ad una virgola di distanza da ‘jesus’ (e del resto 

Kanye aveva già avuto modo di precisare che “pussy 

and religion is all I need”), ingenuo da morire, ma - forse 

anche per questo - a tratti sinceramente commovente. 

Un ottimo album di HH commerciale, incisivo, luccicante, 

ma anche sanguigno, bello ruvido, con un’ottima media 

generale e qualche numero davvero potente. 

(7.3/10) 


Karl marx WaS a broKEr - alpha to omEga 

(ESCapE From today, SEttEmbrE 2011) 

Genere: math stoner 

Un ossimoro come propulsore poetico di questo ordigno 

basso-batteria capace di snocciolare noise-wave 

intruppato math, carburato hardcore e dalle incandescenti 

derive stoner. Del resto questi tempi di templi 

(certezze economiche, fortezze finanziarie...) che crollano, 

autorizzano eccome una scudisciata nonsense come 

Karl Marx Was A Broker, questa la ragione sociale dei 

84 85

due pistoiesi al debutto con Alpha To Omega. Un power-duo 

che non proferisce parola, sissignori: lasciano 

che a parlare sia la strutturata veemenza del suono, la 

capacità di scomodare con quel minimo di armamentario 

- si aggiunga una loop station - massimi sistemi 

quali Kyuss, Fugazi, i Wire più tracotanti, i primi efferati 

Red Hot Chili Peppers (nelle convulsioni funky di 

Destruction Derby) e persino quei buontemponi dei Foo 

Fighters (nella beffarda Teletubbie). 

Ma poi i testi in realtà ci sono, stanno nel libretto come 

un invito a cantarli (?) in autonomia, magari meditando 

su quella carrellata di volti catalogati con spirito lombrosiano, 

trovandoci non la segreta radice del male ma il 

segno stesso della patologia classista, poi conclamata in 

un’altra straordinaria immagine dove la borghesia “illuminata” 

si concede una seduta spiritica per indagare ciò 

che non gli è dato sapere. Avrete capito che la sostanza 

sonora - apprezzabile ma in fondo poco originale e brillante 

solo a tratti - rappresenta l’ingrediente principale 

ma non il migliore d’una proposta che sembra invece 

compiersi nel suo insieme concettuale, al modo d’un 

sacrosanto scapaccione che vaporizzi il torpore. 

Che la data di uscita - l’undici settembre - sia tutto fuorché 

casuale, è un sospetto da ritenersi fondato. 

(6.8/10) 


KaSabian - VEloCiraptor (Sony, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: pop 

Ripartire dopo un album come West Ryder Pauper Lunatic 

Asylum non deve essere stato facile. La formula 

che si è rivelata vincente (quel peculiare melange di 

pop, dance, psychedelia e kasabianismi vari) non era 

replicabile senza tirare la coperta da una parte o dall’altra. 

Alla fine si è optato per la strada apparentemente 

meno avventurosa, quella di suono più pop e sofisticato. 

Hanno un bel dire Pizzorno e compagni quando affermano 

di aver voluto realizzare un album di rock classico; 

canzoni come la ben nota Days Are Forgotten, contengono 

alcuni dei chorus più immediati fin qui scritti dal 

gruppo del Leicestershire. Attenti però a parlare di gioco 

al ribasso, perchè i Kasabian questa volta guadagnano 

in ecletticità quello che hanno ceduto in originalità. 

Grazie ad un utilizzo più consapevole dello studio di 

registrazione (oltre ai notevoli mezzi messi a loro disposizione 

dall’etichetta) azzardano da un lato temi cinematici 

con tanto di orchestra (Let’s Roll Like We Used 

To) e pimpanti soul pop bacharachiani (Goodbye Kiss), 

dall’altro puntate più decise nella musica da club (I Hear 

Voices) e caldi riff da Stones dei tardi 70s (Re-Wired). 

Si divertono, e questo è evidente, soprattutto quando 

recuperano quella lunaticità del disco precedente: La 

Fée Verte e Neon Noon sono i due estremi della loro concezione 

di ballad psichedelica (sbilenca e merseybeat 

la prima, lunare e vagamente kraut la seconda) a dimostrazione 

che c’è ancora possibilità di redimere il loro 

lato più smaccatamente tamarro. 

Certo, è con brani Switchblade Smiles e Velociraptor che 

i quattro dimostrano di trovarsi più a loro agio: meccanismi 

dance rock ben rodati che loro descrivono come 

la musica del futuro, ma che alle nostre orecchie suonano 

come l’ennesima riproposizione dei loro groove più 

muscolari, quelli che ne hanno fatto degli entertainer di 

lusso anche per gli ascoltatori più sgamati. Oggi più che 

mai dipende quanto si ha voglia di stare al loro gioco. 

(6.6/10) 


KErEn ann - 101 (Emi, giugno 2011) 

Genere: pop 

Sembra che a Keren Ann i quattro anni di distacco tra 

questo nuovo 101 e il precedente omonimo abbiano 

fatto gran bene. Abbandonate le radici folk e le immaturità 

stilistiche, la fanciulla israeliana trapiantata nella 

capitale francese e poi a New York ha costruito un disco 

perfettamente pop, un album tondo, di giri, giochi melodici 

ben riusciti e ottimamente prodotti. 

Una nuova direzione, tutta concentrata nella via di mezzo 

che c’è tra una ballata dai tratti beatlesiani com’è Run 

With You e un singolone radiofonico e tirato come My 

Name Is Trouble. Quel che emerge è che Keren Ann conosce 

la materia, sa esattamente cosa significa mettere 

in piedi un discorso orientato alla melodia, alle armonie 

proprie della più pura musica pop. 101 è anzitutto un 

disco calibrato e raffinato, che dimostra le conoscenze 

musicali della sua autrice e la capacità di farle proprie. 

Un’interessante svolta per un talento vocale indiscutibile 

che tra uno sguardo agli 80s insieme a Belle and 

Sebastian e Madonna (Sugar Mama) non rinuncia ai 

60s con Blood On My Hands (il brano più convincente 

dell’intero album). 

Non siamo di fronte a qualcosa di strutturalmente importante, 

o a un disco che possa andare molto oltre i 

gusti dei fan, tuttavia 101 rappresenta una buona affermazione 

artistica da parte di un’autrice che fa dell’eterogeneità, 

delle più disparate scelte melodiche, il suo 

fiore all’occhiello. 

(6.8/10) 

giulia CaValiErE 

KindESt linES - CoVErEd in duSt (WiErd, 

giugno 2011) 

Genere: Dream-synth-pop 

I Cure del primo periodo virati al femminile. Certo, è sicuramente 

una lettura troppo semplicistica ma Covered 

In Dust, l’esordio lungo dei Kindest Lines, profuma di 

Disintegration lontano un miglio. 

La band di New Orleans si muove su territori non troppo 

lontani da quelli della casa madre Wierd, ovvero synthwave 

scura e malinconica, ma evidenzia uno scarto sensibile 

rispetto a certe oscure presenze del catalogo della 

label newyorchese grazie agli accenti accessibilmente 

pop e un romanticismo di fondo più marcati. In questo 

senso, il riferimento ai Cure è più un complimento che 

una accusa, visto che i tre riescono a far rivivere le atmosfere 

plumbee e opprimenti ma piene di romanticismo 

della prima fase - guarda caso anch’essa a tre - della 

band di Robert Smith. 

Jack Champagne (chitarre), Justin Blaire Vial (tastiere, 

drum programming) e Brittany Terry (voce, tastiere) 

inscenano una pop-wave spesso sintetica, dal taglio 

esistenzialista e dalle atmosfere dreaming che smussa 

gli angoli e le ossessività cold-wave di riferimento grazie 

soprattutto alla voce heavenly di Brittany: calda ed 

evocativa, la fa immaginare come una eroina goth rinchiusa 

in qualche torre medievale, ma da sola non riesce 

a tenere in piedi l’impalcatura sonora del trio. 

Gli spunti più interessanti però giungono quando il trio 

si smarca dall’ingombrante riferimento per muoversi 

in una sorta di electro-disco 80s in bassissima battuta 

come nell’ebm virata sensualità synth-pop di Running 

Into Next Year, nella disco-dark di Strange Birds o nel funk 

robotico e struggente della conclusiva Colors Treasured. 

Cosa questa che ci fa però ben sperare per le future evoluzioni 

personali. 

(6.6/10) 


la muga lEna - Strani pupazzi umanoidi 

SEnza FaCCia (autoprodotto, luglio 2011) 

Genere: post rock 

Post rock prima. Poi psichedelia progressive, e qualche 

entrata jazz e funk: ecco servita la seconda prova dei La 

Muga Lena, ovvero Strani pupazzi umanoidi senza 

faccia. 

La formazione messinese riconferma la buona impressione 

che già aveva suscitato Ciarlatani di brasiliana memoria, 

aggiornando le fascinazioni Tortoise alla musica 

componibile dei Mariposa. Sembrano canzoni assemblate 

queste 8 tracce: pelli e chitarre pestano le solite 

poliritmie di casa Chicago (Soo-har & Zazz-o-Reus), arri- 

vano i synth e attaccano variazioni psych/prog più ‘70 

che Motorpsycho (La morte di Abu Mazen, Anonimia), 

poi Gaet ci mette la voce e pare un grunger navigato 

tipo Eddie Vedder (Ester Coraro). 

Unico neo: manca un pò di quello spirito surreale e 

weird che era nelle corde gruppo (vedi citazioni a fantomatici 

movimenti per i diritti psichedelici e copertina 

che pare uscita dal pennello di Magritte); c’è fantasia 

negli arrangiamenti ma rigorosità nell’interpretazione 

dei generi, e viene meno quel pizzico di personalità che 

avrebbe garantito il salto della palude indie. Ma non c’è 

fretta, comunque è un bel sentire. 

(6.8/10) 

StEFano gaz 

ladybug tranSiStor (thE) - ClutChing 

StEmS (mErgE, luglio 2011) 


Quattro anni esatti dopo Can’t Wait Another Day, metabolizzata 

- per quanto e come sia possibile in questi casi 

- la tragica morte del batterista San Fadyl, tornano i Ladybug 

Transistor di Gary Olson a propinarci la loro affabile, 

affidabile, appassionata disinvoltura. Nulla è cambiato 

in questo Clutching Stems - settimo opus lungo 

per la band di Brooklyn - se non un ulteriore grado di 

pacatezza, dietro la quale avverti vibrare il consueto mix 

di trepidazione e abbandono, la propensione per il pop 

accomodante ma nient’affatto scontato, messo a punto 

sintetizzando l’ineffabile guittezza di Scott Walker, 

l’arcobaleno pop Bacharach, i palpiti tenui Left Banke, 

un pizzico d’estro Morrissey, dosi omeopatiche Kinks 

e via discorrendo. 

Un intruglio (indie-)pop capace di filare liscio mentre 

ti suggerisce tutta la complessità del patrimonio genetico, 

in virtù della disarmante facilità di scrittura riconducibile 

alle calligrafie dei Jens Lekman, dei Calexico, 

dei Belle And Sebastian e dei Clientele. Dieci tracce 

senza clamorosi sussulti né cadute, tra le quali meritano 

particolare menzione Oh Christina (dalle gradevolissime 

fragranze cameristiche sixties), una Light On The Narrow 

Gauge mossa da morbida urgenza Prefab Sprout via 

Sea And Cake, l’indolentemente bossa Caught Don’t 

Walk e una title track che incede vagamente wave come 

un contagio dei più soffici Wire. 

Come al solito non sembra nelle loro corde licenziare 

un disco capace di fare il botto. Ma è sempre un piacere 

averci di nuovo a che fare. 

(6.8/10) 


86 87

ladytron - graVity thE SEduCEr (nEttWErK 

muSiC group, SEttEmbrE 2011) 

Genere: electro pop 

Il problema con il nuovo Ladytron è che i quattro ci 

avevano abituato male. Apparsi come precursori, in un 

periodo in cui l’electropop non se lo filava nessuno, arrivavano 

sul pezzo col giusto anticipo per rimodulare i 

suoni sulla lunghezza dell’electroclash. 

Fiutando appena in tempo il cambiamento, seppero 

fare di Witching Hour e Velocifero gli ideali marchingegni 

wave pop psichedelici, inseriti perfettamente in 

un panorama indipendente che stava riscoprendo shoegaze 

e post punk. 

A questo punto, con un decennio sulle spalle, un nome 

rispettato un pò ovunque e una schiera di electro poppers 

che incalza, il quartetto si trova a ragionare sul da 

farsi, tentato da un ritorno a casa con gli onori dei prime 

movers e la ricerca di nuovi pertugi in cui far infiltrare il 

loro dar dark pop. 

La risposta, diciamolo subito, non sempre convince. Non 

lo fa con le percussioni latine di Melting Ice e tantomeno 

con i tormenti onirici di Ambulances, in cui le sofferte 

voci aeree infrangono definitivamente il tabù della glacialità 

ladytroniana. 

In una situazione del genere tanto vale affidarsi al mestiere: 

quando si tratta di costruire strutture sintetiche 

boreali, come quelle di White Elephant e Moon Palace, 

con quelle linee electro fluttuanti, gli inglesi dimostrano 

ancora di sapere il fatto loro; stessa cosa può dirsi degli 

assalti wave dello strumentale Ritual. 

Si rileva pure qualche positivo elemento di novità (con 

Trasparent Days, una sorta di Atmosphere pacificata, carica 

di mistero e positività, ideale colonna sonora per 

film sulla scoperta di nuovi mondi), tanto che alla fine riescono 

a far pendere la bilancia a loro favore; mai come 

in questo caso, però, si era percepita l’assenza di progettualità, 

cosa non da poco quando si è metà umani e 

matà macchine come i Ladytron. 

(6.8/10) 

diEgo ballani 

lantErnS on thE laKE - graCiouS tidE, taKE 

mE homE (bElla union, SEttEmbrE 2011) 

Genere: folk 

La voce celestiale di Hazel Wilde si spande come uno 

spirito sull’opener Lungs Quicken. E subito vengono in 

mente i Sigur Rós: atmosfere dilatate e angeliche per 

un dream pop dalle tinte bucoliche sorretto da spasmi 

elettronici. Come sottolinea la stessa etichetta, la 

stampa probabilmente (e i blogger soprattutto) farà 

largo uso dell’immaginario 4AD per raccontarci questo 

esordio sulla lunga durata del sestetto di Newcastle. E’ 

tutto vero, ma ci pensa l’alternarsi delle voci femminile 

e maschile, quella di Paul Gregory, a garantire un po’ 

di variabilità. Oltre a un immaginario che non si ferma 

sulla porta del gruppo islandese, ma attinge ad atmosfere 

cinematografiche (Keep On Trying), al folk-rock (A 

Kingdom, davvero adrenalinica ed evocativa), alle ballad 

narcotiche (Blankets Of Leaves, I Love You Sleepyhead). 

Ma fanno capolino anche circolarità post (If I’ve Been 

Unkind) e arrangiamenti cameristici. 

Si sono scomodati i Low e i Mazzy Star, band di cui si 

possono ritrovare in filigrana le lezioni. Ma la verità è 

che ci troviamo di fronte a un altro frutto dell’incontro 

tra il dream-pop e il folk più trasognato di questi ultimi 

tempi, quel settore che più che raccontare - come da 

tradizione - le storie di un luogo ne evoca la luce, i colori, 

l’allure, il ricordo. Suonato bene, arrangiato meglio, 

Gracious Tide, Take Me Home mieterà cuori e consensi, 

stimolerà incontri erotici e qualche viaggio della fantasia, 

ma come gli amori estivi, sarà dimenticato al primo 

temporale autunnale. 

(6.6/10) 

marCo boSColo 

lEgEndary Kid Combo (thE) - CaraVanSaray 

(u-pop, giugno 2011) 

Genere: folk-rock 

Rockabilly (Hangman) e balcani (Mustapha) miscelati 

a un recupero da isola ecologica che affianca i Beastie 

Boys di Fight For Your Rights, i Guns & Roses di Pasadise 

City, lo Snoop Dogg di My Medicine. In un punk-folk scapicollante 

a metà strada tra Sons & Daughters, Tito & 

Tarantula e Gogol Bordello che in fatto di (ipotetiche) 

truzzerie non scherza affatto. 

Ma li si perdona, i The Legendary Kid Combo, ché di 

immaginario si nutrono e quello propagandato dal loro 

terzo disco è come al solito polveroso e rustico, battagliero 

e di confine. Quanto basta per riconfermare le 

buone cose già ascoltate in passato e aggiungere un 

nuovo mattoncino alla produzione di una band che rimane 

soprattutto concerti, sudore, energia sprigionata. 

Chi cerca innovazione si rivolga altrove perchè qui le 

virtù sono altre: solidità, buona tecnica, entusiasmo da 

vendere. E un approccio fisico capace di conquistare anche 

quella U-Pop chiamata a curare la stampa del disco 

per il mercato giapponese. 

(6.4/10) 


highlight 

laura marling - a CrEaturE i don’t KnoW (Virgin, SEttEmbrE 2011) 

Genere: folk-rock 

Con gli artisti “giovani” c’è il rischio latente di eccedere con la severità. Il cinismo si mette in mezzo e, 

come nel caso della cantautrice britannica Laura Marling, si oscilla tra il desiderio di conferme e quello 

di una crescita che si riveli il più possibile armonica, degna di un indubbio 

talento. E’ stata infatti fulminea la carriera della ventunenne, assurta dal 

quieto Hampshire alle cronache con due dischi di folk-rock mai scontato 

che l’hanno condotta fuori dalla (presunta) “scena” di West London che ne 

battezzò i primi passi. Perché se è facile lasciarsi indietro i mediocri Noah 

And The Whale, un po’ meno lo è imporsi su Mumford & Sons e soprattutto 

su Johnny Flynn. 

In Alas, I Cannot Swim e in I Speak Because I Can respiravi però passione e 

padronanza di mezzi che A Creature I Don’t Know conferma appieno, tratteggiando 

altre belle canzoni di taglio classico all’insegna di una minuziosa cura per l’essenza e il dettaglio 

e della confessionalità ombrosa che fu di Joni Mitchell e Sandy Denny. Le cui anime Laura sovrappone 

(Sophia, The Beast) oppure fonde (la scarna, sublimemente inquieta Rest In The Bed Of My Bones; una 

briosa All My Range; la struttura umorale e i robusti echi dylaniani di Salinas). Altrove prediligendo vivide 

ipotesi di Leonard Cohen al femminile (Night After Night) o di una Suzanne Vega sospesa tra prateria 

e brughiera (The Muse). Si arriva alla fine senza accorgersene: si ricomincia, riscaldati di malinconia e 

appagamento. Felici, addirittura. 

(7.3/10) 


lEnny KraVitz - blaCK and WhitE amEriCa 

(roadrunnEr rECordS, agoSto 2011) 

Genere: funk rock 

Suvvia: ormai Lenny Kravitz è un libro aperto. Potremmo 

riutilizzare quanto scrivemmo tre anni fa per 

It Is time For A Love Revolution e avremmo bella che 

pronta la recensione di questo nuovo Black And White 

America. Che tuttavia si merita qualche riga aggiuntiva, 

non fosse perché spiega ancor più e meglio la fenomenologia 

pop del musicista newyorkese. A partire dal titolo, 

che ammicca appunto il menù sonico del Nostro: da 

una parte rock bianco (impetuoso, turgido, incalzante) 

e dall’altra funk-soul (con propaggini errebì e psych). 

Aggiungete aromi artificiali sparsi ed eventuali e voilà, 

il gioco è fatto. Attenzione però, la sintesi è un’opzione 

non contemplata: Kravitz si esprime a compartimenti 

stagni. Egli è tipo che va dritto al sodo, o di là o di quà. 

Bando alle copule promiscue e alle sfumature. Il suo repertorio 

è una celebrazione della rock star dominante, 

capace di contenere musica “bianca” e “nera” che non 

s’incontrano mai davvero ma si alternano in Lui come 

nella suite di un albergo a ore d’alto bordo. 

In questo senso, la dichiarazione di voler pubblicare un 

disco composto da tutti potenziali singoli è una smargiassata 

perfettamente in linea col personaggio, e che 

trova in effetti riscontro nelle sedici tracce in scaletta. 

Ogni pezzo sembra infatti progettato per uscire immediato, 

accattivante, efficace. Sempre comunque limitandosi 

ad un sapiente utilizzo dei cliché, e ottenendone 

quindi una profondità emotiva paragonabile a quella 

della leggendaria tartaruga addominale dell’aitante 

newyorkese (il fenomeno Kravitz non può prescindere 

dalla sua bellezza e dalla prestanza fisica). Va detto che 

quando si cimenta con le categorie black è davvero un 

drago, non tanto per la blaxploitation annacquata della 

title track quanto per il James Brown esplicitamente 

omaggiato in Life Ain’t Ever Been Better Than It Is Now, 

per il Marvin Gaye trafelato Jamiroquai di Liquid Jesus 

o per i testosteroni bradipi Isaac Hayes di Looking Back 

On Love. 

Meno bene - nel senso che stazionano dalle parti della 

più scontata insulsaggine - vanno le escursioni powerpop 

virate wave di In The Black, la tamarrata Cars di Rock 

Star City Life, lo sdilinquimento da boy band di Dream, il 

David Bowie altezza Ashes To Ashes di I Can’t Be Without 

88 89

You, la piattezza da cartolina di Stand e persino quella 

specie di Hall & Oates apocrifo di Superlove. Peccato 

perché l’uomo è tutt’altro che sprovveduto, come ben 

sapete, e infatti una Come On Get It sciorina crossover 

ad alto voltaggio che si sbrana d’amblé tutto l’ultimo 

Red Hot Chili Peppers, mentre le due tracce con special 

guest non sono affatto male (più scontato lo pseudodancehall 

di Bongie Drop - assieme a Jay-Z e DJ Military 

- mentre Sunflower è tropical funky evoluto frutto 

della collaborazione con Drake). Tutto come previsto 

insomma. Massimo della confezione, minimo di sostanza. 

Successo, va da sé, garantito a prescindere. 

(5.8/10) 


maCE. - antEnnaS to hEll (muSiCaoltranza, 

luglio 2011) 

Genere: trip-hop ambientstep 

Il primo EP ufficiale del duo padovano formato da Andrea 

Maso ed Enrico Cesaro propone un’elettronica 

contaminata dalle ultime derive fourtet-radioheadiane, 

viaggiando su coordinate che ammiccano alle atmosfere 

cupe della bristol dei Massive Attack (Handful Of 

Dirt), tagliate con le passioni oniriche di Björk (il remix 

di I See Who You Are), passando per cut up da telegiornali 

e comunicati stampa che ricordano DJ Shadow 

mescolato con un attivismo d’antan e atmosfere postnucleari 

(il riferimento a Chernobyl nell’annuncio del 

telegiornale italiano del 26 aprile 1986 in Opiate For The 

Masses, sezionato con citazioni di Krishnamurti, Dalì, 

Giovanni Paolo II e i comunicati delle BR) e concludendo 

con un’electrostep da tunnel berlinese che ha in sè 

più di qualche ricordo dell’evergreen Adriano Canzian 

(Produce!Consume!Die!). 

Venti minuti che si rifanno alle storiche coordinate d’obbligo 

e che tentano di dire qualcosa di più della solita 

esibizione di nerdismo e di trick collegati alla scena. Un 

duo che con un approccio punk inizia a produrre tracce 

con un ritmo forsennato (l’EP è scaricabile dal sito 

dell’etichetta e negli ultimi tempi si sono moltiplicate 

le tracce sul loro account Soundcloud) e che potrebbe 

diventare la next big thing dell’ambient drone italica 

(vedi anche la colonna sonora di un video di Arvo 

Udtor). Check em out, guys. 

(6.9/10) 


malE bonding - EndlESS noW (Sub pop, 

agoSto 2011) 

Genere: inDie lo fi 

Ora che il quadro si fa più chiaro e che diverse band del 

sottobosco lo-fi garage di entrambe le sponde dell’oceano 

sono passate dall’altra parte dello specchio (ovvero 

dall’underground più carbonaro a quello capace di 

manifestarsi anche ai non iniziati) è il momento di fare 

il conto con fattori non sempre collegati all’hype, cose 

come originalità e ispirazione, ad esempio. 

Posto che la prima è materia più che rara, accontentiamoci 

di quest’ultima e salutiamo il secondo lavoro dei 

Male Bonding come il più ispirato di tutto il (fu) DIY 

britannico. Endless Now mette a frutto la formula del 

precedente album senza voli pindarici e superproduzioni 

(pur paventate in sede di intervista) ma perfezionando 

quel peculiare mix fra rumore e melodia che ne 

ha caratterizzato gli esordi. 

A partire dall’opener Tame The Sun, John Artur Webb e 

compagni ci srotolano dinnanzi una formula più semplice 

che mai, fatta di ritmiche pop punk, voci soavi che si 

stendono come glassa sulle chitarre infuocate. Rispetto 

all’esordio rinunciano a quei break ritmici che avevano 

fatto parlare un pò tutti di art punk evoluto (e aveva 

fatto balenare il nome della SST), preferendogli la linearità 

e il feroce appeal delle melodie. Quando (su What’s 

That Scene) rallentano il passo, riemerge quel clangore 

psichedelico che porta acqua al revival del grunge. 

Per il resto, quello di Endless Now è scintillante pop 

chitarristico targato 2011. Meno cervellotico rispetto 

all’esordio ma non certo meno stimolante. Come nel 

caso del primo singolo Bones: un vero e proprio mantra 

pop punk psichedelico, sei minuti di ritmiche furiose e 

vocalizzi angelici che ci segnalano come i Male Bonding 

restino degli stilosissimi figli dell’underground meno assimilabile. 

(7.1/10) 

diEgo ballani 

marC almond/miChaEl CaShmorE - 

FEaSting With panthErS (ChErry rEd 

rECordS, giugno 2011) 

Genere: crooner DecaDente 

Avvezzo a trafficare con la decadenza e le trascrizioni 

poetiche in un cantautorato sui generis, Marc Almond 

coglie l’occasione di far tutt’uno lavorando qui su poesie 

di Eric Stenbock con il compositore Michael Cashmore, 

stretto collaboratore di quel David Tibet che (ahem ) 

benedì inconsapevolmente il progetto, regalando all’ex 

Soft Cell un volume di scritti del conte Stanislaus Eric 

Stenbock edito dalla sua Durtro. Attrazione fatale e 

istantanea sia tra i due che verso il poco noto poeta, 

poiché Mark allestiva una performance alla Queen Elizabeth 

Hall nel 2008 coi Current 93 e a lungo scambiava 

file sonori per via telematica con Cashmore, domiciliato 

highlight 

littlE dragon - ritual union (young turKS, luglio 2011) 

Genere: soul-tronica 

Giusto il tempo di ritrovare e apprezzare Yukimi nel singolo Wildfire dell’acclamato album di SBTRKT, 

in un brano che era una via di mezzo tra il grime e i Gorillaz, e ci ritroviamo a parlare un gran bene dei 

Little Dragon di Göteborg, formazione giunta splendidamente al terzo album con una miscela di (synth) 

soul elettronico e, in generale, una forbice larghissima di richiami r’n’b. 

Rispetto alle modalità del precedente Machine Dreams, e al discorso roots 

dell’esordio, l’aspetto più convincente della nuova prova è senz’altro l’avvicinamento 

della formula alle correnti elettroniche inglesi. Vengono aggiunte 

certe metronomie wave (Please Turn) ma, di fatto, il disco si presta in pieno 

alle speculazioni del dopo-dubstep e alla ventata uber soul del 2011 (l’opener 

Ritual Union, tra bassi cadenzati e stepping Uk Bass) . 

Feat. come Empire Ants su Plastic Beach (un rifforama synth sci-fiesque 

‘70) rilevano, inoltre, quanto i Dragons siano maturati come arrangiatori 

e liberato la fantasia: in Ritual Union li vediamo giocare con Kazu Makino / Madonna in tappeti disco 

mutanti Caribou via Residents (Nightlight), alle prese con sex funk à la Prince (ancora Ritual Union), 

Liquid Liquid e DFA (Brush The Heat), stepping secchi à la Ramadanman più cinematica assortita (When 

I Go Out), cineserie varie (Shuffle A Dream, Seconds) e le citate wave prontamente attualizzate (Little Man, 

Summertearz). 

Per l’estate più virtuale che reale che stiamo vivendo, la chiave è naturalmente e dannatamente soul 

(Wildfire, Ritual Union) e questa è world music nel senso più aggiornato e positivo del termine. 

Assieme a SBTRKT, Ritual Union disco del momento. 

(7.3/10) 


a Berlino. Non ne risente la compattezza di un album da 

fruire nell’assieme improntato a un romanticismo torbido 

d’ambiguità, lungo il quale Almond - mai prima così 

devoto a Maestro Scott Walker e al giovane Brian Ferry 

- poggia la perfetta padronanza dei propri mezzi vocali 

sui rigogli d’archi e corde, piano ed elettronica concepiti 

da Michael. Idea stimolante sulla carta e tuttavia la 

seduzione iniziale lascia spazio a un eccesso di uniformità, 

a una proposta che in un’ora smarrisce pian piano 

incisività e forza persuasiva per divenire puro estetismo. 

Consegnando così un disco coraggioso, mediamente riuscito 

quantunque piuttosto monocorde. 

(6.7/10) 


marCEllo milanESE - liKE a WolF in a 

ChiCKEn ShaCK (hEllEluJa, luglio 2011) 

Genere: blues 

Il blues è da sempre una sorta di riserva protetta. Un’area 

franca in cui sondare un immaginario talmente radicato 

nel tempo e nello spazio da giustificare ogni genere 

di replica. Lo era in origine, quando sulle stesse dodici 

battute gli afroamericani costruivano storie e suoni non 

troppo dissimili tra loro, lo è ancor oggi che di blues non 

si parla quasi più se non nelle sezioni “classic” di qualche 

rivista musicale. Aggiungete il fatto che in una provincia 

dell’Impero come l’Italia gli stili e le musiche arrivano per 

forza di cose di riflesso filtrate da una reinterpretazione 

che non disdegna gli stereotipi, e capirete il significato di 

un disco come Like A Wolf In A Chicken Shack: un sentito 

omaggio a una passione che viene da lontano da parte 

di un affezionato cultore. 

A far selezione, in questi casi, è la credibilità. E Marcello 

Milanese, pur non avendo l’estro di un Jon Spencer o 

la carica innovativa del nostro Samuel Katarro, porta a 

termine il suo onesto lavoro filologico con convinzione, 

potendo tra l’altro vantare una ventina d’anni spesi a 

trafficare con slide guitars e affini. 

Nelle corde del musicista di Alessandria ci sono l’Eric 

Clapton unplugged, il delta del Mississipi, il timbro vocale 

di Howlin’ Wolf, oltre alla voglia di riallacciarsi a 

una tradizione musicale popolare che sa anche di soul, 

rock & roll, folk. Attraverso brani autografi e cover di Tom 

Waits (Jesus Gonna Be Here), June Carter (Ring Of Fire), 

90 91

highlight 

maChinEdrum - room(S) (planEt mu rECordS, luglio 2011) 

Genere: Juke, future GaraGe 

È bastato poco più di un mese dopo l’uscita a luglio perché la stampa internazionale si scatenasse intorno 

a quest’album, tutti (quasi) unanimenente concordi nel porlo tra i dischi dell’anno ma ognuno a 

inquadrarlo in modo differente: tra chi l’ha definito l’Untrue del footwork (!) e chi un album dall’anima 

pop (!!), passando per derivazioni breakbeat, stepping e dance di ogni sorta, oggi urge sicuramente 

fare un po’ d’ordine. 

Certo, lui è Travis Stewart, uno che ha le mani in pasta in tutte le più interessanti 

evoluzioni elettroniche moderne. Uno che da dieci anni scatena 

un polverone ogni volta che si fa sentire: da quel Now You Know del 2001, 

che ha praticamente traghettato l’idm anni ‘90 nel nuovo millennio, è stato 

un susseguirsi di sperimentazioni ambient lungo tessuti abstract hip-hop, 

fino ad arrivare al 2010 e al progetto Sepalcure, vero e proprio laboratorio 

di ricerca post-dubstep messo in piedi nella Hotflush di Scuba. Con 

quest’ultimo Room(s) il girovago Machinedrum di fatto tira le fila delle sue 

espressioni e realizza un multifacciale anello di congiunzione tra juke, future 

garage e soulstep, uno di quei dischi avant che toccano disinvolti l’intero ventaglio di ibridazioni electro 

moderne e rendono naturali le discordanze interpretative. 

Partiamo dalla questione più spinosa, ossia il footwork. Che le mosse intraprese dai vari DJ Nate, DJ 

Rashad, DJ Diamond presto o tardi avrebbero trovato il perfezionamento formale era largamente 

prevedibile, ma quel che conta è la modalità: con tracce come GBYE e Come1, Machinedrum applica 

l’approccio cut’n’loop alla materia 2-step UK garage, raggiungendo la sintesi dei tempi ritmici e lasciando 

che i due pezzi dell’incastro si migliorino a vicenda. L’imprinting dance britannico ne esce potenziato 

dalla muscolarità importata da Chicago mentre il juke, da artificio musicale da strada, diventa nobile 

breakbeat con grandi potenzialità di ascolto (e headbanging annesso). Ciliegina sulla torta, Youniverse fa 

tesoro dello zeitgeist e sfuma il tutto su frammenti soul e divertissement Jamie XX. E il cerchio si chiude. 

È dunque presumibile che il footwork abbia trovato il suo nord, ma Room(s) non va considerato un album-manifesto 

perché è anche (soprattutto) tante altre cose. È l’alta definizione dell’ellissi post-dubstep, 

che supera la deepness UK bass ma non esagera in lallazioni. Stewart parte da un fondo di reminescenza 

jungle breakbeat (U Don’t Survive), passa attraverso le cornici soul del primo Burial (She Died There), 

raggiunge SBTRKT e lo supera dalla corsia centrale, non cedendo all’infatuazione melodica e restando 

saldamente dentro la bolla step (Lay Me Down, essenza soul e attitudine dance tenendo comunque 

lontana la pista di Katy B). 

Non sarà l’album epocale che vogliono farci credere (non con James Blake e SBTRKT alle spalle, quantomeno), 

ma il meccanismo è solido e conquista il baricentro della scena attuale, sfoderando una tecnica 

invidiabile e offrendo al contempo materiale che dura nel tempo: come Now U Know Tha Deal 4 Real, 

jungle meets ambient meets r’n’b-soul, con produzione monumentale e tuffo al cuore immediato. Il 

nuovo testamento per la generazione dei soulsteppers è tutto qui, ora si attendono le reazioni. 

(7.7/10) 


Ray Charles (Hallelujah I Love Her So), Willie Dixon (Built 

For Confort), John Campbell (Aint Afraid Of Midnight), 

Bert Berns (Cry To Me) e Arthur Crudup (That’s All Right 

Mama) riarrangiate voce, chitarra e stomp box. 

“No overdubs, no pedal effects, no electronics triks”, recitano 

i crediti del disco. Tanto per sottolineare che anche la 

conservazione della specie è un affare serissimo. 

(6.4/10) 


marCo notari - io? (libEllula muSiC, 


Genere: pop-rock 

In Marco Notari convivono da sempre due anime: 

quella “istituzionale” riconducibile a una scrittura tutto 

sommato classica sorta di via di mezzo tra pop ad 

ampio spettro, rock e canzone d’autore (ai tempi del 

primo disco il nostro finì anche su Rai Uno) e quella “avventurosa” 

ascrivibile invece a scelte stilistico-estetiche 

comunque ricercate. Scelte che all’ Oltre lo specchio del 

2006 valsero una nomination a miglior esordio dell’anno 

al PIMI e un certo interesse da parte di addetti ai 

lavori e pubblico. 

A seguire il concept (ennesimo link col cantautorato, in 

questo caso dei Settanta) di Babele, per un discorso musicale 

costantemente in evoluzione e portato avanti con 

gli amici Madam. Fino ai giorni nostri, raccontati da un 

Io? che rimescola ulteriormente le carte facendo assomigliare 

Notari a un Lele Battista appena più edulcorato: 

stessa cura per i dettagli, stesso rispetto per la forma 

canzone, stessa sovrastruttura strumentale impeccabile, 

diverso il suono. Nel caso dell’ex cantante dei La 

sintesi una forma canzone comunque legata agli amati 

anni Ottanta, in Notari un sentire evocativo, barocco, 

con qualche concessione a elettronica (Hamsik), wave 

(La terra senza l’uomo) e attualità (una Io? che rimanda 

alle complessità arrangiative del Sufjan Stevens di The 

Age Of Adz). 

Il terzo disco conferma la buona caratura del musicista 

torinese e lo smarca dagli esordi spiccatamente indie, 

concedendo meno spazio alle chitarre elettriche e lavorando 

di più sulle sfumature e gli arrangiamenti. Pur 

nell’ottica di una diversità che non spiazza, rimarcando 

invece stili e attitudini ormai consolidati. 

(6.8/10) 


marCuS daVidSon/ChriS WatSon - CroSSpollination 

(touCh muSiC uK, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: fielD recorDinGs 

Touch pubblica un altro capitolo del lungo libro che 

Chris Watson sta scrivendo sul mondo che ci circonda. 

Figura fondamentale nell’ambito della sperimentazione 

sonora, field recordist tra i più creativi e appasionati e 

firma che regge con dovizia di argomentazioni, la marea 

di dibattiti teorici che puntualmente si abbatte su 

un campo che attira troppi presuntuosi dal microfono 

pronto e la mente scevra di idee. Cross-Pollination è 

composto di due tracce distinte e separate. La prima, 

Midnight at the Oasis, è una classica escursione nello 

stile del Nostro, con il deserto del Kalahiri nelle ore notturne 

come scenografia di riferimento. Di solito non c’è 

molto di cui disquisire di fronte a questo tipo di opere. 

Il puro e semplice scatto ambientale come documento 

sonoro che fotografa l’eterno presente della realtà è 

quello che si nasconde dietro l’incessante proliferare di 

suoni provenienti dal mondo animale e che è alla base 

del lavoro di Watson fin dai tempi di Stepping into the 

Dark. 

Diverso invece il discorso che si nasconde dietro le pieghe 

di The Bee Simphony, piece sperimentale condotta 

da Marcus Davidson sulla base delle registrazioni che 

Watson fa di un gruppo di api in un giardino inglese. 

Davidson si accorge che la tonalità del ronzio degli insetti 

può fornire il tuning ideale per l’intonazione di un 

coro di voci umane che “imita” l’elemento naturale. Il 

risultato è un affascinante excursus che si pone sul crinale 

di una serie di lavori analoghi, come Nuna di Mira 

Calix e Adaptation And Survival dei Tribes Of Neurot. 

Poi da qui, tutto diventa possibile. Anche trovare paragoni 

con il canto degli aborigeni o con le musiche sacre 

delle prime registrazioni corali, come sostiene Davidson. 

Cosa che per altro avvicina moltissimo questo lavoro 

alla classica contemporanea di Penderecki, che proprio 

in questi territori si alimentava. 

(7/10) 

antonEllo ComunalE 

maya galattiCi - analogiC SignalS From 

thE Sun (garagE rECordS, luglio 2011) 

Genere: psych rock 

E’ ancora possibile divertirsi con la musica mischiando 

l’elettronica primordiale con i ben consolidati suoni 

acustici? Se pensiamo a tutto quello che gli anni 90 ci 

hanno propinato - riflusso negli anni zero compreso - 

istintivamente verrebbe da rispondere “assolutamente 

no”. E invece inaspettatamente capita che dal comune 

92 93

trevigiano il cui nome è un omaggio al primo re d’Italia 

- e che diede i natali ad un musicologo illustre come 

Alberto Gentili - Vittorio Veneto, arrivi un duo, nato nel 

2010 dalle ceneri dei ben più rockeggianti Chinaski, che 

riapra il discorso per certi versi lasciato a metà. 

Sia ben chiaro: niente crossover, né postrock, né riletture 

illuminate. I Maya Galattici (Marco Pagot e Alessandro 

Antonel), a parte il nome fino al prossimo anno in 

odor di apocalisse, nel loro album d’esordio Analogic 

Signals From The Sun, svolgono benissimo un compitino 

ben circoscritto fatto di psichedelie indie pop e 

venature vintage; sonorità transeunte che vanno a posizionarsi 

nel ricco panorama sperimentale odierno fatto 

di continui rimandi tra vecchio e nuovo, passato e presente, 

rock e futuro. Perché qualcosa di nuovo, forte e 

sufficientemente gradevole bisognerà pure inventarselo 

prima o poi. Senza paura di scommettere, con lucidità, 

coraggio e convinzione. 

Ecco allora che il sole dei Maya ci invia un esempio più 

che valido di come disporre sullo scacchiere dell’elettronica 

i sempreverdi intensi e autentici sapori analogici 

condendo il tutto con un pizzico di onirica, poetica 

presunzione. Senza voltarsi ossessivamente indietro, 

con quell’approccio di insaziabile follia che rende brani 

come Green Green Town o Mrs Death pezzi pregiati. Qui 

tutto è meccanico e tutto è umano. Noi siamo nel mezzo. 

Ci guardiamo intorno coinvolti e sorpresi (Mechanical 

Cock), divertiti e dondolanti (Sad &Tired), affascinati e 

schiacciati (Our House Is Burning Down This Summer) da 

un progetto che ha tutte le carte per diventare qualcosa 

di importante. 

(6.8/10) 


mEmory tapES - playEr piano (SomEthing 

in ConStruCtion, luglio 2011) 

Genere: inDie-pop 

Dopo Within And Without di Washed Out, tocca al sophomore 

del jersey boy Davye Hawk / Memory Tapes 

stabilire le relative distanze dagli Eighties, dalla chillwave 

e dal fortunato Seek Magic (30.000 copie vendute). 

Registrato ancora una volta in casa, ma con pulizia e 

microfonazione a fare la differenza, Player Piano è 

un canzoniere psichedelico di un girl group che usa le 

tastiere al posto della classica strumentazione Sixties; 

sono le parole dello stesso Hawk e la definizione casca 

a pennello nelle cadenze di una batteria Kinks o in 

certi arrangiamenti spectoriani sparsi a prezzemolo nel 

platter. Ci troviamo dalle parti dei Belle And Sebatian 

e in qualche nuvoletta dei Mercury Rev ma, in pratica, 

domina un’urgenza (indie)pop californiana leggera e 

straniante (gli strumenti, registrati separatamente, sono 

spesso off key). 

Fell Thru Ice II e la rockish Trance Sisters le uniche eccezioni 

proteiche, il resto scorre in dormiveglia tra le epoche 

(quasi) senza l’aiuto degli espedienti indietronici che 

in passato dominavano la scena. Si va dalla Byrds-iana 

Sun Hits, alla melanconica aura Fleet Foxes in bottiglia 

di Yes I Know, dal giro di basso synth Eighties di Offers, 

agli innesti pop al tempo della discomusic di Today Is 

Our Life, o a cose più Settanta come Worries, fino a certi 

Cure bambineschi in Wait In The Dark. 

60 e 80 e ritorno, in un mo(n)do possibile e alternativo 

a quello di Ariel Pink: Hawk ha già i numeri per essere 

una pop star di classe. A mancare a questo punto è 

l’uscita definitiva dai ranghi dell’indie. 

(7.1/10) 


miKa Vainio - liFE (...it EatS you up) (mEgo, 

luglio 2011) 

Genere: inDustrial noise 

La premessa è che la vita solista di Vainio non è mai stata 

lontanamente paragonabile a quella con il gemello 

Vaisanen nei Panasonic/Pan sonic, o per meglio dire, 

difficilmente ha aggiunto qualcosa a quanto già detto 

e fatto. Stesse ambientazioni noise-industrial in clima 

post-umano, esercitate nel medesimo spirito artigianale. 

Naturale quindi che Life (...it eats you up) batta sempre 

lo stesso chiodo, anche se ad onor del vero è una delle 

migliori interpretazioni fornite dal nostro. E’ tutto chitarra/feedback/distorsioni 

il disco: un primo quarto d’ora 

sparato noise con tutti gli stridii e le abrasioni del caso, 

poi arrivano un paio di basi industrial a ricordare Gravitoni 

e dare ritmo al lavoro, per finire con l’apparentarsi 

ad un certo drone/doom metal tipo Sunn o))). In mezzo 

quella irriconoscibile versione di Open up and bleed degli 

Stooges, come servisse a ribadire che di classe qui, 

ne gira parecchia. 

Certo è ancora un disco da fan, ma anche uno degli episodi 

più interessanti per avvicinarsi al mondo di Vainio: 

un po’ perchè torna ad andarci giù pesante, un po’ perché 

il gioco pieni/vuoti è ben calibrato, e il lavoro scorre 

via fluido nella sua (quasi) ora d’ascolto. Quel che si dice 

un lavoro ispirato. 

(7/10) 

StEFano gaz 

miStEr hEaVEnly - out oF loVE (Sub pop, 

agoSto 2011) 

Genere: Doom wop 

Amori fatali, divertissement e passione per i ‘50: il primo 

disco dei Mister Heavenly, progetto nato dalla collaborazione 

di Joe Plummer (Modest mouse, Shins), Ryan 

Kattner (Man Man) e Nick Thorburn (Islands, The Unicorns) 

si può riassumere così; e c’è da credere si saranno 

divertiti non poco a comporre queste 12 tracce, che la 

Sub pop si è già preoccupata di etichettare come doom 

wop. 

E’ l’apogeo delle melodie facili questo Out of love. Provare 

per credere già dopo il primo ascolto ci si ritrova 

a canticchiare metà disco, soprattutto la prima metà: 

Bronx Sniper apre le danze con uno dei pezzi più indie 

del lotto sui binari Modest mouse, poi c’è spazio per gli 

amori al tempo dei Platters con Charlyne e i coretti di 

Mister Heavenly, e non ci si toglie più dalla testa nemmeno 

la ritmica in levare di Reggae pie che non fosse (anche 

qui) per qualche divagazione retrò potrebbe stare in un 

disco di Strummer e i Mescaleros. Il limite? Alla lunga il 

giochino stanca, e la seconda metà dell’album si fa più 

noiosa: l’atmosfera vintage non se ne va mai e qualche 

pezzo rimane trascurabile nella sua aria tra Grease e 

American graffiti (Hold my hands, Young girls). 

Nel complesso però, vuoi per la bontà degli arrangiamenti, 

vuoi per la spensieratezza di cui è imbevuto il 

disco, il risultato rimane accattivante. Come si diceva, 

ritornelli killer e storielle adolescenziali: è arrivato l’album 

dell’estate. 

(7/10) 

StEFano gaz 

mondKopF - riSing doom (Fool houSE, 


Genere: Doom rave 

A 2 anni di distanza dallo scorso Galaxy Of Nowhere, il 

francese Mondkopf continua a girare intorno al french 

touch rimanendone tuttavia a debita distanza. Orientamento 

già emerso con la prova precedente, in cui era 

esplosa la più volte espressa influenza della Warp idm 

classica, quella di Aphex Twin, Autechre e Clark: ne era 

venuta fuori una ambient-techno che solleticava il nurave 

con fare leggero e sbarazzino, lasciando intendere 

un possibile distacco dalle tesi di Ed Banger & co. 

Rising Doom, invece, torna a pestare i piedi per terra, ed 

alla consistenza eterea dell’altro album sostituisce un 

rigore maggiormente body-oriented. Un approccio più 

industriale che armonico, di un tenebroso a tratti demoniaco 

(vedi le ambientazioni mystical-horror di Moon’s 

Throat o il finale armageddon di Fossil Lights), in pratica 

l’opposto del gaming adolescenziale di Rival Consoles. 

Quasi Mondkopf voglia pensare il tocco french a partire 

da tesi black metal: idea che risulta pressocché nuova 

tra le produzioni strutturate, ma che finisce per trovare 

diversi punti di contatto con realtà underground come 

i Covox dell’Infiltrator EP e gli ultimi Zoom-on-a-kill. 

L’ipotesi non è campata in aria, insomma, e offre discreti 

margini di espansione. Da una parte la durezza rave 

è filtrata attraverso i digital music maker e - come da 

prassi - assume sembianze trance che Pendulum e Deadmau5 

conoscono bene (quest’ultimo in particolare 

si fa sentire in Deadwood e Day Of Anger). Ma c’è anche 

un risvolto più carismatico, un buio electro che si allontana 

volentieri lungo tangenti witch appartenenti ad 

una parentesi ormai chiusa: quelle depressioni funeste 

di Where The Gods Fall, Sweet Memories e Girls Don’t Cry, 

che ricalcano i solchi aggressivi e senza mezze misure 

dei Salem. 

È lecito pensare che anche questa rimarrà un’evoluzione 

isolata, ma dopo l’eclettismo a 360° di SebastiAn e 

l’esperienza ludica di Rival Consoles i tasselli per un 

possibile nuovo volto nu-rave iniziano ad accumularsi. 

Per chi pensava non ci fossero più possibilità di mutazione. 

(6.6/10) 


motion SiCKnESS oF timE traVEl - 

luminariES & SynaStry (digitaliS, 


Genere: musica cosmica 

Le stelle ci guidano. Il movimento degli astri, la loro 

ascedenza sul vivere quotidiano, sul comportamento 

delle persone, sulle relazioni umane. La trascendenza 

per eccellenza e il zodiaco come mappa mentale, psichica, 

sensoriale. Rachel Evans è una ragazza originaria 

di La Grange, Georgia, protagonista di un serpeggiante 

e rumoroso hype che dal sottobosco delle cassette l’ha 

catapultata nel giro di un annetto o giù di lì nel girone 

alla moda dei vinili in edizione limitata con confezione 

cd di corredo. Luminaries & Synastry è il suo secondo 

disco, dopo che il debutto dell’anno scorso Seeping 

Through the Veil of the Unconscious l’aveva fatta conoscere 

al mondo per il suo talento nel disegnare astratti 

congegni melodici al synth. 

Perché di questo si tratta. Rachel eccelle nei madrigali 

ultraterreni a base di minimalismi synth / trance onirici 

e ipnotici, collocandosi evidentemente sulla scia del 

maestro JD Emmanuels e del suo capolavoro Wizards, 

dove forse per la prima volta venne allestito un patto 

alchemico tra cosmo e terra usando le note del synth 

94 95

highlight 

mara CarlylE - FlorEat (aCCidEntal, agoSto 2011) 

Genere: cantautorato 

Fa uno strano effetto trovarsi tra le mani una novità discografica che è stata in 

realtà registrata nel 2008 per una major (EMI). Qualcosa si inceppò allora e non 

per colpa della musica di questa ragazza dello Shropshire, le cui doti artistiche 

erano testimoniate dall’esordio del 2004 (The Lovely), con in singolo (Pianni) 

finito in uno spot IKEA, ma per le logiche di un mercato che si stava contraendo 

e una crisi - eh sì - che ha colpito anche l’industria discografica. Fatto sta 

che solo la caparbietà e la tenacia di Mara le hanno permesso di ritornare in 

possesso dei mater e di farci arrivare alle orecchie questo Floreat. 

La fioritura del titolo è tutta per un pop orchestrale elegante (con la Royal Philarmonica 

Orchestra) e dagli echi classici, tentato tanto dal folk allegro (Weird Girl), da asciugature trip 

hop (Away With Those Self-Loving Lads), da delicato popsoul dal retrogusto bluesy (But Now I Do) e dal 

jazz più notturno delle ballad (Nuzzle). Il fil rouge del disco è nelle orchestrazioni che talvolta (Bowlface 

En Provence) possono arrivare al fiorito (per quanto appropriato), ma generalmente servono da supporto 

al duttile contralto della Carlyle. A completare l’opera c’è un’elettronica minima che tinge di trip hop o 

si mette semplicemente al servizio delle canzoni. Non manca qualche esperimento più ardito, come la 

chiesastica (As Will Be Well) o il quasi ambient di King. 

Rispetto all’esordio, con Floreat la Carlyle si è presa il suo spazio nel mondo del pop femminile. Chissà 

che il prossimo disco non si possa ascoltarlo prima del 2014, perché in questi tre anni e mezzo, avrà 

comunque composto qualcosa, no? 

(7.2/10) 

marCo boSColo 

valvolare senza andare a parare esplicitamente in territori 

kraut. Rachel segue le stesse coordinate che su 

questo secondo album, si focalizzano ancora di più sul 

taglio melodico, allegerendosi sensibilmente sul fronte 

del minutaggio e della durata media. Quello che si ottiene 

è un poco meno che sensazionale seguito di Wizards, 

visto dall’altra metà del cielo. 

Luminaries & Sinastry è un disco che tradisce ad ogni 

nota o arcana soluzione melodica il sesso della sua 

autrice, forte com’è di una circolarità uterina e di una 

visione delle cose prettamente femminile. Che siano le 

ondivaghe e svogliate nenie di Synastry, le lunari mareggiate 

di Late Day Sun Silhouettes o ancora l’agrodolce 

filastrocca di Day Glow e l’occulto droning interstellare 

di Eight Nineteen, Motion Sickness Of Time Travel riesce 

a raggiungere sempre un equilibrio magico tra rigore 

sperimentale e sostanza comunicativa collocandosi necessariamente 

tra i must have di quest’anno e non solo. 

(7.5/10) 


my morning JaCKEt - CirCuital (ato, giugno 

2011) 

Genere: inDie, rock, folk 

Riportare tutto a casa, tornare là da dove si era partiti 

tanto, tanto tempo prima, in un viaggio circolare. Mito 

affascinante quanto imperituro, quello dell’eterno ritorno. 

Un percorso che non pochi artisti si ritrovano a fare, 

a un certo punto di carriera, più o meno inevitabilmente. 

È il caso di Circuital, sesto album di quella che è una 

delle band indiestream (indie + mainstream, se ci concedete 

il neologismo) più famose e acclamate d’America? 

Per niente, nonostante il titolo e le entusiastiche presentazioni 

di Jim James prima che potessimo verificarle con 

l’ascolto. Ok, l’approccio spontaneo da “cinque musicisti 

in una stanza” sarà tornato forse quello che ormai dodici 

e più anni fa aveva animato i primi, misteriosi passi 

(quelli di The Tennessee Fire e At Dawn, pietre miliari 

della nuova mistica Americana, quando le gote di Robin 

Pecknold erano tutt’altro che irsute), e la title-track in tal 

senso è una sorta di manifesto. Ma questi My Morning 

Jacket non sono altro che quelli che avevamo lasciato 

tre anni fa alle prese con gli “sperimentalismi” pop a tutto 

tondo di Evil Urges. Quelli che si erano - si sono - messi 

in testa di essere Radiohead, Wilco e Flaming Lips, pur 

alla loro maniera; e di poter fare coi generi un po’ quel 

che cavolo gli pare. A ragione, aggiungiamo, ché dopo 

un disco come It Still Moves (2003) puoi anche incidere le 

canzoni dei Muppets (cosa che hanno fatto per davvero, 

ma questo è un altro discorso). 

A ogni modo, a fronte della calda accoglienza di critica 

e pubblico (numero 5 di Billboard all’uscita, che non è 

il primo posto dei Decemberists - con cui condividono 

il produttore Tucker Martine - ma siamo lì), sorge 

il dilemma se in fin dei conti non sia tutto un grande 

abbaglio, il beffardo destino di una band che conosce 

la fama quando quel fuoco si è attenuato. O meglio, se 

sornionamente Jim James sia talmente genio da arrivare 

al successo di massa con un LP che contiene una canzone 

chiamata Holdin’ On To Black Metal (sic!) e non è altro 

che la rielaborazione di una canzone soul thailandese 

degli anni ’60 (E-Saew Tam Punha Huajai, di Kwan Jai & 

Kwan Jit Sriprajan; cercatela sul tubo e divertitevi). Alla 

fine a gente così puoi solo voler bene, anche perché, 

aldilà dei proclami e dei fuochi d’artificio, in cose piccole 

piccole come Wonderful, Slow Slow Tune, Movin’ Away c’è 

tutto quello che ha portato i My Morning Jacket lì dove 

stanno adesso. Meritatamente, senz’altro. 

(6.5/10) 


nEro - WElComE rEality (mErCury, agoSto 

2011) 

Genere: D’n’pop-step 

Dopo il botto commerciale di Magnetic Man, negli UK 

al primo posto in classifica c’è finito Nero, duo formato 

da Daniel Stephens e Joe Ray, vincitori, nel 2010, del 

premio Beatport come miglior gruppo dubstep. Come 

ci sia finito un gruppo drum’n’bass à la Pendulum ai 

vertici di una tal classifica non è dato sapere, ma ci basta 

scorrere brevemente il catalogo passato per comprendere 

la storia di un sound che da un nucleo dei classici 

cassa rullante anni Novanta (il singolo del 2005 Ragga 

Puffin / Torture su Reformed) passa rapidamente a vocals 

sempe più farciti e sample sempre più orchestrali e à la 

page (ne è un esempio eclatante Requiem, del 2006, su 

Formation, mitica etichetta jungle anni Novanta). 

Sentito il mix sonico proposto dalla coppia e la mega 

produzione da autoscontro di Chase And Status (praticamente 

i Tiësto del d’n’b, se ci concedete il paragone) 

non c’è affatto da stupirsi. Nero mastica e risputa un 

mega strato-proteico mix di nostalgia rave (vedi appunto 

Benga, Skream e Artwork ne “l’uomo magnetico”), 

fidget (Justice in Innocence), soul-step (con la brava vocalist 

Alana Watson), e in coda, synth-pop e old house. 

In definitiva è un condensato di elettro-pop (Me And 

You) e, al di là dei gusti, è una cartina tornasole per chi 

vuol farsi un’idea di cosa ballano le masse dance più 

pilotate, ma non solo: anche gli elettro nerd resteranno 

soddisfatti per la varietà di trattamenti melodici adottati 

(vedi l’ottimo mesh della citata Innocence). Ovviamente, 

chi viaggia dritto per la strada dei singoletti e delle 

autoproduzioni lo odierà. 

(6.9/10) 


niCola ratti - 220 tonES (diE SChaChtEl, 

maggio 2011) 

Genere: ambient electro 

Ci ricordiamo ancora tutti quando, ormai più di un lustro 

fa, Nicola Ratti fece la sua apparizione in solo con Prontuario 

Per Giovani Foglie, dopo o durante le esperienze 

collettive di Pin Pin Sugar e Ronin. Soffusamente, 

delicatamente, quasi in punta di plettro, pur lasciando 

emergere una sensibilità altra rispetto al mero chitarrismo 

più o meno intimista e di ricerca. Sempre alla ricerca 

cioè di una contaminazione tra linguaggi elettrici ed 

acustici e interessato a tessere trame elaborate su field 

recordings ed effettistica 

Strumenti vari e necessari per poter far esplodere il caleidoscopio 

della propria sensibilità artistica fatta di visioni 

tenui, a colori pastello, dai contorni labili e sfocati 

eppure sempre ben delineata nella propria evoluzione. 

Con Ode, in solo, o in progetti di coppia (Bellows, con 

Giuseppe Ielasi, o Lieu con Attila Faravelli) Ratti ha via 

via affinato in chiave digitale il proprio sentire musicale 

che ora con 220 Tones trova una sua elaborazione, anche 

teorica, di primo piano. 

Riallacciandosi all’ultima traccia di Ode e affidandosi a 

strumenti che si nutrano esclusivamente di tensione 

elettrica. Perciò sintetizzatori (analogici, ovviamente), 

Farfisa, giradischi, registratori a nastro sono gli strumenti 

coi quali Ratti elabora piccole orchestrazioni di sfrigolii 

e fruscii, energia elettrostatica e contatti, private o 

quasi dell’apporto della chitarra o di ogni riconoscibile 

sorgente sonora. 

Il tutto finisce con l’assumere forme malinconiche e 

delicate, quasi fossero melodici origami di suono sublimato 

in volute psichedeliche (Air Resistance), in textures 

increspate che si fanno raga infiniti (Untitled #1), in 

simil-techno subacquea (Doom Set) o in minimalismo 

ambient d’epoca (Cathrina). 

La chiosa affidata alla chitarra di Empire ci ricorda come 

il percorso musicale di Ratti viva di una sua coerenza 

interna e che, medium a parte (dalla chitarra + forma 

canzone degli esordi ai nastri/vinili + forme sperimen- 

96 97

highlight 

maria minErVa - CabarEt CixouS (not not Fun, agoSto 2011) 

Genere: weirDness Disco-pop 

L’universo delle musiche weird aggiunge ogni mese nuove latitudini alla sua caleidoscopica geografia. 

Stavolta tocca all’Estonia, una tra le più piccole repubbliche baltiche dell’ex URSS, mostrarci i suoi 

gioielli. Maria Minerva, all’anagrafe Juur, è una piacente 23enne trapiantata a Londra dove comincia a 

trafficare, complice l’attività di stagista da Wire, con musiche “altre” tanto che tempo qualche mese ce 

la ritroviamo a pubblicare addirittura con Not Not Fun, l’isola più freak dell’arcipelago weird di questo 

scorcio di millennio. 

Cabaret Cixous non è in realtà l’esordio tout court, perché sempre per NNF la nostra ha rilasciato la tape 

Tallin At Down, mentre l’outfit 100% Silk marchiava un 12” dal titolo Noble Savage. Roba al confine tra 

disco e weirdness psych con un retrogusto da “famolo strano”, per formati, artwork, immaginario, giustamente 

trattata nel nostro spazio Gimme Some Inches. 

Ora la bella stagista si presenta con questo full-length vinilico e rinnova la 

tradizione del clash culturale della label con un riuscito mix di cultura pop 

alta e bassa in nome di disco-music bislacca, psichedelia soffusa e reverie 

post-hypnagogic. Sì, perché la chiave di lettura delle musiche contenute in 

Cabaret Cixous è proprio quel senso di torpore e di sfocata percezione che 

abbiamo avuto modo di notare spesso ultimamente, soltanto applicato qui 

ad una forma avant-pop, accattivante e ricercata, della disco-music. Ne esce 

una sensuale mistura di spectral disco, beat sostenuti e fumose ambientazioni, tutto fatto in casa, nella 

cara cameretta-simulacro dell’under-25 medio. Roba in apparenza sciatta ma che invece riluce come le 

strobo o la mirrorball del nostro immaginario a furia di raga spacey increspati da dubbose cavernosità 

(Once Upon), acid-jazz etno-sensuale (Ruff Trade), new-age electro tutta bagliori e oblio (Lovecool), postchill-out 

ritmato (I Luv Ctrl), quasi tutti impreziositi dalla voce sensuale e provocante di Maria (vedere/ 

ascoltare il censurato video del numero soft-disco-porno Soo High per la riprova). 

Nel mixtape per Fact Mag c’è modo di entrare un po’ più nel profondo nel background di una tipa abbastanza 

agguerrita, che a citare tutto ciò che viene in mente non basterebbe un articolo. Qualcuno ne 

ha parlato, e non a torto, come se i Throbbing Gristle o Chris & Cosey avessero fatto il loro album r’n’b 

del XXI secolo. D’altronde, it’s the “net generation”, baby. Prendere o lasciare. 

(7.4/10) 


tali), sia sempre più spesso la sensibilità dell’artista a 

fare la differenza. 

(7.4/10) 


onE Sixth oF tommy - EVErything\’S oK 

(hElium, SEttEmbrE 2011) 

Genere: pop folk 

Oramai va così, anche nel mondo del folk: ci si fa notare 

a un talent show (vedi il compagno di scuderia Sam 

Brookes) oppure ci si incontra a un workshop nel fine 

settimana. Gli insegnanti ti chiedono per esercizio di 

scrivere una canzone. A loro pare funzionare davvero 

e la spediscono a un’etichetta: eccoti servita la nuova 

band pop-folk pronta a infrangere i cuori dei maschietti, 

composta com’è da sole ragazze. 

Tutte polistrumentiste e tutte autrici, Jordan Martin, 

Jorja Bates e Joanna Grennan vengono dalla countryside 

inglese, ma il loro sound affonda le radici nel cantautorato 

americano in salsa folk, declinandolo in fresche 

tonalità pop da tune radiofonico. Le tre si muovono 

con discreta disinvoltura tra il suono tardo 90s di Lene 

Marlin (The Pact), pruriti springsteeniani (Not Listening) 

filtrati Arcade Fire e Tegan And Sara, ballate soffuse 

(I’m Still Yours, For Always) che ricordano Emiliana Torrini 

e Polly Paulusma, midtempo solari (The Pact) e 

sottolineati da armonie vocali sempre delicate e aeree 

(Cotton Pockets). 

Canzoni semplici e caramellose basate su pianoforte e 

chitarra acustica, giusto un po’ sporcate di sintetizzatori, 

perfette per prolungare l’estate di qualche mese. Difficile 

che ce ne ricorderemo a primavera. 

(6.4/10) 

marCo boSColo 

orEn ambarChi/Jim o’rourKE - indEEd 

(mEgo, giugno 2011) 

Genere: experimental 

Oren Ambarchi e Jim O’ Rourke ci devono aver preso 

gusto a lavorare assieme. Dopo Tima Formosa di un 

anno fa, i due si ritrovano per dar vita a Indeed. Sebbene 

Ambarchi abbia dimestichezza con i suoni pesanti 

per la sua ormai consolidata collaborazione con i Sunn 

O))) e O’ Rourke abbia attraversato fasi noisy, sembra 

che fosse Keiji Haino l’elemento perturbatore nel disco 

precedente. 

In Indeed Ambarchi e O’ Rourke lavorano tutto di silenzi 

e di vuoti a imbastire flebili tessiture su spazi bianchi. La 

prima facciata (il disco è disponibile solo in vinile) inizia 

con lapilli eruttivi di synth e chitarra che si spengono 

lentamente in un placido stagno in cui gocciolano note 

lievi e soffuse. Il secondo lato prosegue sulla falsariga 

del primo alzando a tratti le frequenze atmosferiche su 

tuoni acuti e disarmonici. Pur non essendo un disco per 

tutte le orecchie, l’oltre mezz’ora di sperimentazione di 

Indeed risulta fruibile ad un pubblico più vasto dei soli 

appassionati del genere. Un lavoro che non sorprende 

ma in grado comunque a tratti di catturare. 

(6.8/10) 


paul KalKbrEnnEr - iCKE WiEdEr (paul 

KalKbrEnnEr muSiK, giugno 2011) 

Genere: berlin techno 

Visti con gli occhi del presente, i dischi dell’ascesa Zeit e 

Self suonano tanto come l’affilatura preparatoria delle 

armi techno e minimal. Quelli erano gli anni dei “lavori 

di ottima qualità”, ma la dimensione da star di cui gode 

oggi Paul Kalkbrenner è esplosa di fatto con il riuscitissimo 

progetto Berlin Calling, il film diretto da Hannes 

Stöhr che lo ha visto nel ruolo di protagonista principale 

(un dj berlinese che cerca di sfondare) e soprattutto autore 

della (lo diciamo a denti stretti) strepitosa colonna 

sonora. Tralasciando il privilegio di esser stato scelto tra 

tanti per un’opportunità tanto ambiziosa e stimolante 

(conquista ottenuta per merito: Stöhr era stato conquistato 

proprio da Self), il film aprì al grande pubblico 

un ampio squarcio del mondo clubbing berlinese, e la 

soundtrack fu il picco irripetibile con cui Kalkbrenner 

vergò la lettera d’amore per la propria città, realizzando 

il mix perfetto di malinconia deep ed entusiasmo notturno 

peculiare dell’ambiente tedesco. 

Dopo averne sollevato il coperchio, oggi il dj tedesco è 

determinato a dar fondo alla pentola d’oro (sarebbe stato 

sciocco non farlo) e le nuove produzioni della neonata 

Kalkbrenner Musik vanno proprio in questa direzione: 

il 2010 - A Live Documentary, registrato nei backstage 

delle tappe del suo ultimo tour, e il nuovo lavoro in studio 

stanno puntando tutto a disegnarsi come oggetti 

di culto della techno germanica. Icke Wieder vuole dunque 

bissare il successo di Berlin Calling giocando sugli 

stessi punti di forza: livelli di produzione da urlo, rifiuto 

di formule di ascolto articolate o innovative e brani a 

presa immediata, pescati a mani nude dalla club culture 

metropolitana e precisi tanto nel trasmettere la sadness 

cittadina quanto nell’esaltarne la piega dancey. 

Difficile negare come un’apertura come Boexig Leise, coi 

suoi 4/4 di decadenza autunnale, sia esattamente quello 

che il pubblico si aspetta da Kalkbrenner. E anche brani 

come il singolo Jestruepp o Sagte Der Baer incarnano il 

volto più elegante e suggestivo della techno made in 

Berlin, in cui durezza industriale e assetto geometrico 

rispondono in assonanza alle esigenze liberatorie della 

metropoli moderna. Quella di ripetere un capolavoro 

forgiandone un gemello è però impresa (quasi) impossibile, 

e il risultato è che il disco si imbatte a tratti in 

pantani di manierismo, soprattutto nel suo versante 

techno-core: con Schnakeln o Des Stabes Reuse l’ascolto 

inciampa su combinazioni semplici e statiche, in cui 

l’assenza di una spinta creativa mette in risalto l’animo 

poco coraggioso dell’album. Sono imperfezioni che è 

possibile mimetizzare in opere di fattura impeccabile 

(e Icke Wieder rientra in questa categoria) ma che non 

si possono eliminare totalmente. 

In una strada battuta da tutti in lungo e in largo ci sono 

solo due modi per mettersi in vista: cercare la novità, o 

perfezionare uno stile già formato. Negli ambienti techno 

teutonici, della prima via si sta occupando Kadebostan; 

Kalkbrenner ha scelto la seconda e merita ancora 

grande rispetto, a patto che si fermi prima di toccare il 

fondo della ripetitività. Lui ha la nostra fiducia a tempo, 

noi un altro disco da tenere in loop perpetuo. 

(7/10) 


primuS - grEEn naugahydE (ato, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: crossover 

Una dozzina di anni senza brani nuovi per Les Claypool, 

se è della sua “creatura” più nota e geniale che parliamo. 

98 99

highlight 

matt bErry - WitChazEl (aCid Jazz rECordS, marzo 2011) 

Genere: folkpoppsychproGrock 

Un comunicato stampa - che non ci è pervenuto, rendendo la quasi casuale scoperta di questo disco 

una totale sorpresa - avrebbe potuto iniziare informandoci che Witchazel è il terzo album di Matt Berry, 

pubblicato da lui stesso nella primavera 2009 solo su web (in download gratuito per un giorno) e finalmente 

stampato e distribuito dai signori di Acid Jazz. 

E chi diavolo sarebbe questo Matt Berry? Potremmo saltare la domanda e arrivare dritti al punto, dicendo 

che Witchazel è uno di quei dischi che non ci capitava di ascoltare da un bel po’. MGMT, Syd Barrett, 

Genesis, Pet Sounds, vecchie colonne sonore blaxploitation, Incredible String Band, Doors tutto 

frullato insieme con gusto massimalista e squisitamente citazionista, in una sorta di concept avventuroso 

ma leggero - e provvidenziale - come un bicchier d’acqua in agosto. E però non possiamo non dirvi che 

Matt Berry, come mestiere principale, fa il comico (in Inghilterra, con show televisivi di culto come Snuff 

Box e The IT Crowd; roba da noi pressoché sconosciuta). 

Lo scarto, volendo, è tutto qui. Perché fare un album - e per “fare” intendiamo scrivere, interpretare, 

arrangiare, produrre, suonare quasi interamente - che sia contemporaneamente omaggio e parodia, 

facendolo apparire dannatamente serio (nella fedeltà formale, nella genuinità dell’ispirazione, nella 

puntualità dei riferimenti) e insieme dannatamente ironico (il gusto per il cliché, la citazione musicale 

intelligente e spudorata, i testi sopra le righe), converrete che non è proprio da 

tutti. Basterebbe questo, davvero. O basterebbe ascoltare Woman, ballatona 

strappacuore alla Moody Blues che quando arriva l’assolo di chitarra non puoi 

non chiederti “ma ci è o ci fa?”, e poi tornare a riascoltarla perché ti commuove 

e ti fa ridere. Perché non c’è niente di più serio di un comico quando fa sul serio, 

o niente di più comico di un comico quando fa sul serio. 

Oppure basterebbe dire che Matt Berry è nato nel 1974, e che quindi il suo 

esercizio di emulazione è reso ancor più impressionante dal non esser stato 

testimone diretto di quella stagione musicale in cui folk, prog, psichedelia e acid rock convivevano 

beatamente tra i solchi di doppi LP dalle copertine evocative e pretenziose. Un universo misterioso di 

foreste, campagne, falchi, uomini incappucciati, tarocchi, elfi, maghi, streghe, incanti pastorali, scenari 

e filastrocche à la Wicker Man. Affrontato sempre nel modo di cui sopra. 

Oppure basterebbe dire che Matt Berry, quando gli capita di suonare dal vivo, sul palco fa salire Geno 

Washington (sì, oh-oh-oh-Geno!). Oppure basterebbe dire che Matt Berry, se chiede a Paul McCartney di 

fare un salto in studio e cantare due versi nella sua Rain Came Down, quello lo fa (e il fatto che entrambi 

sembrino piuttosto high non fa che accrescere il fascino della cosa). Oppure basterebbe dire 

(7.6/10) 


Non che sia rimasto inattivo, il funambolico bassista, 

benché ai progetti intrapresi nel frattempo difettasse 

il senso d’avventura di Pork Soda e Sailing The Seas Of 

Cheese, capolavori di crossover tra musica nera e hard 

rock la cui grandezza stava nel trascendere lo stile e attingere 

anche altrove, cioè da squadrature progressive 

(i King Crimson e Rush fusi nella mini suite Jilly’s On 

Smack e girati in dub candeggiato per l’ottima Moron 

TV), da venature etniche - tanto Medio Oriente anche 

qui - e da un blues-folk beefheartiano degno di Tom 

Waits. Il quale figurava anche in Antipop, scivolata nel 

manierismo come del resto il precedente Brown Album. 

Aggirati da Green Naugahyde nell’unico modo possibile 

per un’avanguardia oggi classica: guardando indietro in 

termini d’ispirazione, metodologia (produce lo stesso 

Claypool; l’album esce per la sua Prawn Songs con l’appoggio 

della ATO) e line-up, col sempiterno chitarrista 

Larry LaLonde e il primissimo batterista Jay Lane che 

non riuscì a comparire sull’esordio Suck On This. Bene 

così, siccome il passato riporta vigore e asciuttezza a 

un funk-metal contorto e oscuro, intriso di stranezze da 

baraccone e sarcasmo tagliente; a una miscela personalissima 

mai scaduta in macchietta come per i Red Hot 

Chili Peppers ridicolizzati dalla clintoniana Tragedy’s A’ 

Comin’. 

Intatta la tecnica esecutiva - strabiliante mai fine a se 

stessa - e scontati siparietti e qualche lungaggine, piacciono 

soprattutto la convulsa cavalcata Hennepin Crawler 

e una sinistra Last Salmon Man (sorta di floydiana 

One Of These Days infarcita di cabarettistici stacchi), il 

curioso spirito post-lisergico di Green Ranger e la riassuntiva 

sarabanda Extinction Burst. Cose che suonano 

“come vent’anni fa” con la saggezza odierna, e miglior 

complimento crediamo non ci sia. 

(7/10) 


pruriEnt - bErmuda drain (hydra hEad, 

luglio 2011) 

Genere: noise-wave 

Con Dominick Fernow aka Prurient avevamo perso i 

contatti da un paio d’anni a questa parte. Le antenne 

radar dei noise-addicted lo avevano avvistato al fianco 

dei Cold Cave in Cherish The Light Years o su qualche 

sotterraneo split vinilico in edizione limitata. Ora mr. Hospital 

Productions riesuma il suo progetto madre e, quasi 

a mettere le cose in chiaro, sciorina un disco-bomba 

in cui da un lato addolcisce la propria incompromissoria 

offerta musicale, dall’altro gioca sullo stesso terreno dei 

rigurgiti -wave di questi anni ’00 e li schianta tutti. 

Bermuda Drain sembra infatti la summa del Fernowpensiero 

degli ultimi due anni, ovvero il sadico attacco 

noise della casa madre applicato alle suggestioni black 

(il progetto black-metal Ash Pool), minimal techno (Vatican 

Shadow) e cold-wave targate Cold Cave, modulate 

in una forma-canzone quasi definita. 

Tra attacchi black-metal synthetico truce e ossessivo, 

squarciato da voci malefiche e lampi di noise su tessuti 

synth-wave cadenzati (l’opener Many Jewels Surround 

The Crown), ebm posseduta (A Meal Can Be Made), ambient 

drogata e narcolettica (una Palm Tree Corpse che 

parte da Vangelis e si slabbra verso modalità Wolf Eyes 

macilente e putrefatte) e le incessanti derive texturali 

ora ambient-industrial (Sugar Cane Chapel), ora limitrofe 

alla kosmische (Myth Of Sex, ovvero dal pulviscolo harsh 

noise alle lande cosmiche di un romanticismo e una solitudine 

abbacinante in 5 minuti scarsi), l’album offre 

una interessante via di fuga dal noise estremo tipico 

della casa. 

E la cattiveria, si chiederanno gli hardcore fans più esigenti? 

C’è eccome. Nascosta più tra le pieghe delle lyrics 

(take a tree branch and ram it inside you apre la citata 

Palm Tree Corpse) e nel senso del tutto, disturbante e 

annichilente nella sua algida grazia as usual, che esibita 

in muri di suono harsh come in passato. Un disco che 

segna lo spartiacque tra il Prurient che fu e quello che 

sarà e che si offre come la più credibile manifestazione 

del futuro noise a stelle&strisce, necessariamente alla 

ricerca di nuove modalità per uscire dalle paludi di un 

suono ormai cliché. 

(7.2/10) 


randy nEWman - SongbooK Vol. 2 

(nonESuCh, maggio 2011) 

Genere: classico americano 

Se parole come “Genio” e “incompreso” hanno un qualche 

significato, potete trovarne un’ampia fetta in Randy 

Newman. Miracoloso a sé che, senza partire dal country 

e/o dal folk, ha creato una cifra autoriale unica mettendo 

assieme le colonne sonore scritte dagli zii e la scrittura 

pianistica, i musical e il gospel, George Gershwin, 

Cole Porter e Ray Charles. Se vi pare poco, c’è sempre 

l’umanità cinica e impietosa con cui sferza e tratteggia 

personaggi e racconta storie. Che si tratti dell’amato sud 

degli Stati Uniti, delle persone di bassa statura o dello 

schiavismo, in quaranta e rotti anni di carriera abbondano 

i Grammy in bacheca e - cosa più importante - le 

Canzoni con la maiuscola qui oggetto di “rilettura”. 

Secondo pannello di una trilogia, The Randy Newman 

Songbook Vol. 2 scarnifica (come il predecessore e come 

l’uomo suole fare dal vivo) le sonorità a voce e pianoforte 

permettendo così alla scrittura di brillare ulteriormente. 

Sedici brani scorrono agili la gamma tra tristezza 

e sarcasmo e tracciano un arco di quattro decenni 

dal debutto, AD 1968, fino al più recente Harps And 

Angels; a ogni passo si impongono una raffinatezza e 

una sincerità senza pari, che rafforzano ritratti di vita 

amari, ironici e talvolta assurdi di fatto inscindibili dalle 

liriche. E che invogliano l’ascoltatore a tornare su classici 

conclamati, oppure riscoprire cose a torto considerate 

“minori” mentre l’autore si guarda indietro con la voce 

di oggi. La propria essenza nelle canzoni, costui gioca 

un ennesimo ineffabile (s)gambetto. 

(7.2/10) 


rEd hot Chili pEppErS - i’m With you 

(WarnEr muSiC group, agoSto 2011) 


Dopo cinque anni di silenzio tornano i Red Hot Chili 

Peppers col decimo album di inediti. Notizia nella no- 

100 101

highlight 

roll thE diCE - roll thE diCE (lEaF, SEttEmbrE 2011) 

Genere: elettronica ‘80 

Non c’è niente di più contemporaneo dell’inattuale, del kitch, del retrò. La storia delle musiche elettroniche 

(e non) di questo ultimo paio d’anni è tutta un reverse in direzione storia delle storie, come dire: 

guardiamo le ombre che precedono i nostri passi, in mancanza di una direzione precisa da prendere. 

Chissà se tra qualche anno, il caos evidente di questi giorni sarà inquadrabile all’interno di un excursus 

più o meno evolutivo. Di fatto, ora come ora, il recupero nostalgico delle vecchie cadenze ’80 (soprattutto) 

e ’90, genera una serie di espressioni che non solo cercano nel retro-gusto 

una propria ragion d’essere, ma quasi una sostanza ineludibile per esserci nel 

qui ed ora del suono attuale. Oneohtrix Point Never ha un po’ rotto gli argini 

ed, assieme a lui, fenomeni come Expo ‘70, Jonas Reinhardt, Emeralds nella 

loro estetica new kraut hanno aiutato al recupero creativo del vecchio synth 

valvolare. 

L’analogico sempre più come valvola di sfogo per un digitale omologato, impalpabile, 

insapore. I Roll The Dice, arrivano al momento giusto quindi. Il duo 

svedese, originario di Stoccolma, composto da un ex Fever Ray, Peder Mannerfelt e da uno che si è fatto 

le ossa con soundtrack per film e TV, Malcolm Pardon, è abbastanza abile da rappresentare una sintesi 

sufficientemente personale di tutto quanto detto fino ad ora. Da un lato un’elettronica improvvisata 

chiaramente coordinata sulle istanze della vecchia synth analogica anni ’80, con corredo di strumentazione 

vintage e grammatica valvolare che recuperano inflessioni che nemmeno il Jean Michael Jarre di 

Oxygene, dall’altro un evidente gusto per il sinfonismo androide post kraut, ulteriore evoluzione della 

tradizione Cluster. Quando gli ingredienti vengono amalgamati alla perfezione, il duo è capace di erigere 

affascinanti costrutti cosmici con un gusto horror- claustrofobico che si affianca alle contemporanee 

derive dei vari Xander Harris e Umberto. Ma più che nell’horror tout court, qui siamo dalle parti di una 

sci-fi malmenata e polverosa, come le micidiali convivenze tra Tangerine Dream e Barry De Vorzon 

(quello della ost dei Guerrieri della Notte per intenderci ) dei capolavori Maelstrom e Cause And Effect. 

Una maniera prettamente cinematografica guida la mano dei due verso il minutaggio esteso, verso le 

scenografie di corredo con i rumori d’ambiente e le note sostenute di piano a servire le composizioni 

nel suo farsi (The Skull Is Built Into The Tool). Disco più sofisticato e meditato del precedente su Digitalis, 

con cui Leaf cerca di prendersi una propria fetta della grande torta nostalgica attuale. 

(7.5/10) 


tizia, I’m With You vede debuttare il nuovo chitarrista 

Josh Klinghoffer, dal momento che John Frusciante 

è di nuovo - pare definitivamente - uscito dal gruppo. 

Poco male: l’irrequietezza indolente e lunare di John 

viene sostituita dal più dinamico, acido e scabro stile di 

Klinghoffer (riecheggiante a tratti il caro vecchio Andy 

Summers), conferendo al sound il giusto grado di ruvidità 

e stranezza. Sia chiaro: ruvidità e stranezza sì ma 

perfettamente funzionali ad un progetto dalle evidenti 

finalità, ossia rifornire le playlist del globo con questo 

nuovo carburante marca RHCP. 

Si punta parecchio sulla non ancora troppo sbiadita 

fama di sobillatori di incroci tra inneschi hard-funk e 

spasmi hip-hop, divenuti col tempo sempre più civet- 

tuoli e disposti a conciliare le istanze della più rassicurante 

ballad folk-pop. Ok, confesso: non avevo troppa 

voglia di ascoltare questo disco. Il singolo The Adventures 

Of Raindance Maggie mi aveva sconcertato per la 

piatta ruffianeria, tutto un insulso strofeggiare melodia 

dolciastra in un guazzetto danzereccio variegato di ricami 

chitarristici glam. Ma qualcuno doveva pur farlo, ed 

essendo stato tra i pochi a non aver disdegnato (senza 

esagerare) il precedente doppio Stadium Arcadium, 

che volete farci, mi toccava espiare. Ebbene, in queste 

quattordici tracce ho trovato esattamente ciò che mi 

aspettavo: una affabile professionalità, tanto più innocua 

quanto più estrosa. 

Ci provano i quattro a smuovere le acque coi funkettini 

affilati post-punk (Factory Of Faith), svisando tra le parentesi 

liquide (vagamente flaminglipsiane) di Goodbye 

Hooray o sprimacciandosi il cuore con la struggente ma 

prevedibilissima ballad Brendan’s Deat Song (dedicata 

all’amico scomparso Brendan Mullen). Ci provano appunto 

ma non riescono a fare altro che mettere a lucido 

il blando sfavillio d’un marchio che non è (più) in grado 

di smuovere nulla oltre un’epidermica radiofonia. E che 

ovviamente, anche in ragione di ciò, otterrà il successo 

preventivato. 

Chiudo con la consapevolezza che al ritmo di un album 

a lustro - e cambiando chitarristi a piacimento - Kiedis 

e compagni potranno continuare praticamente in eterno, 

raccogliendo ogni volta i frutti del caso. Messa così 

somiglia a un incubo. Forse perché non si tratta di un 

incubo. 

(4.8/10) 


riChard youngS - ampliFying hoSt 

(JagJaguWar, SEttEmbrE 2011) 

Genere: psych folk 

Harry Dean Stanton vaga in mezzo alla Monument Valley 

mentre la chitarra di Ry Cooder si stende languida 

sulle immagini, carica di una compassione ultraterrena 

verso le umane miserie. Cooder prese come modello di 

ispirazione per la leggendaria OST di Paris, Texas il classico 

blues di Blind Willie Johnson, Dark Was the night, 

Cold was The Ground. Sullo stesso sentiero o per lo meno 

lungo questa direzione, ma con una sua grafia chiara 

e riconoscibilissima, sembra porsi oggi Richard Youngs 

che ritorna a battere il sentiero folk, continunando il discorso 

lasciato a metà con Autumn Response. 

Ad essere protagonista è, ancora una volta, una visione 

diagonale e distorta della chitarra folk. Il motivo dominante 

delle sei tracce che compongono questo nuovo 

disco è l’arpeggio dissonante, con l’intervento scoordinato 

di una chitarra distorta che acuisce una senso 

di precarietà, di incertezza su come l’armonia debba 

procedere. Come saltare su un confine molto labile tra 

la grazia e l’orrido. 

Come fanno notare dalla Jagjaguwar è un po’ lo stesso 

mix che reggeva le arcane volte del tormentato Six & 

Six di Jandek, ma senza quel buio più nero del nero 

che in quel disco inghottiva i lamenti del solitario del 

Texas in un’alienazione metafisica. Youngs è e rimarrà 

sempre votato ad un lirismo prettamente inglese che 

gli evita anche questa volta le risacche più nere e contorte. 

Semmai, stavolta si avvicina a Scott Tuma e al suo 

indimenticato capolavoro Hard Again e ad amplificare 

questa sensazione arriva anche l’intervento di Damon 

Krukowski alle spazzole delle percussioni, così come a 

sorreggere le cattedrali di polvere e rimpianti di Tuma 

intervenne all’epoca Jim White. 

(7.3/10) 


rinF - VolKSproduKtE (goodFEllaS, maggio 

2011) 

Genere: wave 

Ritorno davvero inatteso per i Rinf, gruppo dell’area 

wave fiorentina di inizio anni ‘80 riemerso recentemente 

dall’oblio grazie al lavoro della Spittle records, che tra 

ristampe e compile (Chaosjugend Strasse e Silence 

over Florence 82-84) ne ha riconosciuto il ruolo chiave 

all’interno della suddetta scena. Roba da vero underground 

insomma... 

Volksprodukte è, incredibile ma vero, il primo lp sulla 

lunga distanza, dopo un unico 12” uscito nel lontano 

1983. Dieci tracce in cui è fisiologica l’impronta del passato, 

ovvero quel sound neue deutsche welle che con 

ogni probabilità continuerà a mietere vittime tra vecchi 

e nuovi wavers. Ma non è tutto qui. Anzi, qui entra in 

gioco il bagaglio di originalità che ha da sempre contraddistinto 

il lavoro dei Rinf: ritornano le derivazioni 

Pil nell’apertura di Bamelo, le digressioni dei sax a-là 

Blurt/Contorsions nella splendida Panic Trotter (angst), 

abrasioni no-wave affacciate in Sprengkörper e nell’incedere 

ossessivo di Lichtvater, per finire con un pò di body 

music nella fermezza in 4/4 di World e Kauf. 

E’ un back to the past meticcio e sfumato, che potrebbe 

far scuola a tanti revivalisti anche in questo 2011. 

Ed invece la scelta è ancora per il culto feticcio: disco 

stampato solo il vinile, ovviamente a tiratura limitata, 

con lo splendido artwork dell’ inglese Jordan Mckenzie 

a campeggiare in copertina. Gente a cui non manca 

davvero lo stile. 

(7.2/10) 

StEFano gaz 

robotS in diSguiSE - happinESS V SadnESS 

(prESidEnt rECordS, giugno 2011) 

Genere: electro pop 

Arrivate troppo tardi per godersi il boom dell’electroclash, 

alle electro punk girls Robots In Disguise va riconosciuta 

per lo meno una certa coerenza. In dieci 

anni tutto è cambiato ma loro continuano imperterrite 

a propinare una zuccherosa mistura di art rock ed electro 

pop, che nel corso di quattro album ha subito solo 

marginali aggiustamenti. 

Va da sé che le ritmiche di questo Happiness v Sadness si 

allineano a questi tempi più fluidi rinunciando a quella 

102 103

highlight 

St VinCEnt - StrangE mErCy (4ad, SEttEmbrE 2011) 

Genere: avant pop 

A un ascolto immediato, Strange Mercy - terzo album di St Vincent alias Annie Clark -, chitarrista e 

polistrumentista americana, ex-Polyphonic Spree e Sufjan Stevens band, appare ambizioso e si pone 

quale ideale continuazione del precedente elaborato Actor, che un paio di anni fa ne aveva confermato 

il talento cristallino e cinematico. 

Un avant pop orchestrale il suo che mette in evidenza il virtuosismo chitarristico (ne ha dato prova negli 

ultimi tempi nella collaborazione con Bon Iver per lo score di Twilight: New Moon, e con David Byrne per 

un progetto che sarà pubblicato prossimamente) e si arricchisce di nuove spezie sonore, propendendo 

anche per un versante più musicalmente sperimentale, dalle parti di una Laurie Anderson più pop, 

che aveva costeggiato già in Actor, e non a caso dei Talking Heads per alcune 

melodie poliritmiche qui presenti. 

“Questa volta volevo un disco più immediato e diretto”, rivela, “non troppo 

abbellito e molto guitar oriented“ e infatti la traccia sonora che guida Strange 

Mercy, al di là delle coloriture più avant, è proprio rivolta a un chitarrismo compatto, 

rivestito di synth, cinematicamente affascinante e più aperto del solito 

a un versante sbarazzino, che appariva spesso nell’esordio Marry Me; si veda 

la Cruel che sembra fare il verso simpaticamente ai 70 degli Abba. 

Il tutto come se la Annie Clark di oggi facesse il punto non solo musicale ma esistenziale del suo percorso 

artistico. “In pratica volevo un disco che suonasse più umano, dopo tutto“, e crediamo di interpretare il 

suo pensiero nel senso di una maggiore apertura musicale e solarità, pur nell’ambito di una musicalità 

non facilissima quale è quella della Nostra. Un venirsi incontro a metà strada tra divulgazione e avant 

pop. Molto affascinante. 

(7.4/10) 

tErESa grECo 

spigolosità che ne aveva caratterizzato gli esordi; contrariamente 

a quello che ci si sarebbe potuto attendere 

la chitarra di Delia Gaitskell assume un ruolo più preponderante, 

lanciando sul lavoro un’impronta wave arrivata 

forse fuori tempo massimo, ma si era capito che 

il tempismo non è mai stato il loro forte. 

Quello che non cambia sono le esplosioni emotive, la 

vocalità usata come strumento e a tratti brandita come 

una clava, tanto che i vocalizzi dell’opener Chains ricordano 

quelli di Björk ai tempi degli Sugarcubes. 

Definitivamente migliorata è la grana melodica dei pezzi: 

lasciate da parte le velleità artsy e DIY, le ragazze hanno 

affinato la capacità di scrivere brani pop tout court 

(solo qualche obliquità nel chorus impedisce a Hey 

Watcha Say di rappresentare il perfetto mix fra wave e 

europop) e perfezionato alcuni trucchetti da studio che 

permettono loro di fare della title track un avvincente 

synthpop psychedelico. 

(6.7/10) 

diEgo ballani 

rolo tomaSSi - EtErnal youth (dEStination 

moon, giugno 2011) 

Genere: post-hc 

Se prendi il nome da un personaggio di Ellroy, non puoi 

fare a meno di essere cupo ed efferato, oltre che un po’ 

schizoide. O viceversa. Questo devono aver, infatti, 

pensato i cinque inglesi da Sheffield quando decisero 

di battezzare il loro post-hc corposo e aggressivo col 

nome di Rolo Tomassi, riassumendo in una figura sola 

un intero immaginario violentemente americano. Cosa 

che si riverbera pure a livello musicale essendo gli States 

di Converge e Dillinger Escape Plan il primo, ovvio 

riferimento a venire in mente all’ascolto delle musiche 

di Edward Dutton (batteria), Joe Nicholson (chitarra), 

Eva Spence (voce), James Spence (synth, urla), e Joseph 

Thorpe (basso). 

Eternal Youth, altro nomen omen, è in realtà una raccolta 

antologica in doppio cd per 36 brani che mette in chiaro 

origini e frattaglie sparse a margine della discografia degli 

inglesi. A fronte di soli due album ufficiali (Hysterics, 

del 2008, e Cosmology dell’anno scorso) in 6 anni di vita, 

il quintetto ha sparso una miriade di pezzi piccoli e soprattutto 

split con altre band del sottobosco rumoroso 

inglese difficili da recuperare. 

Cosa comprensibile, questa necessità espressiva, ascoltando 

la furia con cui i cinque di Sheffield macinano 

suoni al calor bianco, affrontando e fondendo input tra i 

più diversi: un certo vezzo prog e una spiritualità da jazz 

libero che è più d’attitudine che elemento strutturale, su 

tutti. E a ragione, visto che proprio queste tensioni stilistiche 

diversificano l’altrimenti riconoscibile panorama 

sonoro instillando una certa, rinnovata curiosità in un 

settore che sembra aver detto già molto se non tutto. 

(6.7/10) 


roSKa - JaCKpot Ep (rinSE, luglio 2011) 

Genere: uk bass, funky step 

Due release in un sol giorno dalla Rinse FM a nome Roska, 

e d’improvviso son grosse novità nella parabola 

UK step: l’una è il mixtape Rinse: 15 - Roska, che arriva 

puntuale a far da ago della bilancia lungo la lanciatissima 

tangente clubbing del fu dubstep, chiamando in 

causa per acclamazione tipini tutto pepe come Katy B, 

Redlight, Brackles, Ms Dynamite e tutta la crème dei 

fermenti londinesi; l’altra è questo eppì, che rappresenta 

la prima raccolta di inediti dai tempi della svolta dance 

premonitrice di inizio 2010. 

Se la compilation aggiunge un nuovo tassello (diciamo 

pure macigno) alla piega mainstream ormai dilagante, 

i nuovi brani non possono far altro che continuare il discorso, 

giusto? Macché: con due sonori schiaffi Jackpot 

e Roskallion riportano il calendario a due anni fa e distillano 

oscurità UK bass in piena regola. Una retromarcia 

vistosissima al Silkie del primo City Limits e alla claustrofobia 

dei dj-set degli orari più tardi, quelli che arrivano 

dopo le 2 A.M. per i survivors delle sale commerciali 

(Blame The Speakers: chi ha assistito al set conclusivo di 

Kode9 per il Meet In Town sa di cosa parliamo). Quasi a 

voler riconoscere all’estetica Magnetic Man i contorni di 

tendenza dilagante, (ri)assorbendo le depressioni dub 

come redivivo suono di rottura. E se la darkness tornasse 

di moda, qualcuno dovrà accendere un cero anche ad 

un certo Zomby. 

Jackpot EP ha però l’accortezza di non sputare nel piatto 

da cui suole servirsi, e soddisfa in chiusura le legittime 

fantasie dancehall, con una Leapfrog a riportare alla memoria 

Rinse Presents Roska (la rivalutazione qui è d’obbligo) 

e la cassa dritta che continua ad amoreggiare con 

le sfasature funky in 4th Blind Mouse e Wie Alt Bist Du. 

Un colpo al cerchio ed uno alla botte. E di nuovo quella 

netta sensazione che il ragazzo stia giocando in netto 

anticipo sui tempi... 

(6.9/10) 


ruFuS party - With uS (bluEbout 

rECordingS, luglio 2011) 

Genere: power blues 

Un tempo erano un power trio, i Rufus Party. Una decina 

d’anni passati a spellare palcoscenici nel segno del 

garage-blues prima dell’esordio Civilization & Wilderness, 

anno 2006. Oggi, un lustro dopo, al triangolo famigerato 

chitarra-voce-batteria aggiungono il basso ed 

un organo hammond, guadagnando in corpo, varietà ed 

intensità quel che pagano di ferocia. Ed ecco il sophomore 

With Us, prodotto da Andrea Rovacchi dei Julie’s 

Haircut: una corroborante dozzina di tracce declinate 

blues e power-pop, vagamente psichedeliche e quando 

occcorre gustosamente groovy. 

Piace soprattutto la devozione che mettono nel fare i 

nipotini infervorati dei Traffic (Father’s Song, In A Little 

While) o una filiazione iperadrenalinica degli Stones via 

Dandy Warhol (Panic In Gairo), impastando la morbida 

versatilità dei Gomez, la leggerezza arguta dei Cake e 

la tracotanza dei Flamin’ Groovies. Mediamente gradevoli, 

riescono a suonare irresistibili con pezzi quali Get 

Out Of My Way - lo schiaffo punk-blues che colma lo iato 

tra un facinoroso Jon Spencer ed i più trafelati Soundgarden 

(!) - e quella Death Of An Indie Chic che sciorina 

intrigante scioglievolezza come dei Suede contagiati da 

languori Roxy Music. 

(6.7/10) 


S.C.u.m. - again into EyES (mutE, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: pop wave 

Ecco i nuovi ragazzi prodigio della Mute records. Si 

chiamano S.c.u.m., quintetto londinese dall’aria college-dandy 

che nel giro di un paio d’anni si è regalato 

un’escalation da primi della classe: il contratto con la 

Mute appunto, che li ha spinti nelle serate short circuit, 

poi un altro assaggio di grande pubblico nel palco 

Atp curato dai Portishead, e ora il debutto prodotto 

da Ken e Joylon Thomas, che nel curriculum vantano 

gente come Psychic tv, Bowie e Sigur Rós. Quando si 

dice nati sotto una buona stella.... 

Venendo al disco, le coordinate sono presto dette: Again 

into eyes è indirizzato verso una pop-wave già matura 

e pronta per il mainstream. Un po’ come pensare agli 

Arcade fire trapiantati in terra d’Albione, perchè in fin 

104 105

highlight 

StEphEn malKmuS/thE JiCKS - StEphEn malKmuS and thE JiCKS - mirror traFFiC 

(matador, agoSto 2011) 

Genere: lo-fi rock 

Tra le cose che ci si potevano aspettare da una collaborazione tra due protagonisti assoluti dei Novanta 

alternativi come Stephen Malkmus e Beck, forse la migliore è accaduta davvero. Ovvero, la visione sonica 

di Mr. Hansen - qui in veste di producer - e quella dell’ex-Pavement si fondono come due immagini 

sovrapposte, armoniche ma impercettibilmente sfalsate, e alla fine - come è giusto - a prevalere è quella 

del rocker di Santa Monica, che in questo disco - il quinto e migliore firmato assieme ai fidi Jicks - azzecca 

forse la sua più sbrigliata incarnazione. 

Se trova sostanziale conferma la piega psichedelica che si è andata definendo nella decade abbondante 

di carriera solista, su di essa pare altresì posarsi la glassa serafica di chi ha 

raggiunto una nuova e inedita fiducia nei propri mezzi. Tanto da accantonare 

l’ansia di mostrarsi all’altezza anzi più forte di quel passato che ben sappiamo, 

tornato ad essere un patrimonio prima che un ingombro. E’ un po’ come se il 

buon Stephen si fosse immerso nello stesso lago denso che fruttò a Beck la 

ponderata irrequietezza di Sea Change, uscendone a suo modo pacificato, 

per certi versi compiuto. Il risultato è un’Americana sghemba, cazzona e sferzante 

ma appassionata e solida. Spesso vicina a certi esiti Wilco, quelli delle 

malinconie semiacustiche (l’accorata Share The Red), quelli dinoccolati (l’andazzo birbone di Tigers) e 

quelli delle mattane ruvidelle (il boogie’n’roll di Tune Grief). 

Proprio come nel miglior repertorio della band di Tweedy, è palpabile il senso di spaesamento consapevole 

e furore composto in vista d’una mezza età che sa guardarsi indietro, dentro e intorno senza 

fare sconti (in primo luogo a se stessa). In questo senso, una solida coerenza sottende l’arco emotivo 

che va dal sarcasmo screanzato di Senator al trasporto allibito (massimamente beckiano) di Asking Price, 

passando dalla puncicata Stones ammorbidita Gram Parsons di Gorgeous Georgie e dal torpore folkrock 

- vagamente Fred Neil - di No One (Is As I Are Be) e Long Hard Book (perturbazioni Seventies incluse). 

Senza scordare l’indie pop fuori giri - più disincanto che abbandono - di Stick Figures In Love (da qualche 

parte tra This Might Be Giant, Vaselines e La’s), i fantasmini Spirit e Moby Grape di All Over Gently , 

l’indolenza scafata di Brain Gallop e quella estatica di Fall Away. Un disinvolto peregrinare estetico che 

individua in scioltezza gli estremi tra il fiabesco spacey-psych - figuratevi i Flaming Lips immersi nella 

lanolina - della strumentale Jumblegloss e l’obliquità scabra - i Nineties trapanati garage psych - di Spazz. 

C’è insomma una sorta di magia in questo disco, e credo risieda principalmente nella dimensione che 

ha saputo imporsi: una sintesi spigliata tra azzardo sbruffone e profonda consapevolezza, tra fluidi 

carotaggi stilistici e congiunture contemporanee, tra impertinenza esistenziale e più o meno implicita 

crepuscolarità. Proprio quello che ti aspetti da uno che si ostina (artisticamente) a vivere nella proverbiale 

linea d’ombra che unisce e separa il ragazzo dall’adulto. Non è da tutti giocare al fanciullino eterno 

ventottenne - come confessa lo scanzonato scozzo errebì/power pop di Forever 28 - senza sembrare 

patetici anzi ricavandone una cazzuta chiave di lettura. Infatti Stephen Malkmus non è uno qualunque. 

Ok, non ci voleva certo Beck per scoprirlo. Ma ha dato una grossa mano, mi pare. 

(7.7/10) 


dei conti ad emergere è la natura squisitamente english 

del lavoro: qualche riferimento al post punk sul sentiero 

di Manchester (specie nella voce di Thomas Cohen), 

tastiere che si rifanno al synth pop più glaciale dei primi 

Depeche Mode (Sentinal bloom), ed intrusioni nei ‘90 

con qualche tirata shoegaze vedi Summond the sound. 

Poi, giusto per smuovere un po’ le carte in tavola, spazio 

per una ballatona vagamente dark come Paris e per il 

finale poppettone stile Pet Shop boys di White Chapel. 

Il puzzle funziona: oltre tutte le patinature del caso (Amber 

Hands) c’è della sostanza, che non replica l’effetto- 

Funeral ma rimane comunque una diligente rielaborazione 

della storia in formato pop. Buon debutto. 

(7.2/10) 

StEFano gaz 

Sam brooKES - Sam brooKES (hElium, luglio 

2011) 

Genere: folk 

Motivi di interesse giornalistico attorno alla figura di Sam 

Brookes, ventiquattro anni inglese e folksinger esordiente, 

ce ne sarebbero a bizzeffe. Primo, il fatto che nel 2008 

abbia vinto un talent show con la sua band precedente 

The Volt - pare - incantando i giudici per la sua scrittura 

superiore. Secondo, perché ha girato la terra di Albione 

in compagnia di un grandissimo vecchio della musica 

inglese, Ray Davies, che pare con un francesismo lo abbia 

definito “fucking brilliant”. Terzo, perché ancor prima 

di pubblicare il suo disco d’esordio era su uno dei palchi 

del Glastonbury del 2011. 

L’eponimo disco d’esordio fa un po’ ridimensionare il giudizio 

dei talent scout, ché si sa che la televisione “allarga”, 

ma comunque ci mostra un giovane folksinger (che nelle 

foto promozionali assomiglia vagamente a un giovane 

Kid Rock) in grado di dominare il piè classico dei sound 

british, a cavallo tra il primo Donovan, Nick Drake, Davy 

Graham e Bertie Jansch ma “sporcandolo” un po’ con 

qualche eco americano, che a tratti ricorda gli esordi di 

Ryan Adams (Like a Butterfly) o con qualche atmosfera 

Constellation (In Design). Non c’è un brano che più degli 

altri si stampigli nella memoria dell’ascoltatore, però - 

hype a parte - la voce potente e duttile di Sam Brookes 

è da segnare sulla mappa. 

(7.1/10) 

marCo boSColo 

SElah SuE - SElah SuE (bECauSE, marzo 2011) 

Genere: r’n’b 

E’ belga. Ha 22 anni. E i brani del presente debutto in area 

nu soul li ha scritti tutti tra i 13 e i 19 anni. Ha già aperto 

un concerto di Prince. Selah sembra il classico surrogato 

dei contest canori e sul lato più masticato e noioso della 

frittata potrebbe essere ricondotta a una sorta di Josh 

Stone continentale condita con gli amati 70s di un Lenny 

Kravitz e aggiornati al reggae di I Blame Coco. Per 

fortuna, rispetto alla scontatezza dell’opener This World 

(le cui basi ricordano anche un famoso brano di Eminem) 

s’aggiungono varie influenze a rendere la sua proposta 

diversa dal solito copiaincolla mainstream: quello innanzitutto 

per Lauryn Hill e M.I.A. (l’ottimo trip-hop girato 

grime di Peace Of Mind fa davvero scintille) ma soprattutto 

per Erykah Badu (Crazy Vibes, Fyah Fyah), magari, 

in combutta con una (già) grande come Santigold. 

In particolar modo, da quest’ultima - e dall’Inghiterra 

trasversale di Andreya Triana - Sleah prende quel che le 

riesce meglio: brani ritmati e sanguigni, r’n’b cangianti a 

cui la ragazza di Leuven aggiunge una personale passione 

per il Ragamuffin, magari piroettato art-folk Cocorosie 

/ Joanna Newsom (vedi l’ottima traccia omonima e 

Black Part Love), perché no in levare (la citata Fyah Fyah 

tra citazioni Hendrix e Marley, Crazy Suffering Style), oppure 

mescolato a un eclettico impianto trip-hop su basi 

suonate dal vivo (batteria, chitarra, tastiere). In produzione, 

Patrice e Farhot (ma non solo), in particolare nei 

rimandi cinematografici americani e in generale nei tagli 

70s, ci mettono parecchio i Novanta di Tricky e Fugees, 

si notano sia nelle modalità post-moderne d’utilizzare il 

vintage (fiati stax e piano ragtime) sia nell’utilizzo delle 

sintetiche (tastiere analogiche, hammond). 

Varia proprio come la Janelle Monáe di The Archandroid 

ma non ancora spendibile a quei livelli, soprattutto per la 

calligrafia e l’eccesso tecnico nelle ballad (Explanations, 

Mommy) e in altri episodi xfactoreschi (pallosa Summertime, 

telefonatissimo il twang cinematico Please con il 

featuring inflazionato di Cee Lo Green), Sleah parte comunque 

bene. Chissà che farà da grande, visto che ora 

sono i grandi a decidere per lei. 

(6.5/10) 


SilKiE - City limitS Vol 2 (dEEp mEdi muSiK, 

giugno 2011) 

Genere: uk step 

City Limits Volume 2, ovvero, anche Silkie prova a cimentarsi 

negli orizzonti post-step UK. Dopo essere andato 

a fondo tra le pieghe UK bass con il volume 1 del 2009, 

il producer londinese mette da parte le ormai obsolete 

claustrofobie dub e insegue le nuove formule recentemente 

pervenute: a porsi in evidenza in questo caso 

sono le ambizioni space-ambient di Feel, che seguono 

gli ultimi passi di Starkey (ripasso obbligato alla notevole 

serie di EPs Space Traitor) e mosse come Selva Nova 

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o Boogie Boy che gettano furbamente l’amo nelle mode 

dance londinesi (gesto non plateale come nei Magnetic 

Man, ma trattasi della stessa intuizione destinata al 

successo). 

Il versante bass storico è comunque coltivato, con Lucky 

e New York City a rispolverare quelle forme già scolpite 

ad arte nel My Demons di Distance. Il vero faro-guida 

però continua ad essere Skream, non solo per il featuring 

d’autore in Untitled ma in generale per il carattere 

d’approccio alla materia dubstep: non si azzardano salti 

nel vuoto ma spostamenti di rotta nel complesso contenuti, 

sempre accompagnati da un’ossatura comunque 

classica. Se Outside The Box vi aveva preso male per le 

derive eccessive, potrete apprezzare il maggior rigore di 

questo suo discendente. Ma non provate a lamentarvi 

per mancanza di innovazione. 

(6.7/10) 


Son lux - WE arE riSing (antiCon, luglio 

2011) 

Genere: electro-pop 

Ryan Lott c’aveva messo tre anni per registrare, tutto da 

solo, pezzetto dopo pezzetto, il buon debutto At War 

With Walls & Mazes (2008). Ne ha fatti passare altrettanti 

per dare alle stampe il seguito, e però lo ha registrato in 

meno di un mese, rispondendo al ‘call of paper’ del blog 

All Songs Considered del network National Public Radio, 

che gli ha chiesto appunto di realizzare un intero album 

in soli 28 giorni (febbraio 2011). 

Detto, fatto. ‘With a little help from his friends’ My 

Brightest Diamond, DM Stith e yMusic Sextet (e cioè 

Antony, Sufjan Stevens - entrambi dichiarate influenze 

del progetto Son Lux - e The National). Sulla carta poteva 

essere un pastrocchio tremendo, ma evidentemente 

i pezzi c’erano e, per una volta, la necessità è davvero 

stata madre dell’invenzione: perché ne sono venuti fuori 

intensi gioiellini electro-pop intrisi di romanticismo decadente 

come Flickers, All the Right Things, Rising, Let Go 

(con i suoi fiati giocherelloni) e Rebuild. 

Questo disco (ma Son Lux più in generale) ricorda un po’ 

gli Sparks, capace com’è di mettere assieme con grande 

equilibrio formale, pur tra mille eccessi, colore (leggi pop: 

melodia e cantabilità, kitschume anni Ottanta) e dolore 

(leggi teutonico: cori lirici, densità orchestrali, Nico). 

Ferma restando l’antipatia che il personaggio può anche 

suscitare. 

(7.2/10) 


Sun araW/EtErnal tapEStry - night 

gallEry (thrill JoCKEy, agoSto 2011) 

Genere: psych-kraut 

La joint-venture che non t’aspetti assume le sembianze 

di un carrarmato psych-rock delirante e notturno. Da un 

lato, la combriccola di freaks psych-kraut cresciuta esponenzialmente 

negli ultimi anni, soprattutto col passaggio 

alla Thrill Jockey (vedi alla voce Beyond The 4th Door); 

dall’altro, uno degli hypna-eroi primigeni, quel Cameron 

Stallones a.k.a. Sun Araw uso a mischiare psych e deliqui 

hypnagogici tra Magic Lantern e, appunto, la presente 

sigla in solo. 

Galeotto, per l’unione di forze in apparenza distanti - 

corposi e kraut-spacey i primi, drogato e lento il secondo 

- fu il festivalino Neon Comune Fest curato dalla NNF 

nel 2007, in cui l’allora Magic Lantern Stallones saldò 

una amicizia rinverditasi ogni qualvolta i tre di Portland 

scendevano a suonare - e condividere il palco, ovvio - in 

California. 

L’occasione per questo Night Gallery è invece legata al 

SXSW dello scorso anno, quando dopo un pomeridiano 

live congiunto in un parcheggio, gli ET invitarono Sun 

Araw a registrare un live in una radio studentesca. Il risultato 

è in queste quattro omonimi movimenti suonati live 

in circolo con i Tapestry in formazione allargata (Ryan 

Carlile al sax, Yoni Kifle al basso completano il quintetto) 

e Stallones a chiudere il cerchio con le volute sonnacchiose 

della sua chitarra. In realtà, viste anche le forze 

numericamente in campo, a prendere il sopravvento è la 

psych reiterata dei primi, come nella ascensionale Night 

Gallery I - lontani echi orientali pian pianino soffocati in 

effluvi di wah-wah - o nella Spacemen 3 oriented Night 

Gallery II. La conclusiva, fluviale Night Gallery IV dilata 

ancor di più gli orizzonti dell’estemporanea formazione 

abbandonandosi tra assonnate volute di fumo e sfocati 

paesaggi da psichedelia orientale, mettendo in evidenza 

la mano calda di Stallones. Estemporaneo quanto si vuole, 

ma Night Gallery è più che un divertissement tra amici. 

(7/10) 


tarWatEr - inSidE thE ShipS (burEau-b, 


Genere: inDietronica, wave 

Duo di culto fino alla metà dei Duemila su Kitty YO, fiore 

all’occhiello del Morr sound a cavallo tra il 2005 e il 2007, 

i berlinesi Tarwater hanno disegnato, parallelamente a 

una compagine più allargata musicisti tedeschi e non, 

un proprio modo di traghettare le passioni giovanili (il 

post punk più elettronico, il kraut rock) alla fascinazione 

techno (nonché ai lavori di sonorizzazione per cinema 

e teatro) in un’indietronica visuale fatta di folk/pop/reading 

e fiera germanicità. Nei Noughties hanno assistito 

all’opus e al declino del genere che avevano contribuito 

fortemente ad imporre e deciso di continuare per la loro 

strada stoici, rilassati, seduti su un filo di depressione ma 

caparbi, a loro modo entusiasti, pronti a soppesare nuovamente 

l’intingolo, togliendo, dosando, aggiungendo 

nuovi e vecchi elementi. 

Accasati nella tedeschissima Bureau B (Faust, Kreidler, 

Cluster, Roedelius...), Ronald Lippok e Bernd Jestram, coadiuvati 

da un musicista Klezmer come Detlef Pegelow 

conosciuto ai tempi di Ornament & Verbrechen (1980- 

1983), arrivano dunque all’undicesimo album sulla scorta 

di una sintesi sonora che conserva tuttora il fascino 

dell’artigianato di qualità e un’indubbia weltanschauung. 

Mettono tra parentesi il pop e gli spazi aperti americani 

di Spider Smile, i Tarwater di Inside The Ships. Si dedicano 

un suono elettroacustico maggiormente pastoso, 

intarsiato di nuovi elementi “brass” apportati, appunto, 

da Pegelow. Lungo la tracklist s’infilano tuba, sassofono, 

tromba e trombone, tutti ottimamente trattati e fusi da 

un mix che ne esalta la tattilità. Il jazz dunque, s’avvicina 

alle squadre kraute, alle drum machine, ai synth e 

ai vocoder e, naturalmente, alla chitarra 80s di Jestram. 

Ne emergono canzoni di paciosa ma fiera retroguardia 

tra le consuete cover - Do the Oz (cover di John Lennon 

and Yoko Ono) e Sato Sato (prima canzone a contenere 

liriche in tedesco del duo nonché adattamento di un testo 

dei DAF di Alles Ist Gut) - e inediti - Inside the Ships, la 

ballad wave+theremin Radio War, la residentsiana There 

Never Was A Night o la notturna Place At 5 AM. 

All’inizio, ovvero due anni fa, il disco doveva rappresentare 

un concept, una Space Opera, poi l’idea dell’album 

si è trasformata in un contenitore aperto e ricco di smalti 

kraut-etno-jazzati già noti alla discografia del duo ma 

approfonditi in maniera differente, lontani cioé dagli 

umori trip hop di Atoms, Suns & Animals (o dalla ricerca 

di un Mapstation). Quest’ultimi sono gli aspetti 

più interessanti di un lavoro mediano da punto di vista 

lirico (eccezion fatta per la bella Sato Sato) ma riuscito 

negli excursus strumentali che, al solito, sono anche finiti 

nell’ennesimo cortometraggio indipendente (The Eagle 

Is Gone di Mario Mentrup and Volker Sattel). 

(6.8/10) 


thE drumS - portamEnto (moShi moShi, 


Genere: pop 

Odiavano la definizione di One Hit Wonder. Hanno sempre 

affermato che volevano essere presi sul serio. Non 

erano una band di pin up (e basta). L’idea di un’America 

ossessionata dalla California e dagli anni 50, dal surf e 

l’innocenza di quegli anni, era stata spontanea ma consapevole, 

come pure il formato surf-pop condito con 

passione vintage e amore per gli eighties, tutto curato 

in ogni aspetto: dal taglio cinematico in produzione, ai 

videoclip (Let’s Go Surfing), alle buffonate on stage e al 

taglio di capelli. 

Di converso, l’Inghilterra, come al solito ossessionata 

dalle istituzioni e dai passaggi di consegne li aveva incoronati 

troppo presto. A scatola chiusa, aveva comprato 

90.000 delle 200.0000 copie dell’esordio di una band che 

non era esattamente l’erede degli Smiths. 

Melodicamente, i Drums avevano un tiro pop davvero 

potente, ma vivevano di singoli e le strofe di Morrissey 

erano ancora più lontane così come un futuro, all’epoca, 

quantomai incerto. Ci sono state parecchie litigate. Una 

defezione. Ed ora il ritorno proprio con un bel singolo, 

Money, che se è il miglior trait-d’union con la solarità 

dell’esordio, è anche il più diretto confronto con il Moz 

che Pierce e Garham abbiano mai tentato. 

Proprio in senso smithsiano, Portamento segna una svolta 

più meditata e sofferta della passata formula. “erano 

happy times, ora è calato l’inverno (da In The Cold)” recita 

un agrodolce Pierce su testi autobiografici e un’esecuzione 

che si è fatta più severa, ampliando le parti elettroniche 

e variegando l’impianto. 

I cambi di line up - l’abbandono di Adam Kessler e la 

sua sostituzione da parte del batterista Connor Hanwick, 

il passaggio di Graham ai synth, e la drum machine al 

posto della batteria - hanno sicuramente condizionato 

lo sviluppo di un album che è in definitiva il classico 

sophomore ma anche il segno di una band maturata 

che perfeziona gli equilibri e cerca nuove vie espressive. 

Alla mancanza di hit folgoranti, risponde una scaletta più 

omogenea, al carattere spensierato e cinematico dell’eppì, 

una scrittura più solida. 

I Drums non hanno perso il tocco leggero, lo hanno caricato 

di una (auto)produzione più accurata, smalti postpunk 

mancuniani (gli ovvi Joy Division e New Order) e 

qualche fuori programma synth-kraut memore - parole 

loro - di vecchi ascolti Kraftwerk e Windy & Carl. 

Inaspettatamente, Portamento nel suo essere ombroso 

e malinconico finisce per essere un disco riuscito, l’avvio 

di una carriera di prospettive e canzoni da diario. 

(7.1/10) 


108 109

thE StEpKidS - thE StEpKidS (StonES throW, 


Genere: funksoul psych 

Mamma mia che bello questo disco, che goduria, sembra 

registrato nel 1971. In epoca di retrologie e retromanie 

generalizzate i tre Stepkids Tim Walsh, Jeff Gitelman e 

Dan Edinberg propongono direttamente il tuffo nel passato, 

senza troppi gradi di separazione dai modelli, senza 

finti scarti, mascheramenti o update: solo passione, 

scrittura (melodia) e cura per il dettaglio. 

Cresciuti nel circuito jazz & r’n’b della East Coast, con anni 

di carriera anche solista alle spalle, in questo debut album 

su Stones Throw (ovviamente) mischiano ad arte funksoul 

e West Coast in salsa psichedelica, puntando ad una godibilità 

pop, tra bonghi, cori in falsetto, tastiere elettriche, 

chitarra wah-wah, basso pulsante e inserti d’archi. 

Il risultato è sorprendente, sorprendentemente fresco, la 

soundtrack perfetta per il remake di un musical colorato 

e multietnico alla Jesus Christ Superstar. Ascoltare per 

credere (il canale Youtube della band; il video ufficiale 

della torbidamente psichedelica e spacey Wonderfox). 

(7.4/10) 


thE WEEKnd - thurSday (SElF rElEaSEd, 

agoSto 2011) 

Genere: r’n’b nu-soul 

Il 2011 è finora soprattutto l’anno della riscoperta del 

soul in salsa dubstep e dintorni (James Blake) e indiefolk 

(Bon Iver). Tanti hanno fiutato lo spirito del tempo 

e sono andati sulla scia, soprattutto sul versante electro 

della faccenda (tra alti, SBTRKT, ma a suo modo anche 

Clams Casino, e bassi, Jamie Woon, CHLLNGR), e tra 

questi anche Abel Tesfaye aka TheWeeknd, classe ‘90, 

canadese di Toronto con genitori etiopi, che ne offre 

adesso la declinazione r’n’b e supercantata. 

A fine 2010 il debutto sul web con una manciata di pezzi 

sfusi, confluiti poi nel mixtape - ma in pratica è un album 

vero e proprio - House of Balloons (6.8/10; marzo 2011); 

adesso arriva questo Thursday, che alza decisamente 

il tiro, e già è stato annunciato un Echoes of Silence 

che chiuderà la trilogia in autunno (trovate tutto in free 

download sul sito ufficiale). 

House era un esordio ancora non completamente a fuoco, 

che però metteva in luce il metodo del ragazzo (un 

r’n’b electro intriso di dub e con abbocchi dubstep (certi 

stacchi di rullante), voce soul quasi femminile e non troppo 

effettata e sfumature ethno), con dentro un paio di 

pezzi bomba perfetti come biglietti da visita, la sensuale 

e scabrosa (vedi il video) What You Need e quella Loft 

Music che fin dal titolo fotografa ottimamente il mondo 

di Abel: una musica da appartamento che guarda al club, 

atmosfere notturne, produzioni levigate, avvolgenti e 

furbe, tanti ‘fuck’ e ‘nigger’ nei testi, un prodotto fichetto 

insomma, ma che nella maggior parte dei casi funziona 

alla grande. 

Thursday, sempre prodotto dal duo Doc McKinney & Illangelo, 

è meno pop, più atmosferico (i pezzi infatti si 

allungano), pigia sul pedale del pathos (l’iniziale Lonely 

Star) e inspessisce i riferimenti all’elettronica post-dub (le 

cadenze di Life of the Party, Heaven or Las Vegas) e al dubstep 

più minimal (Gone). Occhei, Rolling Stone sembra 

un pezzo di Craig David, ma la title track o un numero 

come The Zone sono fascinose nei loro sdilinquimenti 

(e si sente in trasparenza l’origine africana) senza essere 

stucchevoli. E questo è un ottimo ottimo risultato. 

(7.2/10) 


thEE oh SEES - CaStlEmania (in thE rEd 


Genere: 60s psych-rock 

Lo dicevamo all’epoca di Warm Slime (un anno fa o poco 

più), e lo ribadiamo ora: John Dwyer non soffre di sindrome 

del foglio bianco, se è vero che pubblica dischi 

come niente fosse. A dimostrarlo, se ce ne fosse bisogno, 

il fatto che insieme a questo nuovo comeback rilascia 

anche il doppio vinile Singles Compilation Vol. 1 & 2 per 

la propria Castleface in cui raccoglie i pezzi piccoli sparsi 

qua e là. 

Stavolta però qualche novità c’è. Sembrerebbe infatti 

che il tatuato chitarrista abbia diretto quasi tutto in solitaria: 

chitarre, basso, drumming e ammennicoli vari (tra 

cui anche flauto, clarinetto, tromba, armonica ), registrazione 

compresa, sono suo appannaggio quasi esclusivo 

con i sodali (Bridget Dawson alla voce in I Won’t Hurt 

You e What Are We Craving?) e gli amici (Ty Segall in un 

paio di pezzi) relegati a figure di sfondo. Con uno come 

Dwyer però mai fidarsi fino in fondo e non si sa bene 

quanto e chi abbia contribuito. 

Di certo c’è che Castelmania è un gran bel disco che si 

stacca dalla solita cifra stilistica del progetto. O meglio ne 

amplifica certe peculiarità e ne mette in secondo piano 

altre. Forse c’entra il fatto che tutto o quasi sia creazione 

di Dwyer ma c’è un atteggiamento di maggiore padronanza 

dell’insieme e messa a fuoco di referenti e rimandi. 

In poche parole, Castlemania guarda indietro, trasforma 

il garage in attitudine, riprende la stagione d’oro del 

flower-power e la intorpidisce inanellando una serie di 

piccole gemme di jangle-pop talmente retrò da perdere 

quasi ogni connotato di modernità. Coretti, slanci acustici, 

testa che ciondola, non manca nulla (vedi alla voce 

highlight 

thE rapturE - in thE graCE oF your loVE (dFa, SEttEmbrE 2011) 

Genere: Disco-wave 

Cosa aspettarci dai Rapture finiti i Noughties? C’era forse una via d’uscita auspicabile dalla disco punk, 

p-funk di Echoes o dagli 80s di Pieces Of The People We Love? Sul fatto che questi ragazzi si completassero 

soltanto con produttori eccellenti non c’erano mai stati dubbi: dietro al successo dei singoli 

dell’esordio c’erano gli allora amici James Murphy e Tim Goldsworthy, dietro il make up del sophomore, 

un plotone formato da Paul Epworth, Ewan Pearson e niente meno che Danger Mouse. Ora che in 

consolle spunta un altro grande, quel Philippe Zdar (metà dei Cassius) che diede l’impronta decisiva al 

successo dei Phoenix, quel che rimane da aspettarci sono dei sintetizzatori angelici 

e circolari sopra a una formula che ha segnato un’epoca oramai lontana. 

Tocca ricredersi. Dopo cinque anni dallo sfortunato seguito di Echoes, abbiamo 

un album che mastica, coriaceo, innamorato, sincero, un torbido dance-rock 

newyorchese dove riconosci i riferimenti semplicemente facendo i conti con 

la storia della città dalla quale questi ragazzi provengono. 

How Deep Is Your Love, traccia scelta per introdurre il disco lo scorso giugno, 

diceva già molto, se non tutto, quello che bisognava sapere sulle nuove coordinate: 

è disco music imbastardita di cultura rock targata seventies (In The Grace Of Your Love), la pronuncia 

urbano/vissuto/annichilita di velvettiana memoria, i Television e i Neon Boys del caso e la cultura I will 

survive delle dive black. Il pezzo inoltre è pre-house senza essere vintagista, revisionista ma non citazionista 

e il gioco in produzione valorizza il backbone grezzo di piano, clapping, charleston e infine sax, 

contrasto di volumi che poi enfatizzano l’ingresso di una cassa a basso bpm. 

Nel disco inoltre, spiccano ballate macchiate di r’n’b che erano già nelle pieghe della discografia dei 

Rapture: nella conclusiva It Takes Time To Be A Man, Zdar mette sub bassi sotto intimismi strumentali, 

riff al piano da prima colazione, fiati Stax distratti, chitarrina rockish, soul espettorato e una coda di urli 

al cielo che manco gli Animal Collective. E’ il finale di un disco che in tracklist al secondo posto ha Miss 

You, e lì sì, c’è la synth-delia al cielo utilizzata con i Phoenix, Blue Bird invece, fonde tre canzoni in una 

mescolando carica post-punk, intermezzi psych-60, aperture kraut-cosmiche, Come Back To Me si prende 

una vacanza francofona campionando una fisarmonica infilandola in un ritmo in cassa, controcanti afro 

e il tipico canto wavey degli esordi, la traccia omonima si ributta nell’old skool sempre tagliando con 

ritmiche in presa diretta. La sola Never Gonna Die Again riprende certe soluzioni funky con cassa in levare 

che riportano diritti al 2003, idem per Can You Find A Way? che riporta ai primi Klaxons. 

Abbonando Children, cagata radiofonica 90s, il disco è dominato da quest’idea di prosopoea melodica 

(l’euro disco Sail Away, Roller Coaster uno degli esempi migliori) dove si sale e si scende. E dove allo slancio 

bianco trovi sempre questa spiazzante quotidianità black in contropartita. I Love New York. 

(7.3/10) 


Stinking Cloud). Ma l’occhio/orecchio di Dwyer stavolta 

sembra aver guardato anche al di qua dell’oceano, verso 

l’Albione psych-folk più mutante. Un disco che si fa 

classico, ma non della storia discografica del progetto, 

quanto dell’intera epopea del (psych)rock da un cinquantennio 

a questa parte. Il che non è affatto poco. 

(7.3/10) 


thEgiornaliSti - Vol. 1 (boombiCa, 


Genere: inDie rock 

Ci sbaglieremo, ma dietro l’aspetto stiloso e il sound 

Strokes-oriented dei romani Thegiornalisti potrebbe 

nascondersi altro. E’ come se la formazione di Tommaso 

Paradiso, Marco Primavera, Marco Antonio Musella 

ed Emanuele Guidoboni avesse scelto consapevolmen- 

110 111

te la via di fuga più facile, senza accorgersi che invece i 

dieci brani di questo Vol. 1 avrebbero avuto la caratura 

per meritare un trattamento diverso. Ce lo suggeriscono 

certi testi misto di immediatezza, quotidianità ma anche 

brillanti intuizioni e una scrittura ricca di citazioni scollegate 

dall’estetica di riferimento. Materiale che si posiziona 

decisamente su un altro livello rispetto a produzioni 

analoghe per stile e attitudine. 

Alla fine non si tratta solo di canzonette, anche se chi 

suona sembra far di tutto per farle passare come tali. 

Rischiando così di catalizzare l’attenzione di un pubblico 

che forse non le apprezzerà fino in fondo, rapito invece 

dagli aspetti più glamour ed esteticamente riconoscibili 

di una formula che banalizza (un po’ come fa la bic in 

copertina) le buone cose contenute in questo esordio. 

Tra queste il DNA melodico nostrano rubato agli anni 

Cinquanta già de I Cosi in E allora viva! o Il Marinaio, le 

cadenze western sdoganate dagli ultimi Baustelle di La 

mano sinistra del Diavolo, l’Ivan Graziani traviato dai Libertines 

di E menomale e in generale un’anima autoriale 

nascosta tra batterie sincopate e chitarrine stropicciate. 

C’è di rallegrarsi, insomma, ma anche di che riflettere. 

L’impressione comunque è che da queste parti possa 

accadere qualcosa di importante. 

(6.8/10) 


tigEr & WoodS - through thE grEEn 

(running baCK, maggio 2011) 

Genere: Disco 

Il dj-set al MeetInTown di Roma è stata l’occasione ideale 

per toccare con mano lo spirito dei Tiger & Woods, misterioso 

duo comparso praticamente dal nulla quest’anno 

e gettatosi nella mischia con l’acclamatissimo singolo 

Gin Nation (che ricuce con maestria Music And Lights degli 

Imagination) ed un album, questo Through The Green, che 

gronda disco-boogie americana anni Ottanta da tutti i pori. 

Di Larry Tiger e David Woods si continua a sapere pochissimo, 

nonostante se ne sia fatto un gran parlare: voci di 

corridoio ipotizzano la comparsata di Marco Passarani 

alla cabina di regia; noi possiamo solo dirvi che si son 

presentati due ragazzi cool in tenuta sportiva e cappellino 

di fronte agli occhi. 

La loro musica, invece, si apre lampante già dal primo 

ascolto: il sound gioca tutto su groove pulitissimi, saldamente 

piantati su synth possenti, e loop vocali a stretto 

giro che erigono un monumento alla ripetitività come 

perno fondante della dance del loro stile oltre il tempo. 

Un richiamo neanche tanto velato per la strategia di 

marketing e musicale alla visione Daft Punk / DJ Sneak 

(amico in evidenza sulla loro pagina myspace), richia- 

mando opportunamente in Time tutto il gusto sampledelico 

di Discovery con qualche arco in più e in El Dickital 

la magia dei filtri french. 

La ricetta è di quelle che, anche se non promuovono 

alcuna novità, possono risultare esplosive, soprattutto 

a ritmo spedito: il top è raggiunto negli intrecci ipnotici 

di voce e ritmo di Don’t Hesitate, Dr. Burner o Love In 

Cambodgia, che centrano in pieno il cuore della faccenda 

dance riscoprendone dal passato i risvolti più gioiosi 

e solari. Il vero problema dell’album però sta nel fatto 

che è, appunto, un album: questa musica può offrire il 

meglio in pista, dove ciclicità e tempi lunghi sono una 

scommessa vinta in partenza, mentre il formato d’ascolto 

evidenzia tutti i limiti del mezzo, attenuati solo in 

parte da espedienti come il soul in potenza di Curb My 

Heart o il cut’n’paste d’antan di Gin Nation. Il caldo suggerimento 

è di buttare via le cuffie e andarveli a godere 

direttamente alla consolle. Il disco giusto per il prossimo 

party in piscina. Durerà anche dopo l’estate? 

(7/10) 


tiny tidE - thErE’S a girl that nEVEr goES 

out (KingEm, SEttEmbrE 2011) 

Genere: shoeGaze pop 

Ormai è chiaro che si tratta di una patologia. Di quelle 

sane, se mi passate l’ossimoro. Sia chiaro, la malattia di 

Mark Zonda è una di quelle che augureremmo ai nostri 

più cari amici. I sintomi: s’innamora perdutamente di situazioni 

pop disparate, con ovvia predilezione per quelle 

che vedono protagoniste figure femminili. Gli effetti 

collaterali: produce musica a ritmo continuo, roba che 

nemmeno nei fibrillanti anni Sessanta. Gettando il cuore 

oltre l’ostacolo dei non trascendentali mezzi a disposizione. 

Ma tanta è la fregola, e così ampia e dettagliata, 

che porre l’argine sarebbe deleterio. 

Insomma, ancora devo riprendermi dalle buone sensazioni 

suscitate da Plato’s Summer Stars, successore del 

buon Febrero uscito appunto lo scorso febbraio, ed ecco 

seguire a ruota il qui presente There’s A Girl That Never 

Goes Out, nel quale si celebra appunto la “popfilia” del 

leader dei Tiny Tide. Dieci tracce di pop gasato shoegaze 

e glassato synth-wave, in (dis)equilibrio sul crinale tra 

gioco e abbandono, tra sogno e struggimento. Come potrebbe 

un Patrick Wolf immerso in caligini My Bloody 

Valentine e colto da sparsi spasmi Elvis Costello, tremori 

Scott Walker e persino certe impalpabili languiderie 

Brian Wilson. Altrettanti frutti di ossessioni declamate, 

dalla Nina Persson dei Cardigans di Short Stories ‘Bout 

Nina alla Yuka Honda (delle Cibo Matto) di Thinking 

‘Bout Yuka, da Charlotte Hatherley (ex-chitarrista degli 

highlight 

tinariWEn - taSSili (CoopEratiVE muSiC, agoSto 2011) 

Genere: Desert sounD 

Proprio quando si poteva temere una caduta nel clichè, questi magnifici rivoluzionari con le chitarre ci 

sorprendono nuovamente. Ammesso e non concesso che il loro stile - attenzione: nuovo solo per noi 

occidentali - tra John Lee Hooker e dei Grateful Dead più asciutti possa aver stancato (non lo ha fatto, 

no), spetta a Tassili esplicitare una vivida volontà di sperimentazione. E, per la 

solita questione di prospettive, per costoro significa anche contaminare quanto 

gli viene naturale con l’occidente che li ammira. Difficile pertanto trovare 

un atto di “ribellione” più sensato che far convivere radici e futuro. Questo il 

significato ultimo di registrare nel pieno del deserto invitando ospiti d’eccezione 

e qualità che si integrano perfettamente; e, nel frattempo, approfondire 

i toni meditativi attraverso chitarre più del solito acustiche e un pugno di 

malinconiche “ballate”. 

Facendo così anche quadrato di fronte alla dipartita di Abdallah Catastrophe, 

prossimo all’esordio solista, nello stesso momento in cui Kyp Malone e Tunde Adebimpe dei TV 

On The Radio ipotizzano un Peter Gabriel che negli ’80 elegge il Sahara a teatro delle sue indagini in 

Tenere Taqhim Tossam, Nels Cline presta con gusto e discrezione le corde alla tesa Imidiwan Ma Tenam 

e la Dirty Dozen Brass Band ondeggia tra errebì atavico e free jazz nell’abbagliante Ya Messinagh. 

Assi calati in apertura di un lavoro il cui cuore si rinviene però in radici che, ridotte all’essenziale, pulsano 

vive e più che altrove nel traslucido, struggente raccoglimento di Asuf D Alwa, Walla Illa e nel commiato 

Iswegh Attay/Takest Tamidaret. Segnali di un costante movimento, tipico dei classici conclamati da 

prendere a fulgido esempio. 

(7.6/10) 


Ash) di Haterley a Marina Diamandis (AKA Marina And 

The Diamonds) di A Diamond For Marina. 

Non di solo cantantesse si compone però l’iperuranio 

sentimentale di Zonda, che anzi si concede escursioni 

nella fiction - vedi Come Along Pond, dedicata all’assistente 

di Doctor Who Amy Pond, e Rachel Green, ovvero il 

personaggio di Friends interpretato da Jennifer Aniston - 

e nell’immaginario fumettistico (dall’anime Katsuragi, It’s 

Me... agli ineffabili nonché intramontabili Peynet Lovers). 

Amori impossibili - come recita il sottotitolo - che si agitano 

travolgenti dietro la cortina fumogena del rumore, 

emblema di peculiarità emotiva ed esistenziale che va 

a confessarsi nella conclusiva Blinded By The Pop Stars, 

ritornello vagamente rubacchiato al Billy Idol di Dancing 

With Myself e la parafrasi smithisana che dà il titolo 

all’album come una tenera, meritata catarsi. L’ispirazione 

non è sempre al top, ma l’ascolto non è mai meno che 

gradevole. E l’insieme vale più della somma. 

(7/10) 


tiny tidE - plato’S SummEr StarS (KingEm, 

agoSto 2011) 

Genere: Dream pop lo-fi 

Sei mesi dopo il buon Febrero, ecco puntuale la nuova 

prova firmata Tiny Tide. Ovvero, l’ennesimo frutto 

della irrefrenabile ossessione che muove il cesenate 

Mark Zonda. Il pop come una onnipresente vibrazione 

sognante e scabra, cortina fumogena ideale su cui proiettare 

le circostanze emotive ed i palpiti mnemonici. 

Undici tracce che sbocciano dalla scorza straniante della 

bassa fedeltà, tutto un aleggiare di vampe deragliate e 

impeto traslucido, melodie che rotolano tenere e febbrili 

in un formidabile precariato sonoro che chiama a 

testimoniare l’art-wave primordiale di Brian Eno, caligini 

allucinate Teenage Fanclub, la languida protervia dei 

Morrissey e dei John Lennon, certe fatamorgane 4AD 

come se le sognassero quei malandrini della Elephant 

6, e via discorrendo. 

I cromatismi sghembi di Nimesulide EG, il tumulto farraginoso 

di Shoes Got An Hold Me, la bambagia radiante 

112 113

di Back To The Beach: canzoni trafelate come sogni di 

rincorsa, cui sembra sempre mancare qualcosa ma non 

l’ingrediente che ti aggancia, ti avvince come un dolce, 

ammaliante fastidio. Questo disco vuole essere un po’ il 

tributo di Zonda all’estate come stagione delle memorie 

che s’imprimono a caldo. Un’estate cittadina perché i soldi 

sono finiti e allora le vacanze diventano due settimane 

di fregola creativa rigorosamente DIY. Ora, il fatto che 

i soldi siano finiti perché c’era da produrre il video del 

nuovo album - non questo, un altro - è l’anello che salda 

la catena e rende ubriacante la pedalata. Per i primi di 

settembre è infatti prevista l’uscita di There’s A Girl That 

Never Goes Out, che sarebbe tecnicamente il successore 

del qui presente. C’è bisogno di aggiungere altro? 

(6.8/10) 


tyVEK - FaSt mEtaboliSm (m’lady’S, luglio 

2011) 

Genere: shit-Gaze 

Dopo due album che, pur con le dovute eccezioni, non 

rendevano l’impatto sbilenco e la freschezza psicotica 

dei primissimi singoli, arriva (a grande richiesta, verrebbe 

da dire) la raccolta di questi ultimi. 

Il gruppo di Detroit è stato infatti uno dei nomi caldi della 

già tramontata stagione shit-gaze e Fast Metabolism 

(precedentemente edito in solo CDr) è qui a ricordarcelo. 

Nove brani che deflagrano schegge impazzite di postpunk 

lo-fi disturbato e indisponente, dove le ritmiche a 

dir poco infantili sorreggono nenie vocali e chitarristiche 

drogate ed ebbre e dove il malessere, più istintivo che 

ragionato, del vivere in una metropoli così putrescente 

si riversa in brevi pezzi, concepiti in garage e inzuppati 

di demenza urbana. 

Ne sono prova inconfutabile Mary Ellen Claims e Air Conditioner, 

due dei pezzi migliori in assoluto che mostrano 

la cifra dissennata del gruppo at his best, come non è più 

stato in grado di mostrarsi se non in sporadici episodi. 

Ben venga dunque questa operazione nella speranza 

che in futuro i cinque nerd ci regalino ancora qualche 

chicca per cui valga la pena amarli e seguirli. 

(7.3/10) 

andrEa napoli 

undErground railroad - WhitE night 

Stand (onE littlE indian, giugno 2011) 

Genere: GrunGe, post-punk 

Nati parigini, ma londinesi d’adozione, gli Underground 

Railroad giungono con White Night Stand al terzo lavoro 

in studio, affinando la propria commistione di grunge, 

post-punk e vaga psichedelia. Rispetto ai due dischi 

precedenti, Twisted Trees e Sticks and Stones (rispettivamente 

2007 e 2008) le atmosfere si sono fatte più cupe, 

complici i continui riferimenti al cinema di David Lynch, 

che sta diventando uno degli oggetti di culto di molto 

indie-mondo di oggi. 

Indecisi tra vaghe pulsioni da stadio che fanno tanto Foo 

Fighters come in Ginkgo Biloba e Rude Awakening (ma è 

innegabile che sotto a tutto il loro DNA sia forgiato a partire 

dal grunge primevo) e seguire il solco dei Sonic Youth 

meno sperimentali (Yellow Suite, The Orchid’s Suite), i tre 

riescono bene laddove cercano di mescolare elettronica 

povera con l’atonalità (Lucky Duck) e un incedere circolare 

(Russian Doll), o con un tocco bluesy (8 millimetres). 

(6.4/10) 

marCo boSColo 

VEgEtablE g - l’almanaCCo tErrEStrE (ala 

bianCa, SEttEmbrE 2011) 

Genere: pop 

Mantenendo la tradizione di un disco ogni due anni, i 

Vegetable G tornano con un nuovo album - per la prima 

volta interamente in italiano - che abilmente si districa 

in quel pop sperimentale ora filosofico ora giocoso che 

tanto piace all’eclettico Giorgio Spada. Anticipato dal fin 

troppo ammiccante singolo La filastrocca dei nove Pianeti 

e con l’incursione ai fiati dell’onnipresente Enrico 

Gabrielli, L’almanacco terrestre è un passo in avanti per 

la band di Monopoli compiuto solo per metà. Diviso tra 

riferimenti in Battiato, Bluvertigo e Max Gazzè, ma con 

l’aggiunta dei lampi di preziosa creatività a cui il gruppo 

ci ha abituato negli ottimi lavori precedenti, L’almanacco 

è un disco che se in parte convince sul terreno dell’originalità 

nelle soluzioni stilistiche, dall’altro non completa 

quel salto di qualità (ma leggasi anche maturità) che ci 

si auspicava col passaggio alla lingua italica. 

Brani come La voce di Pan, L’uomo di pietra, L’idea del 

Plancton, suonano come germogli, piccole perle, pronti a 

sbocciare ma a cui manca ancora qualcosa per uscire definitivamente 

dal selciato dell’indie. Le liriche evocative e 

immaginifiche non sempre convincono e spesso litigano 

con un sound di matrice anglofona poco incline a unirsi 

con la nuova lingua. I Vegetable G scelgono spesso di 

giocare sulla difensiva, con gli esterni bassi, come li chiamerebbero 

oggi, svolgendo bene il compitino ma nulla 

più. E la bellezza evocativa di un concept album infuso 

in un pop gioioso, stellato, innamorato d’amore e ricco di 

immaginazione e di rimandi, rivelatore di un suggestivo 

scenario surreale legato al ciclo armonioso legato alla 

natura e all’esistenza, rimane in parte incompiuto. 

Lo scambio tra antico e futuro rimane un’idea, le stelle 

ascoltano e lanciano un plauso alla gioiosa gentilezza 

highlight 

toddla t - WatCh mE danCE (ninJa tunE, agoSto 2011) 

Genere: soulstep, post-raGGa 

Un disco che come nella miglior tradizione dei sophomore si distanzia dalle 

origini e prende una strada nuova. L’arma della smarcata col passato fa bene 

a Tom Bell, che da quel bruciante esordio in fissa con la cultura ragga (Skanky 

Skanky) ne ha fatta di strada. Ora il ragazzo, emigrato da Sheffield a Londra, ha 

infatti una trasmissione su BBC Radio 1, ha prodotto tracce per Roots Manuva, 

Ms Dynamite e altre star della scena urban, ha una pletora di remix e pure 

un’etichetta (la Girls Music, in cui bazzica pure Roska). 

Come avevamo già anticipato qualche giorno fa, lo stesso Toddla ha dichiarato che il disco è dedicato a 

quei clubbers che vogliono riposarsi o ascoltare qualcosa prima di arrivare al lavoro, e quindi si inserisce 

in un contesto urban che fa l’occhiolino al post-dupbstep invischiato con il pop soul (vedi il rimando a 

Katy B e alle produzioni house Novanta in Take It Back con il feat di Shola Ama), ha ancora qualche puntatina 

drum’n’bass tagliata con melodie sciccose (Cruise Control) e ovviamente si riconosce in un’eredità 

elettrica che ha le sue basi sempre a Kingston, ma le muta con i Soul II Soul più 80 che mai (Cherry Picking 

trasfigura Tina Turner oggi), con la cultura a 8-bit della cheap music (stupendo il singolo ‘in opposition’ 

Streets So Warm) o con il taglio banghra-vocoderato che è suo marchio di fabbrica (Body Good). 

Anche se le dichiarazioni dell’uomo volano basso su un presunto rallentamento del beat, la presenza 

nei credits di gente come Skream e Roots Manuva (suo il featuring in uptempo funk un po’ alieno dal 

contesto globale nel singolo che dà il nome all’album) ci fa capire come le tracce saranno ben presto 

sciacallate da una pletora di remixers (vedi le buone prove già effettuate da SebastiAn e Dillon Francis) 

o di DJ, che riusciranno a farci ballare sulle note del soul di inizio millennio. Senza sputtanarsi, Bell crea 

il giusto compromesso tra la moda del momento (il soulstep), le roots’ (il ragga della conclusiva Fly) e 

il pop. Dancehall di classe per Tod. 

(7.3/10) 


musicale del gruppo pugliese ma anche la richiesta 

incondizionata di un ulteriore passo in avanti, magari 

senza aspettare altri due anni (aggiungo io). 

(6.6/10) 


ViVa brothEr - FamouS FirSt WordS 

(gEFFEn, agoSto 2011) 

Genere: Gritpop 

Perplime non poco la stampa britannica che da quarant’anni 

ha smaniato per l’arrivo dei nuovi Beatles e 

ora si ritrova a cercare con il lanternino i nuovi Oasis. I 

Viva Brother sono di Slough vi dice qualcosa? Provate a 

dare un occhiata alla wikipedia e fatevi due risate amare: 

Slough è famosa per la puzza (the Slough stench), per 

il fatto che dai Settanta a oggi è la stessa identica città 

(parole del comico locale), per degli indici di criminalità 

e narcotraffico tra i più alti del Paese, e perché sempre a 

questo benedetto posto dimenticato dal KGB, la BBC ha 

dedicato una miniserie intitolata - e non è uno scherzo 

- Making Slough Happy. 

Slough è l’archetipo della città derisa e sfigata e i Viva 

Brother il prototipo del gruppo autentico per eccellenza. 

Roba che la Manchester dei Gallagher e la Sheffield dei 

Pulp perdono a tavolino in un gioco delle parti stampa/ 

band a rendere il tutto ancor più comico. I Viva Brother 

fanno la scheda stampa e NME scrive. Influenze? Una santa 

trinità di Smiths, Stone Roses e Blur (no gli Oasis non 

ci sono). Slogan provocatori? If anyone here doesn’t want 

to see the future of music, leave now. Genere? In autodefinizione, 

rubando alla critica il giochino preferito, ovvero 

coniando il Gritpop da britpop e grit, un britpop risoluto, in 

pratica. Producer? Naturalmente Stephen Street, l’uomo 

delle grandi occasioni dalle stelle dei Novanta a oggi. 

E’ troppo bello per essere vero: Famous first words è una 

delusione totale. Immaginatelo un sound che rimbalza dai 

114 115

highlight 

WilCo - thE WholE loVE (dbpm, SEttEmbrE 2011) 

Genere: folk-rock-pop 

L’inizio è un funky robotico, sincopi algide e polverose scarabocchiate sulla piattaforma krauta. D’un 

tratto si alza una cortina di mellotron come un sipario fibrillante, ed ecco avviarsi la canzone col suo 

tribolare soul futuribile, senso di allarme e angoscia pastosa nella litania stropicciata del canto, ma anche 

quel retrogusto di familiarità differita, rifratta, sparsa. Tanto è radioheadianamente riuscita che Thom 

Yorke si morderà i gomiti. Poi, quando sospetti che il solco sia stato già del tutto tracciato, s’imbizzarrisce 

la vena elettrica dapprima con foga controllata à la Wire e poi tutto un affilare e deragliare di watt, una 

concitata incandescente acuminata scompostezza, atto di sacrosanta devozione al dio del rock acido 

(sempre sia benedetto l’ingresso in squadra di Nels Cline). 

Questi, più o meno, sono i sette minuti abbondanti di Art Of Almost, traccia d’apertura di The Whole 

Love, ottavo lavoro targato Wilco. Uno di quei pezzi che stabiliscono il centro di gravità, e che ti fa venire 

voglia di esserci ogni volta che lo eseguiranno dal vivo. E’ il tipico modo di Tweedy e soci di scombussolare 

la gerarchia dei segni, di smarcarsi da una pur arguta e accoratissima consuetudine. Proprio come 

la malattia, il disagio, certi cataclismatici incroci di eventi ti fanno deviare dal flusso confortevole della 

quotidianità. La musica dei Wilco in fondo è (solo) questo: un doppio filo che intreccia calore e disagio, 

l’uno e l’altro necessari per tenere in piedi la carcassa, mentre sullo sfondo si consuma il conflitto muto 

tra ciò che resta del Sogno Americano e la semplice, implacabile evidenza della realtà. E’ uno specchio 

rotto in un milione di pezzi, la realtà vista dal pianeta Wilco. E questo spiega quel procedere dei testi 

attraverso frasi che sembrano frammenti di una narrazione sfuggente, mai del tutto definita se non 

lungo il filo pastoso - pastosamente indefinibile - delle emozioni. 

Le undici tracce che completano il programma ondeggiano con una certa scaltrezza tra verve errebì 

contagiata power pop (il boogie screziato fuzzy di Standing O, la battente acideria di I Might, l’accorato 

disincanto vagamente Kinks di Whole Love) e ballate country folk impegnate a mitigare solennità tristarelle 

con un filo di speranzosa morbidezza (il tepore allibito e l’estatico vitalismo à la Jim O’Rourke 

di Rising Red Lung, la mestizia amniotica di Open Mind, il Brian Wilson sognato dai Mercury Rev di 

Sunloath). Tutto molto più canonico quindi rispetto alla opening track, eppure tra i fili della trama e nei 

margini sbrecciati si annidano pur sempre quei tipici vibrioni d’irrequietezza post-contemporanea, che 

siano dissonanze elettriche, perturbazioni sintetiche o il respiro onirico degli archi a spaesare le palpitazioni 

da front-porch (Black Moon). 

Con questo disco insomma i Wilco tornano alla grande in carreggiata, recuperano 

il senso del loro percorso rispetto all’eccesso di normalità del pur non 

disprezzabile predecessore. La sensibilità frantumata e ricomposta di Tweedy, 

quella meravigliosa sensazione di sgretolamento emotivo scampato d’un 

soffio ma sempre in agguato appena dietro l’angolo, può così affiorare anche 

in circostanze apparentemente sdrammatizzate come l’incalzante Born Alone 

(ritornello Tom Petty e incandescenze flaminglipsiane) e nello swinghettino 

à la Randy Newman di Capitol City. Per poi infine spalmarsi con struggente 

gravità orizzontale nella lunga One Sunday Morning, via crucis soffice che assolve la mestizia celebrandone 

la presenza ineluttabile come una lenta, ripetitiva, liberatoria rivelazione. Non è l’album migliore 

dei Wilco solo perché ci hanno già consegnato i loro capolavori. Ma è un ottimo album di una band 

(ancora) straordinaria. 

(7.4/10) 


Blur agli Oasis e dagli Oasis ai Blur sopra un retino da ping 

pong firmato Supergrass. Un gioco serissimo dove l’amato 

houmor inglese non c’entra proprio. Parte New year’s day 

e via di a-a-a-ao alla Girls and Boys, poi è il turno di Electric 

day e sotto con i falsetti dei Gallagher che neanche in Live 

forever. Il resto è fotocopia, un susseguirsi riff tintinnanti che 

non infilano una strofa-ritornello con un minimo di personalità 

(Darling buds of may o Still here) e lo fanno con dei 

testi che l’Inglese è proprio meglio non saperlo. 

La loro forza sono 36 minuti di scanzonatezza. Niente 

che non diventi trascurabile al secondo ascolto. Dopo i 

Viva Brother, i Beady Eye vi sembreranno migliori e Noel 

Gallagher sarà John Lennon. 

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;br&am 

p;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt; 

(4.5/10) 


WEyES blood and thE darK JuiCES - thE 

outSidE room (not not Fun, SEttEmbrE 

2011) 

Genere: DesertshorinG 

Di tutte le epigoni di Nico, Weyes Blood merita di essere 

considerata una delle più rispettose, ancorchè una delle 

più efficaci. Tolti gli esperimenti di Fursaxa che con 

Kobold Moon dimostrava di sapersi sganciare dal verbo 

di Marble Index per arrivare ad un’espressione del 

tutto propria, Natalie Mering al suo debutto su Not Not 

Fun dopo una serie di episodi a bassissima circolazione, 

si accomoda padrona e sicura sul cavallo bianco di Desertshore. 

Da li, parte per un suo excursus personale che 

se da un latro prende in prestito i goticismi astratti e sepolcrali 

dell’austrice di Janitor Of Lunacy, dall’altro centra 

un melodismo austero, minaccioso e intimidatorio che 

la porta dalle parti di una Catherine Ribeiro meno aggressiva. 

La strumentazione è quella d’ordinanza: organi 

da sepolcro perduto messi al servizio di un ensemble distorto 

e sfumato che la produzione di Graham Lambkin 

ex Shadow Ring si impegna nel valorizzare aumentando 

il senso di distacco temporale da una musica già sufficientemente 

“eterna” di per sé. Madrigali devozionali che 

virano verso un goticismo storto e malevolo come nelle 

nenia drogate e di-sfatte di Storms That Breed o Candyboy 

o ancora meglio come nell’evocazione esoterica su 

chitarra arpeggiata di Dream Song e nell’inno putrefatto 

e senza pathos di Romneydale fino agli episodi conclusivi 

che mostrano altrettanti ipotesi di percorso verso un 

futuro più incerto che mai. 

Da un lato, l’astrattismo surrealista di In The Isle Of Agnitio 

su cui moltissimo influisce il gusto per il vuoto distratto 

di Lambkin, dall’altro l’austerità monastica di His Song 

che vira sempre di più verso una decadenza maligna 

sull’onda di un droning psichedelico ed effettato che fa 

tremare le ossa. Nel suo genere un piccolo capolavoro. 

(7.5/10) 


WhitE hillS - hp-1 (thrill JoCKEy, giugno 

2011) 

Genere: space rock 

Aspettavamo al varco i White Hills per sapere che direzione 

avrebbero preso dopo la svolta iniziata un anno 

fa con il disco omonimo. Il nuovo Hp-1 da una risposta 

parziale, lasciando aperti ancora parecchi conti. 

I suoni muscolari da rock’n’roll in pelle duro e puro 

vengono in parte accantonati, pur prevalendo ancora 

quando i White Hills si adagiano nella sicurezza di tirate 

spacey (No Other Way) e hard (The Condition Of Nothing). 

Una vena sperimentale traspare comunque forte del disco: 

il battito motorik sporcato di noise di Paradise, il 

glitch tribale di Monument, la doppietta d’elettronica 

ambientale A Need To Know / Hand In Hand. 

Un buon disco in cui alla fine rimane la sensazione che 

sia il peso degli ospiti a tirare fuori il meglio. In particolare 

in Paradise e nella stupenda Monument la mano di 

Kid Millions si sente tutta. Quando sono lasciato a loro 

stessi, i White Hills tornano spesso a un più canonico 

hard-space-rock (Hp-1, Upon Arrival). 

(6.8/10) 


WilEy - 100% publiShing (big dada 

rECordingS, giugno 2011) 

Genere: urban / Grime 

Wiley è uno dei prominent man del collettivo Roll Deep, 

nato nella Londra garage nel 2002 e diventato presto 

uno degli act chiave della scena grime, vivaio di gente 

come Dizzee Rascal e Skepta. La sua Eskimo, rappata 

da Dizzee, è tra i classici assoluti del genere. 

Per questo settimo album l’uomo lavora in completa autarchia, 

scrive produce e rappa tutto da solo, rap ragga 

serrato e appiccicoso e basi fatte da bassi profondi e pulsanti 

con trame di tastiera vagamente minacciose e secchi 

clap. La supercommerciale Boom Boom Da Na, Your 

Intuition con una base sorprendentemente trattenuta e 

cesellata, I Just Woke Up che sembra quasi un pezzo degli 

Antipop Consortium, Wise Man & His Words praticamente 

jazzata, Talk About Life supersmooth, Pink Lady lo sketch 

con inciso autotune. 

Al di là dei singoli brani, un album molto equilibrato e 

misurato nel fotografare, da una prospettiva comunque 

autorale, l’evoluzione commerciale, leggi dancefloor e 

116 117

highlight 

zola JESuS - ConatuS (SoutErrain tranSmiSSionS, SEttEmbrE 2011) 

Genere: Dark-wave 

Dimenticate la ragazzetta intrisa fino al midollo di zozzeria lo-fi. Nika Roza Danilova 

aka Zola Jesus è ormai una signora e Conatus il suo figlio prediletto. 

L’evoluzione della ragazza del Midwest è innegabile, l’abbandono del sottobosco 

pure. E non parliamo solo dell’aspetto estetico che l’ha vista passare 

da dark lady dalla chioma corvina alla ossigenata/patinata, spettrale presenza 

velata della cover attuale. 

Dai tempi dei primi singoli - melodie sofferte annegate in cumuli di caligine 

in bassa fedeltà con velleità sperimentali piuttosto marcate - alle prime prove 

lunghe in cui il cripto-goticismo la faceva da padrone ergendo la nostra a capostipite 

della “crimson-wave”, Zola Jesus si è via via avvicinata ad una forma più compiuta di pop dalle 

venature apocalittiche e costellate sempre da umori darkeggianti. Ora il passo successivo è quello della 

via 2.0 ad una nuova forma di mainstream, ovvero abbandonare le lande del culto underground per una 

accessibilità di più ampio respiro senza perdere una stilla in credibilità e appartenenza. 

Zola Jesus come l’anti-Lady Gaga? Nika come la Madonna del terzo millennio? Non siamo a questi livelli, 

ma è innegabile che le scelte non solo compositive quanto meramente produttive - cristalline, 90s oriented, 

piene di ganci e rimandi a un esemplare e ampio background - pongono la chanteuse d’origine europea su 

un livello superiore rispetto all’artista outsider e sperimentale che conoscevamo. In grado cioè di elaborare 

il proprio sentire musicale, personale e intimo - pur ancorato sempre ad una sensibilità dal taglio goth, 

intrisa di malinconia, ancestralmente oscura e haunted - in forme più accessibili e compiute. 

L’accompagnamento musicale, di stampo sintetico seppur intriso di corde (ad aiutare ci sono la viola e il 

violino di Sean McCann e il violoncello di Ryan York), è sempre austero e rigoroso, filiazione innegabile della 

wave più eterea e dell’electro-pop meno radicale, ma in Conatus ritroviamo slanci “altri” a dimostrazione 

dell’apertura di cui sopra: il romanticismo lirico nato dall’interazione tra macchine algide e il caldo dell’acustico 

(Shivers ne è esempio plausibile, così come la scheletrica piano/voce Skin) ma soprattutto la accentuata 

apertura ritmica, quasi disco (Seekir) che innerva le composizioni segna uno dei maggiori scarti con 

la Zola Jesus primigenia. Su tutto, una performance vocale di altissimo livello: sofferta, profonda, enfatica. 

Se The Spoils arrivava a “raffreddare una estate troppo calda” (cit. Comunale), Conatus è il perfetto album 

autunnale, trabordante malinconia e struggenti melodie vocali, e fin dal titolo, è un vero e proprio “sforzo” 

per superare i propri limiti e confini, per muoversi oltre. Verso visioni musicali nuove, che sono, allo stesso 

tempo, rielaborazione di input pregressi e slancio verso il nuovo: che sia il battito a cassa dritta (Ixode, 

acido electro-beat per capannoni in disuso), la pulsazione corrotta di stampo glitchy, il rumorismo di 

sottofondo (la Bjork sottesa a Swords o al singolo Vessel) o l’atavico marchio 4Adiano (l’inno autunnale 

In Your Nature, la pastorale post-apocalittica Avalanche). 

Non più Diamanda Galas, la Lunch o una Siouxie giovane e agguerrita. O meglio, tutto questo ma anche 

molto di più. Zola Jesus è ormai una moderna artista capace di mettere a fuoco un percorso, di compiere 

quel “conatus” che è il cuore dell’album, con grazia e stile (quasi) unici. 

(7.5/10) 


pop, del grime; più incompromissorio e meno superprodotto 

di Dizzee, di cui infatti, di rovescio, non ha il 

breaking appeal pop. 

(6.5/10) 


zoom-on-a-Kill - 

“l∆”lol₡ᴓ 

(autoprodotto, maggio 2011) 

Genere: 8bit / witch / rave 

Nei tempi dominati dal web 2.0 la rete diventa lo strumento 

indispensabile per toccare con mano i fermenti musicali 

nascosti sotto la soglia dell’informazione giornalistica. Fenomeni 

di sottocultura generazionale come chip music, 

glo-fi o witch-house usano da sempre blog e social network 

come casse di risonanza per condivisione e autopromozione, 

e questo rende le varie scene tanto dispersive e frammentate 

da rendere impossibile applicarvi concetti come 

“discografia” o “tendenza”. Piccole guide di orientamento 

son molto utili, e noi nel nostro piccolo proseguiamo tra 

articoli e recensioni a fornirvi spunti di approfondimento. 

Gli Zoom-on-a-kill sono tra i nomi più interessanti emersi 

recentemente dal tam tam della rete. Trattasi di un misterioso 

progetto 8bit messicano, col suo classico blog bandcamp 

che, come spesso accade, è anche il portale che 

ospita le proprie pubblicazioni (tre fino ad ieri, tutte nella 

stessa area chip-punk/rave dei Covox). L’ultimo &Dagger 

;L∆&Dagger;Lol₡ᴓ (se proprio dovete, 

pronunciatelo Tlatelolco) è però particolarmente affascinante 

per l’inedito mix stilistico offerto. Il manifesto del disco 

sta tutto in Quiero Café: 160 bpm di rave pompatissimo, 

iniettato di organi malaticci virati witch, blips Amiga e canti 

esoterici assortiti. Per chi non si accontenta. 

La smania per l’esagerazione tipica dei Crystal Castles 

(che del filone witch house possono esser considerati 

i precursori) la si ritrova anche in The Brand New Wolf, 

mentre invece brani come Tequila Fantasmal ambiscono 

più al versante thriller/darkwave della faccenda. Eppure 

la nuova infatuazione per le streghe convive bene con 

l’anima chiptune del team, che sempre senza timore 

sposa i ritmi acidi dei party anni ‘90 (Cruzadee) o quando 

va bene accede alle piste techno (Circuit Robot, Bazooka) 

o trance (Cyfresh Sex). Se a tutto questo aggiungiamo 

la disinvoltura dark-step dall’imprinting Zomby di 

Ϛobviṅ∆&Dagger;ioṇ Touch, le 

possibilità tech-ambient di Comptine D’un Autre Été e il 

delicato tocco french de La Valse D’Amelie, a venirne fuori 

è un profilo dotato di grande padronanza dei mezzi e 

irriverenza nerd con tendenza a strafare. Dieci ad uno 

che dietro ci si nasconde un manipolo di ventenni. 

(6.8/10) 


118 119

— vhs Grindhouse 

prEdator 

John mctiernan (u.s.a., 1987)) 

È il 1987 e un Arnold Schwarzenegger ancora lontano 

dalla poltrona di governatore della California si presenta 

al David Letterman Show per promuovere il suo nuovo 

film, Predator. Fotografato in questo momento della sua 

carriera, siamo in presenza di un Arnie ancora abbastanza 

grezzo. L’accento austriaco è molto marcato e certe 

ruvidità mitteleuropee sono lungi dall’essere limate . eppure 

che uomo dello spettacolo! Che scaltrezza politica 

nel sapersi intingere nel ridicolo per uscirne subito dopo 

come nuovo! Letterman ci va a nozze. Scherza sulla pronuncia 

esatta di “Schwarz’n ‘eggahhh” e sul significato del 

cognome che in austriaco starebbe per “Black Plow Man”, 

più o meno “Uomo nero dell’aratro”, e via di lì, con battute 

su battute e un Arnie che tiene testa al grande matteur 

en scene televisivo e piazza i suoi fendenti sapendola 

lunga su quello che bisogna fare nel cinema business 

hollywoodiano degli anni ’80, ovvero battere il ferro finché 

è caldo e plasmarsi a nuova icona mitologica della 

cultura pop. “If you’ve loved Terminator, then you will love 

Predator”. Grazie Arnie, cosa sarebbero stati questi anni 

senza di te? Un uomo che prima della svolta politically 

correct de I Gemelli con Danny De Vito (e da lì l’inevitabile 

parabola discendente con la sua versione friendly 

anni ’90 e il passaggio anche molto iconico di Termi- 

nator 2, dove diventa ahinoi buono) piazza cult movie, 

uno dietro l’altro, con la stessa metodica insistenza di un 

Uzi 9mm: Conan Il Barbaro, Conan Il distruttore, Terminator, 

Commando, Codice Magnum, L’implacabile, 

Danko e dulcis in fundo Predator.Un film come non se 

ne fanno più e lo abbiamo capito al cospetto del nasone 

di Adrien Brody che cerca in tutti i modi di fare il macho 

nel terrificante Predators di Robert Rodriguez. Giammai! 

“Solo Arnie può uccidere Predator” sentenzia un anomino 

commentatore su youtube e lo sappiamo benissimo 

dopo un decennio di esperimenti crossover chiamati 

Alien Vs Predator che hanno via via ammazzato il prototipo 

originale in una marea di popcorn stantii e unti, 

il cui unico pregio è quello di farci vedere Roul Bova 

accoppato nel primo dei due film. Ma qui no. Qui siamo 

nel 1987 e le cose si fanno ancora come comanda Dio. 

Tra questo primo film della serie (ma anche il secondo 

con Danny Glover è ancora un buonissimo film .) e tutti 

gli altri venuti dopo, c’è la stessa differenza che passa tra 

una protesi al silicone e la cara vecchia carne donataci 

da madre natura. John McTiernan utilizza la carne, gli 

altri la plastica. E di carne al fuoco, appunto, ce n’è molta. 

Regista che parla la lingua action con una padronanza 

carismatica, McTiernan all’epoca veniva da un horror di 

culto chiamato Nomads, con Pierce Brosnan e Adam 

Ant. Dopo il successo planetario di Predator, verrà ripa- 

gato a dovere con una sfilza di progetti ad alto budget 

e altri film di successo stratosferico come Trappola di 

Cristallo e Caccia a Ottobre Rosso prima del default 

di Last Action Hero che preluderà alla depressione e 

alla condanna a quattro mesi di carcere per aver mentito 

all’F.B.I. e aver fatto mettere sotto controllo i telefoni di 

importanti figure di Hollywood.Ma qui siamo ancora lontani 

da tutto questo e il progetto è solidissimo nella sua 

filosofia di base: fare un film di guerra con un elemento 

fanta-horror a fare da nemico. Per fare la guerra ci vogliono 

i militari e il plotone che viene mandato in missione 

in una intricatissima giungla sud-americana, spruzza testosterone 

ad ogni inquadratura. Innanzitutto Carl Weathers. 

E’ uno dei primi che si vede e li per li, stai quasi 

a chiederti cosa ci faccia Apollo Creed in un film con i 

militari, poi si capisce che Weathers, caratterista della 

vecchia scuola, sta cercando in qualche modo di uscire 

fuori dal cono d’ombra di Rocky e Predator è il primo 

atto di un fallimento che lo vedrà l’anno successivo nel 

tentativo di ergersi ad icona black, con il mitico Action 

Jackson. Passando rapidamente in rassegna il plotone, 

impossibile non notare poi Bill Duke, quello che in Commando 

si becca la mitica: “I berretti verdi me li mangio a 

colazione” e che prima di passare dietro la macchina da 

presa, fa un milione di comparsate in film di scarso o ampio 

respiro, a seconda del budget; c’è poi Jesse Ventura 

che ha cominciato come wrestler professionista, è passato 

per i film action con Arnie, ed è poi riuscito a farsi 

eleggere come sindaco di Brooklyn Park, sobborgo del 

Minnesota e che dire poi di Sonny Londham? L’indiano 

pazzo che ha cominciato come attore porno, è apparso 

in quasi tutti i film più maschi della decade, si è più volte 

candidato al ruolo di governatore del Kentucky e da 

cui la troupe del film doveva essere protetta tramite un 

bodyguard appositamente chiamato per far fronte alle 

sue irrazionali esplosioni di violenza ed ira. Poi, infine, 

c’è lui. Il Predator. McTiernan poteva sprofondare rapidamente 

nel ridicolo con la faccenda dell’alieno, perché 

nonostante ¾ del film siano esclusivamente dedicati al 

plotone e alla guerriglia para-vietnamita, la sostanza del 

progetto va a parare nel fantastico e nel soprannaturale 

e la miscela se non calibrata a dovere può scoppiarti tra 

le mani. Non è questo il caso. McTiernan sa benissimo 

che meno si vede meglio è e la felice trovata della vista 

a fasce termiche aiuta a calare tutto il film in un umore 

paranoide e ansiogeno che non fa altro che preparare il 

terreno per lo scontro finale. Il messaggio ultimo del film 

sembra abbastanza chiaro nella sua filosofia di fondo. 

L’uomo è soltanto un anello debole nella più vasta catena 

dell’universo e in qualsiasi momento da cacciatore 

può trasformarsi in preda. Filosofia che lascia il tempo 

che trova, perché fondamentalmente di fronte ad uno 

Schwarzy d’antan, con il sigaro in bocca, il sorriso sornione 

e il bicipite tirato l’ultima cosa che ti viene naturale 

è fare riflessioni metafisiche sulla natura dell’universo. 

Piuttosto, ti viene voglia di mandare la vecchia vhs del 

film ad Adrien Brody con sopra un post-it recante il seguente 

messaggio: “Veri Uomini si nasce, non si diventa”. 


120 121

Gimme Some 

Inches #19 

Riprendiamo lo scandaglio dei formati minori dopo la torrida 

estate. Ci accompagnano, tra gli altri, Zola Jesus e Fabio Orsi, 

Martial Canterel e Spettro Family, LA Vampires e Cult Of Youth. 

Dopo un’estate bollente che ha quasi 

fatto squagliare i nostri vinili, ricominciamo 

il consueto scandaglio 

dei formati minori con qualche 7” 

digitale a segnare ritorni importanti. 

Il primo è per Nika Roza Danilova, 

aka Zola Jesus e del suo Vessel, brano 

in digitale che funge da apripista 

per Conatus, il full-length in arrivo a 

fine settembre. Cinque minuti scarsi 

di musica in cui rumorismi Bjorkiani 

ed eleganza wavish, uniti ad una 

voce mai così profonda e sensuale, 

fanno venire l’acquolina in bocca e 

contare i giorni che mancano alla 

release dell’album. 

L’altro invece è targato synth-pop 

made in nyc fino al midollo. Xeno 

& Oaklander anticipa il nuovo album 

Sets And Lights con The Staircase, 

elettro-barocchismo meets ebm 

beats con eterea voce femminile, 

e Not Afraid, un funereo incedere 

tanto marziale nei ritmi quanto perversamente 

romantico nell’immaginario. 

Anche in questo caso, l’attesa 

sembra troppo lunga. 

Lasciando il digitale per il reale, segnaliamo 

il 7” di una band italiana 

che, nonostante il nome, è un progetto 

in solo. Spettro Family, aka 

di mr. Vade Retro Records Stefano 

Iannone, esordisce in vinile col 7” 

Strigoi (riedizione di una tape ormai 

esaurita) mostrandosi affine a certe 

sonorità wave-industrial cupe e cinematiche, 

come una versione contemporanea 

di atmosfere Goblinoriented 

e esoterismo rumoroso alla 

Ain Soph. Sensazioni gelide e in b/n 

limitrofe a certe uscite alla Umberto, 

per capirsi, e molto più credibili 

dei triangolini targati witch-house 

et similia. A breve il full-length Candelora 

per Brave Mysteries, la label 

di Burial Hex. 

Ultima segnalazione prima di addentrarci 

nell’underground statunitense, 

segnalazione d’obbligo per il 

nostro Fabio Orsi. Il prolifico berliner 

d’adozione ha appena pubblicato 

un cd 3” per la francese Taâlem: 

Light Was The Day è drone-music 

pregna di malinconiche aperture, 

umorali saliscendi e deliziosi contorni 

sfumati in un flusso di coscienza 

di quasi 25 minuti a base di fieldrecordings, 

filtri, chitarra ed effetti. 

Ingredienti comuni nel vademecum 

per il giovane droner 2.0. A fare la 

differenza, come al solito, è la sensibilità 

illuminante dell’artista. 

A breve distanza dall’uscita 

dell’omonimo album su Sacred 

Bones i newyorkesi Cult Of Youth 

ritornano con un singolo nuovo di 

pacca prodotto dalla Blind Prophet 

dello stesso main-man Sean Ragon. 

The Devil’s Coals è uscito nel cuore 

dell’estate per accompagnare il tour 

americano della band e propone 

nuove tracce con cui il combo darkfolk 

prosegue nella svolta intrapresa 

nell’ultimo Cult Of Youth, con la titletrack 

che scandisce ritmiche marziali 

e battagliere, mentre il lato B 

è un’efficace cover di Sidestreets del 

menestrello minimal-synth Martial 

Canterel. Le 500 copie tirate paiono 

essere già sold-out, fortunato quindi 

chi si è mosso per tempo per procurarselo. 

Rimanendo in ambiti oscuri segnaliamo 

l’imminente uscita per Distort 

Reality di un nuovo 7-pollici per i 

goth-punks Lost Tribe (il cui fulllength 

vedrà a breve la luce sempre 

su Blind Prophet). Come già detto in 

occasione della tape The Dawn (da 

cui recuperano per l’occasione la 

title-track Unsound) i ragazzi di Richmond 

tessono trame nerissime cucendo 

insieme brandelli di T.S.O.L., 

Christian Death e Killing Joke e qui 

non fanno che riprovarlo al meglio. 

Rimanete sintonizzati se vi gustano i 

suoni mefitici perché l’album si preannuncia 

una vera messa in nero. 

Spostandoci sulla costa ovest degli 

States e cambiando completamente 

sonorità ci imbattiamo nel nuovo 

lavoro, ancora una volta collaborativo, 

di LA Vampires aka Amanda 

Brown (NNF e Pocahaunted per i 

pochi che ancora non lo sanno). EP 

di quattro brani realizzati inseme 

ad Ital (il progetto solista di Daniel 

Martin-McCormick, già Black Eyes, 

Mi Ami e Sex Worker), Streetwise 

prosegue sulle coordinate bleachdisco 

di So Unreal, nonostante una 

qualità più lo-fi che svilisce un po’ 

la qualità delle registrazioni. Quindi 

ancora bedroom beats frullati 

nel Minipimer, vocals sbiascicate e 

synth fuori scala. Se queste parole 

non rendono l’idea di cosa vi aspetta, 

date un occhio alle grafiche di 

copertina e vi renderete conto di 

cosa intendiamo per elettronica 

vintage alla candeggina. 

Rientrando in Europa troviamo due 

nuovi singoli freschi di stampa ad 

attenderci. Il primo è uno split tra 

due dei personaggi più in vista del 

panaroma minimal-synth internazionale: 

parliamo del 7-pollici condiviso 

da Martial Canterel e Tobias 

Bernstrup, rilasciato dalla romana 

Mannequin. Il primo, newyorkese, 

non ha bisogno di presentazioni, 

data la crescente attenzione che 

gli si sta concentrando intorno; il 

secondo, svedese, è un nome cult 

per gli aficionados già dai primi anni 

Duemila. Cosa propongono nei solchi 

del vinile corto è quasi superfluo 

dirlo: un pezzo a testa per tappeti di 

synth d’antan, beat anni ’80 e voci 

filtrate e riverberate come ricetta 

comanda. Se siete fan del genere 

sapete già cosa fare. Chi invece 

forse non conoscete ancora sono 

i Vernon Sélavy, nuovissimo duo 

torinese capitanato da Vincenzo 

dei Movie Star Junkies, al debutto 

con un EP su Shit Music For Shit 

People, label che, come abbiamo 

già avuto modo di constatare, si sta 

facendo notare per l’attenzione ai 

suoni garage-country-folk nazionali 

ed europei. E che ci sia la firma 

del chitarrista dei Movie si sente 

fin dalle primissime note di Apple 

Seeds: riverberi surf, stomp blueseggiante, 

tamburelli gitani e voce 

rauca irrorata al bourbon, come una 

versione domestica ed acustica del 

gruppo principale appena accennato. 

Se quindi sentite la mancanza 

del sound sfascione dei piemontesi 

buttavi a colpo sicuro su questo 

7-pollici e non ne rimarrete delusi, 

garantito. 

StEFano piFFEri, 

122 123

Re-Boot #18 

Morbido disimpegno e scudisciate ombrose, umori terrigni e insidie 

acide. Come al solito è disparata la nostra selezione di emergenze 

rock italiche. Saluti all'estate, benvenuto autunno. 

All’uscita di Kollaps degli Einsturzende 

Neubauten (1981) in pochi 

avrebbero scommesso che quei 

velenosi semi siderurgici potessero 

germogliare e dar vita ad una vitale 

ed infettante progenie musicale: 

proprio da quella lontana esperienza 

traggono oggi ispirazione i partenopei 

Nembrot ed il piemontese 

Andrea ICS Ferraris, che con Il 

suono dell’olifante (6.7, Zero Sonico 

Records/HYSM?) propongono 

senza soluzione di continuità 7 interessanti 

pezzi rumoristici, alienati e 

destrutturati, dall’evidente impronta 

estetica DIY. Napoli che reinventa 

Berlino, atmosfere industrial che 

fanno tabula rasa di pizza & mandolino 

e servono sul piatto dissonanze 

dilatate ed elettronica, desertificazioni 

urbane e paesaggi musicali 

psicotici. Questo disco è lo specchio 

impietoso del drammatico contesto 

in cui oggi versa la città campana; 

trae linfa vitale dagli scarti della società 

del consumo, usa e rigetta tut- 

to con violento disincanto: in modo 

indifferenziato. 

Per chi avesse voglia di confrontarsi 

col meglio della produzione 

dei due Vasco nazionali (Brondi e 

Rossi) ecco il bel disco omonimo 

dei Prof. Plum (autoproduzione, 

6.4/10): solide tessiture rock, suonate 

con giusta energia e piglio di 

derivazione post-punk sostengono 

liriche intelligenti, disarmate e disperate, 

condite qua e là di un sano 

umorismo nero. Non tutto colpisce 

per originalità e non tutto è a fuoco 

nei 5 pezzi di questo EP, ma i sensi 

di ragno vibrano. Da seguire. 

Orbite (autoprodotto, 6.1/10) è 

l’ep di esordio dei L’Elide, duo romano 

impegnato in un hardcorepunk 

virato noise con palpabili elementi 

emo, come un cozzo Marlene 

Kuntz-Nirvana e primi Radiohead. 

C’è il piglio giusto, c’è la voce con le 

adenoidi a repentaglio, c’è l’urgenza 

tra il problematico e lo psicotico. E 

c’è l’arredo: riff incalzanti, arpeggi 

Un mese di ascolti 

emergenti italiani 

uncinati, drummin gtumultuoso, 

melodia preda di pulsioni facinorose 

e fatalistiche agnizioni. Insomma, 

quanto ad applicarsi non c’è davvero 

male. A questo punto s’attende la 

zampata della peculiarità, la piega 

inedita delle cose. Ovvero, il difficile. 

Umori folk rubati alla Calabria 

terra d’origine ma anche analogie 

con i Love (Ballata), piani elettrici 

jazzati (Evviva evviva la società) 

e dialetto (Terra d’acqua e focu), 

Kurt Weill, (L’oste di sorte) e omaggi 

nemmeno troppo velati al Fabrizio 

De André delle collaborazioni con 

Massimo Bubola (Circuito assente). 

Maria Teresa Lonetti sintetizza nel 

suo disco d’esordio La grande danza 

(6.5/10, Sciopero Records) un immaginario 

regionale e istituzionale 

al tempo stesso. Terreno di confine 

tra quella canzone d’autore ai limiti 

della world music che dal già citato 

cantautore di Genova in poi detta 

legge e un background esperienziale 

eclettico vicino a pop e fusion. 

Fuori dai soliti schemi, insomma, e 

con un debito di riconoscenza verso 

gli Yo Yo Mundi rimarcato dalla 

cover de La danza dei pesci spada. 

Al solito spigolosi i Retrolover, 

tanto più nel loro nuovo Ep Ma 

voi siete moderni (6.6/10, autoprodotto). 

Il disco esce a due anni dal 

Retrolover omonimo già recensito 

su queste pagine e aggiusta il tiro 

verso una wave ai confini col noise 

(Ricordati) che ci pare più compatta 

rispetto al passato. Chitarre serrate, 

batterie minacciose, ma anche la capacità 

di elaborare geometrie strutturate 

e in qualche maniera inusuali. 

Come accade nella strumentale 

Enzo o magari in una Oh! che parte 

post-rock per poi incrociare synth, 

rigurgiti hard-core e stratificazioni 

strumentali. 

Artefatto, liquido e alternativo 

a qualsiasi contesto, questo Demo 

(autoprodotto, 6.3/10) d’esordio 

firmato Fiori di plastica è un seducente 

invito ad immergersi in quella 

musica che difficilmente potrete 

ascoltare in compagnia. Ci siete 

soltanto voi, Arlecchini nostrani immersi 

nel guazzabuglio alchemico 

dei giorni nostri. Voi e quelle gocce 

che scorrono tra tintinii di monete, 

un omaggio a Brian Eno e un’occhiata 

alla new wave. Qui è tutto 

un videogioco e voi per il momento 

state vincendo, ma occhio al mostro 

finale (e a dei cantati inascoltabili). 

Malgrado un accattivante package 

biologico - composto da due 

tavolette di legno rilegate con un 

filo di lana e coperte da una foglia 

a identificare la copertina – il nuovo 

EP Sleepy River (autoprodotto, 

6.1/10) che segue di tre anni il debutto 

del palermitano Claudio Cataldi, 

è un’escursione tra diversi lidi 

musicali – indie pop, acid folk, shoegaze 

- affrontati ora con sguardo 

maturo e talvolta poetico (Windmill, 

Inside My Car) ora con tentazioni 

sperimentali ancora piuttosto vaghe 

e indefinite (Sleepy River, Home). 

Urge un lavoro più composito – e di 

maggiore durata – per un giudizio 

più ampio e completo. 

Disimpegno a go go quello dei 

Chocolate Collective. Non sai bene 

quanto professato o rappresentato, 

fatto sta che il loro EP di debutto Tonite? 

(autoprodotto, 6.8/10) è tutto 

uno sgranchire le articolazioni all’insegna 

d’un electro-funk ora turgido 

e minimale (Broda&Sista, Revolution), 

poi smerigliato da un gioioso 

afflato pop-soul (Understand, RBN). 

Una leggerezza disinvolta che convince, 

tanto quanto stupisce questo 

strabismo estetico (poniamo tra il 

dance floor digrignato dei Rapture 

e certi miraggi estatici Flaming 

Lips) di cui al momento non s’intravede 

la sintesi. Non contenti, i 

quattro bresciani ci propongono 

in chiusura di scaletta la versione 

acustica di Revolution, come a dire 

c’è un’anima folk-blues dietro ogni 

cazzone elettronico. E quindi? Comunque 

sia, buone, buonissime 

potenzialità. 

nino Ciglio, StEFano SolVEnti, 

Fabrizio zampighi, Fabrizio gElmini, 


124 125

R e a r v i e w M i r r o r 

— s p e c i a l e la mano del diavolo 

Forse perché in posizione minoritaria (non più del 10% 

della popolazione usa la mano sinistra) sono sempre stati 

considerati “altri”, e perciò temuti e messi ai margini. Di 

certo c’è che i mancini sono sempre stati storicamente 

considerati “diversi” e la storia è piena di pregiudizi, credenze 

e proibizioni relative all’uso della mano sinistra. 

La cosiddetta “mano del diavolo” era in passato quella 

associata agli “invertiti”, ai “rovesciati”, ad una devianza 

dagli schemi antropologici prestabiliti. A pensarci bene, 

anche l’etimo stesso del termine rimanda ad aspetti negativi, 

siano essi gli aspetti avversi o sfavorevoli, o come 

Starfuckers 

Sinistri per forza di cose... 

Una delle formazioni più ostiche e coraggiose della sperimentazione “rock” italiana 

torna con la ristampa del primo, lontano esordio. Ripercorriamone la storia 

con Manuele Giannini e Alessandro Bocci. 

Testo: Stefano Pifferi 

sinonimo di incidente, disastro, sciagura. In tempi recenti, 

però, i mancini hanno avuto la loro rivincita venendo 

rivalutati in maniera positiva come creativi e originali. 

Diversi, ma accettati. 

Non è pertanto un caso che sia proprio “sinistri” il termine 

che spesso e volentieri ha toccato trasversalmente 

la storia degli Starfuckers. Dal titolo del loro album del 

1994 che li consacrò come i più avanguardistici ricercatori 

sonori larvatamente rock presenti sul territorio italiano, 

fino alla decisione di ribattezzarsi definitivamente 

come Sinistri, con la maiuscola questa volta, avvenuta 

un decennio più tardi, quando l’ingresso in formazione 

del compianto Dino Bramanti ne spostava ancor di più i 

labili confini sonori verso l’elettronica di ricerca e la musica 

concreta… 

Una parentesi, quella a nome Sinistri, tra le tantissime 

che si sono sempre aperte e chiuse nella storia della 

band italiana, con un procedimento per sottrazione che, 

invece che impoverire ha arricchito lo spessore artistico 

e concettuale della parabola Starfuckers. 

Di queste ellissi è costellato un percorso discografico 

caratterizzato da un sentire musicale “altro” rispetto a 

canoni e definizioni comuni. Spazi (deformati e destrutturati) 

che sembrano chiudersi ma che si legano alle 

riaperture successive: il rock che vira verso la sperimentazione, 

la sperimentazione che muove verso la ricerca, 

la ricerca che si sposta verso la non-musica e il silenzio 

concettuale. Il tutto in maniera sempre coerente e coesa, 

apparentemente senza strappi, come se si potesse 

idealmente tirare un filo lungo tutta una discografia e 

scioglierla come farebbe un prestigiatore dopo averla 

annodata ritrovandosi tra le mani un percorso lineare 

ed unico. 

Ardore e irrequietezza nella ricerca sonora sono, insomma, 

le peculiarità del nucleo principale del progetto. 

Ma anche lucidità di intenti e programmatica ideologia 

vogliono la loro parte. Manuele Giannini (chitarre), Roberto 

Bertacchini (batteria) e Alessandro Bocci (elettro- 

126 127

niche varie), amici d’infanzia, cresciuti insieme non solo 

musicalmente condividono l’esperienza Starfuckers praticamente 

da sempre. Fin da quel Sinistri che rappresenta 

il lavoro che per la prima volta mise in luce l’ampio spettro 

sonoro e la caleidoscopica tavolozza di colori – via via 

sempre più evanescenti verso un b/n spettrale e sfocato 

– a cui gli Starfuckers potevano far ricorso. 

Prima però, c’erano ragazzi che, diversamente da Morandi, 

non amavano i Beatles, quanto Rolling Stones e 

Stooges. Dai primi trassero l’ispirazione per il nome della 

band (notevole l’aneddoto del pezzo di Goat’s Head Soup 

intitolato alle groupies, chiamate appunto “starfuckers”, 

e poi rifiutato dalla casa discografica in cambio di un più 

consono Star Star); dai secondi l’impostazione ruvida e 

riduzionista dell’approccio al rock. Era la preistoria del 

rock italiano. Giornalisti musicali che facevano i talentscout. 

Ragazzi di provincia intrisi di miti anglosassoni 

che armeggiavano con ampli e distorsori. Il rock alla 

sua misura primordiale: ribellione post-adolescenziale 

e possibile via di fuga. Metallic Disease, la cui ristampa 

per Holy Mountain è di pubblicazione proprio in questi 

giorni, uscì per Electric Eye, l’etichetta di Claudio Sorge 

nel 1990 e mostrava una band classica nella formazione 

quanto nel suono, ascrivibile al garage-rock revival del 

tempo e ben presente nel catalogo della label (Sick Rose, 

Steeplejack, Not Moving, Ugly Things tra gli altri). 

Il quintetto base era formato da Paolo Casini (basso), 

Gianfranco Verdaschi, Gianni Ginesi (chitarre), Giannini 

(voce) e Bertacchini (batteria), con l’ospite occasionale 

Paolo Vasoli al sax. In questa sua primigenia incarnazione 

la band registrò sia le 10 tracce dell’esordio, comprese 

alcune outtakes finite in compilation, sia il mini-lp Brodo 

Di Cagne Strategico, rilasciato sempre dalla Electric Eye in 

combutta con la etichette/distribuzione romana Helter 

Skelter l’anno successivo. 

iT’s onlY roCk’n’roll. ovvero, mai 

Fidarsi delle apparenze 

Metallic Disease è un album che poco sembra avere a 

che fare con gli Starfuckers che conosciamo, quanto con 

un qualsiasi gruppo di giovani alle prese col rock’n’roll 

“classico” di marca Stooges/Rolling Stones innervato da 

puntate Velvet, MC5, 13th Floor Elevators e Suicide. Dieci 

pezzi registrati in soli 3 giorni dopo la buona accoglienza 

di un primo demo in cassetta, immolati al re iguana e 

al marcio del rock’n’roll tutto e, udite! udite!, cantati in 

inglese perché “l’italiano non era lingua da rock”. Quando 

abbiamo fatto questo disco e sostenevo che bisognava 

smettere di cantare in inglese – affermava Giannini in una 

datata intervista – i vari Umberto Palazzo o altri dicevano 

che il cantato in italiano non si confaceva al rock. Adesso 

invece Umberto riconosce che avevo ragione. Proprio quel 

Palazzo che fu uno dei fondatori del gruppo che meglio 

di tutti seppe offrire la nuova via all’italiano nel rock, i 

Massimo Volume. 

Il bluesaccio rock sporco e malefico con un Giannini 

frontman iggypoppiano (Dead Metal City Blues), una 

U.S.A. da incrocio tra Stooges e Suicide, il garage irrefrenabile 

di Love You sono la dimostrazione della fase 

zero del quintetto. Quella ingenuamente e crudamente 

rock’n’roll. 

Già dal cuore di alcuni pezzi dell’esordio, però – la 

Cold White Cancer poi ripresa in forme “altre” e italianizzata 

nel titolo e nei testi (Freddo Cancro Bianco) nel minilp 

seguente, gli inserti di sax deformatamene stoogesiani 

e aperti al free – e dalle limitrofe outtakes registrate 

grossomodo con la stessa formazione, si può notare lo 

spirito avventuriero e libero della formazione toscoemiliana 

così come la volontà di esondare dai confini 

troppi stretti dei generi codificati. Da un lato la rude e 

ferrea matrice anarchica e l’aspra natura semi-selvaggia 

e non antropizzata delle terre d’origine (la Lunigiana, 

Massa); dall’altro la creatività borderless della adottiva 

Bologna e il costante piattume del paesaggio. Tra questi 

dicotomici paesaggi sembrano muoversi le pulsioni che 

portano all’omaggio ai Sonic Youth di Death Valley ’69, 

uscito nella compila Gioventù Sonica della solita Electric 

Eye nel 1990; alla “superdose di paranoia sonora” di 

Grado Zero uscita nel 1992 per il n.7 di Punto Zero, il foglio/compilation 

della storica Toast; alla programmatica 

Strategie Operative/Saturazione pt. 2 in Bloom Live Vol. 1 

dello stesso anno; alla robotica e malata ossessività della 

Mechanical Man del 10” picture Comin’ Down Fast, tributo 

mansoniano edito dalla Helter Skelter nel 1993; finanche 

alla tarda rendition della beatlesiana Dear Prudence affidata 

al n. 11 della rivista americana Bananafish nel 1996 

ma in realtà registrata un quinquennio prima. 

Il passo è dunque breve, ma la distanza infinita. Tra il 

luglio ’89 delle registrazioni di Metallic Disease e il marzo 

’91 del mini, l’allegro quintetto pone le basi per un 

cambiamento radicale. Di suoni, atteggiamento e prospettive. 

Brodo Di Cagne Strategico è il nuovo che avanza sotto 

le mentite spoglie del vecchio. Un mini. Pochi minuti. 

Una manciata di canzoni. Dense però di idee e elaborazioni 

in divenire che vedranno la luce in forma compiuta 

di lì a poco. L’omaggio intrinseco al Miles Davis elettrico 

e rivoluzionario del titolo con l’aggiunta di una volontà 

strategica comprensibile solo a posteriori la dice lunga 

sul valore illuminante del mini-lp. La scelta dell’italiano, 

innanzitutto. Mossa strategica che, come detto, pone 

fine, o meglio inizio, alla questione della lingua nel rock 

italiano aprendo la strada a Massimo Volume et similia 

(vedi alla voce Acre Stil Post). Non è casuale che Giannini 

abbia per un periodo diviso l’appartamento bolognese 

con Emidio Clementi e che nelle foto promozionali 

del primo demo del quartetto bolognese quest’ultimo si 

facesse ritrarre con una t-shirt degli Starfuckers. 

Voce declamata, testi da cut-up insurrezionale, suoni 

in totale libertà. (Quasi)anthem come “alza il volume, scegli 

il rumore” (Saturazione Parte II) o “la legge è potente 

perché le obbedisci” (Calma Piatta) fanno il paio con un 

approccio musicale che è, se non rivoluzionario, per lo 

meno liberatorio. Schegge di Stooges si mischiano a 

slanci free Ayleriani o di matrice Coltrane; l’iconoclastia 

no-wave all’impro radicale (Conseguenze); l’ala protettiva 

dei Sonic Youth più rudi a benedire dall’alto (l’opener 

Saturazione) sposta pesantemente l’asse compositivo 

degli Starfuckers ampliandone gli orizzonti e slegando 

i legacci culturali. 

La radicalità del progetto miete però le prime vittime. 

Mano a mano, i componenti della band cominciano a 

defilarsi (Verdaschi e Casini, quest’utimo prematuramente 

scomparso nel 1994) mentre acquisisce sempre più 

interesse in seno alla band (Bocci è lì lì per entrare in 

formazione in pianta stabile) l’allontanamento da forme 

musicali note e statiche e l’esplosione di una intera galassia 

sonora, fino ad allora estranea al panorama “rock”. 

sCegli il rUmore! (e lasCialo da 

parTe…) 

L’anno 1994 d.C. è quello dello stravolgimento più evidente. 

Cambia la formazione (Bocci è stabilmente in 

formazione, ormai quartetto). Cambiano le prospettive 

(si declama in italiano, si abbandona il rock in senso classico). 

Si allargano gli orizzonti. 

Sinistri esplode con un rumore di ferraglie che tira in ballo 

tutto il Novecento musicale colto: dodecafonia, serialità, 

minimalismo, musica aleatoria, concreta, elettroacustica 

finendo con l’essere (parole di Manuele Giannini stesso 

in una datata intervista ad Etero Genio) “un riassunto del 

Novecento musicale […] non composto con una ‘metodologia 

rock’”. 

Terminate le prime due fasi in cui gli Starfuckers stessi 

suddividono cronologicamente e ideologicamente la 

propria esperienza sonora (per esteso, 1987-1990 The 

Proto-Punk Period, ’91-’92 Early Experimentation) inizia quella 

della Disintegration Of Standard (’93-’96). A seguire le altre 

fasi saranno le due parti della Nonmetric Solution: la prima, 

Concrete Rock and Roll, compresa nel biennio ’97-’99 

(Infrantumi) e la seconda, Black Roots, tra 2000 e 2003 (Infinitive 

Sessions), a chiudere un cerchio esplorativo nelle 

lande ancestrali delle musiche rock e blues. 

Non vezzi da artistoidi in disarmo, quanto la tangibi- 

128 129

le manifestazione di una lungimiranza e di una lucidità 

di intenti d’ampio respiro: ideologica e filosofica, prima 

ancora che esclusivamente musicale e, come tale, con 

pochi eguali. 

Sinistri vede la luce nel 1994, numero 2 del catalogo 

di un negozio di dischi bolognese riciclatosi in label: 

l’Underground Records fu l’artefice anche dell’esordio 

dei Massimo Volume, Stanze, non casualmente prodotto 

proprio da Manuele Giannini. Un album di rottura, senza 

indugi. Con pochi, lontani antecedenti (i pluricitati Area) 

e quasi nessun epigono successivo. 

L’unico pezzo larvatamente rock del lotto è Ordine 

Pubblico, rimando ellittico alla già citata Saturazione per 

impatto heavy e iconoclastia manifesta, mentre ad aleggiare 

sul tutto è la scelta di tecniche aliene al rock, con 

padri putativi come Stockhausen, Xenakis, LaMonte 

Young e il “padre del silenzio” John Cage. Così tra slanci 

da contemporanea aleatoria (Zentropia), brevi sketches 

d’impro (In Primo Luogo), vuoti sospesi e sospensioni jazzate 

(Mutilati), gli Starfuckers mettono a segno il proprio 

capolavoro, inspiegabile a parole. Questo disco è noioso. 

questo disco fa schifo, questo disco è sbagliato, dicono in apertura. 

La storia ha voluto e dimostrato il contrario. 

THe sHape oF silenCe To Come 

L’utilizzo strategico del silenzio ci ha permesso di superare 

quei tabù che riteniamo assolutamente nocivi a quello che 

noi consideriamo musica (dalle note su Infrantumi scritte 

da Manuele Giannini). 

L’era del silenzio istituzionalizzato – do you remember 

tutte le menate del “silence is the new loud”? – trova 

negli Starfuckers gli sperimentatori più radicali e gli avventurieri 

più spinti. 

Reticolati di segni e significati che si stravolgono senza 

che apparentemente i musicisti possano (e vogliano) 

avere voce in capitolo, in totale balia di ciò che sgorga 

autonomo dai propri strumenti: Infrantumi abbandona 

sin dall’inizio l’idea di composizione, il musicista non è colui 

che crea, decide e coordina una struttura musicale (noi rifiutiamo 

il concetto di musica come struttura), egli si limita ad 

innescare dei meccanismi per cui la musica possa comporsi 

da sé (musica come processo). Perché ciò sia consentito il 

musicista deve necessariamente farsi da parte e limitare 

al massimo ogni sorta d’intenzione (distruzione dell’io vs 

autorappresentazione); solo il silenzio è privo d’intenzione 

(imparare a tacere). (dalle Note d’accompagnamento). 

È un mondo sonoro etimologicamente Infrantumi 

quello attivato nella terza fase dall’ormai stabilizzato 

terzetto della Lunigiana. Imploso e frantumato in un 

insieme di schegge di suoni avant, singulti ritmici, 

abrasioni free-jazz che predilige il non-detto rispetto al 

detto. Che si nutre delle pause e del silenzio, oltre che 

dell’asincronia ritmica, per (de)costruire una idea musicale 

atavica eppure ormai perduta nel mare magnum 

della sovrastruttura. La fase della Nonmetric Solution si 

articola in due parti. La prima, spiazzante come al solito, 

riprende il discorso del silenzio e lo amplifica. Lo dilata, 

lo spezza, lo accelera, manco fosse il Cern di Ginevra alla 

ricerca della particella di Dio. Il risultato è una implosione 

del suono, un ripiegamento su se stesso, un accartocciamento 

in cui gli strumenti (chitarra su tutti) sembrano 

rattrappiti (Distribuisce Pastiglie o lo stop&go epilettico di 

Colei Con Cui), dissolti in una nebulosa apparentemente 

inintelligibile, nonostante intorno al terzetto ruotino numerosi 

musicisti “rock”, inclusi i Massimo Volume in toto. 

Il cuore di Infrantumi è l’annientamento della volontà 

creatrice, la sua totale spersonalizzazione attuata mediante 

ciò che è massimamente privo d’intenzione: il 

silenzio. Lo scarto con Sinistri risiede lì, nel principio generatore 

del silenzio e del vuoto. Nella funzione violenta 

e disgregatrice che silenzio, vuoto, pausa, frammentazione, 

asincronia possono assumere. In poche parole, il 

Concrete Rock and Roll. 

Con questo disco noi intendiamo: superare il tabù della 

musica come struttura per elaborarla come processo; superare 

il tabù della sincronia; superare il tabù dell’intonazione; 

liberarci dal nostro proprio io (musicale). Superare 

quindi non ogni limite, ma l’idea stessa di limite…(dalle 

Note). 

mUsiC is a pollUTion oF Time. ossia, 

l’eTerno soUndCHeCk. 

La leggenda narra che sia stata addirittura Lydia Lunch 

a coniare il termine, assistendo ad un live degli Starfuckers. 

Sia come sia, la definizione del famoso concerto 

del 1999 al Link di Bologna (sei ore ininterrotte di concerto 

con visuals) è applicabile anche a Infinitive Sessions, 

di cui guarda caso Eternal Soundcheck è parte integrante. 

Segnando cioè la fine di una fase (quella culminata nel 

disco precedente) e l’apertura di una nuova, interessata 

alle musiche nere, attenta alla ricerca delle (e sulle) ancestrali 

origini del rock. 

Dietro la definizione Black Roots si celano il funk, Hendrix, 

il jazz elettrico, il blues, James Brown, l’onnipresente 

Miles Davis ma, sottoposti al trattamento post-Infrantumi 

divengono una personale via alla (re)interpretazione 

dei canoni basata sulla tessitura sonora “per sottrazione”. 

La formazione si è ormai da tempo stabilizzata in trio. 

Infinitive Sessions è però il primo vero lavoro sul quale 

i tre lavorano senza ospiti o supporti esterni. Anche la 

voce è bandita. Un disco in cui la copertina nera, dopo le 

due bianche dei precedenti, non collima col senso del disco, 

ma rimanda alla matrice dei suoni in esso contenuti. 

Una mega-jam iniziale (Off-On-Off) fratturata in 3 canzoni 

(Blues Off, Drive On, Off Blues) su cui aleggia lo spirito 

benevolo del Davis elettrico virato i singulti di Arto 

Lindsay. Un corpo centrale, quell’Eternal Soundcheck doveroso 

tributo alla fase intermedia culminata nel live al 

Link, in cui prende corpo una psichedelia spettrale, fatta 

di flash in b/n, spezzone dopo spezzone a passo 1. A 

chiudere, la doppietta XX: Funked X e Vamped X, omaggi 

al re del funk James Brown e a se stessi: un power-trio 

che suona funk asincrono, scomponibile come fosse un 

gioco per bambini. 

Sottrazione di suoni al rumore, piuttosto che somma 

di suoni al silenzio, affermeranno i tre in seguito, riassumendo 

una delle possibili interpretazioni di un prisma 

sonoro. 

sinisTri, di nUovo. l’Universo 

sTarFUCkers in disgregazione (o in 

ripresa) 

Il presente non esiste. Per lo meno a nome Starfuckers. O 

forse sì. Progetto in stallo, in una di quelle pause miste a 

silenzi su cui l’epopea Starfuckers si è modellata prima, 

forgiata poi. E sarebbe strano pensare in termini di tempo 

lineare per un progetto che dell’incontro/scontro col 

tempo e sul tempo ha fatto un punto di forza. 

A prendere il sopravvento, dal 2004, è Sinistri, nuova 

ragione sociale per un nuovo cambio di formazione e di 

sostanza. Entra Dino Bramanti, apprezzato sound-artist 

prematuramente scomparso, che con le sue tecniche di 

rielaborazione del suono in tempo reale, sposta l’asse 

dalla chitarra/batteria a quello delle elettroniche. Se 

ne notano i frutti nell’unico album rilasciato, Free Pulse 

(Hapna, 2005), elaborato in base ai precetti della Nonmetric 

Music e del manifesto ideologico che guida l’ormai 

quartetto non solo nelle esplorazioni elettroniche/strumentali 

dell’album, ma anche in una definizione teorica 

del proprio procedere artistico/filosofico. 

Di lì in poi, la frantumazione sonora ricercata da un 

decennio abbondante sembra materializzarsi in una discografia 

aliena al formato-album, sparpagliata tra mp3, 

net-label, cd-r, sonorizzazioni e commistioni extra-musicali 

(Mattino, reading di presentazione del libro Mattino 

di turbinio d’agonia con bautte in seta di Cina, di Gian 

Paolo Guerini) con ultima manifestazione tangibile lo 

split 10” con gli OvO, volume 3 della Phonometak Series 

dei validi Mirko Wallace Spino e Xabier Iriondo. 

L’apparizione prima della ristampa Ordine ’91-’96, la 

riproposizione, in live sempre meno sporadici, del per- 

130 131

corso musicale dei 3 (vedi il live a Bologna dello scorso 

anno, disponibile in 5 parti sul tubo), ora la ristampa del 

primo vagito della band, ci fanno notare come, nonostante 

ognuno porti avanti una propria carriera “solista” 

(M16 per Bocci, Weight And Treble per Giannini, Shipwreck 

Bag Show per Bertacchini), l’epopea Starfuckers è 

lontana dal morire. Alla faccia del tempo, grande scultore 

e amico d’infanzia. 

inTervisTa a manUele giannini e 

alessandro BoCCi 

Due ristampe e qualche sporadico live nell’ultimo 

anno. È il caso di dire bentornati? 

(Manuele) Mah, più o meno, anche se per il momento 

non abbiamo progetti concreti, siamo lì, indolenti e sospesi, 

in attesa di qualcosa che magari non verrà mai... 

ognuno di noi è più impegnato con i rispettivi nuovi 

progetti: Weight And Treble, M16 e Shipwreck Bag Show. 

Il segno tangibile degli Starfuckers ’00 è affidato ai 

primi passi: Brodo Di Cagne Strategico e Metallic Disease. 

Sarebbe interessante sapere cosa scattò in voi tra il 

primo e il secondo album… 

(M) Decidemmo di formare un gruppo e suonare punk 

rock per la nostra devozione assoluta agli Stooges e gli 

Stooges sono sì i pionieri del punk, ma i loro primi due LP 

contengono i germi dell’avanguardia, dal minimalismo 

al free jazz, è andando in quelle direzioni che ci siamo 

evoluti (in senso darwinista ovviamente). 

Come ricordi questo primo vagito discografico? Oggi 

a ristamparlo è una etichetta quotata come la Holy 

Mountain, ma decisamente aliena al panorama sonoro 

degli Starfuckers/Sinistri… 

(M) Non siamo mai stati famosi, in vent’anni non abbiamo 

mai avuto un picco di notorietà e siamo sempre stati 

scarsi imprenditori di noi stessi e soprattutto totalmente 

incapaci di fare i paraculi, ma abbiamo sempre trovato 

qualcuno che ci producesse i dischi, che hanno sempre 

venduto poco, ma a livello internazionale e con continuità, 

anche a molti anni di distanza dall’uscita. 

E poi siamo sempre stati amati e stimati da musicisti 

stranieri famosi, molti di loro comprano i nostri dischi 

e apprezzano la nostra musica, alcuni la copiano anche 

(vedi i Matmos che ci hanno pesantemente campionato 

su The Civil War senza nemmeno segnalarlo nei credits), 

per cui va da sé che di noi probabilmente se ne continui 

a parlare e che, a qualche discografico, magari venga 

l’insana idea di ristamparci. 

Con Metallic Disease torniamo alla preistoria. Bologna, 

primi anni ’90. Chi c’era, lo sa, ma molti dei nostri 

giovani lettori magari non sanno che, nell’humus che 

portò al fiorire della Bologna mecca del rock italiano 

(vedi alla voce Massimo Volume), c’eravate voi. 

(M) Non ricordo molto, erano anni burrascosi, ma a Bologna 

era di moda soprattutto l’Hardcore e l’Hip hop, 

nel resto d’Italia c’era stata una scena Garage ormai in 

declino. Noi non ci sentivamo di appartenere a niente, 

tutto correva veloce e se nell’’89 suonavamo cover degli 

Stooges, nel ’92 già facevamo concerti in cui l’improvvisazione 

radicale e le pratiche vicine alla musica aleatoria 

e elettroacustica erano la norma … e intanto era arrivata 

la Techno. 

Com’era la Bologna di quei tempi? Voi avete circuitato 

l’ala rock e quella sperimentale, partendo dalla 

prima e smarcandovi decisamente verso territori altri 

nel breve volgere di qualche anno. 

(M) Non esisteva una scena sperimentale (né a Bologna 

né altrove in Italia), per lo meno non legata al rock. E in 

un certo modo non esisteva nemmeno una scena rock 

italiana che non fosse puramente derivativa. Brodo di Cagne 

Strategico è un disco seminale in questi due sensi, da 

un lato anticipa il rock italiano “emancipato” e dall’altro 

quello sperimentale. 

Il famoso concerto da sei ore al Link di Bologna 

nell’aprile del 1999, quello battezzato Eternal 

Soundcheck è ancora vivo nella memoria di chi vi 

partecipò…si chiudeva una fase (Infrantumi), se ne 

apriva un’altra (Infinitive Sessions)…tutto qui o c’era 

qualcos’altro? 

(Alessandro) Il concerto delle 6 ore al Link è stato un 

esperimento con più finalità volte tutte alla ricerca 

dell’estremo. Allo stesso tempo questo progetto doveva 

prendere forma e svilupparsi.Tutte le registrazioni dovevano 

essere editate per poi essere raccolte in un doppio 

cd per l’etichetta americana Drunken Fish, purtroppo 

per problemi tecnici derivati dalla registrazione il progetto 

non andò in porto. I nastri delle sessions erano 

parzialmente inutilizzabili e tutto quanto è rimasto in 

un cassetto. Ancora oggi rimane sempre l’intenzione di 

ripubblicarlo in una nuova veste con un editaggio e un 

mastering accurato 

(M) Suonare ininterrottamente per quasi sei ore, dopo 

essere saliti sul palco senza aver alcuna idea di quello 

che sarebbe successo, lasciandosi andare completamente 

per permettere che la musica divenisse, minuto dopo 

minuto, il più possibile, solo se stessa, fu un’esperienza 

molto interessante e appagante, e come dici tu, forse 

chiuse definitivamente la fase Infrantumi. 

Le vostre musiche sono state sempre ben accolte da 

critica, pubblico (d’elite) e colleghi; nonostante ciò 

siete rimasti sempre una mosca bianca nel panorama 

italiano, se non mondiale. In senso positivo, ovvio. 

Come avete vissuto questa vostra dimensione? 

(M) … frustrazione?!? Non so, mi sarebbe piaciuto vendere 

qualche disco in più, non mi è mai interessato rivolgermi 

ad un pubblico di nicchia, non ho mai voluto 

chiudermi in un ghetto, non ho mai creduto che rivolgersi 

a pochi fosse più fico che rivolgersi alle masse, ma 

quella era l’unica musica che potevamo fare. 

… e poi siamo sempre stati irriducibili, per cui, senza 

scendere a compromessi, non abbiamo potuto fare della 

nostra musica una vera e propria professione, questo 

fatto ci ha, da un lato, resi più liberi, dall’altro ha accresciuto 

la nostra inerzia. 

(A) Diciamo che le tue affermazioni sono in parte corrette 

e diciamo così in parte non propriamente esatte. 

Nel panorama italiano siamo stati emulati e presi come 

punto di riferimento da moltissimi artisti, sicuramente 

alcuni di questi sono diventati “più famosi” ed hanno 

avuto più visibilità più riscontro di pubblico. 

Nel panorama mondiale abbiamo avuto le nostre soddisfazioni; 

con infrantumi siamo stati primi nelle classifiche 

delle radio universitarie americane, tutta la nostra discografia 

è sempre state recensita sulle principali riviste 

musicale americane ed europee, tra le altre cose che mi 

vengono in mente... un duo molto quotato che viene da 

San Francisco (due onesti personaggi!!!) ha campionato 

e derubato alcuni frammenti da Infinitive Sessions 

senza neppure menzionarci nei credits. Beh sono delle 

soddisfazioni, non credi? 

Ad oggi i nostri dischi li puoi trovare sia in Europa che 

negli States e in Giappone. Un disco come Sinistri è stato 

ristampato tre volte, Infrantumi ha avuto una stampa 

europea e una americana lo stesso vale per Metallic Disease. 

Sicuramente siamo stati considerati sempre un 

gruppo di culto con un seguito di pubblico proporzionale 

alla nostra visione della musica, sinceramente non 

abbiamo mai vissuto una dimensione, forse sarebbe 

interessante vivere in un’altra dimensione. 

L’era Sinistri iniziò in maniera programmatica col manifesto 

in cui rivendicavate una posizione ideologica 

piuttosto, o prima, che musicale…Ideologia o musica, 

se doveste scegliere? 

(A) L’era Sinistri ha generato una mutazione che si è 

espressa attraverso un idea una filosofia e un approccio 

musicale 

(M) Le posizioni ideologiche servivano per dare una chiave 

di lettura ad una musica che poteva risultare, soprattutto 

ai tempi, un po’ ostica. In ogni caso né musica, né 

ideologia, solo rock and roll. 

E musica o silenzio? Tempo o suono? O giocando col 

nostro nome, sentire o ascoltare? 

(A) Queste domande mi piacciono !!! Suono e spazio, 

ritmo e timbro, diciamo spazializzare 

(M) Credo che la musica abbia a che fare più con il tempo 

che con il suono. Cosa sia il tempo però, non lo sa 

nessuno… 

132 133

CAMPI MAGNETICI #6 

Matia Bazar Pere Ubu 

tango (Emi, marzo 1983) 

Anni di piombo, creste selvagge e tossicità, i Settanta: 

i Matia Bazar - band fondata a Genova nel ‘75 sulle 

ceneri dei soft-prog Jet - invece a pasturare l’auditorio 

del belcanto, sfornando un hit dietro l’altro, da Stasera... 

che sera! a C’è tutto un mondo intorno, da Cavallo bianco 

a Solo tu, concedendosi persino la vittoria a Sanremo 

con la sdolcinatamente epica ...E dirsi ciao. Artefice 

principale quel Piero Cassano dal fiuto sensibilissimo 

per le melodie sbranaclassifiche. Il cui abbandono nel 

1981 coinciderà con l’ingresso in formazione di Mauro 

Sabbione, quindi di un rinnovato ordine di riferimenti, 

intenzioni e idee. Vedete un po’ voi: Cassano diverrà la 

penna dietro al fenomeno Eros Ramazzotti, per il quale 

comporrà i principali successi, mentre Sabbione si presenta 

dichiarando di ispirarsi a Kraftwerk, Ultravox e 

Joy Division tra gli altri. 

Questo dovrebbe spiegare più o meno tutto ciò che accadde 

di lì a poco. Ma c’è una continuità nella frattura. 

La svolta new wave di Berlino, Parigi, Londra (1982) 

cambia sì scenografie, ambiti, obiettivi, tuttavia resta la 

stessa progettualità di fondo: confezionare un pop di 

pura evasione che non rinunci al fascino della complessità, 

percorrere il riflusso culturale dei tardi Settanta/primi 

Ottanta col più arguto dei disimpegni, lasciando che 

nello stanzino del melodismo italiano spirassero brezze 

arty, avanguardie robotiche e rigurgiti d’ogni epoca e 

latitudine. Tango è in questo senso il loro capolavoro 

e un capolavoro del pop italiano di ogni tempo. E non 

avrebbe potuto esserlo senza la sua verifica nazionalpopolare. 

Intendo, ovviamente, Sanremo. Quello dell’83, vinto per 

intendersi da Tiziana “quarto d’ora di celebrità warholiana” 

Rivale. I cinque Matia Bazar si presentarono sul 

palco dell’Ariston come alieni azzimati sul ponte di una 

crociera post-moderna, come nostalgici ciber-manichini 

in fuga da un patinato altroquando di telefoni bianchi 

e daiquiri letterari, mossi da un’eleganza algida e sincopata 

al cospetto d’un computer perentorio. Probabilmente 

quelli di Vacanze Romane furono i due minuti e 

134 

mezzo - questa la durata massima consentita, il pezzo 

fu incautamente sfumato all’altezza del secondo chorus 

- più contemporanei della storia del festivalone. Era, ed 

è, una canzone formidabile, satura di fantasmi felliniani, 

riverberi operistici, cabaret sintetico e brezze latine (tra 

queste ultime la dichiarata devozione per Yma Sumac, 

straordinaria vocalist peruviana celeberrima nei Fifties). 

Pezzo che ancora oggi ammalia malgrado l’usura, accomodante 

senza pretenziosità eppure frutto di intrigante 

stratificazione: ovvero, il pedigree del pop migliore. Inevitabile 

sceglierlo ad inaugurare la scaletta composita 

di Tango, ricca di ammiccamenti Japan (Intellighenzia) 

e Ultravox (I bambini di poi), fregole Kate Bush strinite 

Yellow Magic Orchestra (Palestina), ma soprattutto di 

techno-pop dal tiro ibrido, balzano e inquietante come 

Elettrochoc e Il video sono io. Tutta roba che sorprese per 

la padronanza quasi irriverente, viatico per la definizione 

d’una calligrafia unica segnata dall’utilizzo disinvolto 

di espedienti, trovate testuali all’insegna d’un para-nonsense 

degno del Panella prossimo venturo (Tango nel 

fango) e - ovviamente - del soprano duttile ed enfatico 

però mai fuori luogo di Antonella Ruggiero. 

Una formula che non seppe ripetersi allo stesso livello 

nel pur buono Aristocratica (1984), dopo il quale 

Sabbione concluse la sua troppo breve avventura nella 

band. Che da allora non mancò di cogliere ulteriori successi, 

ma sempre più sulla scorta d’un passato - ahnoi, 

ahiloro - irripetibile. 


classic album 

thE modErn danCE (blanK, gEnnaio 1978) 

Quando si era ragazzini era normale leggere all’italiana 

quello strano insieme di lettere, Pere Ubu, un nome che 

suonava così bene eppure così maledettamente misterioso. 

In una parola: affascinante. Solo qualche anno 

più tardi sarebbe stato invece obbligatorio citare Alfred 

Jarry, francese di fine Ottocento autore di un teatro 

grottesco, a tratti anche brutale e osceno, che di fatto 

anticipava il surrealismo con questa strana cosa chiamata 

patafisica, “la scienza delle soluzioni immaginarie 

e delle regole che governano le eccezioni”, che aveva già 

stregato Robert Wyatt e i Soft Machine. Riascoltando a 

33 anni dall’uscita e a quasi 10 dal primo ascolto personale 

The Modern Dance però, tutti i fattori contestuali 

possibili (e attorno c’erano Television, Patti Smith, PiL, 

Joy Division, Pop Group, Gang of Four, Talking Heads, 

la No Wave) non superano mai il rango di indizi di una 

grandezza e di una irripetibilità che sono da cercare 

semplicemente in una ispirazione speciale. 

La danza moderna è un agitarsi scomposto, muoversi 

con l’eccitazione febbrile di chi sa di poter perdere tutto 

ma anche che questo tutto è niente. Il disco continua ed 

espande il mood apocalittico - fin dai titoli - inaugurato 

dai singoli 30 Seconds Over Tokyo (1975) e Final Solution 

(1976), con un concept paranoico dove la condizione 

post-industriale (gli Ubu nascono dalle ceneri dei Rocket 

from the Tombs, in quello stesso Ohio che sa poco 

di fattorie e tanto di ciminiere e fumi e che in parallelo 

darà i natali ai Devo) fa da cornice a storie d’amore tutte 

amare, deluse, concluse. Parable di una non più arable 

land, di una terra non più addomesticabile, desolata, 

sterile, fredda, indifferente, morta ammazzata. La danza 

moderna è un folk urbano messo ad essiccare under 

a big black sun (Over My Head è praticamente un desert 

western), è un punk-rock spigoloso e stilizzato, in bianco 

e nero, come la copertina: la batteria essenziale di Scott 

Krauss, il basso modellatore di Tony Maimone, le rasoiate 

synth di Allen Ravenstine, la chitarra-camaleonte 

di Tom Herman, che ora tratteggia con piccoli tocchi 

arpeggi sottili, ora innesca brucianti riff punk, ora take 

quasi-reggae alla Redondo Beach (Humor Me, che chiude 

beffarda, riuscendo nell’impresa di non lasciare l’amaro 

in bocca). Sopra tutto, ovviamente, la voce di David 

Thomas, figlio di un professore di letteratura inglese, un 

“ciccione che canta come un mingherlino”, dirà Stefano 

Tamburini/Red Vinyle in una intervista con Arto Lindsay, 

vocalist e lyricist delirante come sarà poi il Black 

Francis dei Pixies e come lui perfetta trasfigurazione 

musicale dell’ebete Eraserhead lynchiano, a chiudere 

una circolarità di ferino isterismo che ha nel Capitano il 

proprio capostipite e vate. 

Dalla sirena da evacuazione di Non-Alignment Pact, alle 

sfrangiature avant della intro fiatistica di Laughing, da 

quella Street Waves che è praticamente la versione postpunk 

del blues di Beefheart (il cui spirito aleggia nelle 

chitarre sghembe di tutti gli interludi strumentali dell’album) 

e di Electricity in particolare, alla teatralità espressionista 

di sceneggiate come Chinese Radiation, dall’inno 

“blank generation” Life Stinks (firmata dal primissimo 

chitarrista dei Pere, Peter Laughner, morto di eccessi a 

24 anni; per lui un toccante requiem scritto dall’amico 

Lester Bangs), alla marcia arrancante Real World, vicinissima 

ai pezzi più scuri e geometrici dei Devo di Are We 

Not Men . Giù giù e giù fino a quel Sentimental Journey 

che è un incubo claustrofobico tra Pierre Schaeffer, 

ovviamente Beefheart, gli Stooges di Fun House e i 

Residents. Senza mezzi termini, un capolavoro. 

Il percorso dei Pere Ubu sarà ancora splendido almeno 

per tutti i primi anni Ottanta e regalerà anche inattesi 

recenti colpi di coda. Quello del Thomas solista, sempre 

più o meno affiancato dai due fidi ragazzi pallidi Keith 

Moliné e Andy Diagram, discontinuo e irregolare, sospeso 

tra sperimentazioni vocali, teatro e ripetizione di 

sé; ma illuminato da lampi di vera ispirazione poetica 

e sempre rivolto alla caparbia esplorazione di luoghi 

immaginari - Erewhon, Spoon River contemporanea, 

non meno desolata dell’Ohio della gioventù - che sono 

specchi obliqui del reale. 


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RETROMANIA - Sentireascoltare

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