contiene - Il Mattino di Bolzano

Exibart.onpaper 

arte.architettura.design.musica.moda.filosofia.hitech.teatro.videoclip.editoria.cinema.gallerie.danza.trend.mercato.politica.vip.musei.gossip 

Sped. in A.P. 45% art. 2. c. 20 

let. B - l. 662/96 - Firenze 

Copia euro 0,0001 

free | anno sesto | numero quarantotto | febbraio - marzo duemilaotto | www.exibart.com 

contiene 

Quando parlarne, se non in tempi di campagna elettorale? Di cosa? Del problema della rappresentanza politica che tutto il comparto culturale del paese 

oggettivamente ha. Un problema che esiste, ma che pare non essere sentito dagli operatori del settore. I galleristi si lamentano di non avere referenti in 

parlamento? Gli artisti? I direttori di museo? Eppure si tratta di realtà che ormai determinano - seppur spesso in maniera sommersa - un giro di denaro e 

di posti di lavoro non indifferente. E la stessa cosa accade per altri ambiti della produzione culturale: il teatro, ad esempio. Un poco meglio fanno la letteratura 

(grazie alla potenza delle case editrici) e il cinema. Ma insomma non si può dire che il milieu culturale italiano abbia grandi sponde dalle parti di 

Montecitorio. Ed è nella speranza che questo deficit si colmi in occasione delle prossime consultazioni elettorali che vi offriamo questo nuovo numero di 

Exibart.onpaper. Una speranza che è rinvigorita dagli squarci di novità che illuminano una campagna elettorale per una volta, forse, innovativa su entrambe le sponde 

politiche. Il menu del numero che avete avuto la fortuna di accaparrarvi è quanto mai vario, seppur focalizzato per i motivi che vedremo sulla città di Roma. Intanto, però, godetevi l'ampia 

intervista alla direttrice della imminente Biennale del Whitney, la più grande kermesse sull'arte americana spiegata per filo e per segno in assoluta anteprima. In occasione della prima 

edizione della fiera d'arte contemporanea della Capitale, poi, abbiamo voluto fare il punto di quanto di nuovo e importante si sta muovendo a Roma. Ebbene troverete approfondimenti su 

realtà come il Maxxi, la nuovissima Fondazione Guastalla, il Palazzo delle Esposizioni e la Quadriennale. Per capire un poco cosa offrirà, nel corso del 2008, la città italiana che negli ultimi 

tempi si è dimostrata più reattiva agli stimoli del contemporaneo. Ricchissime di spunti, come al solito, le rubriche fisse (decibel sul suono e design, ad esempio), mentre restano sempre 

must da non perdere la doppia pagina dedicata ai libri, con i suggerimenti più azzeccati per letture intelligenti, e l'overlook sul mercato dell'arte di Alfredo Sigolo. E dopo esservi guardati 

cosa propone per questo mese .wit, la rivista di moda & lifestyle allegata ad Exibart.onpaper, andatevi a leggere cosa ne pensa Luca Beatrice dell'ultimo film di Julian Schnabel... (m. t.)

4.retrocover Exibart.onpaper 

sondaggi 

http://sondaggi.exibart.com 

5- 53,93% 

6 20,71% 

7- 12,14% 

8 e mezzo 13,21% 

Il giudizio sul Ministro Rutelli 

sexybart. 

chiara scarfò 

di ferruccio giromini 

Chiara Scarfò - still da "Primule", 2006 

Gira e rigira, l'unico vero grande protagonista 

dell'arte erotica resta sempre il corpo femminile. 

Ed è curioso, ma poi non così sorprendente, 

come per l'artista-uomo quel corpo rappresenti 

di regola la materializzazione (o l'idealizzazione) 

di un desiderio, quindi di una mancanza, 

mentre per l'artista-donna sia in genere 

l'ostentazione e la messa in scena della 

propria realtà fisica, quindi viceversa di una 

presenza. Si potrà allora arrivare a dire che 

l'arte erotica al femminile sia piuttosto arte 

autoerotica? Con i dovuti distinguo, di sicuro 

viene da pensarlo spesso. Non sono rare le 

giovani artiste che scoprono l'arte esattamente 

scoprendo il proprio corpo, con candore e 

furore, ora interrogative ed ora esclamative, 

squisitamente indecise tra l'offrirsi e il negarsi. 

Perché se in apparenza si regalano, autoritraendosi 

tutte ignude urbi et orbi, in realtà si 

nascondono dietro il diaframma della fotografia, 

oltre lo schermo del video, di fatto incorporee, 

al sicuro da contatti diretti e concreti, credendo 

così - e forse hanno pure ragione - di 

condurre loro il gioco fin dove vogliono e non 

oltre. La trentenne Chiara Scarfò, da poco 

tornata alla ribalta ospite della Home Gallery 

di Germana Olivieri ad Olbia, incarna bene 

questo continuo e irrisolto confronto con se 

stessa, rigorosamente in solitaria, affidando i 

propri fantasmi ad una fotocamera digitale in 

quelli che chiama, fermi o in moto, "self shot" 

e "self clip". Le piace in particolare un'ambientazione 

rivelatoria: un vecchio manicomio 

abbandonato. Eccola dunque aggirarsi in 

costume evitico - lunghi capelli fin sul seno 

acerbo, corpo efebico - per stanze desolate, 

nude quanto lei, dove le foglie secche si 

mescolano alle macerie, dove l'esterno si 

riversa nell'interno, dove i rifiuti della natura 

invadono le rovine della cultura. L'estasi dell'ostensione 

si esplica pertanto, ma in modo 

protetto, in spazi sospesi su un confine simbolico, 

"tra dentro e fuori"; in "un posto chiamato 

casa" alla soffice ricerca del proprio "paradiso 

perduto"; riconoscendosi "la superba modestia 

della corazza" (i virgolettati sono tutti titoli 

suoi, per altrettante sue azioni recenti). 

Determinazione e fragilità coesistono, ivi, 

senza conflitti terribili. Quel che codesto corpo 

e codesto spirito di artista ci regalano è pertanto 

la messa in scena di un percorso di 

tenera autoaffermazione, la cantilena antica 

dell'"io esisto". 

Arte Fiera si è rivelata 

la miglior fiera in italia 28,27% 

nazionalpopolare 35,02% 

ora è internazionale 5,49% 

non ci sono stato 31,22% 

i perché del mese 

BIENNALE SENZA DIRETTORE 

La Biennale si è fatta fondazione proprio per starsene 

bel bella autonoma dalla politica. Beh, dunque non è 

certo la 'vacanza' di Governo il motivo per cui il presidente 

Baratta - che è l'unico titolato a farlo - non nomina 

ancora il direttore per le Arti Visive che si dovranno svolgere 

tra poco più di un anno. E se il motivo non è, come 

non vogliamo neppure pensare che sia, politico, allora 

perché si sta perdendo tutto questo tempo? 

ARTE CIAK 

Non sappiamo sinceramente il perché e in tal senso 

attendiamo suggerimenti dai nostri arguti lettori. Ma sta 

di fatto che viviamo dei mesi in cui l'arte contemporanea 

la fa da padrona sul grande schermo. Tra Marjane 

Satrapi e Julian Schnabel addirittura si è parlato anche 

di incassi, e la cosa non è banale. E poi tra poche settimane 

sarà la volta del lungometraggio di Sergio Rubini 

con Riccardo Scamarcio. Protagonisti l'arte contemporanea, 

un controverso scultore e una rivista... Indovinate 

quale! 

PER UN PAESAGGIO IN PIU' 

Molti lettori ci hanno sollecitato a spiegar loro il perché. 

E ci siamo trovati in non poca difficoltà. La domanda era 

in buona sostanza posta in questi termini: perché la ministeriale 

DARC (Direzione generale per l'arte e l'architettura 

contemporanea) proprio ora che stava assumendo 

una popolarità del suo marchio viene modificata nel suo 

nome, nel suo marchio e nelle sue attribuzioni e diventa 

PARC (Direzione generale per il paesaggio, l'architettura 

e l'arte contemporanea)? Eggià, perché? 

vedodoppio 

sopra: Andrea Chiesi 

sotto: Quentin Tarantino 

sopra: Il logo del Padiglione Italiano all'Expo 

Internazionale di Saragozza 2008 

sotto: Il logo del nuovo Partito 

Democratico 

UN RESIDENCE A VENEZIA 

Beh, diciamocela tutta. Questa è una delle più 

grandi falle del sistema-Italia dell'arte contemporanea. 

Certo, certo, stiamo parlando della 

profonda mancanza di residenze per giovani 

artisti. Esteri e non solo. E dunque lodi e elogi 

a chi cerca di riparare alla mancanza. Come 

la Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia, 

che a tal scopo - dopo alcune voci maligne 

sulla destinazione - sta restaurando lo storico 

Palazzo Carminati. Dove aprirà quattordici 

studi. 

MILANO DI MODA 

Senza stare a fare tanto gli schizzinosi o gli 

snob. Senza fare gli occhiacci al mondo del 

fashion che si 'intromette' in quello dell'arte. 

Senza accogliere a bocca storta i 'capitalisti' 

della moda. Insomma, occorre dare a Cesare 

quel che è suo. E nella fattispecie, parlando di 

Milano, occorre considerare come alcune tra 

le migliori mostre che transitano in città 

siano solo ed esclusivo merito delle fondazioni 

modaiole (Prada, Trussardi). Cosa sarebbe 

la già traballante offerta a Milano senza di 

loro? 

TRIS DI MUSEI 

Quanto ci piace piangerci addosso? Dire che 

siamo sempre gli ultimi? Avallare la sindrome 

del fanalino-di-coda? Ebbene, i tanti professionisti 

della lagna italica si sveglino, perché si 

dà il caso che nei prossimi mesi nel Belpaese 

apriranno non uno, non due, ma ben tre 

musei d'arte contemporanea che, se ben 

gestiti e ben lanciati, potrebbero significare il 

definitivo inserimento del nostro circuito nel 

più vasto consenso internazionale di settore. 

E allora forza Museion, forza Macro e forza 

Maxxi. 

SCARAVAGGIO 

Un direttore della fotografia come Vittorio 

Storaro, due consulenti autorevoli come 

Maurizio Marini e Claudio Strinati. Eppure la 

fissscion "Caravaggio", andata in onda su 

Rai1, ha riproposto il solito cliché del puttaniere-alcolizzato-rissoso-squilibrato, 

fra continui 

duelli alla tre moschettieri e svenevolezze 

da soap opera. Misericordia. 

BLA BLA BOLLA 

Non ci piace neppure un po' la recente tendenza 

di certi giornali, anche e soprattutto 

quotidiani, a dare spazio a notizie, focus, speciali 

e inchieste sul mercato dell'arte. Così, 

perché fa figo, perché gira voce che c'è movimento, 

perché c'è magari la bolla o quant'altro. 

Insomma, il mercato dell'arte già è una 

roba folle e delicata per conto suo. Ci manca 

solo il rumore della stampa generalista... 

STAMPA ESTEROFILA 

A proposito di nuovi musei, di cui nel capitolo 

degli 'OK'. Ma avete notato, o lettori, quale 

massiccia copertura mediatica è stata riservata 

al New Museum di Nuova York? 

Quotidiani, settimanali, mensili e bimestrali si 

sono accalcati per pubblicare la foto dei sette 

scatolotti d'alluminio planati per colpa di alcuni 

architetti jap in quel della Bowery. Sarà 

stata la presenza del nostrano Massimiliano 

Gioni tra i curatori; sarà stata l'attenzione che 

sempre, giustamente, nutriamo per New 

York. Cosa sarà stato non lo sappiamo, ma 

questa affettuosa attenzione speriamo si 

ripeta, quantomeno nelle stesse proporzioni, 

anche in occasione di aperture di musei che, 

invece, poverini, avranno sede in Italy...

6.opinioni Exibart.onpaper 

CHOPSTICK. 

A MONDO MIO. 

Qual è lo stile di Second Life, lo stile dell'arte ma anche lo stile di vita? Per assonanza con lo spirito del nostro 

tempo, si direbbe che sia il surrealismo pop. In parte è vero, ma è la soluzione più semplice, quella che sta sotto 

gli occhi di tutti nelle prime ottanta pagine dei romanzi polizieschi, e alla fine si rivela essere un abile depistaggio. 

Per quanto gli artisti della seconda vita rendano quotidianamente un tributo culturale all'arte di Mark Ryden e di Todd 

Schorr, dietro alle loro opere si muove un mondo più complesso, dove si intersecano influenze più stratificate e meno evidenti. 

L'arte di Second Life gravita attorno ai personaggi che stanno in quel mondo, personaggi pensati come catalizzatori 

di relazioni, che vivono per crearsi contatti, per raggiungere un upgrade quotidiano nella loro esistenza di p.r. e di influencers 

di un mondo nomade. I contatti e le amicizie importanti si collezionano sul campo, trascorrendo ore e ore nelle sim, 

macinando fiumi di parole, accumulando chilometri di chat e partecipando a un evento dopo l'altro, guadagnandosi 

i galloni da perfetto frequent socializer. Ma le relazioni si sviluppano anche offline, quando non si è connessi. 

Lo si fa attraverso l'arte. Quando si è online ci si crea un personaggio e lo si propone live agli amici connessi. 

Quando si sta afk (away from keyboard), si lasciano a decantare le foto ricordo realizzate nel virtuale, postate 

su Flickr, create a tavolino in funzione dei commenti da ricevere. 

Non si creano opere d'arte destinate esclusivamente ad appagare l'occhio, ma lavori che stimolino i 

commenti, in modo da attirare un numero sempre maggiore di persone, consolidando la propria 

fama tra gli amici e attirando nuovi contatti. Quel che conta è proprio il numero di commenti: più contatti 

ho, più sono qualcuno nel web, in Flickr come in Linkedin. E il valore dell'arte quindi si misura con 

la valuta immateriale della popolarità, con qualcosa che potremmo chiamare "Contact dollars". 

In tutto questo gioco di doppia vita nella doppia vita, gli avatar acquisiscono continuamente legittimazioni: 

se non riescono ad acquistare credibilità online, quando sono nell'acquario virtuale, compensano 

negli altri social network, rafforzati e resi veri dai commenti della gente. Appare così una popolazione 

da leggere in filigrana, che si rivela un po' da una parte, un po' dall'altra, ma che non si concede 

mai integralmente in un posto solo. E questo tipo di personaggi non si può leggere attraverso i 

parametri del surrealismo pop: quello è un mondo straniato sbilanciato dichiaratamente da un lato 

solo, quello della fantasia più follemente bizzarra. [...continua a pag. 84] 

mario gerosa 

giornalista, autore di "Rinascimento virtuale" (Meltemi) 

Qualche mese fa Graziano Cecchini, artista futurista, colorò di rosso 

le acque di una fontana romana e subito successero 

alcune cose. Intervennero gli agenti della Digos nella 

pausa caffè della lotta al terrorismo. 

Si levarono alti i lai dell'ASC, ossia l'Ala Svenevole 

della Cultura, i cui membri sono vittime della sindrome 

di Stendhal anche di fronte a una figurina Panini. 

Gridarono i soliti snob dell'arte, quelli che pensano basti fare la fila 

davanti agli Uffizi nel week end di Pasqua per sentirsi Roberto 

Longhi (che però loro non sanno chi sia), e bollarono Cecchini come 

l'Andy Warhol di Trastevere. Anche se Warhol non ha mai fatto performance 

di quel genere, ma che importa: è sempre il primo nome 

che viene alla mente. 

Ma, soprattutto, si tornò a tracciare l'equazione facilona 

Futurismo = Fascismo. Certo Cecchini è dichiaratamente di 

estrema destra, legato un tempo all'MSI e oggi a Forza Nuova. E allo stesso modo Marinetti e i 

Futuristi erano affascinati dalla carica di energia e novità legata al primo Fascismo. Una fascinazione 

estetica ammessa persino da antifascisti insospettabili come George Mosse e che si 

basava sulle aspettative di un mondo nuovo. Questa forza di novità è ben espressa non solo dall'estetica 

futurista, ma anche dalla grafica degli anni Trenta. Basta sfogliare un libro come Saluto 

al Duce! (ristampa integrale dei manuali per bambini stampati dal regime edita da Gremese) per 

rendersi conto della potenza iconografica che spazzava via le cupe illustrazioni che stavano 

nascoste nelle retine italiane. Lo stile angolare e preciso, inedito e scattante di quei manuali 

sommergeva il decrepito tratto di Enrico Mazzanti, primo illustratore di Pinocchio, più vicino alle 

xilografie cinquecentesche che a un'arte degna dell'età degli aeroplani. 

Oggi le formazioni di estrema sinistra, quelle che vanno radunandosi sotto la definizione a metà 

tra il ridicolo e l'haiku di Sinistra Arcobaleno, nei loro farneticanti volantini promettono un altro 

mondo (spesso con l'apostrofo tra un e altro). Mancano di fascinazione perché il mondo che essi 

promettono non è nuovo e non è graficamente allettante. È vecchio, terzomondista, sciatto. Il mondo 

nuovo promesso dal Fascismo era irrealizzabile. L'altro mondo degli Arcobalenisti è irrealizzato. Nel 

senso che sono decenni che cercano di attuarlo senza alcun successo. 

Ma anche nella destra si è persa la carica di novità di quel Futurismo di cui alcuni cercano di appropriarsi. 

Lo dimostrano alcune righe di Come si seducono le donne, un pamphlet di Marinetti del 

1918 (ristampato recentemente da Excelsior 1881). Sono righe che andrebbero fatte leggere a 

tanti begli esponenti della destra più benpensante, fintamente moralista e stoltamente retriva. 

[...continua a pag. 84] 

tommaso labranca 

scrittore 

LUMIÈRE. 

Sulla magia dell'invisibilità si regge la poetica del nuovo film di Julian Schnabel, Lo scafandro e la farfalla. Un lavoro bellissimo, 

il suo terzo, che dimostra come chi è dotato di talento e sensibilità autentici non trova poi troppa difficoltà nel 

misurarsi con linguaggi differenti, raggiungendo sempre il risultato migliore. Raggiunta da decenni la piena affermazione 

nella pittura, Schnabel non è il tipico artista invaghitosi del cinema e convinto che tutto ciò che tocca si trasforma, 

automaticamente, in oro. Rispetto ad alcuni suoi illustri colleghi - David Salle, Robert Longo, Cindy Sherman - ugualmente 

tentati dalla settima musa e autori di operine banali e stentate, Schnabel sembra nato con la telecamera in 

mano. Anche in questo suo nuovo film lo spunto è biografico, tratto da una storia vera: dopo due outsider - l'artista 

bruciato dal successo e dalle droga (Jean-Michel Basquiat) e il poeta gay perseguitato dal regime comunista 

(Reinaldo Arenas) -, lo sguardo cade su un tipo di uomo ben diverso. È Jean Dominique Babuy, caporedattore 

di Elle, colpito da un ictus che pur rendendolo completamente disabile non ne lede la capacità di pensare. 

Grazie all'unico movimento rimastogli possibile, chiudere e aprire la palpebra sinistra, detta all'ortofonista dell'ospedale 

il libro che ne racconta la malattia e i pensieri. Per buona parte del film il nostro sguardo coincide 

con quello del protagonista: vediamo le sue stesse immagini, siamo la sua stessa voce. La 

fotografia è straordinaria, soprattutto quando la realtà finisce per perdere i propri contorni 

e scivolare nell'invisibile. Strepitosi gli attori, Matthieu Amalric nella parte di Babuy ed 

Emmanuelle Seigner, sua ex compagna. Un film che fa trattenere il respiro, ma non commuove. Con 

mano abilissima Schnabel inserisce un elemento comico e grottesco quando la storia rischia di scivolare 

nel dramma. E soprattutto, non dà alcun giudizio né si schiera in alcun modo sulla questione 

eutanasia-diritto alla vita. Sono questioni troppo grandi, e l'arte è davvero troppo piccola. 

luca beatrice 

critico, curatore, giornalista 

KAWAII. 

Continuiamo ancora a scoprire cos'è e dov'è il kawaii. In 

Occidente la cultura del kawaii si afferma come una componente 

importante della cultura giovanile europea ed americana 

dalla metà degli anni '90, un po' in controtendenza con 

gli stili grunge e rap. Il cute o pretty (in 

Occidente) si diffonde dapprima con la 

musica: Bjork con il suo stile babe e infantile 

o Courtney Love (moglie di Kurt Cobain) 

che si esibisce con capelli rosa, vestitini in 

tulle e ballerine ai piedi, suscitando l'attenzione 

dei giornali scandalistici. Ma è forse 

con Gwen Stefani che il kawaii si esprime 

più liberamente. La sua musica, i video clip, 

l'abbigliamento, il suo gruppo di Harajuku girls giapponesi 

che la accompagnano ovunque sono oramai diventati un'icona 

del kawaii. 

Ma il personaggio più rappresentativo del kawaii è Hello 

Kitty, nata nel 1974 in Giappone e diffusa dal 1980 prima 

in America e poi in Europa, con un'improvvisa impennata 

delle vendite dalla seconda metà degli anni Ottanta. Una 

gattina alta due teste, con linee dolci e arrotondate, gli occhi 

neri, non troppo grandi e un naso rotondo e piccolo. Manca 

la bocca per facilitare l'empatia con i sentimenti di chi la 

guarda. La Sanrio, società giapponese creatrice di Hello 

Kitty, che inizialmente puntava su un pubblico femminile e 

preadolescenziale, conta oggi oltre ventiduemila prodotti 

con il logo del bambolotto che ricoprono ogni settore dell'industria, 

dalla cancelleria agli accessori per animali domestici 

ai tendaggi, cosmetici, strumenti musicali. 

Guadagna circa la metà del miliardo 

di dollari di fatturato con la produzione 

diretta e la vendita dei diritti di Hello Kitty. 

Recentemente le principali catene del 

"cheap and chic" (H&M, GAP, Zara) 

hanno acquistato i diritti per l'uso dell'immagine. 

Vere e proprie icone del fashion 

come Marian Carey, Ricky Martin, Cameron Diaz e 

Christina Aguilera da tempo hanno contribuito a fare di 

questa gattina una celebrità, con oggetti sempre più raffinati 

e costosi perché prodotti talvolta in collaborazione con 

Damiani, Swarovski e altri designer di fama mondiale. 

Nessun personaggio giapponese è mai riuscito a diventare 

così popolare, senza temere alcuna concorrenza. Si tratta 

senz'altro di un'icona mondiale. 

Gli unici articoli, almeno per adesso, che la Sanrio non produce 

o di cui non concede la licenza per l'uso del logo di 

Hello Kitty sono le medicine, le armi, gli alcolici e le sigarette. 

Cerca anche di restare lontano dalla aggressività dell'imitazione 

spendendo ogni anno dieci milioni di dollari in 

misure anti-plagio. 

guido ferilli 

docente presso la facoltà di economia 

dell'università di bologna | iuav di venezia 

UN SACCO BELLO. 

L'enorme quantità di mostre, fiere, pubblicazioni che ogni anno documentano la 

produzione artistica ci danno una chance in più rispetto al passato di essere in 

grado di riconoscere le migliori voci artistiche della nostra epoca oppure assisteremo 

- come è sempre avvenuto - a clamorose riscoperte (e bocciature) tardive e 

quindi ad una sostanziale riscrittura della storia dell'arte di oggi? La mia personale 

sensazione è che, in ultima analisi, tutta l'attenzione dedicata oggi all'arte contemporanea 

finisca soprattutto per facilitare ulteriormente, rispetto al passato, la 

creazione di 'bolle' critiche e di mercato e quindi la sopravvalutazione di molti artisti 

e allo stesso tempo la sottovalutazione di altri mal sincronizzati con le idiosincrasie 

del momento. È vero infatti che le opportunità sono moltissime, ma questo 

non vuol dire che siano ugualmente distribuite. Piuttosto, quello che si nota è che 

l'effetto 'superstar', che ha sempre contraddistinto i mercati artistici, nello scenario 

corrente tende a divenire più rapido e più intenso. Assistiamo in particolare ad 

una creazione a ciclo continuo di 'superstar' alle diverse scale (globale, nazionale, 

locale) che però si dimostrano soggette ad una preoccupante mortalità: un artista 

oggi sulla cresta dell'onda e apparentemente oggetto di un ciclo di valutazione e 

apprezzamento inarrestabile può nel giro di pochi anni essere già consegnato all'oblio. 

E l'ansia di scoperta e di riconoscimento che si accompagna a questo tipo di 

dinamiche sociali porta ad un atteggiamento sempre più febbrile e superficiale nei 

confronti del rapporto con l'opera d'arte, a modalità di lettura troppo sensibili alla 

contingenza e ai meccanismi di influenza sociale che permeano 

il sistema dell'arte. In un certo senso, tutto questo è fisiologico: 

c'è un'arte fatta per il qui e ora e c'è un'arte che nasce 

da correnti più profonde e tocca corde che continuano a 

vibrare a lungo. Solo che ora il qui e ora è talmente presente 

e talmente allettante che l'attrazione che finisce per esercitare 

sulle personalità in cerca di un teatro narcisistico è 

davvero forte, e per i più bravi socialites questa aspirazione 

può bastare, almeno per un po', ad assicurarsi il passaporto 

per un quarto d'ora di celebrità artistica. E per ogni superstar 

dalla vita breve c'è un esercito di aspiranti artisti, probabilmente 

la maggior parte, che non arriveranno mai alla ribalta e 

che a maggior ragione non saranno mai riscoperti per il semplice 

motivo che erano artisti da 'qui ed ora', soltanto meno bravi 

degli altri, o semplicemente meno fortunati nel giocare questo 

particolare gioco, o semplicemente cattivi artisti che riscoprono 

l'acqua calda o bravi artigiani che non hanno capito il senso del 

proprio talento. Gli artisti veramente importanti, come in ogni 

altra epoca, saranno pochi anche nei nostri anni, ed è improbabile 

che avranno avuto vita facile. E forse è giusto così. 

pier luigi sacco 

pro-rettore alla comunicazione e all'editoria e direttore del dip. 

delle arti e del disegno industriale - università iuav - venezia

Exibart.onpaper opinioni.7 

ELETTRO-SHOCK. 

Un tempo Bill Viola vendeva i suoi videotapes a qualcosa come mille 

dollari. Ti inviava il nastro ¾ di pollici, tu lo mettevi nel tuo archivio e 

poi, secondo contratto, quando dopo alcuni anni la cassetta era 

ormai smagnetizzata o danneggiata, al costo del riversamento e 

della spedizione lui ti rimandava una copia nuova. Insomma il collezionista 

acquistava il diritto a vita, non il supporto. Qualsiasi nastro 

analogico comincia a perdere qualità dopo pochi mesi, ma dopo 

venti anni - per quanto zeppo di drop - mostra ancora le immagini. Il 

dvd è molto peggiore. Innanzitutto è un prodotto ad alta compressione e non è meno soggetto 

a disturbi di un nastro. E poi un giorno (quindici? venti anni?) di colpo, rischi di non vedere 

più nulla. Non so come si comporta oggi, nell'era digitale, Bill Viola. Dal 1995, anno di 

Deserts, ha smesso di realizzare tapes monocanale, da proiettare su uno schermo, opere 

che arrivano alla durata di un lungometraggio. Concepisce - come sappiamo - solo installazioni, 

dunque vende anche il dispositivo, molto probabilmente va a casa del collezionista personalmente 

per installargli l'opera. Ma, in tutto il mondo, gli artisti che 

realizzano video li vendono tranquillamente in cinque copie su formato dvd 

a una media di quattro/cinquemila euro. Cosa vendono in realtà? 

Vendono la loro firma. Molti collezionisti neppure aprono la custodia, neppure 

installano su un lettore il disco. Lo custodiscono gelosamente per 

paura che la cifra spesa possa andare in fumo. Il ¾ di pollice di un tempo 

- per quanto archeologico - era almeno un formato professionale. Il dvd è 

un formato "consumer", da quattro soldi: venti centesimi 

l'uno a Porta Portese. Non sarebbe più serio vendere 

almeno un Beta digitale, il cui supporto costa 

ancora intorno ai cinquanta euro e per leggere il 

quale c'è bisogno di un lettore ancora piuttosto costoso? 

In realtà il problema è un altro: la duplicazione 

all'infinito di un video. D'accordo, senza firma. Ma è 

comunque un paradosso. Senza bisogno di scomodare 

come al solito Benjamin, l'aura e l'epoca della riproducibilità, 

pensate sia una cosa seria vendere un dvd a un collezionista, lo 

stesso dvd che viene poi dato ai critici, ai curatori o inviato nelle rassegne, 

ai festival, ecc? Finché è un film d'artista in pellicola si vende il negativo originale 

(che è solo uno) e si può cedere anche a centinaia di migliaia di 

euro se lo ha fatto un grande artista. Il video (con o senza firma) è un'altra 

cosa. Non è il caso che né gli artisti, né i galleristi si facciano prendere 

dal panico per questo tipo di considerazioni. Ma forse sarebbe meglio pensare a qualcosa 

di meno riproducibile che accompagni un dvd. Già l'opzione di integrare il disco con la 

stampa digitale di uno still, di un frame, o comunque di un'immagine a esso collegata, fatta 

dunque con tutti i crismi, magari anche ritoccata a mano per trasformarla da multiplo ad 

unicum, sarebbe una scelta più giusta, più onesta. Qualcuno lo fa, ma quanti? Questa soluzione 

darebbe all'artista la sensazione di non aver venduto un'opera soggetta a deterioramento 

e a duplicazione e al compratore la sicurezza di aver acquistato un multiplo con un 

valore aggiunto (estetico e commerciale). Il dibattito per chi vuole cercare di cambiare un 

po' il surreale mercato del video "d'arte", resta comunque aperto. Dite la vostra. 

bruno di marino 

studioso dell'immagine in movimento 

ERGOSUM. 

Braccare il nemico. "L'inferno esiste e non è vuoto" ha affermato il capo dei cattolici papa Ratzinger durante il suo 

incontro quaresimale con i parroci di Roma. Resta da stabilire da chi è abitato. E l'inferno, si sa, per i gerarchi della 

chiesa è un grande condominio di dannati. Laici e illuministi soprattutto con le loro sottospecie: gay, atei, conviventi, 

rockers, scienziati, comunisti, agnostici, ecc. Inoltre, ha ribadito Ratzinger ''non tutti ci presenteremo uguali al banchetto 

del paradiso". Il paradiso come specchio del mondo: disuguali quaggiù, disuguali lassù. Non 

c'è speranza. Non diversamente, per far scoppiare la guerra in Iraq Bush affermava che il 

male esiste ed era personificato da Saddam e i suoi fedeli. Il male è stato 

impiccato ma la guerra continua più feroce di prima. La distinzione fra buoni 

e cattivi ricalca l'antica distinzione fra verità e menzogna e che oggi potremmo 

vedere nella distinzione fra reale e immaginario. Una distinzione perfettamente 

valida all'interno delle concezioni assolutiste dei regimi totalitari. È 

soltanto il loro posto e il loro ruolo che sono invertiti: i regimi assolutisti - 

siano essi d'ordine politico o religioso - sono fondati sul convincimento che 

essendo il loro Dio quello della luce e dell'essere, automaticamente è anche 

quello della verità. Dal momento che la verità sottoposta al vaglio di Dio per 

la chiesa non necessita di prove, ma di atti di fede, ne consegue che il certo 

(l'uomo) viene fatto dipendere dall'incerto (Dio), per la cui vidimazione occorre un apparato burocratico (papi, cardinali, 

vescovi) che certifica l'esistenza di Dio e naturalmente della sua verità. La verità in tale contesto diventa un obbligo 

verso Dio e i suoi vicari in terra e non verso gli uomini. Che lo IOR - la banca vaticana - ospitasse al tempo di Marcinkus 

il denaro di mafiosi non va detto perché, come dichiarò in una intervista all'Observer di Londra (25 maggio 1986): 

"You can't run the Church on Hail Marys" (Non si può governare la Chiesa con le Ave Maria"). Che i funerali del nazista 

Walter Rauff - l'inventore delle camere a gas mobili - sia stato officiato dal vescovo Ricardo Wagner in Cile, non 

va detto. Che a capo della basilica romana di Santa Maria Maggiore Ratzinger ha messo il pedofilo Law condannato 

negli Stati Uniti (salvandolo), non va detto. Che recentemente le tre figlie di Pinochet (con tanto di figli) hanno 

avuto l'annullamento del matrimonio per la terza volta, non va detto… fermiamoci. La lista sarebbe troppo lunga. 

Insomma, ciò che è in gioco è il contenuto della verità, che diventa come una bambola gonfiabile multiuso. Nessun 

obbligo morale di dire la verità agli uomini dal momento che la si dice solo davanti a Dio. Emerge un doppio volto 

della verità. Quella che si pretende imporre davanti a Dio, presentata come un monito per le masse, e quella riservata, 

flessibile, adattabile alle amicizie dei gerarchi della chiesa. La verità in tale concezione si sorregge sull'individuazione 

del nemico. La procedura è antica: si tratta di trasformare l'insicurezza collettiva, l'ansia che traspare 

dalla popolazione, in un sentimento di paura nei confronti di un gruppo sociale. La tecnica è la retorica della vittima: 

occorre far credere di essere aggrediti, vittime di un nemico che sarà poi identificato col male: "in Italia una 

fede radicata, ma anche minacciata", dice papa Ratzinger ai preti di Roma (L'avvenire, 23 Febbraio 2007), oppure 

rifiutare strategicamente all'ultimo momento di andare alla Sapienza per inaugurare l'anno accademico, ben 

sapendo che ciò avrebbe scatenato una tempesta mediatica che avrebbe trasformato il papa in vittima e i dissenzienti 

in pericolosi estremisti, il tutto con la complicità oscena dei media. Ora, ciò che caratterizza la mente 

paranoica è la definizione del nemico. Carl Schmitt, che di nemici se ne intendeva, fiancheggiatore del nazismo, 

suggeriva un metodo molto semplice per definire un sistema politico: guarda dove sta il nemico e ti orienterai 

(Teoria del partigiano). La rappresentazione dell'altro, totalmente opposto al "noi" cattolico, assume l'immagine 

di una linea di demarcazione, una barriera divisoria, una differenza ontologica, che legittima la propria posizione 

come "bene", rispetto a cui, l'altra è destinata ad essere il "male". L'ideologia della purezza implica di fatto un a 

priori radicale: e cioè che possano esistere degli esseri impuri; tale a priori nel passato costituì l'arma fondamentale 

di stermini e massacri di massa. Ancora il 6 febbraio scorso, Ratzinger ha fatto sostituire alcune parole della 

messa relative agli ebrei, e al posto di "popolo accecato" ha fatto mettere "che Iddio illumini i loro cuori e riconoscano 

Gesù Cristo come Salvatore"! Una visione eliocentrica, totalitaria che insiste nel presentare gli ebrei come 

un popolo oscuro che occorre "illuminare". In situazione di crisi la polarizzazione bene/male s'impossessa dello 

psichismo umano assumendo quei tratti ipertrofici che paralizzano le visioni assolutiste. Il lupo perde il pelo ma 

non il vizio. 

marcello faletra 

saggista e redattore di cyberzone 

PABLOB. 

Ci sono appuntamenti fissi cui non si riesce a sottrarsi. Uno di questi è l'Arte Fiera di Bologna. L'altro 

è l'abituale scatenarsi di giornalisti che si aggirano tra gli stand saltabeccando sui prezzi come la 

Vispa Teresa di fiore in fiore. Nessun giornale ne resta immune. È un rito trito che vuole l'arte ridotta 

a un listino di borsa, a una corsa al rialzo, a un resoconto numismatico asmatico in cui il balletto 

delle cifre si tramuta nel belletto in grado di far digerire qualunque cavolata, anche la più indigesta. 

Nessuno, dopotutto, resta insensibile di fronte al richiamo del verdone, ognuno maneggiando gli zeri 

si sente un po' Zio Paperone. 

È la sindrome del Gold Singer, del Doppio Frodo Star, riportare 

cifre da capogiro per confermare che la crisi non c'è 

o se c'è si trova altrove. Roba da ministro delle imposte che 

brinda al tesoretto mentre le famiglie arrancano 

verso il saldo di fine mese. 

Qualche anno fa (2001) perfino "Il Manifesto" si contraddistinse per un paginone in cui si lodava il 

fatto che l'arte fosse diventata "un assegno circolare, da incassare senza più la paura degli anni 

Novanta". E gongolando del ritrovato fervore, puntava sull'emergente di turno: "Soddisfattissimo 

Biagiotti di Firenze che ha venduto la sera dell'inaugurazione a Christian De Sica il lavoro (un lampadario 

rosa realizzato con la tecnica dello scoobidoo, otto milioni) dell'esordiente Daniela Oliveri". La 

notizia apparve ai cronisti comunisti talmente sfizia da apparire perfino nel titolo. Forse involontariamente 

ritenevano il campione dei film panettone il migliore testimone di una rinascita economica, il 

più appropriato padrino di una finanza comica. 

Ma nessuno che si chieda se i prezzi abbiano una loro fondatezza, un riscontro obbiettivo. 

L'arte si comporta nei confronti del denaro come quegli staterelli stenterelli che emettono moneta 

a seconda dei propri ghiribizzi, senza alcun aggancio con le riserve auree o come quelle economie 

primitive basate sulle maree prodighe di gasteropodi spiaggiati. Come se uno andasse lungo il mare 

a raccogliere conchiglie e poi assegnasse loro un valore nominale secondo l'estro. 

Va bene finché non si azzarda a chiedere in banca di convertirle in valuta 

pregiata, nel qual caso lo ricoverano d'urgenza alla neurodeliri. 

Invece in arte tutto è lecito. Ok, il mercato ha da essere libero, magari spudorato, 

ma deve comunque essere ancorato a un principio di realtà. 

Però qualche dubbio comincia a farsi strada. È così che Francesca Pini (sul 

"Magazine" del "Corriere della Sera" del 7 febbraio 2008) ha puntato il dito 

sulla inestricabile inspiegabile jungla valutaria che avvolge il mondo dell'arte in 

fiera come un reticolo che rischia di cadere nel ridicolo a causa delle tante 

anomalie & bizzarrie. È ormai abbastanza chiaro che non esiste alcun criterio 

valutario e che il mercato è solo un ping-pong in cui vince chi la 

spara più grossa, chi alza la posta, chi ha la faccia più tosta. 

Tuttavia, quando durante una Kunstmesse-in-piega si spruzza troppa 

lacca, si ottiene una acconciatura dalla impalcatura balenga, una cotonatura precaria. Una montatura 

che basta un niente e viene giù tutto. 

Ma finché dura fa verdura. Ovvio. 

pablo echaurren 

artista e scrittore 

WWW.PRESTINENZA.IT 

Cosa ci aspetta dopo la bulimia? Il precipitare nell'anoressia. E difatti, 

da un po' di tempo a questa parte sembra che gli edifici esuberanti e 

ultra-disegnati prodotti dalle archistar abbiano perso il loro fascino. Ed 

è dalla caduta delle Twin Towers che una crescente schiera di critici 

- a volte con toni eccessivamente apocalittici - denuncia i pericoli di un 

gioco al rialzo suicida che produce opere sempre più ipertrofiche. 

Allo stesso tempo si registra nei circoli radical chic una crescente 

infatuazione per i lavori degli architetti rigoristi. Lo testimonia lo stesso 

Rem Koolhaas, sempre in anticipo nell'annusare i segni dei tempi, 

che dopo anni di manifesti fondati sull'estetica del caos e della contraddizione, 

sta puntando decisamente verso il recupero delle forme 

primarie. 

"Il XXI secolo" sostiene l'architetto olandese nella relazione di uno dei 

suoi ultimi progetti negli Emirati Arabi "nel disperato tentativo di differenziane 

un edificio dall'altro ha prodotto una pazzesca 

quantità di forme stravaganti. Paradossalmente il risultato 

è uno spazio pubblico sorprendentemente monotono, 

dove ogni differenza affoga all'interno di un mare di architetture 

senza senso. Mentre questo lavoro punta a ottenere 

una forma architettonica che si distingua: non 

creando la prossima immagine bizzarra, ma promuovendo 

il recupero alla forma pura". 

Protagonisti del ritorno all'ordine sono i giapponesi. In 

particolare il duo Kazuyo Sejima e Ryue 

Nishizawa. Delle loro sempre più numerose opere affascina 

il carattere quasi ideogrammatico, l'assenza di apparati 

tecnologici in vista, la purezza del disegno che ricorre al 

montaggio per accostamento di figure geometriche primarie. 

Il recente New Museum of Contemporary Art a 

New York, per esempio, rassomiglia a un insieme di scatole 

poste distrattamente una sopra l'altra in uno stato di 

precario equilibrio. In altre loro opere quali il 21st Century 

Museum of Contemporary Art a Kanazawa in Giappone il 

volume è smaterializzato dall'uso di grandi vetrate. 

A fare il punto su questa nuova passione per il miesiano 

quasi nulla è stato un numero della rivista inglese The 

Architectural Review, emblematicamente intitolata 

"Japan: Back to Basics". Dove basic è da intendersi in due 

sensi: come riduzione formale ma anche come volontà di 

no-logo, tentativo di sfuggire dalla produzione di oggetti rifiniti 

e superflui delle grandi firme. Un po' come propone di 

fare la catena Muji che sulla semplicità, il riuso e l'azzeramento 

linguistico sta costruendo la propria fortuna commerciale. 

Finalmente un po' di aria fresca e pulita, si dirà. Ma è realmente 

così? Naturalmente no. Perché l'estetismo che si 

cela dietro l'anoressia è non meno ingombrante di quello 

che esplode con le intemperanze bulimiche. E la strategia di Muji non 

è meno logo-oriented di quella di altre firme del circo della moda. 

Intendiamoci: niente di male. Di un back to basics si sentiva il bisogno. 

E, poi, perché avercela tanto con le mode? In fondo, e per fortuna, 

siamo un po' tutti come da Fulvia il sabato sera. 

luigi prestinenza puglisi 

docente di storia dell'architettura contemporanea - la sapienza - 

roma

8.speednews Exibart.onpaper 

Assurdo a Venezia. Gli Stati Uniti 

hanno già scelto l'artista (Bruce 

Nauman), ma il direttore della 

Biennale ancora non si sa 

Come spesso succede, gli 

stranieri arrivano primi anche 

in casa nostra. Da Venezia si 

fanno ancora attendere notizie 

sulla scelta del direttore per la 

Biennale Arti Visive 2009, e 

questo ritardo di fatto trasforma 

un evento biennale in 

annuale, consegnando al prescelto 

(sarà lo stesso Storr 

riconfermato? Mah...) tempi Bruce Nauman 

strettissimi per l'organizzazione 

e l'ideazione dell'evento, e le più ampie scusanti 

per eventuali carenze organizzative o anche curatoriali. 

Intanto, gli Stati Uniti non si fanno coinvolgere 

dal vizio italico ed annunciano - primi come sempre 

- che il loro padiglione sarà affidato al grande Bruce 

Nauman. L'artista e scultore concettuale, recentemente 

protagonista in Italia di due importanti 

mostre, al napoletano Madre ed al Castello di Rivoli, 

è stato proposto per il prestigioso incarico dal 

Philadelphia Museum of Art, ed a organizzare la 

mostra saranno Carlos Basualdo, curator of contemporary 

art del museo, e Michael R. Taylor, curator 

of modern art. La decisione è stata presa dal 

Federal Advisory Committee on International 

Exhibitions, emanazione del National Endowment 

for the Arts, che contribuirà alla partecipazione Usa 

alla Biennale con ben cinquecentomila dollari. 

Canton Ticino, ci sarà Bruno Corà alla guida 

del futuro megacentro Culturale di Lugano 

Sarà la sede principale delle attività che riguardano 

la musica, le arti sceniche e visive a 

Lugano; attività che fanno parte di un progetto 

più ampio che è quello che rappresenta davvero 

l'originalità e le ambizioni culturali della città. 

Un grande Centro culturale, la cui inaugurazione 

è prevista per il 2012 nello spazio adiacente 

all'ex Albergo Palace. La struttura sarà la 

sede di un importante Museo d'Arte che raccoglierà 

l'eredità dell'attuale Museo d'Arte 

Moderna e del Museo Civico di Belle Arti, oltre 

Bruno Corà 

che degli altri importanti fondi che costituiscono 

il patrimonio artistico della città, coinvolgendo 

attivamente anche il Museo Cantonale d'Arte. Ed a condurre in porto tutte 

queste importanti novità ci sarà Bruno Corà, già direttore, fra l'altro, del 

Centro Pecci di Prato e del Camec di La Spezia, che sarà direttore ad interim 

del nuovo Museo d'Arte, nonché coordinatore del gruppo di lavoro preposto 

all'avvio del polo culturale. Il centro sarà anche la sede di un grande 

teatro, in grado di offrire nelle migliori condizioni una stagione organica di 

concerti e di proposte teatrali e anche liriche di valore, senza dimenticare la 

danza che costituisce un settore in costante crescita creativa. Altri soggetti 

che contribuiranno a rendere il "Polo culturale" un vero e proprio laboratorio 

interdisciplinare sono il Museo delle Culture, che dal 2012 si trasferirà a 

Villa Malpensata, e il nascente Museo Storico, previsto a Villa Ciani. 

Info: +41 588667090 - sbardelle@lugano.ch - www.lugano.ch 

[fattofuori] artisti italiani in trasferta a cura di helga marsala 

� Bregenz, Kunsthaus - Maurizio Cattelan - 1 feb/24 mar 08 

� Bruxelles, Galerie 100 Titres - Gianfranco Baruchello, Angelo Ricciardi, Jeux de mots, Jeux 

d'images (group show), a cura di Anael Desablin e Alain de Wasseige - 12 gen/16 feb 08 

� Londra, Madder139 - Pantani-Surace, Ti amo - 7 feb/15 mar 08 

� Madrid, Fundacion Astroc - Gabriele Basilico, Intercity - 30 gen/21 mar 08 

� Messico, Kong Galeria - Fupete, Tierra y Azul - 21 feb/30 apr 08 

� New York, Casey Kaplan Gallery - Diego Perrone, Wolves and the Casting of Bells - 15 feb/15 mar 08 

� New York, Foley Gallery - Andrea Mastrovito, Black Bag: American Philosophy of Composition - 

21 feb/12 apr 2008 

� New York, Robert Mann Gallery - Silvio Wolf - 31 gen/15 mar 08 

� Oslo, The Stenersen Museum - Rä di Martino, ZimmerFrei, The Hot Season. Italian Art Now, a 

cura di Lorella Scacco e Bartolomeo Pietromarchi - fino al 5 Marzo 2008 

� Parigi, Galerie Magda Danysz - Laurina Paperina - 16 feb/ 29 mar 08 

� St. Moritz, Spazio Four Emotions - Marco Campanini, Mario Cresci, Franco Fontana, 

Andrea Galvani, Francesco Pignatelli, Alessandra Spranzi, Pio Tarantini, Silvio Wolf, 

Spazio Bianco, a cura di Giorgio Verzotti - 14 feb/24 mar 08 

� Varsavia, Centre for Contemporary Art - Daniela Comani, History will repeat itself (group show) - 

15 feb/13 apr 08 

� Vitoria (Spagna), Museo Artium - Vanessa Beecroft, Francesco Vezzoli, Gravity (group show) - 31 

gen/18 mag 08 

Mibac-Fondazione MPS, 

protocollo di intesa per interventi 

sul patrimonio culturale 

Il documento prevede una collaborazione finalizzata ad 

ottimizzare l'impiego di risorse per la conduzione di interventi 

di comune interesse sul patrimonio culturale nazionale, 

con particolare riferimento alla Regione Toscana. Si 

tratta di un Protocollo d'Intesa tra la Fondazione Monte 

dei Paschi di Siena e il Ministero per i Beni e le Attività 

Culturali, alla cui firma erano presenti il Sottosegretario di 

Stato ai Beni Culturali Andrea Marcucci, il presidente della 

Fondazione Mps Gabriello Mancini, ed Arnaldo Sciarelli, 

commissario straordinario di Arcus spa. L'accordo stabilisce 

la partecipazione finanziaria della Fondazione mediante 

l'impiego di una quota di risorse destinate al settore rilevante 

"arte, attività e beni culturali". Ciò attraverso l'esame, 

con caratteristiche di 

priorità, ma a suo 

insindacabile giudizio 

circa l'accoglimento 

o meno delle 

Nell'anno del 

Design, a Torino 

anche la cioccolata 

è d'artista... 

Il luogo non è una galleria d'arte, 

ma una pasticceria, per la precisione 

la Pasticceria Gertosio di 

Torino. Ed i materiali non sono 

tele, o magari carta fotografica, o 

un dvd, ma... cioccolata. 

Immedesimandosi fino in fondo 

nel clima creatosi nella World 

Design Capital 2008, la pasticceria 

ha pensato che fosse irrinunciabile 

offrire delle tavolette ricercate 

anche nelle forme. Ed ecco 

quindi l'incarico allo studio milanese 

di interior and product 

design di Jjuice, che ha pensato 

sei veri e propri multipli di cioccolata 

dagli affascinanti disegni, 

incluso uno che riproduce una 

mappa di Torino... 

Info: 0577246020 

ufficio.stampa@fondazionemps.it 

www.fondazionemps.it 

domande riguardanti i progetti ritenuti meritevoli da un'apposita 

commissione a tal fine varata, che i singoli soggetti 

interessati presenteranno alla Fondazione nell'ambito 

delle procedure per i progetti di terzi. Arcus S.p.A., la 

società strumentale del Ministero, contribuirà al finanziamento 

di tali iniziative volte alla conservazione del patrimonio 

culturale o alla sua fruizione e valorizzazione. 

mostre fattefuori? scriveteci: fattofuori@exibart.com 

Furto in casa Kiefer. 

Ma per i ladri le opere 

valgono solo per il metallo... 

Hanno smembrato una 

grande opera valutata 

circa un milione di euro, 

lasciandola lì e portando 

via solo le parti in 

piombo, rivendibili sul 

mercato dei metalli per 

non più di diecimila 

euro. Gli improvvidi 

ladri sono quelli che nei 

giorni scorsi hanno violato 

la tenuta di Barjac, 

in Francia, dal 1993 residenza del grande artista 

tedesco Anselm Kiefer. Accanendosi contro 

una grande installazione scultorea dalla quale 

hanno asportato soltanto trenta libri in piombo, 

del peso di centocinquanta chili ciascuno, 

lasciando sul posto le altre parti in vetro e 

cemento. Anche per questo gli inquirenti stanno 

indirizzando i sospetti sui ladri di materiali ferrosi, 

piuttosto che su quelli d'arte. Peraltro Kiefer 

sarebbe in procinto di trasferire la sua residenza 

in Portogallo, e la grande tenuta francese 

dovrebbe essere acquistata dalla Fondazione 

Guggenheim. 

Tecnologia e creatività a Napoli per il Plart, 

centro museale e di ricerca per la plastica 

Si deve all'iniziativa dell'imprenditrice 

napoletana Maria 

Pia Incutti il Plart, il neonato 

museo della plastica inaugurato 

nell'elegante quartiere 

Chiaia. Oltre mille metri quadrati 

di spazio hi-tech rivisitati 

dallo studio d'architettura 

Stile Libero che, disposti 

sulla sinuosa struttura 

sospesa a circa un metro e mezzo dal pavimento, appositamente progettata 

da Cecilia Cecchini, ospiteranno a rotazione i circa millecinquecento 

pezzi in celluloide, bakelite, parkesina, galatite, ebanite, raccolti nel corso 

di oltre trent'anni con la supervisione dell'architetto Nunzio Vitale. Dalla 

fine dell'Ottocento agli anni Settanta, un ampio excursus dedicato al 

materiale che ha rivoluzionato il modo di vivere del Pianeta. Accanto agli 

oggetti di uso quotidiano, numerosi gli esemplari di design, firmati, tra gli 

altri, da Piero Gilardi, Gaetano Pesce, Franco Mello, Guido Drocco, 

Tony Cragg e molti altri (un'opera è stata creata appositamente per l'inaugurazione 

da Felix Policastro). Oltre all'area espositiva, in cui si susseguiranno 

rassegne tematiche secondo una programmazione annuale, 

il centro polifunzionale del Plart si occuperà anche di recupero, restauro 

e conservazione delle opere d'arte e di design in 

materiale sintetico, grazie alla collaborazione con 

le università e i principali centri di ricerca coordinata 

da Maurizio Avella, primo ricercatore dell'Istituto 

di Chimica e Tecnologia dei Polimeri (ICTP) del 

CNR. (a. p.) 

Plart 

Via G. Martucci - 

Napoli 

Info: 08119565703 

info@plart.it 

www.plart.it


NUOVI, NUOVI, NUOVI 

DALL'ARCHIVIO CAREOF & VIAFARINI 

JACOPO MILIANI 

(Nato nel 1979 a Firenze. Vive a Firenze) 

Untitled - 2008 

Collage, cm 10x15. 

GIUSEPPE AMALFI 

(Nato nel 1975 a Palermo. Vive a Palermo) 

Casa n.1 - 2006 

Scultura in plastica trasparente. 

Corso Superiore di Arti Visive Fondazione Ratti, 

visiting professor 2008 sarà Yona Friedman 

Da Olafur Eliasson a Paul Chan, 

ecco come sarà la Triennale T2 torinese 

L'inaugurazione della seconda edizione della Triennale dell'Arte 2008 avverrà mercoledì 5 

novembre. A partire dal giorno successivo, la rete di iniziative, riunite sotto il carminio logo 

crociato, rimarrà aperta al pubblico fino al 18 gennaio 2009. Daniel Birnbaum, curatore di 

questa edizione, ha scelto come tema le cinquanta Lune di Saturno; un “la” romantico per 

coordinare i lavori delle tre principali organizzazioni coinvolte: il Castello di Rivoli, la 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e la Fondazione Torino Musei. Una prima novità di 

questa Triennale sarà la maggiore concentrazione fisica dei luoghi deputati ad ospitare le 

iniziative. Gli eventi e le mostre che promuoveranno i cinquanta artisti selezionati non 

saranno più dislocati in varie sedi sparse in città, ma si focalizzeranno nei già citati Castello 

di Rivoli, nella sede della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e nella Palazzina della 

Società Promotrice delle Belle Arti Torino. L'intera operazione, patrocinata dalla Regione 

Piemonte e della Città di Torino, avrà un budget stimato di due milioni di euro. Non sono 

ancora noti i nomi degli artisti invitati, tranne che per due mostre personali di ospiti stranieri, 

dedicate a Olafur Eliasson (Copenhagen 1967), certamente a Rivoli, e all'americano 

Paul Chan (Hong Kong 1973). (ginevra bria) 

Vaticano alla Biennale di Venezia? 

Ne parla monsignor Ravasi sul Riformista 

Sarà il grande architetto e teorico francese Yona Friedman (1923) il visiting 

professor della quattordicesima edizione del Corso Superiore di Arti Visive 

della Fondazione Antonio Ratti di Como, in programma nel mese di luglio. Il 

corso, diretto dal 1995 da Annie Ratti, è a cura di Anna Daneri, Luca Cerizza 

e Cesare Pietroiusti, e si propone come un laboratorio di sperimentazione 

artistica e teorica, condotto da artisti di rilevanza internazionale. Il programma 

per i venti giovani artisti internazionali, che saranno selezionati da una 

commissione scientifica sulla base delle domande pervenute, prevede un'attività 

quotidiana articolata in forma di workshop a fianco di Yona Friedman, 

di approfondimenti teorici proposti dai curatori interni e seminari con alcuni 

personaggi di spicco della scena culturale internazionale. I visiting professor 

degli anni scorsi sono stati Joseph Kosuth (1995), John Armleder (1996), 

Allan Kaprow (1997), Hamish Fulton 

(1998), Haim Steinbach (1999), Ilya 

Yona Friedman 

Kabakov (2000), Marina Abramovic 

(2001), Giulio Paolini (2002), Richard 

Nonas (2003), Jimmie Durham (2004), Alfredo Jaar (2005), Marjetica Potrc 

(2006), Joan Jonas (2007). Il corso è gratuito, i costi di permanenza a Como sono 

a carico dei partecipanti. Le domande di partecipazione, corredate da una docu- 

Dal 1 al 23 luglio 2008 

Chiusura del bando: 3 aprile 2008 

Info: 031233213 

annadaneri@fondazioneratti.org 

www.fondazioneratti.org 

mentazione dei propri lavori, dovranno pervenire entro il 3 aprile 2008 (data timbro postale) alla Fondazione Antonio 

Ratti, all'attenzione di Anna Daneri. 

"In Italia, poi, ci sono tanti progetti da mettere in campo. Uno di questi potrebbe essere - anche se mi 

rendo conto che non è facile - la creazione alla Biennale di Venezia di un padiglione della Santa Sede. 

Proprio così. È un progetto che mi affascina e che avrebbe un 

grande valore per tutto il mondo dell'arte". Pare che alla 

Biennale continuino a pensare più gli stati stranieri che non lo 

stato italiano, che la organizza. Come si evince anche dalle 

parole di monsignor Gianfranco Ravasi, "ministro della cultura" 

della Santa Sede, che ha lanciato la proposta in un'intervista 

rilasciata al quotidiano Il Riformista. E subito riprese da Franco 

Miracco, consigliere nel Cda della Biennale, che in una dichiarazione 

allo stesso quotidiano si dice sorpreso dall'interesse 

vaticano per l'arte contemporanea, garantendo in proposito la 

buona volontà e la disponibilità al dialogo dell'istituzione. Non 

negando tuttavia - spiega l'articolo - le perplessità per alcune Monsignor Gianfranco Ravasi 

recenti prese di posizione di cattolici, fra cui il ministro 

Buttiglione nel 2005, nei confronti dell'arte contemporanea in 

generale e della Biennale in particolare. "Ecco" - conclude Miracco -, "la presenza vaticana alla 

Biennale di Venezia non deve finire come il Papa alla Sapienza di Roma. Ci vuole un vero dialogo…". 

Un problema potrebbe essere rappresentato dalla location per il nuovo eventuale padiglione, visto che 

ai Giardini di Castello non ci sono spazi per nuovi allestimenti; tuttavia, la Fondazione veneziana - una 

volta superati ostacoli pratici e logistici - non dovrebbe farsi sfuggire questa occasione dai molteplici 

significati culturali e comunicativi... 

BRUNNO JAHARA 

(Nato a Rio de Janeiro, nel 1979. Vive a Venezia) 

Aglutinoginos - 2007 

Plastica, misura ambiente. 

a cura di milovan farronato 

Banksy all'asta su ebay. E il muro 

graffito vola a trecentomila euro… 

Chissà in quale categoria di ebay, il popolare website di aste online, 

sarà stata inserita questa 

singolarissima offerta. Sì, 

perché è ben difficile che in 

altri casi qualcuno abbia 

pensato di vendere… un 

pezzo di parete. Certo, si 

trattava di una parete ricoperta 

da un graffito di 

Banksy, ormai diventato 

un'icona del genere, ma pur 

sempre di un pezzo di parete. 

Tanto che l'offerta doveva 

prevedere anche i costi di rimozione del "brano" di muratura ed 

il successivo restauro. Ebbene, dopo una accesissima tenzone sviluppatasi 

su ben sessantanove offerte, Luti Fagbenle - il venditore, 

un produttore cinematografico sui muri del cui ufficio, in Portobello 

Road, si trovava il graffito - ha letto sorpreso la cifra di aggiudicazione: 

ducentottomila sterline, poco meno di trecentomila euro. 

L'opera, ora accuratamente protetta da un telo in plastica, raffigura 

lo stesso artista che ha appena scritto il proprio nome, Banksy... 

Schiaffi al mondo dell'arte. 

Li elargisce Phil Collins, per il suo ultimo progetto... 

"Ho notato reazioni differenti, alcuni ridono istericamente, uno è persino caduto dalla sedia, e di 

lui ho fotografato soltanto una spalla". Chi parla - al quotidiano The Guardian - è l'artista inglese 

Phil Collins, finalista al Turner Prize 2006, e le reazioni che 

racconta sono quelle... ai suoi schiaffi. Sì, perché il suo 

nuovo progetto You'll Never Work in This Town Again consiste 

proprio in una serie di fotografie che immortalano le 

reazioni di un centinaio di art-addicts sottoposti al "trattamento" 

dell'artista. Niente di scioccante, tanto che la bizzarra 

iniziativa veniva preannunciata fin nell'invito fatto giungere 

ai "predestinati". Collins, che è arrivato a schiaffeggiare 

fino a ventotto persone in una sera, esporrà cinque degli 

scatti nella collettiva Double Agent, in programma in marzo 

all'Institute of Contemporary Arts di Londra. Chissà se - l'ar- 

Phil Collins 

tista non ne parla - qualcuno gli avrà risposto pan per 

focaccia... 

Good Design Award 2007, a Chicago 

premiato anche un occhiale Made in Italy 

Ancora il design italiano - e in particolar modo torinese - sugli scudi a livello internazionale, 

proprio nell'anno in cui il capoluogo piemontese è World Design Capital. 

Con l'occhiale del modello Tornado, l'azienda piemontese Derapage - del gruppo 

Nico Design - si è aggiudicata a Chicago il Good Design Award 2007, prestigioso 

premio assegnato negli Usa dal Chicago Athenaeum - Museum of Architecture and 

Design. Nato nel 1950, il Good Design Award seleziona annualmente a livello internazionale 

i prodotti industriali ed i concetti che maggiormente hanno contribuito ad 

innovare nel design. Una commissione cosmopolita giudica secondo criteri che 

valutano non solo l'eccellenza del progetto, la forma e l'estetica dei prodotti delle 

diverse categorie merceologiche, ma anche i materiali utilizzati, la funzione e l'utilità 

degli oggetti in concorso. Unico 

occhiale tra i prodotti selezionati 

dalla giuria di Chicago, Tornado è un 

prodotto totalmente italiano nello 

stile, nella lavorazione e nell'assemblaggio. 

Nell'ottobre scorso l'oggetto 

si era già aggiudicato a Tokyo il riconoscimento 

Eyewear of the Year 

2008, nella categoria innovazione 

tecnologica. 

www.chi-athenaeum.org


Ampia donazione di un collezionista italiano. 

Ma a un museo finlandese... 

Certo, si tratta di opere grafiche, disegni e acquarelli, eppure 

i nomi sono di primissimo piano, da Gino Severini a Alberto 

Magnelli, Marino Marini, Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, 

Giorgio Morandi, Afro, Alberto Burri. L'importante collezione 

di opere di maestri italiani del Novecento raccolta in quasi 

cinquant'anni dall'editore e bibliofilo Rolando Pieraccini è 

andata in dono al Museo Ateneum di Helsinki. Trasferitosi stabilmente 

in Finlandia nel 1975, Pieraccini vi ha fondato due 

case editrici che hanno pubblicato libri di poesia e d'arte, con 

incisioni e litografie originali, operando anche come gallerista. 

Nonostante la bozza Folena, permane una sostanziale 

impossibilità da parte di un mecenate di regalare opere ad un museo Italiano, a causa di leggi cervellotiche 

e di burocrazie assurde che disincentivano così la crescita delle nostre collezioni pubbliche. 

Una tendenza inversa a quanto succede in tutto il mondo. 

La madre di tutte le finali. 

In UK cinque superbig per una 

scultura da tre milioni di euro 

La shortlist è di quelle che fanno 

tremare le vene e i polsi, con cinque 

superstar del firmamento artistico 

internazionale come Richard 

Deacon, Christopher le Brun, 

Daniel Buren, e ben due Turner 

Prize winners, Mark Wallinger e 

Rachel Whiteread. In corsa per 

realizzare quella che sarà una delle 

Rachel Whiteread sculture più grandi d’Inghilterra, 

oltre cinquanta metri di altezza, per 

una commissione che mette sul 

piatto ben tre milioni di euro. L'opera sarà collocata nel Kent, 

come simbolo della nuova Ebbsfleet International rail station, e 

diventerà la più grande commissione pubblica d'arte della Gran 

Bretagna. La scultura, per la quale il vincitore sarà scelto entro 

l'estate, sarà una sorta di risposta del sud del paese al famoso 

Angelo del nord, struttura di venti metri di altezza di Antony 

Gormley collocata vicino a Gateshead. 

Nuovo flagship store d'autore per Gucci sulla 

Fifth Avenue newyorchese 

È il più grande store Gucci al mondo, ed anche la più imponente impresa 

architettonica mai intrapresa dalla maison ormai da tempo di monsieur 

Pinault. Il concept si deve alla direttrice 

creativa Frida Giannini, che per il 

progetto si è affidata alle sicure mani 

dell'architetto delle celebrità, James 

Carpenter. Tre piani racchiusi in una 

scatola di vetro, l'elegante edificio al 

725 della Fifth Avenue, ovviamente a 

New York, è uno sfarzo di materiali 

ricchissimi - dal palissandro al marmo - in un'esaltazione della luce naturale, 

tutto pensato per celebrare le icone dello stile Gucci. E per l'inaugurazione, 

nei giorni scorsi, spazio anche alla beneficenza, con la vendita di 

una limited edition della borsa Gucci Loves NY il cui ricavato andrà totalmente 

alla Central Park Conservancy, per la manutenzione dei ventuno 

children's playgrounds di Central Park. 

Ciak, si costruisce. In arrivo un 

documentario su Herzog & de 

Meuron in Cina 

E poi stupiamoci se si usa il neologismo archistar. Dopo 

Frank Gehry, che con il documentario a lui dedicato dal 

grande regista Sydney Pollack approdò addirittura al 

Festival di Cannes, sono ora gli svizzeri Herzog & de 

Meuron ad essere protagonisti anche nella celluloide. In 

particolare il loro attuale lavoro in Cina, sul quale i registi 

Christoph Schaub e Michael Schindhelm hanno incentrato il 

documentario Bird's Nest. Due i progetti al centro dell'attenzione, 

l'ormai famoso Stadio 

Nazionale per i giochi olimpici 

di Pechino 2008, e il progetto 

per l'area urbana da trecentomila 

abitanti nella città 

di Jinhua. Opere che non 

solo lanciano ulteriormente la 

Cina sulla ribalta internazionale, 

anche nell'ambito architettonico, 

ma contribuiscono Herzog & de Meuron 

a creare un ponte fra due culture, 

due tradizioni e due sistemi politici diversissimi. 

Fotografia contemporanea, al via la collezione 

della Cassa di Risparmio di Modena 

La prima zona ad essere indagata sarà l'Asia, 

con opere fra gli altri di Hiroshi Sugimoto, 

Yang Fudong, Nobuyoshi Araki, Ai Weiwei, 

Cao Fei, Yasumasa Morimura, che andranno 

a formare una mostra che avrà luogo a Modena 

nell'ottobre 2008. Con un programma di acqui- 

Info: 059239888 

ufficiostampa@fondazione-crmo.it 

www.fondazione-crmo.it 

sizioni internazionali suddivise per aree geografiche, condotto da Filippo Maggia, la 

Fondazione Cassa di Risparmio di Modena decide di avviare una collezione di fotografia 

contemporanea, a cui andranno ad affiancarsi i video e i film d'artista, pure declinazioni 

delle immagini. La decisione nasce dalla constatazione che "in Italia sono rari gli 

esempi di musei d'arte moderna o contemporanea, di istituzioni pubbliche o private che 

si siano dotati di una collezione di fotografia. Inoltre" - si legge nel comunicato - "nessuna 

di queste collezioni è, sino ad oggi almeno, paragonabile a esperienze simili in campo 

internazionale, nello storico o moderno, come in ambito contemporaneo". 

New York corrotta? Il 69th Regiment 

Armory accusato di prendere mazzette 

dalle fiere... 

Proprio nei giorni in cui una 

vasta operazione antimafia 

internazionale ha sgominato 

un'organizzazione ramificata 

dall'Italia fino agli Usa, da 

oltreoceano giungevano notizie 

di un possibile malaffare 

che coinvolgerebbe direttamente 

anche il mondo dell'arte. Il soprintendente del 69th Regiment 

Armory, storica location newyorchese sede di importanti eventi fieristici 

come lo stesso Armory Show, è stato infatti accusato di pretendere 

mazzette per garantire alle fiere l'accesso agli ambiti spazi. Fra le presunte 

vittime degli illeciti di James Jackson - che si dichiara innocente 

-, ci sarebbero il Marc Jacobs fashion shows, il New York International 

Carpet Show ed anche Pulse, la nota fiera satellite dell'Armory Show 

che apre il prossimo 27 marzo al Pier 40. Secondo l'accusa, il soprintendente 

avrebbe preteso fino a trentamila dollari per garantire ai richiedenti 

l'accesso agli ambitissimi spazi, che già hanno un costo di seimila 

dollari al giorno, oltre alle spese varie e di assicurazione. 

Design-mania, ora arrivano anche le 

sigarette griffate Giugiaro... 

Siamo sempre a Torino, e per un bel po' ci dovremo abituare a leggere 

notizie che - da sotto la Mole - ci portano nelle più disparate 

connessioni del design, di cui la città è capitale mondiale per il 2008. 

L'ultima viene da Giugiaro Design, studio torinese di Giorgetto 

Giugiaro, personaggio ormai saldamente nella storia del design italiano, 

creatore di automobili e progettista di oggetti che sono diventati 

parte integrante della nostra vita quotidiana. Che ora è stato scelto 

da British American Tobacco Italia per creare un'Edizione Limitata 

dello storico marchio italiano delle sigarette MS. "Un'occasione per 

far entrare il design nelle case degli italiani, ed offrire ai consumatori 

un oggetto ricco di italianità", come ha detto Francesco Valli, presidente 

di BAT Italia. "La mia società sin dalla sua nascita - ha 

aggiunto Giugiaro - ha sviluppato relazioni con società operanti su 

scala mondiale cercando di tradurre 

nel design e nel progetto quegli 

elementi di eleganza e distinzione 

specifici della nostra cultura". Sul 

fronte del pacchetto compaiono 

cinque ovali posti sotto al logo, 

che rappresentano le cinque 

varianti di cui è composta 

l'Edizione Limitata. 

Info: 06853763 

gerardo.depaoli@mnitalia.com 

Other Criteria, apre in primavera a 

Londra il primo art shop griffato 

Damien Hirst 

Fra gli oggetti in vendita ci sarà 

Happy Head, un cranio in plastica 

ricoperto di vernice luccicante, 

per la modica cifra di venticinquemila 

sterline, circa trentatremila 

euro. Ben più caro sarà il 

bracciale composto di tante 

diverse pillole d'oro, per il quale 

occorrerà sborsare oltre trecentomila 

euro. Più economico il set di dodici piatti decorati dall'artista: 

solo tredicimila euro. Qualcuno avrà già capito: l'artista 

è il sempre più irrequieto e versatile Damien Hirst, che 

aprirà in primavera a Londra il suo primo art shop, a 

Marylebone, nel West End. Si chiamerà Other Criteria, lo 

stesso brand della sua linea editoriale, e vi si potranno trovare 

anche oggetti più accessibili, dalle t-shirts alle cartoline, 

alle pubblicazioni dedicate al celebre titolare. Inoltre multipli di 

altri artisti come Michael Joo, Matt Collishaw e Thomas 

Scheibitz. Sotto a prenotare un low cost: potrete sempre dire 

di rientrare da oltremanica con un very-Hirst sotto la giacca... 

Exibart.onpaper 

numero 48 

anno settimo 

febbraio | marzo 2008 

DIRETTORE 

Massimiliano Tonelli 

STAFF DI DIREZIONE 

Marco Enrico Giacomelli 

(vicedirettore) 

Massimo Mattioli 

(caporedattore news e Exibart.tv) 

Elena Percivaldi 

SUPERVISIONE E 

PROGETTI SPECIALI 

Anita Pepe 

ASSISTENTE DI REDAZIONE 

Valentina Bartarelli 

IMPAGINAZIONE 

Athos de Martino 

REDAZIONE 

www.exibart.com 

Via Giuseppe Garibaldi 5 

50123 - Firenze 

onpaper@exibart.com 

INVIO COMUNICATI STAMPA 

redazione@exibart.com 

RESPONSABILE PRODOTTI 

PUBBLICITARI 

Cristiana Margiacchi 

Tel. +39 0552399766 

Fax. +39 06233298524 

adv@exibart.com 

RESPONSABILE PROGETTI 

COMMERCIALI 

Antoine Carlier 

DIRETTORE RESPONSABILE 

Giovanni Sighele 

STAMPA 

CSQ - Centro Stampa Quotidiani 

Via delle Industrie, 6 - Erbusco (Bs) 

TIRATURA 

65.000 copie 

ABBONAMENTO 

8 numeri x 19 euro 

info: http://onpaper.exibart.com 

IN COPERTINA 

Luca Francesconi 

Untitled, 2006-8 

_______________ 

EDITO DA 

Emmi s.r.l. 

Via Giuseppe Garibaldi, 5 

50123 Firenze 

VICE PRESIDENTE 

Artico Gelmi di Caporiacco 

DIRETTORE GENERALE 

Antonio Contento 

REGISTRAZIONE 

presso il Tribunale di 

Firenze n. 5069 del 11/06/2001


Pellegrinaggio obbligato. 

Nel 2009 aprirà al pubblico 

il castello di Vauvenargues, 

sepolcro di Picasso 

Finora i tanti viaggiatori sguinzagliati per la 

Provenza sulle orme degli artisti che vi hanno 

vissuto, e alla ricerca delle loro tracce, erano 

costretti a fermarsi davanti a quelle enormi 

cancellate, invariabilmente serrate. È sempre 

rimasto off limits per tutti il castello di 

Vauvenargues, 

nei pressi di Aixen-Provence, 

il cui 

giardino accoglie, 

dal 10 aprile 

1973, le spoglie di 

Pablo Picasso. 

Così aveva voluto 

l'ultima moglie 

dell'artista, 

Jacqueline Roque, e questo ha sempre rispettato 

l'attuale proprietaria Catherine Hutin, figlia 

della Roque. Ma nel 2009 le legioni di amanti 

del grande catalano avranno un motivo per 

tornare in Francia: in occasione della mostra 

Da Cézanne a Picasso, in programma tra giugno 

e settembre al Museo Granet di Aix-en- 

Provence, sarà possibile accedere anche al 

castello, che Picasso acquistò nel 1958 e dove 

visse dal 1959 al 1965. A dare l'annuncio il 

direttore generale della Reunión de los 

Museos Nacionales, Thomas Grenon, in occasione 

dell'inaugurazione al madrileno Centro 

Reina Sofía di una grande mostra dell'artista. 

Ma i "picassisti" di tutto il mondo dovranno 

afferrare al volo la chance: alla fine della 

mostra citata, i cancelli torneranno inesorabilmente 

a chiudersi... 

Karim Rashid firma per 

Bombay Sapphire. E il gin 

vola a ducentomila dollari a 

bottiglia... 

Eccedere con i superalcolici, si sa, è sicuramente 

pericoloso per la salute. Ma in certi casi può 

diventare 

molto vessatorio 

anche per il 

conto in 

banca. Ora poi 

può capitare di 

imbattersi in 

una bottiglia di 

gin, e giunti 

alla cassa sentirsi 

chiedere... 

duecentomila dollari. Sì, perché il noto designer 

Karim Rashid ha firmato una serie di cinque preziosissime 

bottiglie per Bombay Sapphire, 

azienda da sempre legata a doppio filo con la 

promozione delle arti visive e della creatività tout 

court. Realizzate con la collaborazione dei gioiellieri 

Garrard e del cristallo Baccarat, le bottiglie - 

raccolte nella serie Revelation - sono realizzate 

appunto in cristallo lavorato a mano, e decorate 

con zaffiri e diamanti. 

Parigi, è Guy Cogeval il nuovo 

direttore del Musee d'Orsay 

Nel suo curriculum figura anche un lungo soggiorno 

in Italia, come pensionnaire dell'Accademia di 

Francia a Villa Medici, a Roma. Dopo aver esordito 

come conservatore proprio al Musee d'Orsay, 

Guy Cogeval vi è stato ora richiamato per ricoprire 

la carica di direttore, in sostituzione di Serge 

Lemoine. Sotto la sua direzione l'Orsay ha incrementato, 

dal 2001, i visitatori da 1.7 a 3.2 milioni, 

arrivando ad allestire sedici mostre temporanee in 

un anno. Specialista di Édouard Vuillard, Cogeval 

vanta esperienze al Musée des Beaux-Arts de 

Lyon, è stato professore di storia dell'arte 

dell'Ottocento all'École du Louvre, poi ancora conservatore 

allo stesso 

musée du Louvre, come 

vicedirettore dei servizi 

culturali. Direttore del 

Musée des monuments 

français fra il 1992 e il 

1998, negli ultimi nove 

anni era stato alla testa del 

Musée des beaux-arts de 

Montréal, in Canada. 

Guy Cogeval 

GEAGRAFIE diario per immagini di gea casolaro 

Alcamo - 2007 

L'arte pubblica a Roma? Che la si butti tutta nelle foibe 

Il raffronto è impietoso, e forse anche inconcludente, eppure balza agli occhi e non possiamo ignorarlo. In Inghilterra - dovendo realizzare 

un'opera di arte pubblica, nella fattispecie una megascultura per il nuovo snodo ferroviario internazionale del Kent - si mobilitano 

con un concorso big internazionali del calibro di Richard Deacon, 

Christopher le Brun, Daniel Buren, e ben due Turner Prize winners, Mark 

Wallinger e Rachel Whiteread. 

E a Roma, la lanciatissima nel contemporaneo Roma? Gli ultimi nomi che 

tornano alla memoria in tema di arte pubblica capitolina sono quelli di 

Bruno Liberatore, autore della scultura Assalto all'Olimpo nei giardini di 

Piazzale Clodio, voluta dalla British American Tobacco, e di Giuseppe 

Spagnulo, con il dibattutissimo monumento ai caduti di Nassirya nei giardini 

al lato della basilica di San Paolo fuori le Mura costato un milione di 

euro. Ovvero quanto basta per mandare avanti un anno un buon centro 

d'arte contemporanea. Per carità, artisti professionisti, ma forse non proprio in linea con la Fontana dei Quattro Fiumi a Piazza Navona, 

o con l'obelisco di Santa Maria sopra Minerva, di Bernini. Forse non in linea con una città "trendy", come ama definirla il primo cittadino 

uscente. Solo le ultime tappe di una via crucis che configura come patetica l'offerta di arte pubblica in città. Un calvario che vede 

tra i degni decoratori della Città Eterna nomi di grande... richiamo internazionale come Claudio Palmieri (piazza Lodi), Igor Mitoraj 

(piazza Montegrappa), Sandro Sanna (piazza Re di Roma). Cittadini e appassionati potranno recarsi agli indirizzi indicati per valutare 

con i loro occhi il buon gusto della nostra classe dirigente. 

Ma il capolavoro i lungimiranti amministratori capitolini lo hanno tirato fuori proprio in questi giorni, con l'inaugurazione del monumento 

dedicato alle vittime delle foibe. Autore? Giuseppe Mannino. Non lo conoscete? Beh, se guardate bene il suo curriculum è stato 

addirittura presidente del consiglio comunale di Roma. 

Nella capitale d'Italia non ci si contenta di deturpare l'assetto urbano con interventi che risulterebbero osceni anche nella periferia di 

Lamezia Terme, ma contestualmente si marchia la città con una subalternità clamorosa rispetto a qualsivoglia altra capitale europea 

e occidentale. Condannandola ad un irrecuperabile gap anche in termini di arredo urbano e di arte pubblica. Per commemorare degnamente 

gli italiani infoibati, non sarebbe una cattiva idea caricare su un autotreno tutta la pessima qualità artistica vomitata nelle strade 

di Roma in questi ultimi anni e gettarla in qualche crepaccio carsico. I martiri delle foibe apprezzerebbero la provvidenziale performance 

in loro onore. Per contrappasso, laddove si gettarono gli italiani più coraggiosi commettendo un crimine, oggi si seppelliscono 

gli esempi dell'Italia più becera iniziando una nuova liberazione. (m. t.) 

Barack, Hillary o Neocon? L'artworld 

Usa si schiera… mano al portafogli 

Mentre continua la corsa alla Casa Bianca, 

gli art addict degli States - come da usanza 

invalsa da tempo - dichiarano pubblicamente 

i loro preferiti, ed anche i contributi elettorali 

elargiti, del resto pubblicati nel FundRace 

2008. Stando alle rivelazioni del portale artnet.com, 

a New York City circa ventisei milioni 

di dollari sono andati ai candidati democratici, 

contro gli 8.2 milioni per i repubblicani. 

Fra i fans democratici Agnes Gund, presidente 

emerito del Museum of Modern Art, ha 

contribuito a favore di Hillary Clinton (tremila 

dollari), John Edwards (duemila), Barack 

Agnes Gund 

Obama (duemila) e Bill Richardson (duemila). 

Bipartisan Leonard Lauder, con quattromilaseicento 

dollari a Rudy Giuliani e millesettecento a John McCain, 

bilanciati dai quattromiladuecento a Hillary Clinton e duemila a Joe 

Biden. Clintoniani di ferro il collezionista Peter Brant, l'esperta di 

Christie's Amy Cappellazzo, i galleristi Matthew Marks, Lawrence 

Salander, Sundaram Tagore. Per Obama invece Cecily Brown, 

Chuck Close, Eric Fischl, il collezionista Peter Norton, il gallerista 

Andrea Rosen. John McCain può contare su William Acquavella, 

mentre il collezionista Aby Rosen sostiene John Edwards, e lo squalo 

Larry Gagosian Christopher Dodd. 

Galliani e Giuseppe Verdi, l'eccellenza 

emiliana trionfa all'Opéra di Parigi 

Omar Galliani arriva a Parigi. Il direttore del Teatro dell'Opéra 

National de Paris, Gerard Mortier, ha infatti scelto la sua opera 

Nuove anatomie per rappresentare dal punto di vista iconografico 

la nuova produzione Luisa Miller - melodramma tragico in 

tre atti del librettista Salvatore Cammarano tratto dal dramma 

Kabale und Liebe (Amore e raggiro) di Friedrich Schiller, composto 

da Giuseppe Verdi nel 1849 - andato in scena per la 

prima volta a Parigi in lingua italiana lo scorso febbraio. Un prestigioso 

riconoscimento che ancora una volta mette l'artista al 

centro dell'attenzione internazionale, 

dopo il tour cinese, la Biennale di 

Venezia e la mostra al Gabinetto dei 

Disegni e delle Stampe degli Uffizi di 

Firenze. Più volte esposta e premiata 

sia in Asia che in Europa, l'opera ora 

arriva trionfalmente in uno dei più prestigiosi 

teatri mondiali per rappresentare 

il lavoro di un altro italiano, 

Giuseppe Verdi, unito all'artista dalla 

stessa terra d'origine, l'Emilia, e ora 

anche da un volto femminile in cui 

qualcuno ha rintracciato i caratteri espressivi della stessa Luisa 

Miller, protagonista del dramma verdiano. (francesca baboni)

16.popcorn Exibart.onpaper 

piattoforte 

galleristi ai fornelli 

Rosanna Magrorocca 

Galleria Magrorocca / Milano 

SGOMBRI ALLA CALABRESE 

Pulire e sviscerare i pesci privandoli della testa. 

Preparare una farcitura con un impasto di pangrattato, 

olio, sale, prezzemolo tritato, pecorino grattugiato, capperi 

triturati. Aprire gli sgombri e riempirli con la farcitura, 

disporli in una pirofila, irrorare d'olio e cuocerli in forno. 

Per 4 persone. 

Ingredienti 

4 sgombri da circa 250g cadauno 

pangrattato 

prezzemolo 

pecorino grattugiato 

capperi 

olio extravergine d'oliva 

sale 

il prossimo piattoforte sarà servito da 

Pio Monti - Galleria Pio Monti (Roma / Civitanova Marche) 

indovinachi... 

di Laurina Paperina 

Chi è questo personaggio del mondo dell'arte? 

La soluzione dello scorso numero: Maurizio Cattelan 

pianob 

prendi l’arte e mettila da parte 

Nicola Gobbetto, se le cose si mettono male… 

«farò il porno attore, il boscaiolo/taglialegna, 

un famoso giocatore di baseball...» 

federico solmi ci rivelerà il suo pianob sul prossimo numero 

rsvp 

invito the best 

Difficile capire di che si tratta, eh? Beh, 

innanzitutto sappiate che le colpevoli 

sono il duo goldiechiari. Dopodiché 

considerate che l'oggetto in questione 

è uno di questi sex toys che 

van di moda ora. In quel bislacco 

intersecarsi tra oggetti da sexy shop 

e raffinato design contemporaneo. Un 

sex toys per uomo, nella fattispecie. 

Suvvia aguzzate un poco l'immaginazione. 

Ebbene le due artiste non solo 

hanno scelto questo sconcio soggetto 

per il loro invito (in occasione della loro 

mostra presso VM21, via della Vetrina 

21, Roma, fino al 29 marzo), ma hanno 

recapitato a casa dei malcapitati un cartoncino 

sagomato, con la precisa forma 

del giocattolo erotico. Impertinenti. 

à la une 

la copertina d'artista raccontata dall'artista 

Luca Francesconi - Untitled, 2006-8 

L'opera per l'immagine di copertina di 

Exibart.onpaper è senza titolo. Ma i materiali in 

questo caso sono estremamente importanti per 

avere una lettura più corretta del lavoro: germogli 

di carrubo e nero di seppia masticato con big bubble. 

Questi tre elementi, così incongruenti tra loro, 

mi hanno molto affascinato per le loro caratteristiche. 

Il carrubo è un grande albero un tempo 

molto coltivato in quanto i suoi baccelli erano 

nutrimento per gli animali da soma, ma se ne possono 

trarre anche ottimi dolci. I germogli in crescita 

più che frutti ricordano coltelli affilatissimi ed 

effettivamente fendenti. La big-bubble è una 

gomma da masticare molto diffusa negli anni 

Ottanta. Il nero di seppia è un inchiostro che questi 

cefalopodi emettono quando si sentono minacciati. 

I campi semantici dei tre elementi e le loro 

possibili intersezioni sono il significato dell'opera. 

Luca Francesconi (Mantova,1979) 

prossima copertina: Francesco Carone 

Stanno lavorando alla copertina d'artista: 

Perino&Vele, Laurina Paperina, Patrick 

Tuttofuoco, Stefano Cagol, Gian Paolo Tomasi, 

Gabriele Picco, Debora Hirsch, Mauro Ceolin, 

Alvise Bittente, Loris Cecchini, Adalberto Abbate, 

Pablo Echaurren, Michele Bazzana, Daniele 

Girardi, Nicola Verlato, Giuseppe Stampone.

photo Sally Ni 

Exibart.onpaper oroscopo.17 

Sophie Calle - Il serpente d'acqua 

I nati sotto il segno del Serpente hanno generalmente un carattere molto gioioso, divertente, 

ironico e appassionato e sono contemporaneamente dei tipi concreti e realisti. 

Dotati di grande immaginazione, i Serpenti hanno una grande cura dei rapporti sociali 

ed intendono l'altro come una estensione del sé e un tramite attraverso cui misurare 

il proprio equilibrio psichico. Vivono l'amore come un'altalena di stati d'animo che si contrappongono 

e con intensità diverse, spingendo sull'acceleratore solo quando serve, 

per evitare i fallimenti, su cui ripongono il loro umore malinconico e turbato con un 

senso di frustrazione e di perdita. Sophie Calle è un Serpente d'acqua. Il suo senso 

sociale vive proprio attraverso l'arte, che, per certi versi, incarna il metodo attraverso 

cui si chiede sulla propria femminilità fino a farlo diventare un dialogo con se stessa, in 

quanto donna. All'ultima Biennale (Padiglione francese) ha preso di petto proprio que- 

Ariete. Venti di crisi generazionale, per quel Plutone 

storto che ammaina le bandiere: la condizione di instabilità 

politica è un fatto globale, tanto che uno dei maggiori 

decostruttori di bandiere americane, Jasper Johns, si slancia 

anche in un dichiarato supporto politico, lasciando intendere, 

in occasione della sua mostra a Chelsea, che l'unica speranza di 

cambiamento è nella vittoria di Barack Obama, anche se questa 

propone all'America razzista di riportare i Repubblicani al 

Governo o un nuovo attentato al presidente. Profetico o astrologo, 

di certo le stelle le ha viste al posto giusto. 

Toro. L'eros platonico di Plotino in agguato in settima 

casa (chiusa) ci svela un'importante questione estetica 

nei suoi risvolti più ilari: la crisi del nudo in arte non è una 

scelta estetica, ma un argomento di pura economia. Lo dimostra 

lo sciopero nazionale delle modelle delle Accademie, stanche dei 

miseri venticinque euro lordi l'ora. Uno spettacolo senza precedenti 

guardarle incazzate vestite. Figuriamoci nude. 

Gemelli. I satelliti collidono con Venere in rapido passaggio 

nel segno, ed insieme si incrociano sulla via celeste della 

luna digitale generando veri e propri mostri dell'immaginazione: 

come quel caso stravagante comparso su Youtube, perturbante 

quanto il canale che lo offre, in cui una sexy hostess si spoglia 

e si masturba e condivide l'atto gioioso, lasciando sperare in un bordello 

tra le nuvole. Tutto all'aria invece, dopo la scoperta di un giornalista 

che ha messo in crisi tante testate, tra cui il Tgcom, vittime 

del viral marketing di pochi furbi che hanno clonato un film porno per 

smerdare la stampa sempre in cerca di scoopate facili. 

Cancro. È il momento dei miracoli veri, con quel Giove 

a tutto tondo, che lascia ben sperare nel successo 

lavorativo. Come a Roma dove, in attesa della "via 

all'Arte Contemporanea", dalla scalinata di piazza di Spagna piovono 

palle, grazie a Graziano Cecchini, già insanguinatore 

LETTERE 

capasso e le stelle. 

Considerato il grande numero di email ricevute dobbiamo scusarci con coloro cui non abbiamo potuto rispondere. Lo faremo nei prossimi numeri. Continuate a inviarci lettere ironiche e divertenti 

Caro Capasso, 

come vedi un rilancio del connubio 

ARTE/MONNEZZA? Non mi riferisco al 

vecchio concetto dell'object trouvée, né 

tanto meno alle noiose e didascaliche 

prese di posizione ecologically correct, 

ma proprio al significato della spazzatura 

in sé che si fa arte, o, come spesso 

accade, all'arte-spazzatura tout court. 

Dopo che anche Hirst ci ha deliziato con 

le sue riflessioni su Napoli, non pensi ci 

sia roseo futuro per la garbage art? 

un saluto al profumo di rose 

Mariangela P. 

Cara Mariangela, 

Il riciclaggio, il recupero, l'ecologia e la 

questione ambientale sono temi che 

appartengono alla vita, sia a quella più 

squallidamente napoletana dei tempi 

presenti, del babà rancido e ammuffito, 

mascherato della Fontana di Trevi, che sfida le celebrità dell'arte 

inventandosi Futur Palla, l'artista futurista che costa cinquanta 

euro a palla, e ne ha più di due... 

Leone. Con quel caldo Saturno abbronzato e suadente, 

la cosa migliore è andare a nord, anzi cercare un vero 

nord dove raffreddare i bollenti spiriti. E allora prendete 

spunto dalla bellissima "True North", inaugurata al Guggenheim 

di Berlino, che propone una seria riflessione sul paesaggio, con 

artisti di passaggio, da Roni Horn a Olafur Eliasson, Elger Esser, 

Armin Linke, per sentire il freddo penetrare nei muscoli densi dell'arte. 

Brrr... finalmente un'esperienza glaciale. 

Vergine. Se quel pallido Mercurio vi porta cattivi presagi, 

non vi resta che ascoltarlo. Tutto muore, anche gli amori 

più intensi, come quello per la Polaroid, macchinetta delle 

meraviglie, compagna di tante stelle dallo scatto automatico in 

cerca di un'immagine istantanea: Schifano, Warhol, Jorge Molder. 

Bilancia. Se appartenete alla schiera vanitosa delle 

Fashion Victims, l'abbinamento di Saturno e Venere in 

prospettiva armonica vi chiede di aggiornarvi a favore 

della più totale tendenza del Design Victims, come indica sapientemente 

Jean Philippe Delhomme: la viralità della perfezione ha 

intaccato il nostro sguardo privandoci di ogni naturalezza o grezza 

scoperta. Ma se l'arte ha prodotto la merda d'artista, feticcio 

puzzolente del rifiuto organico che diventa pensiero e forma, il 

Design senza idee, puramente virale, può al massimo confezionarla: 

stato finale del ready made. 

Scorpione. Col vostro Saturno finalmente decorso in 

Paradiso, celebrate con lo spumantino italiano la grandezza 

e saggezza del Bel Paese, che affascina anche Mick 

Jagger, sbellicatosi dalle risate nel guardare i grandi Vecchioni del 

Senato stappare la boccia alla definitiva caduta del cadavere di 

scippato in qualche ospedale di malasanità, 

sia quella più trendy londinese. 

Quello che ci distingue non è la raccolta 

differenziata, quanto il senso etico con 

cui si compie qualsiasi gesto quotidiano. 

È molto difficile parlare di arte in un 

paese dove tutto si trasforma in spazzatura, 

e soprattutto, male ancor più 

grave, nessuno si degna di raccoglierla. 

Siamo in lutto su ogni fronte, al di là di 

qualsiasi cinica battutina da avanspettacolo. 

Anche le Stelle su tematiche così 

importanti tacciono. Amen. 

Caro Capasso, 

sono un pittore dell'ultima ora (nel senso 

che un'ora fa facevo lo scultore) e mi 

sono appena fidanzato con un'artista 

performer di Venezia. Fa certe performance 

che non posso raccontarti qui, 

magari ti mando delle foto. A che indiriz- 

zo posso mandartele? Cosa prevedi per 

questo mio nuovo amore? 

Ottavio F. 

Caro Ottavio, 

Mandami direttamente la performer. 

L'indirizzo ce l'hai! "Rintracciarmi non 

sarà un problema", come diceva 

Renatino nazionale amato dalle mamme 

e studiato dai curatori gay non dichiarati. 

Colgo l'occasione per ringraziare tutti 

gli artisti che quotidianamente mi intasano 

il water ready made digitale con le 

loro immaginazioni fetenti, ma comunque 

molto ironiche e divertenti. Per il tuo 

amore, magari interpello pure loro. Che 

ne pensi? 

Caro Capasso, 

Sono uno dei tanti curatori raccomanda- 

esercizi di astrocritica sul futuro incerto dell'arte 

sto dialogo interpersonale al femminile raccogliendo dal caso una sollecitazione esterna 

alquanto significativa: "Ho ricevuto una mail di rottura. Non ho saputo rispondere. 

Come se non fosse indirizzata a me. Terminava con le parole: Abbia cura di sé. Ho 

preso la raccomandazione alla lettera. Ho chiesto a centosette donne, scelte in base al 

loro mestiere, di interpretare questa lettera da un'angolazione professionale. 

Analizzarla, commentarla, recitarla, danzarla, cantarla. Esaurirla. Capire al posto mio. 

Rispondere per me. Un modo di prendere tempo per rompere. Prendermi cura di me". 

Ognuna delle donne interpellate da Sophie ha dato la sua interpretazione per iscritto, o 

a voce, o con i gesti di quella affermazione rielaborando un’angoscia esistenziale seconda 

proiezione concreta del quotidiano, tipica di un Serpente d'acqua, che striscia 

lasciando una scia visibile soltanto attraverso le onde che genera. Marina e Ulay Abramovic 

Prodi. Tempestiva, questa morte, ha scongiurato la minaccia di 

nuovi pensionati eccellenti, porterà con sé definitivamente Serena 

Dandini, Chiambretti, tutta la satira di sinistra, ed anche il Grande 

Ministro Mussi, il primo Ministro della storia che non ha capito neanche 

a quale ministero apparteneva: si è schierato con le lotte operaie 

dimenticando i professori, gli insegnanti, la ricerca universitaria, 

la cultura, la sapienza... Come direbbe Sgarbi: vate retro. 

Sagittario. Evvai! Con due saltelli e una toccatina vi 

slanciate sulla pista dei segni favoriti, ricordando 

Michael Jackson che oggi celebra i venti anni di Thriller, 

ma senza zombie al chiaro di luna perché la metamorfosi in atto 

potrebbe procurarvi sogni infantili maniacali poco proficui. 

Capricorno. Non preoccupatevi, la crisi economica che 

v'investe è generazionale. L'Istat lancia l'allarme: in Italia ci 

sono famiglie che campano con millesettecento euro 

mensili, e ancora una volta una fetta della società, quella degli addetti 

alla cultura, tra docenti, curatori, scrittori e giornalisti precari rimane 

occultata... saranno i prossimi barboni della mensa vaticana. 

Acquario. È il momento di godervi il vostro amore in 

perfetta privacy, ma con qualche slancio trasgressivo, 

e quindi approfittando della luna sacra scegliete di votarvi a San 

Frattamo piuttosto che a San Valentino, perché il secondo vi chiederebbe 

qualche prestazione extra. 

Pesci. Finalmente, passato Saturno in Scorpione, potete 

liberare la fantasia e spaziare con i sogni. Magari con 

Koichi Wakata, il primo astronauta giapponese che avrà 

la missione di lanciare una flotta di cento aeroplanini di carta per 

capire il destino di quelle creature nel loro passaggio interstellare: 

finiranno sulla terra? Magari sui tetti di una grande 

città/discarica? O molto semplicemente rientreranno nella 

mente di chi li ha creati? Come la magia dell'arte impone… 

ti dalla politica. Ora che è caduto il governo 

che faccio? Mi butto a destra? Qual è 

l'arte di destra? 

Pippo B. 

Caro Pippo, 

Gli stronzi di Riace sono la perfetta 

espressione del tipo di arte che cerchi. 

Li vedo ogni tanto passare con la mano 

tesa, il cappellino barilla e la camicia 

dark, col manganello e il pisellino pronto 

all'esibizione totale. Tu preparati un inno 

personale, che mi sembra una bella 

soluzione italiota in risposta a tutti gli 

inni fast food che stanno uscendo fuori. 

Ma chi ti dice poi che vince la Destra? 

Sei un mancino masochista? 

Comunque, visti i Santi in paradiso, avrai 

sicuramente più fortuna di me che amo 

"il cielo stellato sopra di me", e la legge 

morale che rode dentro. Auguri. 

Scrivi a Capasso, invia la tua lettera: stelle@exibart.com


VIVA IL MAXXI, SALVATE IL MAXXI 

Il museo romano progettato da Zaha Hadid, contro ogni fosca previsione, è pronto. O quasi. Per contribuire all'identità di un'area che somiglia sempre più a un parco architettonico di altissimo profilo. Con nomi 

quali Piano e Nervi. Troppo bello per essere vero? In effetti, a riportare il tutto alla classica superficialità italiana, ci pensa una Città. Quella "delle Scienze e della Tecnologia". A firma dell'ingegner Fabio De Santis... 

Dopo molte occasioni in cui ci è toccato parlare di rinvii, dubbi 

e incertezze, finalmente possiamo dare una notizia positiva sul 

futuro del Maxxi, il romano Museo Nazionale delle arti del XXI 

Secolo: con una improvvisata festa e brindisi che ha coinvolto 

tecnici e maestranze, si sono conclusi i lavori strutturali sul 

cantiere di Zaha Hadid. Certo, ancora per vedere il traguardo 

dell'inaugurazione mancano tutte le opere di rifinitura, impiantistica 

e arredi, ma di certo il passo compiuto è decisivo. Come 

decisivo, per raggiungere l'obbiettivo, si è rivelato lo stanziamento 

di cinquanta milioni di euro contenuto nella finanziaria 

2007, che ha fatto imboccare ai lavori la giusta marcia. Non ci 

resta quindi che complimentarci con i responsabili dell'impresa 

che, malgrado le recenti turbolenze politiche e il contestato 

spostamento di Pio Baldi dalla guida della Darc, sono riusciti a 

condurre in porto l'impresa. Dopo aver realizzato il Museo 

delle Arti del XXI Secolo, però, il Ministero dei Beni Culturali - 

e chi mai sarà il prossimo ministro - è chiamato già a salvarlo. 

Sì, perché nei meandri dell'amministrazione e nelle pieghe 

delle scelte-a-casaccio di un ministero, ci ritroviamo un ecomostro 

pronto a deturpare quello che (tra Maxxi, Auditorium, 

Foro Italico e Palazzetto dello Sport) è un vero e proprio parco 

architettonico internazionale. Sia chiaro: il giudizio del regno 

Rutelli al Collegio Romano non è affatto negativo. L'ex presidente 

della Margherita si è dimostrato abile politico e fine decisionista 

su ampie e complesse partite. Dal paesaggio all'arte 

contemporanea. Su due cose è risultato tuttavia bislaccamente 

attaccabile. Le nomine dei soprintendenti (e non ci riferiamo 

solo all'ultimissima tornata) e l'approvazione dello sconcio progetto 

della Città delle Scienze e della Tecnologia. Un edificio in 

stile anni '30 (ma anni '30 in economia, mica razionalismo di 

rango) che planerà in uno spiazzo accanto al Maxxi e che sarà 

inaugurato - se tutto andrà male - nel 2011. Per festeggiare il 

centocinquantesimo dell'Unità d'Italia. E così nel quartiere 

Flaminio, tra gli eclettici palazzi signorili e le realizzazioni di 

Pier Luigi Nervi, Renzo Piano e Zaha Hadid, ci ritroveremo 

l'indifendibile costruzione che documentiamo in questo articolo. 

Badate, non è uno scherzo o un malaugurato auspicio dell'attuale 

ministero caduto con il Governo. Niente di tutto ciò. La 

Città delle Scienze si farà eccome, la gara d'appalto si è già 

conclusa, le buste sono state aperte e a giorni vi sarà l'aggiudicazione 

dei lavori. Dotazione di tutto rispetto: trentadue milioni 

di euro. I cantieri? A settembre. E i festeggiamenti per la fine 

delle opere a cemento del Maxxi, di cui parlavamo all'inizio, 

segnano proprio la liberazione di quell'area dove il nuovo edificio 

sarà impiantato e dove fino a oggi erano montate le betoniere 

di servizio al cantiere di Hadid. Eh sì, perché oltre a un'estetica 

di scarsissima caratura, il palazzo ha anche una prestigiosa 

ed esclusiva caratteristica che lo rende unico e imbattibile 

nella sua assurdità: verrà costruito praticamente addosso 

al Maxxi. Come documentiamo dalle immagini 

e nelle planimetrie estrapolate dal sito www.italiaunita2011.it 

(dove si trovano, nei più profondi 

dettagli, questo e gli altri progetti cui lo Stato sta 

www.italiaunita2011.it 

Firenze si perde il ristorante Falai. 

Per colpa (anzi per merito) di Christo 

dando in questi giorni la stura per 

il traguardo del 2011), il nuovo 

museo di Zaha Hadid si troverebbe 

- già durante l'inaugurazione 

- a dover convivere con un 

cantiere a pochissimi metri di 

distanza. Rumore, polveri, disordine 

addosso al finalmente inaugurato 

Beaubourg italiano. Che, 

in seguito, dovrà fare i conti con 

un intruso non previsto e tutt'altro 

che gradito. Alto, tozzo, squadrato. 

Nato vecchio. Meno affascinante 

e meno contemporaneo 

di un 

Motel Agip. Ma quale 

è la griffe che avrà il 

prestigio di andare 

ad affiancarsi alle 

archistar nel parco 

architettonico del 

Flaminio? Tale ingegner 

Fabio De 

Santis, che prefigura 

in buona sostanza 

una soluzione "in 

house", utilizzata 

anche per progettare 

una delle altre opere 

previsto per Italia 2011: il Parco 

della Musica e della Cultura di 

Firenze sul quale - purtroppo - avremo 

modo di tornare nei prossimi 

mesi. Una progettazione "interna", 

redatta direttamente dall'ufficio tecnico 

della "Missione" ministeriale 

dedicata alle celebrazioni del 2011. 

Ad avvalorare la tesi di chi grida allo scandalo estetico-architettonico 

si aggiunge dunque questo dato, più urbanistico che 

architettonico, della vicinanza; del fatto che i due musei sarebbero 

l'uno addossato all'altro; della assoluta miopia nel privare 

il Maxxi di un'area che sarebbe naturalmente di sua competenza 

e utilità per servizi, parcheggi, mostre all'aperto e quant'altro. 

Insomma, in sintesi, ecco cosa sta per ottenere questo 

progetto: 

- violenta un grande progetto, quello di Hadid, che condurrà 

ancor più Roma tra le città regine dell'architettura contemporanea; 

- propone, nel cuore della Capitale, un'opera oggettivamente 

di pessima architettura; 

- deturpa un'area ad altissimo tasso di qualità 

architettonica; 

- denomina pomposamente Città delle 

Scopriamo con piacere la figura di Iacopo Falai, chef fiorentino giovane e già famoso, che da qualche anno 

spadroneggia in quel di New York City con caffé, panetterie e ristoranti in zona down town. Con piacere perché 

anche Falai ci aiuta a individuare una tendenza che abbiamo già da tempo sottolineato e palesato (basti 

pensare alle due pagine che dedicammo agli chef piemontesi nel nostro speciale piemonte uscito in occasione 

della scorsa Artissima). La tendenza è semplice: il mondo dell'arte 

e quello della gastronomia di qualità convergono sempre di più. E dunque 

non mancano cuochi interessati, appassionati, attenti a ciò che succede 

dalle nostre parti. 

Perché i tuoi locali sono tutti bianchi, chiede Marco De Martino a Falai, 

in una recente intervista pubblicata da Panorama: "Non per seguire i 

consigli di qualche famoso designer d'interni, ma perché mi sono innamorato 

dell'arte di Matthew Barney", risponde. Prima di New York facevi 

il pasticcere a Firenze, all'Enoteca Pinchiorri, tornerai un giorno a lavorare 

nella tua città? "No, ho deciso di tornare in Italia, ma a Milano, non 

a Firenze. Firenze è troppo tradizionale ed ho deciso di starne alla larga da quando la città ha rifiutato la 

proposta di Christo di impacchettare il Duomo". 

Giusto per dire quanto conti, anche e soprattutto in termini di marketing territoriale, una scelta amministrativa piuttosto 

che un'altra in un settore, il contemporaneo, ormai sotto gli occhi di tutti. Pure degli chef e dei loro investimenti. 

All'aperto, con Daniel Buren anche la Fondazione Zegna entra nell'arte contemporanea 

Novità in vista per il già vivace panorama contemporaneo piemontese, e novità legate a un nome 

"pesante" come quello di Zegna, storico lanificio biellese ormai evoluto a brand del fashion di 

lusso di livello globale. Attiva fin dal 2000 con progetti in ambito culturale, sociale, medico ed 

ambientale, la Fondazione Zegna ha ora deciso di ampliare il suo raggio d'azione portando il 

suo contributo anche nell'arte contemporanea. La scelta di introdurre l'arte contemporanea nei 

luoghi che hanno visto l'avvio delle attività dell'azienda si lega alla storia di Ermenegildo Zegna, 

che a partire dagli anni Trenta volle intervenire sul territorio locale per offrirne una nuova fruibili- 

Scienze una semplice palazzina che 

fa tenerezza rispetto alle Città della 

Scienza come sono internazionalmente 

intese; 

- costringe l'ambito urbano-architettonico 

del Maxxi, che sarà di grande 

attrattiva turistico-culturale a partire 

dall'inaugurazione del 2009, a mesi 

e mesi di cantiere. 

Col risultato finale di regalare alla 

città una struttura che, per riprendere 

le parole del professor Giorgio 

Muratore della Facoltà di Architettura 

de La Sapienza, è "talmente becera 

e offensiva che verrebbe cestinata 

anche nella più sperduta e depressa provincia 

subtropicale". Il tutto anche perché, a sentire 

Giuseppe Strappa che scrive sulla rivista 

(h)ortus, "il disegno di un'opera tanto attesa e 

importante avrebbe dovuto coinvolgere le forze 

vive che operano per trasformare la città. Al contrario 

è stato eseguito quasi in segreto, con un 

metodo sul quale il presidente dell'Ordine degli 

Architetti di Roma, Amedeo Schiattarella, ha 

peraltro posto un problema di legittimità con convincenti 

argomenti. Ponendo, tra l'altro, la questione 

del perché parte della progettazione sia 

affidata alle imprese, del 

perché proprio lo Stato, 

committente dell'opera, non 

si ponga il problema della 

qualità dell'architettura (di 

come e chi abbia scelto i 

progettisti) proprio quando il 

ministro Rutelli afferma che 

gli architetti hanno perso 

l'occasione storica di 

costruire la città". L'opinione di Luigi Prestinenza Puglisi non si 

discosta di molto da questo adagio: "A mio parere è un progetto 

molto mediocre. Ma il problema più grave è di metodo: non 

si può chiamare Città della Scienza e della tecnologia un 

museo-palazzina di poche migliaia di metri quadrati e, per di 

più, metterlo in un'area tanto delicata senza prima aver fatto 

una consultazione internazionale. Sapendo tuttavia che chi 

l'ha proposto è un politico navigato, mi chiedo se non abbia 

lanciato il progetto mettendo nel conto l'ipotesi che si sarebbe 

arenato per le inevitabili proteste che avrebbe suscitato". Non 

resta da sperare che il ministro della Cultura, nelle poche settimane 

nelle quali sarà ancora inquilino del Collegio Romano, 

sia nelle condizioni di porre rimedio. In fretta. Senza lasciare la 

polpetta avvelenata al prossimo governo. E al prossimo sindaco 

della capitale. Che poi sarà lui medesimo... 

[m. t.] 

Papesse addio. Inaugurata l'ultima mostra 

nel rinascimentale palazzo senese 

Le voci si rincorrevano da un po', ed ora sembra 

abbiamo trovato conferma, ed anche una 

proiezione sugli sviluppi futuri. Il centro d'arte 

del Palazzo delle Papesse di Siena lascerà a 

breve la sua storica sede di via di Città, dalla 

quale ha preso anche il nome. La mostra inaugurata 

il mese scorso - .za - giovane arte dal 

Sudafrica - sarà quindi l'ultima allestita nelle 

prestigiose sale, e possiamo anticipare che 

nel corso dell'anno le attività senesi per l'arte 

contemporanea si sposteranno in Santa Maria 

della Scala, inizialmente a Palazzo 

Squarcialupi e poi nel 2010 in spazi definitivi. 

Uno spostamento che in futuro potrebbe presentare 

anche un interrogativo sul nome del 

centro: mantenere Palazzo delle Papesse, 

ormai universalmente noto ma ovviamente legato alla location, oppure 

optare per una soluzione diversa? 

Inaugurazione: giovedì 29 maggio 2008 

cristiana.rota@fastwebnet.it 

www.fondazionezegna.org/allaperto 

tà alla sua comunità. Il progetto All'aperto, che debutterà alla fine di maggio a cura di Andrea Zegna e Barbara Casavecchia, prevede la realizzazione 

a Trivero - proprio il paese della sede dello storico lanificio - di progetti site-specific dall'impatto ridotto sull'ambiente, focalizzati sul 

concetto di visibilità e percezione, che spingano gli spettatori a intraprendere "esplorazioni" individuali. Avvalendosi di un Comitato Scientifico 

composto da Michelangelo Pistoletto (Cittadellarte), Salvatore Lacagnina (Galleria Civica di Montevergini Siracusa), Catia Riccaboni 

(Fondation de France), Tom van Gestel (SKOR, Amsterdam). L'artista invitato a svolgere il primo intervento è il grande Daniel Buren 

(Boulogne-Billancourt, 1938), che con l'opera Le banderuole colorate incornicia il perimetro delle terrazze panoramiche del Lanificio Zegna 

con un arcobaleno di 135 bandiere, fluttuante tra verde e azzurro. Incornicia, non incornicerà, visto che per coinvolgere maggiormente il territorio 

per il quale è stato pensato, i curatori hanno ideato per le scuole materne, elementari e medie di Trivero alcuni laboratori sul tema del colore, che dal gennaio 2008 impegnano bambini 

e docenti, anticipando l'arrivo del lavoro di Buren e approfondendone i significati.


ASPETTANDO LA FONDAZIONE MAXXI 

In occasione della fine dei lavori in muratura del Maxxi, il primo grande centro d'arte contemporanea statale in Italia (con una trentacinquina d'anni di ritardo su tutti gli altri Paesi), 

intervistiamo Anna Mattirolo, direttrice del MAXXIarte. Per scoprire quali saranno i passi che il grande museo romano dovrà compiere in vista dell'inaugurazione prevista tra un anno… 

Pochi giorni fa è stata festeggiata la fine dei lavori a 

cemento nel cantiere del Maxxi. Qual è stato l'attimo in cui 

ha capito che era possibile farcela? 

Diciamo che la certezza che il progetto sarebbe andato a termine 

l'ho avuta soprattutto quando il ministro Rutelli lo ha 

indicato tra le priorità del ministero ed ha ottenuto i fondi 

necessari per la sua conclusione… 

Il Maxxi avrà due anime. Che rapporti di forze ci saranno 

tra arte e architettura? 

La novità del progetto culturale sta proprio nell'interagire delle 

due discipline; gli spazi saranno condivisi spesso per progetti 

comuni. Naturalmente le due collezioni troveranno la loro collocazione 

più stabile in spazi individuati grazie alle proprie 

caratteristiche e alla loro necessaria fruizione. In questo senso 

l'arte avrà necessariamente bisogno di spazi più ampi. 

Oltre alle strutture avrete a disposizione una vera e propria 

piazza urbana. Cosa ci farete? 

Il progetto Hadid ha anche la caratteristica di porsi con un 

valore aggiunto che è proprio a carattere urbano. Il MAXXI 

cambierà il volto di un intero quartiere, che troverà in quella 

"piazza" il luogo dedicato alla migliore creatività contemporanea. 

L'ex direttore generale Pio Baldi stava lavorando alla 

governance del museo. Come andranno avanti questi progetti? 

Triennale di Milano, dopo Cedroni alla Bovisa, ecco Cracco al 

Coffee Design. Purché non sia un ghost-chef... 

Sarà il grande Carlo Cracco a curare i servizi di ristorazione del Coffee Design e della Caffetteria all'aperto 

alla Triennale di Milano. Il giovane chef - uno dei più affermati della 

cucina creativa internazionale, già selezionato all'interno della 

mostra The New Italian Design come uno degli esponenti di spicco 

del Food Design italiano - sarà alla guida del servizio offerto da 

Autogrill, che è già presente in importanti siti internazionali legati 

al mondo della cultura, dal Museo del Prado a Madrid ai Giardini 

di Versailles e il Carrousel du Louvre a Parigi, fino all'Empire State 

Building, a New York. Il Coffee Design avrà un'offerta culinaria 

interamente curata da Cracco, al punto da cambiare nome in 

Cracco Coffee Design: "È un'operazione che intraprendiamo non 

solo per la Triennale, ma soprattutto per la città di Milano," - spiega 

lo chef - "che possa finalmente raggiungere la qualità dei più grandi musei del mondo, come il Centre 

Pompidou, il Guggenheim, il Moma e il Palazzo delle Esposizioni. Credo che sia doveroso e naturale fornire 

alla città e alla Triennale di Milano un livello di ristorazione adeguato ai più alti standard". E questo è anche il 

nostro auspicio: dopo Moreno Cedroni alla Triennale Bovisa, il coinvolgimento di Cracco conferma un 

approccio alla cucina che, se fa piacere perché mescola i grandi chef al mondo dell'arte, lascia perplessi perché 

nega ai ristoranti dei musei una presenza vera di un cuciniere, a vantaggio di una fredda consulenza che, 

peraltro, lascia solitamente delusi i clienti più attentamente gourmet. Speriamo di essere smentiti, stavolta e 

anche per le future scelte di musei italiani in fase di apertura, come Museion, Macro e Maxxi... 

La Galleria Comunale d'Arte Contemporanea di Monfalcone cresce. 

Sulla carta… 

Giunge al terzo appuntamento la campagna di acquisizioni di disegni di giovani artisti portata 

avanti dalla Galleria Comunale d'Arte Contemporanea di Monfalcone, che ha sempre guardato 

con interesse alla pratica dell'immagine sottile. Come di consueto l'ingresso delle opere nella 

collezione è stato celebrato da una mostra e da una pubblicazione con un'intervista a ciascun 

artista ed una dettagliata biografia. Imago 02 ha visto la presenza di Emanuele Becheri, 

Matteo Bergamasco, Lorenza Boisi, Benny Chirco, Francesco De Grandi, Marina Ferretti, 

Paolo Gonzato, Diango Hernández, 

Imago 02. Opere per la collezione della Galleria 

Comunale d'Arta Contemporanea di Monfalcone 

Catalogo con testi di Andrea Bruciati, Micaela 

Giovannotti, Pericle Guaglianone, Aaron Moultin, 

Alberto Mugnaini, Francesca Pagliuca, Alberto 

Zanchetta; 15 euro 

Info: 0481494369 

galleria@comune.monfalcone.go.it 

www.comune.monfalcone.go.it 

Tadashi Moriyama, Klaus Pobitzer, 

Luigi Presicce e Nicola Verlato, cui è 

stata dedicata una personale negli spazi 

della galleria. Le opere si aggiungono a 

quelle di Stefano Calligaro, David 

Casini, Ericailcane, Bruna Esposito, Matteo Fato, Neil Farber, 

Norma Jeane, Ivan Malerba, Dacia Manto, Andrea Mastrovito, 

Ozmo, Perino & Vele, Gabriele Picco, Anila Rubiku, Sissi, 

Nicola Toffolini e Nico Vascellari, già presenti nella collezione 

dello spazio goriziano. (d. c.) 

"Pizza e birra media, grazie". 

Anche così a Venezia si restaurano i monumenti... 

Nel suo nuovo ruolo Pio Baldi sta infatti 

lavorando per la creazione della 

Fondazione MAXXI e so che è in dirittura 

d'arrivo. 

Come è composto il vostro organigramma? 

L'organigramma sarà in linea con le direttive 

degli standard museali indicati dal 

Ministero e, dunque, risponderà alle esigenze 

reali del Museo. 

Il cliente ideale, in quest’ottica, è quello che ordina la pizza Venezia, con frutti di mare e scampi 

alla busara, che contribuirà con ben un euro. Ma tutti i clienti della catena di Pizzerie Ae Oche, 

comunque, contribuiranno con dieci centesimi per ogni coperto. A cosa contribuiranno? Alla valorizzazione 

del patrimonio artistico di Venezia, in collaborazione con la società Fondaco, attiva nel 

restauro di siti architettonici e nella diffusione del marchio di Venezia. L'iniziativa è nata sulla falsariga 

di un progetto analogo, lanciato dalla catena di pizzerie londinese Pizza Express in partnership 

con il comitato inglese Venice in Peril Fund. L'iniziativa prenderà 

avvio dal cuore della città, 

www.fondacovenezia.org 

piazza San Marco, con il restauro 

del basamento della colonna del Todaro, uno dei simboli della 

Serenissima. E sarà caratterizzata da un'immagine giovane e 

spiritosa affidata al giovane fumettista Mirko Pavan, che ha 

creato Todaroca, il supereroe che prende posto spavaldamente 

sulla colonna del Todaro schiacciando il coccodrillo-drago. 

Buona pizza a tutti, insomma... 

A tal proposito è previsto il rimpiazzo 

della figura del capo-curatore come era 

Paolo Colombo? 

Il MAXXI si avvale già oggi di uno staff 

curatoriale aperto alle generazioni più giovani. 

Saranno anche quelle competenze a 

portare l'attività del museo ad aprirsi e ad approfondire i settori 

culturali più interessanti e di più stringente attualità. 

Dopo aver fatto il Maxxi bisogna farlo funzionare. E possibilmente 

al livello delle strutture internazionali parigrado 

come la Tate, il Beaubourg e similia. Che tipo di budget 

annuale è garantito al Museo Nazionale delle Arti del 

XXI secolo? Che genere di influenza può avere la politica 

su questa dotazione? Ogni anno il governo può aumentare 

o diminuire il plafond a piacimento? 

Una Torino da ascoltare. Le voci della città si 

rincorrono online su Liberoascoltoweb 

Impressioni, testimonianze, ricordi e racconti dalle voci di chi a Torino vive, lavora 

o è di passaggio, da ascoltare liberamente online sulle frequenze di 

Liberoascoltoweb. Ecco la nuova iniziativa targata OCT (OfficinaCittàTorino), il 

laboratorio per la conoscenza della città contemporanea promosso dal Settore 

Divisione Servizi Culturali della Città di Torino, che continua sul sito istituzionale 

un progetto iniziato qualche anno fa. Quello intitolato appunto Liberoascolto, un 

cd che raccoglieva le prime cinquanta voci dell'installazione Livello 5.90: le voci 

della città, allestita nel padiglione Atrium Città di Torino, inaugurato nel gennaio 

2004 insieme all'altro padiglione Atrium 

2006 per celebrare rispettivamente le trasformazioni 

della città e l'evento olimpico. 

Da quell'esperienza si è giunti ora a questa 

sezione monografica del portale di 

OCT, dove è possibile, cliccando a caso 

sui quadratini gialli, sperimentare un punto di vista diverso, evocare storie personali, 

conoscere o riconoscere la città di Torino. Che si trasformerà in un gioco 

divertente per chi proverà ad abbinare le voci ascoltate in streaming con i nomi 

degli autori dei racconti elencati nel sito. (claudia giraud) 

www.comune.torino.it/oct/liberoascoltoweb.htm 

L'ultima di Tracey Emin. Aprire una biblioteca 

in Uganda... 

L'impegno dei big del sistema dell'arte in imprese benefiche non è 

cosa nuova, ma ultimamente pare aver trovato un momento di grande 

rilancio, anche con le varie aste umanitarie di cui abbiamo straparlato. 

I maligni possono sempre pensare che i suddetti big cerchino una ripulitina 

alla coscienza, ed un nuovo bagno di popolarità a buon mercato. 

Ora arriva la notizia che la "bad girl" Tracey Emin è andata fino in 

Africa, in Uganda, per finanziare l'apertura 

di una biblioteca in un sobborgo 

della capitale Kampala. Costruita in 

collaborazione con la Promoting 

Equality in African Schools, la biblioteca, 

che fa parte della Forest High 

School, servirà circa ottocento studenti 

della regione, di età fra i dodici e i 

diciotto anni. Negli orari serali, l'edificio 

ospiterà anche corsi di letteratura e 

informatica per gli adulti. 

Giovane curatore? In Emilia Romagna c'è un concorso che 

fa alla tua mostra... 

Abitate, studiate o lavorate in Emilia Romagna? Avete 

meno di trentacinque anni e vi occupate di arte? Bene, 

questa è l'occasione buona per voi. L'Ufficio Giovani 

d'Arte del Comune di Modena - in collaborazione con il 

Coordinamento Giovani Artisti dell'Emilia Romagna, l'assessorato 

alla Cultura della Regione e il ministero per le 

Politiche Giovanili e Attività Sportive - organizza un concorso 

rivolto a curatori e critici, che avranno così 

l'opportunità di realizzare una mostra di arti visive 

nella propria città di residenza e di vedere pubblicati 

i propri testi in un volume. I partecipanti dovranno 

presentare un progetto di curatela coinvolgendo da 

tre a cinque giovani artisti della propria provincia e 

Sarà proprio compito della Fondazione stabilire 

il budget necessario per il funzionamento 

del museo. È il lavoro che si sta 

facendo ora sulla base di previsioni di 

spesa che sono già state studiate da 

tempo. È ovvio che la dotazione dovrà 

essere stabilita in base al reale funzionamento 

di una struttura come questa e che 

dovrà essere determinata in modo stabile. 

Quali sono le acquisizioni più interessanti 

che avete fatto in questi anni in 

attesa del compimento del cantiere? 

La collezione del Maxxi è stata pubblicata e 

in parte già esposta in mostre dedicate. Si 

tratta di oltre trecento opere, tra acquisti, 

donazioni, premi e comodati, che riflettono 

la natura del museo: la sua radicalità su 

una propria tradizione culturale, che proietti il MAXXI su una 

dimensione internazionale con originalità e qualità. 

Chi decide gli acquisti? Esiste una commissione scientifica? 

Le proposte di acquisto vengono fatte dalla direzione e dai 

curatori. Il comitato tecnico scientifico di settore, così come per 

tutte le altre Direzioni Generali, esamina le proposte e convalida 

gli acquisti se conformi ai requisiti prestabiliti. 

[a cura di pierluigi sacconi] 

Info: 0592032604 

giovanidarte@comune.modena.it 

www.comune.modena.it/gioarte 

strutturando un progetto di allestimento adeguato alla tipologia di sede individuata. La scadenza 

per la presentazione dei progetti è fissata per il 16 maggio. (d. c.)


R.I.P. 

ERRICO RUOTOLO 

Era uno degli artisti storici della scena napoletana, che aveva contribuito ad animare 

per buona parte del Novecento, ben prima che la città entrasse nel panorama 

internazionale del contemporaneo. All'età di sessantanove anni, Errico 

Ruotolo è morto nella mattinata del 13 febbraio nella sua casa di San Giovanni 

a Teduccio, nell'hinterland napoletano. Allievo di Emilio Notte all'Accademia di 

Belle Arti di Napoli, fra gli anni Sessanta e Settanta soggiorna e lavora lungamente 

all'estero, dapprima a Parigi, a Monaco di Baviera e infine ad Amsterdam. 

La prima personale è del 1964, allestita alla Vetreria Anziate di Anzio; nel 1966 

partecipa a Proposta '66, promossa dalla Galleria Cadario di Roma. Nel 1975 

inizia la collaborazione con l'A/Social Group, partecipando alle azioni svolte 

all'interno dell'ospedale psichiatrico Frullone di Napoli, attività documentata 

nella XXXVII Biennale di Venezia, nel Padiglione italiano, sezione Ambiente come Sociale. Negli anni Novanta 

comincia ad inserire nell'impianto pittorico elementi a rilievo, modellati con gesso e ricoperti di garza. Il 1991 espone 

in The Modernity of Lyrism, mostra tenutasi alla Gummesons Gallery di Stoccolma e al Joensuu Museum, in 

Finlandia. Fra le mostre più recenti, importante la personale del 2000 alla Fondazione Morra a Napoli, mentre è 

tuttora in corso una mostra antologica presso il Fondo Regionale d'Arte Contemporanea di Baronissi. 

TIZIANO FORNI 

Si è spento la mattina del 19 febbraio, ad ottantacinque anni, Tiziano 

Forni, titolare della storica galleria di Bologna. Gli artisti, gli amici, i 

parenti del gallerista, che lo scorso ottobre aveva celebrato con una 

grande collettiva i suoi quarant'anni di attività, si sono riuniti per un 

ultimo addio nella chiesa di San Domenico, dove si sono officiati i 

suoi funerali. Nel corso della sua lunga carriera, di cui ha raccolto l'eredità 

la figlia Paola, alle redini dell'omonimo spazio espositivo di 

Milano, Tiziano Forni ha conosciuto e promosso il lavoro di alcuni dei 

più importanti protagonisti delle vicende storiche e artistiche del 

nostro paese, come internazionali, quali Afro, Giorgio de Chirico, 

Otto Dix, Lucio Fontana, Marino Marini e Ben Nicholson, solo per 

fare qualche nome. Tra gli anni '70 e '90 la galleria è approdata all'estero, 

facendo conoscere ad Amsterdam e Tokyo, dove Forni ha 

diretto due succursali della sede bolognese, le glorie dello stivale. 

Nonostante la sua impostazione legata prettamente al moderno e 

all'arte figurativa, nel corso degli ultimi decenni Tiziano Forni si era 

dato da fare come talent scout, per ampliare la propria scuderia con 

giovani esponenti della pittura come Nicola Nannini. (s. n.) 

Palio di Siena, per la 

Carriera dell'Assunta 

l'autore sarà Mario Ceroli 

Dopo alcune edizioni non propriamente 

memorabili da un 

punto di vista 

artistico, nel 

Mario Ceroli 

2008 il Palio di 

Siena potrebbe 

tornare a far parlare 

di sé anche 

per la qualità del 

Drappellone. Gli 

ultimi anni hanno 

visto alla prova 

personaggi come 

Ugo Nespolo, 

Tino Stefanoni, 

Manolo Valdés, 

Igor Mitoraj, che a detta di molti non hanno 

dato il meglio di sé nel concept del "cencio". 

Quest'anno la Giunta - per la Carriera 

dell'Assunta, ad agosto - ha scelto di affidarsi 

al grande Mario Ceroli, che quantomeno 

come esperienza e notorietà dovrebbe mettere 

al riparo da brutte sorprese. Il Palio di 

Provenzano, in luglio, sarà invece dipinto da 

Camilla Adami. 

Urban Art Center, 

la street art ha una nuova casa ad Arezzo 

A Madrid inaugurato il CaixaForum, 

progetto di Herzog&De Meuron 

La capitale spagnola si arricchisce di un nuovo luogo destinato ad 

essere un fulcro propulsore per iniziative culturali e artistiche. È il 

CaixaForum Madrid, aperto sul Paseo del Prado - la strada dei 

musei madrileni - su progetto degli svizzeri Herzog&De Meuron, 

che hanno ristrutturato l'antica Central Eléctrica del Mediodía. Un 

progetto da oltre sessanta milioni di euro, che ha conservato la patina 

modernista dell'edificio, riuscendo tuttavia a guadagnare circa 

duemila metri quadrati di nuovi spazi. Che ospiteranno mostre d'arte 

antica, moderna e 

contemporanea, festival 

di musica e di poesia, 

di arte multimediale, 

dibattiti d'attualità, 

oltre a iniziative didattiche 

e sociali. Il debutto 

spetta a una mostra 

che presenta circa settecento 

opere della 

collezione della Caixa, 

istituto bancario sempre 

molto presente 

nelle arti, e a una selezione 

di opere provenienti dagli Uffizi, fra cui Botticelli, Luca 

Signorelli, Parmiginianino e Luca Giordano. In marzo invece nei 

giardini troveranno posto ventisei grandi sculture di Igor Mitoraj, 

scultore polacco ormai da tempo accasato a Pietrasanta. 

Il progetto comprende l'apertura 

di uno spazio espositivo, ma 

anche un centro di documentazione 

e raccolta di riviste, 

dvd, pubblicazioni multimediali di street art con apertura settimanale, e del sito www.urbanartcenter.org, 

che si propone come nodo in una rete più ampia, sul quale scoprire e segnalare 

eventi, scambiarsi link e consultare un database di immagini in continuo aggiornamento 

sulla street art italiana. Rilanciata nella popolarità dalle querelle meneghine, che videro 

coinvolto Vittorio Sgarbi, appena insediatosi come assessore alla cultura a Milano, seguite 

dalla grande mostra al Pac, la street art vive in Italia un momento di particolare popolarità 

(e non solo in Italia, a giudicare dalle cifre astronomiche a cui vengono venduti in giro per il 

mondo i vari Banksy). In questo ambito dunque si deve vedere l'inaugurazione ad Arezzo 

Urban Art Center 

Via Masaccio 6 - Arezzo 

info@urbanartcenter.org 

www.urbanartcenter.org 

dell'Urban Art Center, che si vuole proporre come punto di riferimento, 

archivio di documentazione e luogo di promozione e diffusione 

per gli artisti e i linguaggi che nascono e si evolvono nelle 

strade. Creando anche una zona di libera interazione e collaborazione 

tra street artists già affermati, musicisti legati alla cultura 

street e realtà locali già attive, come il progetto streetsurvival.it, e 

organizzando mostre, festival, performance live, eventi sportivi, piccoli interventi di street art 

atti a riqualificare spazi inutilizzati (indicati dalle amministrazioni locali). 

MARIA TERESA HINCAPIE DE ZULUAGA 

PIA VIVARELLI 

"… el dia 18 a las 8 18 de 2008 la maestra Maria Teresa Hincapie a dejado su cuerpo…", così scrive 

suo figlio, il giovane compositore Santiago De Zuluaga, dando il triste annuncio della precoce scomparsa 

dell'artista Maria Teresa Hincapiè de Zuluaga (Armenia, 1954). Con la sua ricerca fuori da ogni conformismo 

e moda, la performer colombiana ha indagato il tema della 

spiritualità con un approccio multiculturale, accompagnandovi l'impegno 

sociale per le pari opportunità, fin dal 1978, quando approfondisce 

la conoscenza delle culture europee ed orientali in relazione alle 

tecniche di danza rituale e arte drammatica. Ha lavorato anche a trasposizioni 

dal teatro greco antico (Edipo Re di Sofocle) e si è ispirata 

alla letteratura contemporanea (Ondina, con un tributo a Garcia 

Lorca), producendo opere inedite (Una Cosa es Una Cosa) che le 

sono valse la partecipazione a Forum internazionali come esponente 

dell'identità culturale latino-americana. Oltre ad aver ricevuto numerosi 

premi internazionali, è stata ordinata "Grande Cavaliered al Gobernación de Armenia" e menzionata 

al "Luis Caballero Award". Maria Teresa Hincapiè è per la prima volta in Italia, a Milano, nel 2000 con 

Stanze Segreti (Sueños de Flor) e vi tornerà successivamente nel 2005 per la Biennale di Venezia e nel 

2006, a Lucera, per Intramoenia Extra Art, con l'opera multimediale, dalla grande suggestione visiva e 

sonora della sua performance di danza, El Espacio se Mueve Despacio. (Giusy Caroppo) 

Arco fiera-monstre, record a 

duecentomila visitatori. 

Nel 2009 India paese ospite 

Abbattuta la soglia dei duecentomila visitatori. Basta 

questo dato per dare la misura delle dimensioni e del 

successo della fiera madrilena Arco, che ha appena 

chiuso i battenti con un bilancio che la conferma fra le 

prime cinque del pianeta. Trend positivo che smentisce 

ulteriormente - qualora ce ne fosse stato bisogno - la 

supposta crisi del mercato dell'arte, con vendite che 

anzi registrano un più quindici per cento rispetto allo 

scorso anno, come confermato dalla direttrice Lourdes 

Fernández. Vendite a cui hanno, come sempre, contribuito 

sostanzialmente gli investitori istituzionali, con il 

Museo Reina Sofía che ha lasciato fra gli stand più di un 

milione di euro, la Fundación Arco duecentocinquantamila 

euro, la Fundación Coca-Cola centoventimila e il 

Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León trecentodiecimila. 

Molte già le notizie trapelate per l'edizione 

2009, che si terrà fra l'11 e il 16 febbraio: paese ospite 

d'onore sarà l'India, debutterà il programma Arco 

Urbano, con progetto di arte pubblica diffusi per la città, 

e prenderà il via un concorso fra tutte le gallerie partecipanti, 

per un'opera di arte pubblica da collocare in un 

nuovo complesso urbanistico progettato da Norman 

Foster. 

www.ifema.es/ferias/arco/default.html 

Una Fetta di Polenta per Noero. 

Eclettica location per la nuova galleria torinese 

È un edificio a pianta trapezoidale, quasi un sottile triangolo, lungo 

sedici metri, largo poco più di quattro da un lato e solo cinquantasette 

cm dall'altro, si sviluppa su nove piani di cui due interrati. Un esperimento 

architettonico estremo da sempre considerato atto d'incoscienza 

su solide basi progettuali, che per molti aspetti ricalca la tipologia 

del famoso Flatiron Building, a Manhattan. Ora la "Fetta di 

Polenta" - così viene storicamente chiamato l'edificio torinese, per la 

sua forma e il colore giallo - diventa la nuova sede della Galleria 

Franco Noero, officina di idee, laboratorio continuo di progetti, e al 

tempo stesso contenitore e generatore di pensieri. Gli artisti della galleria 

verranno quindi invitati a relazionarsi con l'edificio costruito intorno 

alla metà dell'Ottocento dall'architetto Alessandro Antonelli e con 

questo nuovo approccio espositivo. Parallelamente alle mostre sarà 

inoltre chiesto loro di pensare ad un'opera, sia essa decorazione, struttura o supplente di fun- 

zioni domestiche, che diventerà patrimonio della 

casa e segno tangibile del loro passaggio, delle loro 

idee e poesie. Il primo a cimentarsi, dal 3 aprile, sarà 

l'artista inglese Simon Starling con la mostra Three 

Birds, Seven Stories, Interpolations and Bifurcations, 

appositamente concepita per i nuovi spazi. 

Fino al 1990 direttore, nella sezione del '900, presso la 

Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, poi professore 

ordinario di Storia dell'arte contemporanea nella Facoltà 

di Lettere e Filosofia dell'Università "L'Orientale" di Napoli. 

Ha pubblicato saggi e articoli sulla pittura metafisica e sul 

surrealismo, sull'arte italiana tra le due guerre, sulla pittura 

informale, sull'arte degli anni Sessanta. Giorgio de 

Chirico (Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, 1981); 

Renato Birolli (Milano, Palazzo Reale, 1989), Gastone 

Novelli (Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, 1988), 

Achille Perilli (Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, 

1989), Gastone Novelli (Trento, Museo d'arte Moderna, 

1999) e molte altre le mostre organizzate. Si è spenta a 

Roma, dopo una lunga malattia, Pia Vivarelli. 

La critica, storica e studiosa stava lavorando alla pubblicazione 

del catalogo generale di Gastone Novelli. 

Dal 3 aprile al 28 giugno 2008 

Galleria Franco Noero / Fetta di Polenta 

Info: 011882208 

info@franconoero.com 

www.franconoero.com

28.speednews+jackpot Exibart.onpaper 

Bradipo Travel Designer, nuova sede di Madrid per 

luxury agency italiana 

L'azienda conta già tredici boutique operative nel territorio italiano 

e due operation all'estero, aperte a Monaco di Baviera e 

a Montecarlo. E nell'immediato futuro mira ad avere sessanta 

sedi operative in tutto il mondo, con tappe già fissate a Parigi, 

Jedda e Dubai, con l'obiettivo di arrivare alla leadership del set- 

Info: 0236569636 

media@bradipotravel.com 

www.bradipotravel.com 

tore dei turismo luxury. Ma intanto Bradipo Travel Designer inizia dalla Spagna con l'inaugurazione 

in questi giorni a Madrid dell'headquarter spagnolo della società, nell'elegante Calle 

Ortega y Gasset, via della moda della capitale spagnola. Il mercato potenziale per il turismo di 

lusso è formato da una domanda di un milione di persone (due per cento circa della popolazione 

spagnola), e la quota di mercato del turismo di lusso nel mercato spagnolo è il quindici 

per cento. Nella Boutique Bradipo il viaggiatore può assaporare e scoprire la magia del viaggio, 

ancora prima di partire, attraverso un'atmosfera unica fatta di stimoli visivi, fotografie, 

sapori, suoni e profumi di terre lontane. Gli ospiti possono trovare una nutrita bibliografia, racconti 

di grandi viaggiatori del passato o di moderni specialisti, da scoprire durante eventi dedicati 

mentre si assaporano cibi e bevande raffinate che ricordano destinazioni vicine e lontane. 

"Con l'inaugurazione della boutique di Madrid" - ha dichiarato Giorgio Kindinis, responsabile 

dello sviluppo di Bradipo Travel Designer - "intendiamo continuare verso il nostro obiettivo, 

ovvero il raggiungimento delle trenta boutique in Italia e trenta boutique all'estero entro il 2010". 

Roswitha Haftmann Prize 

È il video artista scozzese 

Douglas Gordon 

il vincitore per il 2008 

del Roswitha 

Haftmann Prize, il più 

munifico riconoscimento 

assegnato in 

Europa, con una Douglas Gordon 

dotazione di circa 

centomila euro. 

Attivo anche come film maker - famoso il suo film 

dedicato al calciatore Zinedine Zidane, realizzato 

in coppia con Philippe Parreno -, Gordon, già vincitore 

del Turner Prize nel 1996, è stato protagonista 

di una grande retrospettiva nel 2006 al 

Mart di Rovereto. Il premio svizzero, assegnato 

annualmente dall'omonima fondazione di Zurigo, 

è stato vinto lo scorso anno dall'americano 

Richard Artschwager, mentre l'edizione precedente 

andò a Peter Fischli e David Weiss. 

Gordon riceverà il premio nel corso di una cerimonia 

prevista per il prossimo 8 maggio al 

Kunsthaus di Zurigo. 

ManinFesto Fotografia 2008 

La giuria del concorso ManinFesto. 

Fotografia in Friuli Venezia Giulia (composta 

da Francesco Bonami, Giuliana 

Carbi, Guido Comis, Sarah Cosulich 

Canarutto, Antonio Giusa, Mario Sillani 

Djerrahian, Italo Zannier) ha premiato i 

vincitori del concorso, tra gli otto finalisti invitati ad esporre al primo 

piano del Centro d'Arte Contemporanea Villa Manin. Quarti a pari 

merito si sono classificati Massimo Crivellari, Maurizio Frullani, 

Alessandro Paderni, Marco Pighin, Carlo Vidoni; il terzo ed il 

secondo posto sono stati assegnati a Stefano Graziani e Valentina 

Brunello, mentre il vincitore è risultato Carlo Andreasi, con la motivazione 

dell'utilizzo del mezzo fotografico "per indagare la realtà e 

Fino al 25 marzo 

ManinFesto. 

Fotografia in Friuli Venezia Giulia 

a cura di Sarah Cosulich Canarutto 

Centro d'Arte Cont.Villa Manin 

Piazza Manin 10 - Codroipo (Ud) 

Info: 0432821211 

info@villamanincontemporanea.it 

www.villamanincontemporanea.it 

Premio Pino Pascali 

È stato consegnato sabato 23 febbraio ad Adrian 

Paci (1969), artista di origini albanesi ma ormai 

milanese d'adozione, il Premio Pino Pascali, assegnato 

alla sua XI edizione presso l'omonimo 

museo di Polignano a Mare, in Puglia. "Adrian 

Paci" - si legge nelle motivazioni della giuria, composta 

da Christine Farese Sperken, docente di 

Storia dell'Arte Contemporanea all'Università di 

Bari, Rosalba Branà, direttrice del Museo Pino 

Pascali e dal critico Pietro Marino - "utilizza il linguaggio 

della scultura, della pittura, del video, della 

fotografia per mettere in scena i grandi temi dell'esistenza 

umana; le sue opere parlano della perdita 

dei luoghi di appartenenza, affrontano i temi 

della cultura migrante e nomade tipica della 

nostra contemporaneità, rappresentano con il linguaggio 

dell'arte tematiche quali la crisi identitaria 

e la diversità". In contemporanea con la mostra 

personale al Museo Pino Pascali, Adrian Paci 

espone a New York in tre importanti rassegne, al 

PS1 MOMA in una collettiva sull'arte italiana, presso 

la Peter Blum Gallery e Smith-Stewart Gallery. 

decostruirla, rivelando paesaggi, 

forme ed elementi da 

prospettive nuove ed inattese. 

Ambienti ed oggetti definiti, 

quali possono essere un 

televisore o degli stormi di 

uccelli, diventano tracce 

astratte che sembrano quasi 

confondersi con la grana 

della pellicola". (d. c.) 

Premio Targetti Light Art 

MaxMara Art Prize for Women 

Ordway Prize e Premio Velázquez 

Libri, architettura e... un drink. Apre a Milano 

DesignLibraryCafé 

Uno spazio molto semplice e architettonico, caratterizzato dall'uso di materiali naturali e dominato 

dal bancone: un monolite in "terrazzo veneziano" 

che gira a "U" attraversando gli spazi. Spazi divisi in 

due zone, un'area relax - con divani, pouf e tavolini - e 

uno spazio dedicato alla consumazione al tavolo. È il 

nuovo DesignLibraryCafé, evoluzione di 

DesignLibrary, la prima biblioteca interamente dedicata al mondo del design lanciata a Milano 

nell'aprile 2006. Con l'intento di diffondere la cultura del design a livello internazionale attraverso 

una rete di biblioteche nelle principali capitali del design, con inaugurazione, dopo Shanghai 

aperto nel novembre 2007, in programma per il prossimo anno a Londra, Istanbul e Stoccolma. 

Il Café completa il concept di James Irvine e Maddalena Casadei finalizzato alla creazione di un 

luogo accogliente, di studio, ricerca e incontro: due spazi contigui visivamente coerenti dove la 

Via Savona 11 - Milano 

Info: 0289423329 

www.designlibrary.it/cafe 

Sono la serba Alexandra Stratimirovic e l'armeno Gevorg 

Zigzabian i vincitori assoluti del Premio Internazionale Targetti 

Light Art, giunto quest'anno alla quinta edizione. Insieme a loro 

premiati anche gli italiani Stefano Cagol (secondo premio), 

Michela Colasuonno e Alice Azario (terzo premio) ed 

Emanuele Fucci (menzione di merito). La giuria - composta da 

Amnon Barzel (direttore artistico della Targetti Art Light 

Collection), Omar Calabrese, Alessandra Mammì, Peter 

Noever (direttore del MAK di Vienna), David Sarkysian (direttore 

del MUAR di Mosca) e Paolo Targetti (presidente della 

Targetti Sankey SPA) - ha voluto rendere omaggio alla creatività 

e alla capacità di svelare tutte le valenze espressive della 

luce artificiale mostrata da questi 

giovani artisti under quaranta, selezionando 

le loro opere tra gli oltre 

mille progetti pervenuti da ogni parte 

del mondo. Ai vincitori premi per un 

ammontare complessivo di quarantamila 

euro, con le loro opere che 

entreranno a far parte della Targetti 

Light Art Collection e del relativo programma 

espositivo itinerante, che ha 

già fatto tappa in alcuni dei più importanti musei del mondo. 

migliore selezione di libri e riviste internazionali di design è a disposizione 

del pubblico. Una vera e propria caffetteria aperta al pubblico, 

un "food&drink" con cucina aperta tutti i giorni dalle sette di mattina 

all'una di notte, dove lo chef Gabriele Guglielmetti rinnova ogni 

giorno il menu mediterraneo-stagionale. 

Premio Murri Public Art 

Stefano Cagol protagonista indiscusso del côte 

bolognese in questi frenetici giorni arte-fieristici, in 

particolare dei vari premi che contrassegnano 

l'appuntamento. Dopo il secondo posto guadagnato 

nel Premio Targetti Light Art, ora l'artista trentino 

sale sul gradino più alto del podio del Premio 

Murri Public Art, giunto alla sesta edizione. 

Concorso d'arte specificatamente pensato per 

progetti per spazi urbani, il riconoscimento, aperto 

agli artisti di tutto il mondo, è promosso dalla 

Cooperativa edilizia Murri, con lo scopo di diffondere 

la cultura artistica negli spazi urbani privati 

e pubblici attraverso la selezione di lavori appositamente 

progettati. L'edizione di quest'anno 

richiedeva l'ideazione di un progetto artistico con funzioni decorative per la 

pavimentazione relativa al piano portico di un nuovo intervento edilizio a 

Bologna, in via Marx. La giuria era formata da Adolfo Soldati (presidente 

della Cooperativa Murri), Valerio Dehò, Salvatore di Blasi (docente al DAMS 

di Bologna), Paolo Di Biase (architetto). Fra i vincitori delle passate edizioni, 

ci sono artisti come Aldo Mondino, Tino Stefanoni, Marco Lodola, Enrica 

Borghi, Flavio Favelli. 

www.murri.it 

È Hannah Rickards, artista concettuale 

che ha lavorato spesso con il suono come 

media, la vincitrice a Londra della seconda 

edizione del premio MaxMara Art Prize for 

Women. Il riconoscimento promuove e 

sostiene artiste donne residenti nel Regno 

Unito, dando loro la possibilità di sviluppare 

il proprio potenziale ed offrendo loro 

l'opportunità di produrre nuove opere d'ar- 

Hannah Rickards 

te, poi acquisite alla Collezione Maramotti, 

oltre ad una residency di sei mesi in Italia. 

La giuria, presieduta da Iwona Blazwick, direttrice della Whitechapel 

Gallery, e composta dalla gallerista Cornelia Grassi, dalla collezionista 

Judith Greer, dall'artista Cornelia Parker e dalla scrittrice e critica 

Rachel Withers, ha valutato il lavoro di cinque artiste finaliste, Yasmeen 

Al Awadi, Georgie Hopton, Melanie Jackson e Lisa Peachey, oltre alla 

vincitrice. In Birdsong (2002) la Rickards ha registrato i canti di sei diversi 

uccelli per poi abbassarne la tonalità e riprodurli con la propria voce. 

In Thunder (2005), commissionato da Media Art Bath per la Chiesa 

Riformata Unita Centrale di Bath, ha esteso una registrazione di otto 

secondi del suono di un tuono ad otto minuti. 

Info: 0277792202 | proffice@maxmara.it 

Il mondo dell'arte internazionale deve avere delle dinamiche 

interne imprevedibili e spesso insondabili, che tendono 

a sfuggire anche agli osservatori più attenti. Una di 

queste pare aver stabilito che il 2008 sia l'anno di Cildo 

Meireles, artista sessantenne brasiliano, presente fra 

l'altro alla Biennale di Venezia 2005, di ottimo livello ma 

certo non un habituè dei giri che contano. Prima, il trionfo 

a New York dell'Ordway Prize, riconoscimento, dotato 

di ben centomila dollari, assegnato ogni due anni dal New 

Cildo Meireles 

Museum of Contemporary Art di New York e dal 

Creative Link for the Arts ad artisti, critici o curatori midcareer. 

Insieme a Meireles, il premio è andato infatti anche a James Elaine, curatore 

dell'Hammer Museum di Los Angeles. Fra i giurati, anche il direttore della Tate 

Modern Vicente Todoli e Doris Salcedo, vincitrice del premio nel 2006. 

Poi, in Spagna, il prestigiosissimo Premio Velázquez 2008 de las Artes 

Plásticas, riservato ad artisti spagnoli o della comunità latinoamericana. Nella 

giuria del premio, dotato con oltre novantamila euro, siedono fra gli altri il direttore 

della Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Ramón González 

de Amezúa, il direttore del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, il direttore 

del Prado, Miguel Zugaza, e ultimo premiato, Luis Gordillo. Fra i vincitori delle 

passate edizioni del premio, istituito nel 2002, ci sono Antoni Tapies, Pablo 

Palazuelo, Juan Soriano, Antonio López. 

Piepenbrock Preis für Skulptur 

Stefano Cagol 

(Foto Oskar DaRiz) 

Dal 1988, anno dell'istituzione, 

ha incoronato artisti del 

calibro di Max Bill, Ulrich 

Rückriem, Eduardo Chillida, 

Tony Cragg, Dani Karavan, 

fino a Rebecca Horn, nel 

2006. È il Piepenbrock Preis 

für Skulptur, prestigioso riconoscimento 

assegnato ogni 

due anni a Berlino e dotato di Katharina Fritsch 

cinquantamila euro, che per 

il 2008 va a Katharina 

Fritsch (Duesseldorf, 1956). "Un'artista europea 

che negli ultimi venticinque anni ha dato un notevole 

contributo alla comprensione critica della magia 

della figurazione nella scultura", come si legge nella 

motivazione della giuria. Il Piepenbrock Preis assegna 

poi un riconoscimento ad un artista emergente, 

vinto quest'anno dalla polacca Alicjia Kwade 

(Kattowitz, 1979), che si aggiudica una borsa di studio 

all'Universität der Künste Berlin, oltre all'opportunità 

di una mostra presso l'Hamburger Bahnhof, 

che si terrà fra giugno e agosto 2008. 

Illy SustainArt 

È il giovane artista brasiliano 

Matheus Rocha Pitta, presentato dalla galleria Novembro 

Arte di Rio de Janeiro, il vincitore del Premio illy SustainArt, che 

l'azienda italiana organizza per la prima volta nell'ambito della 

fiera Arco di Madrid. Il premio - che ha come obbiettivo quello 

di estendere alla comunità artistica internazionale l'approccio 

dell'azienda - è dedicato ai giovani artisti brasiliani under trentacinque, 

nell'anno che vede il Brasile paese ospite della rassegna. 

La giuria - presieduta da Berta Sichel, direttore della sezione 

Arti Visive del museo Reina Sofia e composta da Angela 

Vettese, Juan Antonio Alvarez Reyes, critico visual arts e curatore 

indipendente e da Carlo Bach, direttore artistico illycaffè - 

ha premiato l'artista, che espone una fotografia e un video, per 

le sue realizzazioni che "partono da una riflessione di base e utilizzano 

diverse modalità estetiche, differenti mezzi e processi. 

Il suo percorso riflette la sua giovinezza, la sua curiosità e il suo 

desiderio di sperimentazione, che manifestano il suo potenziale 

artistico". Rocha Pitta ha ricevuto un premio di quindicimila 

euro, oltre all'opportunità di proporre un progetto per la realizzazione 

di una serie di tazzine d'artista illy Art Collection, che l'azienda 

realizza da più di quindici anni grazie al coinvolgimento 

dei maggiori artisti e giovani talenti a livello internazionale.

30.index Exibart.onpaper 

48 

fashion 

[68] il volto della next generation 

handbag [69] 

decibel 

[70] paesaggi in movimento 

pre[ss]view 

[71] idee chiare, colore scuro 

libri 

[72] il tempo dei frammenti 

[73] la carica del buon senso | china ist nahe | gilardi il fatalista 

retrocover [4] 

opinioni [6] 

speednews [8] 

popcorn [16] 

oroscopo [17] 

trailers [32] 

inteoria 

[36] la sedia e l’idolo. note sulla design art 

[37] gli effetti speciali invecchiano presto 

aziende 

[38] la comunicazione? noi ci sguazziamo... 

[39] fissati con l'arte 

approfondimenti 

[40-41] whitney unmonumental 

[46] la quadriennale dei bamboccioni 

[48] finalmente macro 

[50] un’azienda proprio speciale 

[54] la fondazione che si farà museo 

nuovi spazi [56-57] 

déjà vu [58-63] 

intervallo [64] 

recensioni 

[65] the painting of modern life - emilio isgrò 

trecapitali [66] 

sommario 

tornaconti 

[67] lo spettro della crisi tra rinascimento e decadenza 

Dal 20 febbraio al 29 marzo 2008 

design 

[74] design fiction 

[75] la casa missoni | armani/casa code | trame femminili 

in fumo 

[76] è deciso: si vive! 

primopelo 

[77] umberto chiodi - simone bergantini 

ou? [78] 

Exibart.agenda [80-83] 

rimandi [84] 

fotofinish [85] 

hostravistoxte 

[86] crimes and misdemeanors... 

GRACIAS. 

questo numero è stato realizzato grazie a… 

Alef 

Alfonso Artico 

Annarumma404 

Archeo900 

Aria Spinelli 

Art&Forte 

ArteGiovane 

ArteLaguna 

Artessenza 

Arthemisia 

Ass. Aref 

Ass. Contemporanea 

Ass. Meeting 

C.A.O.S. 

Camelot 

Cardelli&Fontana 

Cesarini Sforza 

CLP 

Colombo 

Comune Castelnuovo 

Comune di San Giovanni 

pubblicità su Exibart? adv@exibart.com | 0552399766 

Daniele Ugolini contemp. 

Delfino&Enrile 

Derbylius 

Dora Diamanti 

eCircle 

Endemica 

Factory-art 

Fondaz. Bandera 

Fondaz. Prada 

Fondaz. Sandretto 

Fondaz. Stelline 

Fondaz. Trussardi 

Galleria Cesare Manzo 

Galleria Fabio Paris 

Galleria Frittelli 

Galleria Marabini 

Galleria Niccoli 

Galleria Ronchini 

Gam Gallarate 

Giunti Editore 

Gordin 

Il Ponte 

Istituto Sturzo 

Kunstart 

L'Attico 

Man 

Maniero Ass. Cult. 

Mole Vanvitelliana 

Pio Monti 

Più Impresa 

PivArte 

Primo Piano 

Provincia Bolzano 

Provincia di Modena 

Romberg 

San Salvatore 

Silvana Editoriale 

Spirale Arte 

Studio Arte Fuori Centro 

Università Ferrara 

Villa Medici 

Zetema 

DAN HALTER 

never say never 

A cura di Carla Roncato e P&P 

Derbylius Libreria Galleria Archivio Internazionale d'arte - Via P. Custodi, 16 – tel./fax 02 89408592 - info@derbylius.it - www.derbylius.com

32.trailers Exibart.onpaper 

ADVARTISING. 

di raffaele bifulco 

Ma di cosa si tratta? Forse della marca in bella vista delle lastre 

di cemento o di potentissimi martelli pneumatici? Oppure di una 

sponsorizzazione per i terremoti? Tra l'altro, a guardarla sembrerebbe 

un fotomontaggio… È una pubblicità (of course) ma 

non autorizzata; non un fotomontaggio ma una fotografia scattata 

velocemente nell'atto stesso in cui la pubblicità si manifestava 

e che purtroppo non troverete pubblicata su nessun giornale 

(tranne che su questo!). È guerrilla baby, e non puoi farci niente! 

Max Bugoyne e James Beswick, due creativi londinesi, evidentemente 

adepti di Jay Conrad Levinson, hanno utilizzato questa 

forma di comunicazione non convenzionale, denominata appunto 

"guerrilla" per le sue particolarissime modalità operative 

caratterizzate da un insieme di tecniche che agiscono sul territorio 

in maniera veloce, efficace, di breve durata nel tempo e con 

un rapporto costo/beneficio meno oneroso della media. Il 

Guerriglia Marketing, se ben pianificato e condotto, desta interesse, 

curiosità e incentiva il ricordo. E in questo periodo quale 

miglior posto se non la Tate Modern con l'opera Shibboleth di 

Doris Salcedo per pubblicizzare Polycell, brand che racchiude 

tutto un universo di prodotti per l'edilizia, tra cui anche fissanti e 

stucchi, magari utili per chiudere la crepa che si estende lungo 

tutta la Turbine Hall?!? Ma non è finita: utilizzando tecniche di 

ambient e viral marketing, la pubblicità, oltre a "colpire" in un 

luogo di aggregazione, è in realtà un video di tre minuti caricato 

su Youtube.com, dove potrete vederlo facendo una ricerca 

incrociando le parole "Tate" e "stunt". Grandioso, seppur per 

poco! 

COLLEZIONISTI 

a cura di marianna agliottone 

sul prossimo numero il collezionista sarà 

Paolo Palmieri 

Quando e con quale opera ha iniziato a collezionare? 

Ho comprato la mia prima opera nel '98 a Londra. 

In quel periodo facevo uno stage da Sotheby's nel 

dipartimento Arte Contemporanea e giravo molto 

per musei, gallerie e mostre. Fu proprio durante 

un vernissage che decisi di acquistare un opera di 

Jim Lambie: uno dei suoi dischi realizzati con fili di 

lana… 

Come nasce la sua passione per l'arte? 

Direi che ho sempre vissuto in mezzo all'arte. Più 

che una passione è parte della mia vita! 

Grazie anche all'attività di sua madre, Eliana 

Guglielmi… 

Certo, mia madre è ed è stata fondamentale: mi 

ha educata culturalmente e visivamente all'arte 

guidandomi (anche con mio fratello Alessandro) in 

tutti i musei possibili, dal Louvre al Kroller-Muller; 

a volte trascinandoci, quando eravamo molto piccoli, 

ma tante altre volte in allegria. Ho avuto poi il 

privilegio di frequentare le sue amicizie del mondo 

artistico: da galleristi importanti ad appassionati 

collezionisti ricchi di esperienza come Marcello 

Levi e Gemma De Angelis Testa. 

Quanti pezzi ha oggi? 

Una sessantina. 

Dove li tiene? 

In casa mia o nei Containers Gondrand di mia 

madre. 

Come arriva all'acquisizione di un nuovo lavoro? 

Giro per mostre e musei, navigo su internet, ma 

soprattutto chiacchiero molto con amici galleristi 

e curatori. 

I dormienti, artisti RIemergenti 

Noto picconatore del 

nuovo sistema dell'arte, 

Jerry Saltz stavolta ci 

trova un lato buono. Il 

MARINELLA GUGLIELMI CATELLA 

Il filo conduttore che lega la sue scelte? 

No, non seguo nessun filo conduttore. Purtroppo 

a volte il fattore determinante è il portafogli! 

Gli artisti prediletti? 

Maurizio Cattelan, Jim Lambie, Takashi 

Muratami, Shirin Neshat, Paola Pivi, Francesco 

Vezzoli. 

Può vantare qualche vera 'scoperta'? 

Le scoperte per fortuna toccano ai galleristi ed ai 

curatori di musei. Io mi limito a seguirle. 

L'ultima opera che ha comprato? 

Ho comprato un multiplo di Karen Kilimnick che 

mi piaceva molto. 

Per quel che la riguarda, il ritorno economico 

delle opere acquistate rende più interessante la 

vita del collezionista? 

Il ritorno economico generalmente è oggi una 

conferma delle proprie scelte e quindi sicuramente 

un buono stimolo. 

Secondo lei, qual è la ricetta del collezionista di 

successo? 

Dipende cosa si intende per successo. Se la gratificazione 

è avere visibilità sui giornali è piuttosto 

facile; se invece è essere soddisfatti dei propri 

acquisti l'unico sistema è comprare sempre e 

solo ciò che piace. 

In questo momento è a caccia di…? 

Mi incuriosiscono i giovani indiani. 

Per esempio? 

Tukral & Tagra. 

RSI 

rassegna stampa internazionale 

popolare critico, ex 

Village Voice ed oggi in 

forza al NY Mag, scopre 

un interessante effetto collaterale 

della popolarità conquistata dall'arte contemporanea, 

che ha permesso di dare la 

fatidica second chance ad artisti non giovanissimi, 

immeritatamente messi in disparte. 

Per vent'anni il sistema si è concentrato 

sui maestri operanti negli anni '60 e '70 

e, quando è esploso il mercato globale, per 

la generazione di mezzo emersa tra fine 

'70 e primi '80 era ormai troppo tardi. Ma 

oggi la tendenza è di recuperare il gap. 

Mary Heilmann ha conquistato le copertine 

di Artforum e Art in America a sessantasette 

anni, Amy Silman si è rilanciata sul 

mercato alla soglia dei sessanta, Marilyn 

Minter (59) è stata la cover della Biennale 

del Whitney che ha preceduto quella in 

apertura a primavera, nella quale tornano 

i non più verdi Robert Bechtle, Olivier 

Mosset, Michael Smith. Insomma a competere 

con gli emergenti ci sono ora anche 

i RI-emergenti. Tra loro anche Joe 

Pensato, protagonista della stagione pop 

riscoperto da Petzel, e John Miller (cinquantatre 

primavere), per decenni rappresentato 

da Metro Pictures. Non è mai 

tardi per essere considerati emergenti e 

ritagliarsi un posto nella storia, anche nel 

clima di un mercato spregiudicato. Lo 

dimostra anche la recente mostra alla 

National Academy dal titolo "High Times, 

Hard Times: New York Painting 1967- 

1975" dove la curatrice Katy Siegel teorizza 

proprio sui cosiddetti artisti "dormienti", 

in paziente attesa di riscoperta. 

Chi: Jerry Saltz 

Dove: New Yok Magazine 

Quando: 24.1.2008 

Cina interrupta 

L'arte cinese è ormai sdoganata, i prezzi 

sono andati alle stelle, tutti i musei internazionali 

si sono contesi i nuovi artisti che 

hanno invaso il mercato. Il periodo di lancio 

si è sta affievolendo e da un paio d'anni l'attenzione 

si sta spostando verso l'arte indiana. 

Tutto liscio? Macché. Michael Hue- 

Williams, direttore della Albion Gallery di 

Londra, non ci sta e rilancia: l'arte cinese 

non è una meteora, non nasce dal nulla e 

non può essere liquidata con le carriere di 

pochi celebrati top players. 

Tutto ciò ha ben 

servito il mercato occidentale 

elevando alcune 

figure allo star 

system e perfino la 

nuova Cina, che ha 

scelto, rinverdendo il 

mito maoista della 

Rivoluzione culturale (1965-1968), 

di fare della cultura un pilastro del 

rilancio politico ed economico. 

Dinamiche che però ora rischiano di 

diventare un boomerang, responsabili 

di una rappresentazione distorta 

e superficiale dell'arte e della cultura 

cinesi. La maggior parte della storia 

rimane sconosciuta e un virtuoso 

processo di emersione potrebbe 

interrompersi sul più bello, venendo 

a mancare la convenienza economica e 

politica di spingersi oltre. 

Chi: Michael Hue-Williams 

Dove: The Art Newspaper 

Quando: 24.1.2008 

L'arte disarmata 

Dopo lo spettacolare furto di opere di 

artisti impressionisti all'Emil Buehrle 

Museum di Zurigo, su Slate, magazine 

on-line addentellato del Washington 

Post, ci si interroga sul perché in Europa 

sia così facile rubare opere d'arte. 

Troppo piccoli e troppo indifesi: sono i 

musei europei, un sistema frammentario 

di piccole collezioni spesso allocate in istituzioni 

modeste, vedi la villa ottocentesca 

svizzera, con personale di guardia disarmato 

e scarse misure di sicurezza. Tutto 

il contrario degli Usa dove è un'impresa 

trovare un Van Gogh in un piccolo museo 

di provincia. Le grandi collezioni degli 

States sono ospitate infatti in moderni 

building costruiti ad hoc, idonei ad accogliere 

sofisticati sistemi di allarme. Nella 

vecchia Euuropa vincoli restrittivi gravanti 

sulle architetture storiche e la volontà 

dei proprietari spesso ostacolano processi 

di adeguamento e ammodernamento, 

necessari a contrastare un fenomeno, 

quello dei furti d'arte, in forte 

espansione. Si acquistano nuove opere, 

non si investe in sicurezza. L'FBI ha 

recentemente istituito una speciale classifica 

denominata Top Ten Art Crimes: 

sette dei più gravi furti d'arte di tutti i 

tempi sono il triste primato europeo. 

Chi: Cyrus Farivar 

Dove: Slate 

Quando: 15.2.2008 

(torino) 

illustrazione di Nicola Toffolini 

Così ti lottizzo il BCAM 

Focus polemico di Christopher Knight sul 

BCAM, la nuova ala (la prima di quattro) del 

LACMA di Los Angeles progettata da 

Renzo Piano, inaugurata il 16 febbraio 

scorso e destinata ad accogliere la raccolta 

Eli Broad, megacollector e finanziatore 

del progetto per 50 milioni di dollari. La critica 

si concentra sulla strombazzata 

mostra inaugurale. Centosettantasei lavori 

dagli anni '60 ai giorni nostri, solo quindici 

dei quali di proprietà del Los Angeles County 

Museum of Art, accomunati da un unico 

aspetto: il valore economico. La mostra si 

presenta insomma come un gran minestrone 

del recente mercato dell'arte secondo 

Broad più che un evento scientificamente 

significativo. Peggio ancora, è anche il manifesto 

della galleria di Gagosian, da cui proviene 

l'ottanta per cento dei lavori. In realtà non 

è la prima volta che il LACMA accontenta 

nei suoi desiderata quello che già chiamano 

il Lorenzo de' Medici della California: lo 

aveva fatto con un evento analogo nel 

2001. L'obiettivo è dichiarato: indurre il collezionista 

a rinunciare al sogno di una propria 

fondazione e spingerlo ad una donazione, 

preservandolo così tra i suoi maggiori 

finanziatori. Già, perché Knight sostiene che 

l'accordo con Broad sia oggi solo per un 

prestito temporaneo, poi si vedrà. Il grande 

collezionista tentenna, tiene in scacco il 

LACMA e nel frattempo porta a casa pubblicità 

e crediti museali che non fanno che 

accrescere il valore economico della 

sua collezione. 

Chi: Christopher Knight 

Dove: Los Angeles Times 

Quando: 7.2.2008 

rubrica di alfredo sigolo 

Marinella Guglielmi Catella, fotografata per Exibart da Laura Viale 

identikit. 

Nome e Cognome: Marinella Guglielmi Catella 

Luogo e data di nascita: Torino, 2 agosto 1969 

Formazione: Laureata in Ingegneria 

Attività lavorativa: Esperta in valutazione di Arte Moderna e 

Contemporanea alla Sotheby's 

Stato civile: Sposata con Mario Catella; due figli, Alessandro e 

Carlotta

36.inteoria Exibart.onpaper 

a cura di christian caliandro 

la sedia e l’idolo. 

note sulla design art 

"Quando una sedia non è una sedia? Forse quando diventa un'opera di Design Art", riflette il critico Mark 

Rappolt su Art Review. Un percorso da Aristotele a Kosuth, da Marx a Duchamp. Prima di sedersi... 

�� In un articolo apparso di 

recente su Art Review, il critico 

Mark Rappolt s'interrogava 

riguardo la seguente questione: 

"Quando una sedia non è una 

sedia? La risposta è probabilmente 

'quando è un'opera di Design 

Art', il nebuloso termine che sembra 

essere stato lanciato in giro 

come un freesbee lungo gli ultimi 

due anni. Ma allora che cos'è 

esattamente la Design Art? È 

arte su cui ci si può sedere, o è 

design su cui non ci si può sede- 

re?" 2 

. Domanda interessante, a 

cui l'autore del testo evita peraltro 

di dare una risposta. A titolo personale, 

dal momento che sono 

stato di recente messo alla porta 

di un bar romano per essermi 

seduto su di una sedia facente 

parte - diceva il buttafuori - di un'esposizione 

di design, il tentativo di 

affrontare un po' più da presso 

l'argomento mi ha tenuto piacevolmente 

impegnato nello scrivere 

queste note. 

Il discorso pare dover fiancheggiare 

l'eterna controversia su cosa 

sia arte, e che cosa tale qualifica 

implichi di conseguenza. Lungi dal 

voler risolvere una discussione 

che, da Aristotele a Arthur C. 

Danto, si trascina ormai da qualche 

millennio, può tuttavia risultare 

interessante riflettere su alcune 

implicazioni contemporanee 

della questione della sedia, convinti 

di una natura per così dire frattale 

del mondo e che, dunque, un 

sedile possa servire ad appoggiare 

anche qualche idea più ampia 

circa il citato mondo (rigorosamente 

occidentale e secolarizzato, 

va da sé). Certo, per allestire uno 

spazio discorsivo più confortevole, 

la sedia potrebbe trovare un buon 

complemento d'arredo in quel 

tavolo di cui Karl Marx riferiva in 

una delle pagine più controverse 

del suo Capitale: "Quando se ne fa 

un tavolo, la forma del legno viene 

trasformata. Ciò non di meno, il 

tavolo rimane legno, cosa sensibile 

e ordinaria. Ma appena si presenta 

come merce, il tavolo si trasforma 

in una cosa sensibilmente 

sovrasensibile. Non solo sta 

coi piedi per terra, ma, di fronte 

a tutte le altre merci, si 

mette a testa in giù, e sgomitola 

dalla sua testa di legno 

dei grilli molto più mirabili che 

se cominciasse a ballare" 3 

. 

Posto che sul feticcio della 

merce sono state scritte 

biblioteche - ultimamente, va 

pur detto, con pochi frequentatori 

dichiarati - e salva la ricchezza 

di spunti che se ne 

potrebbero trarre per il 

discorso in atto, come ulteriore 

delimitazione d'analisi chiariamo 

però che gli unici grilli di 

cui intendiamo qui curarci sono 

quelli parlanti a proposito dei rapporti 

di tipo culturale tra arte e 

design, tralasciando le pur rilevanti 

implicazioni economiche del 

caso. 

Ora, come ben dimostra il termine 

Design Art richiamato in apertura, 

l'attuale attribuzione di uno statuto 

artistico ai prodotti del design 

industriale sancisce in primo luogo 

l'abbandono di alcune categorie 

dell'estetica dalla consolidata tradizione, 

che per lungo tempo 

hanno servito egregiamente all'uso 

dialettico: ci riferiamo alla distinzione 

tra belle arti e arti applicate 

(Fine Arts e Applied Arts, se si 

guarda al mondo anglosassone). 

Nessun dubbio dovrebbe in questo 

senso sollevarsi circa la natura 

di arte applicata propria del 

design, senza bisogno di nuove 

definizioni. Tale natura, tuttavia, 

pare essere stata ormai sopravanzata 

da una considerazione 

dell'arte come categoria totalizzante 

e portatrice di amplissimi 

valori spirituali, una categoria dal 

portentoso potere assorbente e 

taumaturgiche virtù. 

Sarebbe abbastanza agevole risalire 

al golpe ideologico operato da 

Marcel Duchamp e proseguito 

dai concettualisti suoi esecutori 

testamentari - primo della lista 

Joseph Kosuth con la tesi 

dell'"arte come definizione dell'arte", 

ideale cartellino della sua celebre 

opera sulla sedia - per trovare 

l'origine di tale mutamento 4 

. E tuttavia 

riteniamo che un passo ulteriore 

vada compiuto, almeno fino 

alle soglie di quella selva romantica 

in cui, per quel che ci riguarda, 

si ritrovano ancora le autentiche 

radici di gran parte dell'arte contemporanea 

e delle sue aporie. È 

con il Romanticismo, in effetti, che 

si consuma la vittoria dell'arte poetica, 

l'ars, sulla techné di matrice 

greco-latina, il trionfo di una considerazione 

spirituale-letteraria su 

quella materiale-pratica fino a quel 

momento predominante 5 

. Si tratta 

di un passaggio dalle implicazioni 

straordinarie, soprattutto perché 

consumatosi come reazione ai 

valori della razionalità introdotti 

nell'Occidente dall'Illuminismo e in 

concomitanza con la sostanziale 

sconfitta culturale e politica inferta 

alla religione rivelata dall'affermarsi 

di questi stessi valori a carico 

“ 

Prima non c'era una cosa del genere. 

L'artista non interessava a nessuno, i giornali 

non ne parlavano. Si continuava a lavorare 

perché se ne aveva voglia. Ora si mette l'artista 

al posto d'onore, siede alla destra della padrona 

di casa. È un essere superiore, dotato di 

facoltà intangibili. D'accordo, ma questo mi fa 

ridere. Avrò pure il diritto di ridere, no? 

1 

(Marcel Duchamp) 

della religione rivelata. 

Proseguendo lungo tale direttrice, 

viene da considerare che la nozione 

romantica dell'arte ha progressivamente 

approfittato della ritirata 

occorsa al dispositivo religioso 

per sostituirglisi nel ruolo di tramite 

con una dimensione spirituale di 

cui l'uomo sente biologicamente la 

in alto a sinistra: Paulius Vitkauskas - 

Rocking Chair (2006, prodotta da 

Contraforma) 

in alto a destra: Joe Colombo - Tube 

Chair (1959, prodotta da Arflex) 

in basso: Joseph Kosuth - One and 

three chiars, 1965 

necessità. 

Come la religione, in effetti, l'arte 

esprime un bisogno primordiale di 

connettersi con un piano trascendente, 

e a questa connessione 

dare sostanza: se poi dobbiamo 

ringraziare le ricerche di scuola 

junghiana per aver portato in 

piena luce le istanze archetipiche 

nei confronti della sfera magicosimbolica, 

una verifica in termini 

antropologici della storia dell'arte 

(dalla Venere di Willensdorf al 

teschio ipocrita e scintillante di 

Damien Hirst) dovrebbe portarci 

a riconoscere la persistenza 

di simili istanze, convincendoci 

che gran parte delle operazioni 

culturali dell'uomo sono 

volte a soddisfarle. 

Per tornare ai tempi correnti, 

appare dunque conseguente 

che una società in buona 

parte secolarizzata, ma che 

non per questo ha risolto le 

pulsioni magico-simboliche di 

cui sopra, cerchi di regolare i 

propri conti con il piano trascendente 

attraverso l'arte. 

Un'arte idealizzata e ammantata 

di misticismo fino a diventare 

una sorta di nuova religione, 

con gli artisti nel ruolo di nuovi 

sacerdoti - come quelli antichi, più 

o meno dediti al mercato delle 

indulgenze - o, per usare la geniale 

espressione coniata da Alighiero 

Boetti, di shaman/showman. E 

come per la religione, anche nell'arte 

contemporanea si presenta 

allora la questione degli idoli, delle 

reliquie, insomma del ricorso a 

entità materiali che soddisfino tangibilmente 

i bisogni spirituali dell'individuo, 

nonché la sua necessità di 

riconoscimento entro un orizzonte 

di valori e riti condivisi. 

È a questo punto che il design 

entra trionfalmente in scena, 

pronto a produrre su larga scala 

quegli idoli di cui una parte almeno 

della società attuale sente impellente 

necessità, insufflando un'anima 

artistica nella produzione industriale: 

Design Art, appunto. Con 

tutto ciò non si vuole peraltro 

negare che le entità materiali risultanti 

da tale operazione non possano 

svolgere quelle funzioni di sollievo 

e contemplazione che vengono 

loro riconosciute, ma solo suggerire 

un tracciato del percorso 

che ci ha portato fino a questo 

punto, fino al timore reverenziale 

che molti provano dinanzi a una 

sedia perché investita di valenze 

del tutto sopravanzanti la sua 

immediata funzione pratica. Una 

funzione che la tradizionale categoria 

delle arti applicate non a 

caso si guardava bene dal disconoscere, 

perché non doveva fare i 

conti con le complicazioni derivate 

dalla spiritualizzazione totalizzante 

dell'arte e le sue incarnazioni. 

Giunti al termine di queste rapide 

annotazioni, ci guardiamo bene dal 

pensare di aver risolto definitivamente 

la questione da cui siamo 

partiti. Per parte nostra, a ogni 

modo, protestando anche nei confronti 

della nuova religione una 

fiera laicità continueremo a sederci 

su qualsiasi sedia ci capiti a tiro, 

sperando solo che i buttafuori dei 

design bar in cui avremo la ventura 

di entrare in futuro non mostrino 

una fede troppo spinta nei 

nuovi idoli di Kartell e Cassina. � 

[luca arnaudo] 

1 

Cit. in Alessandro Del Puppo, Duchamp e il 

dadaismo, Firenze 2008, p. 8. 

2 

Mark Rappolt, What is Design Art, in "Art 

Review", 12/2007, p. 90. 

3 

Karl Marx, Il Capitale, trad. it., Roma 1976, 

p. 84. 

4 

Joseph Kosuth, Art after Philosophy 

[1969], www.ubu.com/papers/kosuth_philosophy.html 

5 

Cfr. Renato Barilli, Corso di Estetica, 

Bologna 1995, pp. 17 ss.

Exibart.onpaper inteoria.37 

a cura di christian caliandro 

gli effetti speciali 

invecchiano presto 

Un’ampia riflessione sul concetto di effetto speciale. Inteso in senso allargato. Per indagare le conseguenze 

di un fenomeno che pone, grazie alle nuove tecnologie, tutto a disposizione di tutto. Quali i risvolti sui prodotti 

culturali? Quale la fine delle nicchie? E dell'alternatività? 

��Qualche tempo fa, su queste 

colonne, riflettevamo sull'invecchiamento 

precoce dei recenti 

effetti digitali al cinema 1 

, rispetto 

a quelli, meccanici ed ottici, della 

'vecchia scuola'. Da 2001: 

Odissea nello spazio a Guerre 

stellari, per intenderci. Proprio i 

tre ultimi episodi della saga di 

George Lucas (i primi tre in ordine 

narrativo), realizzati dal 1999 

al 2005, rappresentano un caso 

esemplificativo di questo discorso. 

Altri esempi utili possono 

essere L'uomo senza ombra 

(2000) di Paul Verhoeven, I, 

robot (2004) di Alex Proyas e Io 

sono leggenda (2007) di Francis 

Lawrence. C'è sempre qualcosa 

di decisamente obsolescente 

nelle immagini di tutti questi 

blockbuster - ed in quelle di molti 

altri meno famosi -, fatto abbastanza 

sorprendente se si pensa 

che la maggior parte di essi ha al 

massimo cinque o sei anni di vita. 

Paesaggi, astronavi e mostri 

hanno perso quasi subito il carattere 

mimetico dell'illusione, per 

acquistare quello del cartone animato. 

Stesso fenomeno 

accade nel 

campo della 

musica, soprattutto 

elettronica: 

si pensi per 

esempio a gruppi 

come i Boards 

of Canada o gli 

Autechre, e a 

quanto suonino 

datati già oggi. E, 

ovviamente, in 

quello dell'arte 

contemporanea, 

con lo spettacolo 

quasi dantesco di giovani e giovanissimi 

autori risucchiati dal nulla 

a due o tre anni dal loro promettente 

exploit. 

Questo superamento accelerato 

è forse il riflesso formale di fenomeni 

profondi che riguardano la 

nostra società, non riconducibile 

semplicemente ed unicamente 

alla rapidissima evoluzione delle 

tecnologie nella nostra era. 

Gli effetti speciali sono infatti il 

pendant, visivo e sonoro, dell'enciclopedismo 

digitale che costituisce 

il vero tratto caratteristico 

dell'ultimo decennio, 

apparentemente così 

multiforme, pluralista 

e confuso. Chris 

Anderson, direttore 

della rivista Wired dal 

2001, ha sintetizzato 

le caratteristiche 

della nuova fruizione 

culturale influenzata 

dalla distribuzione 

online nella fortunata 

figura della coda lunga, ponendo 

una moltitudine di questioni inedite 

e aperte sul contesto culturale 

del XXI secolo. Prima fra tutte, 

il problema della scelta: “La travolgente 

realtà della nostra era 

online è che tutto è disponibile. I 

rivenditori in rete offrono varietà 

in alto: George Lucas - Star 

Wars Episodio III - La vendetta 

dei Sith, 2005 

a destra: Alex Proyas - I, 

robot, 2004 

qui sopra: Un grafico che 

rappresenta la coda lunga 

su una scala inimmaginabile 

anche solo dieci anni fa: milioni di 

prodotti in ogni possibile variante 

e combinazione. Ma c'è bisogno 

di tutta questa scelta? Ed è gestibile?” 

2 

. Vale a dire: la disponibilità 

“ 

Che cosa vorresti che fosse 

scritto nel tuo epitaffio? 

Che noi eravamo veramente un 

gruppo alternativo. 

Intervista a Robert Smith dei Cure 

immediata di un archivio pressoché 

inesauribile di oggetti non 

esercita un potere 'titanico' su 

chi si trova ad effettuare la scelta 

finale tra questi? La posizione 

di Anderson è che questa possibilità 

infinita non frastorna né 

paralizza la scelta: al contrario, la 

favorisce. 

Altre voci nel dibattito sono 

molto meno ottimistiche. Per 

esempio, in un articolo pubblicato 

su The New Atlantis, 

Christine Rosen scrive: "Se 

queste tecnologie 

facilitano la polarizzazione 

in politica, 

che influenze 

esercitano sull'arte, 

la letteratura e 

la musica? Nella 

nostra frenesia di 

trovare il modo 

più rapido, comodo 

e facilmente 

individualizzato di 

trovare ciò che vogliamo, stiamo 

creando degli eclettici teatri personali 

o delle sofisticate camere 

di riverberazione? Stiamo promuovendo 

un individualismo 

creativo o un gretto individuali- 

smo? Un'espansione di scelte o 

un livellamento del gusto?" 3 

. 

Senza cedere alla tentazione 

apocalittica e moralista, si può 

intanto costruire l'ipotesi che 

questa nuova possibilità di scelta 

illimitata in ogni campo non solo 

condanni i prodotti culturali all'invecchiamento 

precoce, ma che 

si presti anche, inevitabilmente, 

all'effetto-nostalgia. Se tutto mi è 

disponibile qui ed ora (magari in 

formato digitale), ordinato in uno 

sterminato scaffale virtuale, allora 

il 'tutto' probabilmente si identifica 

con ciò che è stato prodotto 

fino a questo momento. 

L'esperirlo, la sua fruizione, 

richiede più tempo di quanto ne 

consenta una vita umana media: 

quindi, perché produrre il nuovo? 

Meglio 'godere' di ciò che fino a 

poco tempo fa era solo per 

pochi, praticamente irraggiungibile. 

Le 'nicchie' di cui parla 

Anderson si trovano dunque 

quasi sempre nel passato (più o 

meno recente), e l'onniscienza è, 

per costituzione, nostalgica. 

Inoltre, queste nicchie, in cui il 

mercato di massa si sta progressivamenteframmentando, 

non corrispondono esattamente 

alle vecchie culture 

underground (nel caso della 

musica, per esempio, il postpunk 

londinese, il grunge di 

Seattle, o la stessa house 

music di Chicago citata dall'autore): 

piuttosto, sono da 

immaginare come dei mercati 

di massa in miniatura, ed i 

loro prodotti hanno tutto l'aspetto 

- inquietante o esaltante 

a seconda dei punti di vista 

- di mini-blockbuster, personalizzati 

secondo i gusti dell'utente. 

Questa "personalizzazione 

delle masse", raffigurata e 

descritta dalla coda lunga, 

sancisce perciò l'estinzione 

delle culture realmente alternative. 

� 

1 

Cfr. Cinema dell'irrealtà, "Exibart.onpaper" 

a. VI, n. 39, maggio-giugno 2007, p. 40. 

2 

C. Anderson, Il paradiso della scelta, in La 

coda lunga, Codice Edizioni, Torino 2007, 

p. 168. Cfr. anche La cultura di nicchia, ivi, 

p. 180: "La coda lunga non è nient'altro 

che scelta infinita. Distribuzione abbondante 

ed economica significa varietà abbondante, 

economica e illimitata - e ciò significa 

a sua volta che il pubblico tende a distribuirsi 

su una scala vasta quanto la scelta. 

Dal punto di vista dell'industria dell'intrattenimento 

e dei media mainstream, sembra 

un po' una battaglia tra i media tradizionali 

e internet. Ma il problema è che, una 

volta che la gente ha spostato la sua 

attenzione online, non solo è passata da 

un canale mediatico a un altro, ma si è 

sparpagliata. Scelta infinita equivale a 

massima frammentazione". 

3 

C. Rosen, The Age of Egocasting, "The 

New Atlantis", Fall 2004 - Winter 2005, 

pp. 51-72.

38.aziende Exibart.onpaper 

la comunicazione? 

noi ci sguazziamo… 

È l'ufficio stampa della Galleria Civica di Modena, di KunstMerano Arte, del Lucca Digital Photo Festival, dell'editore 

Damiani e di Massimo de Carlo. Sta lavorando per rilanciare la Bevilacqua La Masa e forse aprirà pure una sede a 

Londra. Senza contare i Festival, come Artelibro che è una sua creatura. Tutto questo è Studio Pesci… 

�� Trentacinque anni, ambizioso 

e spregiudicato, una passione smisurata 

per il calcio (era tra gli italiani 

presenti alla finale berlinese 

dei Mondiali), si è fatto tutto da 

solo o quasi: è Federico Palazzoli, 

patron del bolognese Studio Pesci. 

Un'azienda modellata a sua immagine 

e somiglianza con l'imperativo 

di arrivare ovunque, di comunicare 

ad oltranza mostre ed eventi, di 

mettere in contatto i media con 

curatori, critici, artisti. Se necessario 

tirando anche per la giacchetta 

i giornalisti. Il suo motto? Manco a 

dirlo, "a contare sono solo i risultati". 

Lo abbiamo intervistato. 

Ci racconti com'è cominciata… 

Studio Pesci è nato negli anni 

Novanta e a fondarlo è stata mia 

madre, Giovanna Pesci. Era fondamentalmente 

uno studio professionale 

che ogni anno si occupava 

di pochi ma qualificati eventi, tra 

cui l'attività della Fondazione 

Magnani Rocca di Mamiano di 

Traversetolo (in provincia di 

Parma). Nel 2000 lo Studio è 

diventato una Srl e negli anni successivi, 

liquidati gli altri soci, sono 

diventato socio unico. Non ho studi 

specifici nel settore artistico, né in 

quello della comunicazione: ho 

imparato a lavorare da mia madre 

e ho cercato, anno dopo anno, di 

affinarmi sul campo… 

Autodidatta quindi. Ma quanti 

siete e di cosa vi occupate? 

Siamo una squadra di sette persone, 

tra dipendenti e stagisti. Il mio 

braccio destro è Silvia Tonelli, che 

collabora con me dal 2001. Ci 

occupiamo di comunicazione, promozione 

ed ufficio stampa di eventi 

artistici e culturali su tutto il territorio 

nazionale. Da un certo 

punto in avanti ci siamo orientati 

essenzialmente sull'arte contemporanea, 

grazie anche all'esperienza 

maturata alla Galleria Civica 

di Modena, con cui abbiamo lavorato 

da quando è diretta da 

Angela Vettese. Poi ci siamo occupati 

molto anche di fotografia, 

seguendo vari festival. 

Considerata l'espansione che sta 

avendo il contemporaneo è stata 

la mossa giusta… 

Il boom di Studio Pesci si è verificato 

quando ho iniziato ad investire 

intensamente in tecnologie e risorse 

umane, a partire dal 2002, e 

dall'anno scorso ho iniziato a raccoglierne 

i frutti. Ma la svolta è 

stata l'ideazione e l'organizzazione, 

insieme alla società di mia moglie 

(la Noema), di Artelibro, il festival 

del libro d'arte, evento che ci ha 

dato la possibilità di farci conoscere 

in tutta Italia. Se guardo al mio 

progetto di cinque anni fa credo di 

essere sulla strada giusta. Per 

esempio a Venezia, nel periodo 

della Biennale, curavamo sette 

eventi, tra cui il Padiglione Venezia 

con l'omaggio a Vedova. 

Chissà che entrate… 

Beh, posso dire che dal 2004 il 

a destra: Federico 

Palazzoli 

in basso: Gli uffici di 

Studio Pesci (foto di Italo 

Rondinella) 

fatturato complessivo dello Studio 

sta raddoppiando ogni anno. 

E come lavorate? Con questi 

numeri nulla va lasciato al caso… 

Quando abbiamo cominciato ci 

interessava soprattutto lavorare e 

farci conoscere. Ora ho più strumenti 

per capire la bontà del progetto 

e fare delle ipotesi sulla 

copertura mediatica. Dopo aver 

chiuso il contratto, di solito fissiamo 

gli obiettivi di visibilità con chi si 

occupa della campagna stampa, 

nel rispetto dei tetti di spesa, che 

sono sempre più bassi di quel che 

si vorrebbe. Poi è importante 

seguire una "tempizzazione" del 

lavoro e saper operare con giornalisti, 

critici, redazioni. La capacità di 

avere una rete di conoscenze adeguate 

è essenzialmente la radice 

del nostro successo e, quindi, del 

successo dell'evento. Comunque 

prima di tutto è importante non 

promettere nulla al cliente, perché 

non si sa mai quale piega 

può prendere un evento. 

Mi è capitato di tutto! 

Cioè si lavora scientificamente, 

ma talvolta è 

importante anche la fortuna… 

Noi cerchiamo di lavorare 

con grande serietà, professionalità 

e rapidità. Alla 

fine ripeto sempre ai miei 

collaboratori che non mi 

interessano i mezzi che 

I PROSSIMI EVENTI DELLO STUDIO 

Ecco alcuni appuntamenti del fitto 

calendario degli eventi curati dallo 

studio bolognese. 

Fino al 22 marzo 2008 

Sguardi Interiori - Galleria 

Sottopasso della Stua, Padova 


Runa Islam LOST CINEMA LOST 

Tobias Putrih - Galleria Civica di 

Modena 


DIETRICH | UNTERTRIFALLER 

ARCHITETTI - KunstMerano arte 

Fino al 6 aprile 2008 

Ilario Fioravanti. Il destino di un 

"Uomo" nell'Arte - Galleria 

Comunale d'Arte, Cesena 

Fino 13 aprile 2008 

La Madonna del Presepe da 

Donatello a Guercino - Pinacoteca 

Civica di Cento (FE) 

Dal 1 marzo al 10 maggio 2008 

Roberto Crippa. Reale e surreale - 

Dipaoloarte, Bologna 

Dal 6 marzo al 26 aprile 2008 

Christian Holstad - Spartacus 

Chetwynd. Galleria Massimo De 

Carlo 

Dal 9 marzo al 22 giugno 2008 

La cura del bello musei, storie, 

paesaggi per Corrado Ricci - 

Museo d'Arte della città di 

Ravenna 

Dal 19 marzo al 27 aprile 2008 

Maja Bajevic - Fondazione 

Bevilacqua La Masa, Venezia 

Dal 22 marzo al 31 maggio 2008 

Padova Aprile Fotografia 08 - passaggi 

/ paesaggi 2 - Padova 

Dal 4 aprile al 17 maggio 2008 

Liliana Moro. This Is the End - 

Fabbrica del Vapore, Milano 

loro utilizzano, ma che il budget 

non venga superato e che 

la rassegna stampa sia ottima! 

Voi gestite le relazioni pubbliche 

sia di interlocutori istituzionali 

che di gallerie e aziende. 

Quali sono le differenze e 

le eventuali analogie? 

Direi che la differenza principale 

tra pubblico e privato è 

stata per anni la diffidenza dei 

media verso quello che era privato, 

e cioè in vendita. Con il 

boom del contemporaneo la 

mentalità si è evoluta, e se 

qualcosa è interessante lo è 

senza distinzioni. Per un'azienda 

come la mia invece fanno molta 

differenza i contratti: con i privati, a 

meno di non avere contratti blindati, 

non si sa mai cosa aspettarsi; 

con il pubblico il pagamento è 

lento ma sicuro. 

“ 

A volte ci danno degli 

scocciatori. Più di una volta 

qualche critico mi ha chiamato 

o scritto per lamentarsi del 

nostro pressing, ma la realtà 

è che semplifichiamo la loro 

professione 

Ma ci sono difficoltà a gestire 

rapporti con gli spazi pubblici? La 

mancanza di programmazione è 

di solito un problema cronico in 

Italia… 

Purtroppo questo è un tasto 

dolente perché si arriva a gestire 

la comunicazione sempre all'ultimo 

momento. Diventa fondamentale 

saper sfruttare i punti di 

forza dell'evento e proporlo ai 

contatti giusti. Si è aiutati molto 

quando il progetto espositivo è 

buono, o si hanno artisti e curatori 

di livello. Generalmente per 

operare bene è necessario 

avere a disposizione tutto il 

materiale per l'ufficio stampa 

almeno un paio di mesi prima 

dell'inaugurazione. 

Quali sono i vostri maggiori successi? 

L'editore Damiani, il Lucca Digital 

Photo Festival, Artelibro, 

Parmapoesiafestival, 

KunstMerano, la Civica di Modena, 

la Bevilacqua La Masa. Recenti 

soddisfazioni sono state il curare 

le relazioni della collezione 

Maramotti (per un'azienda come 

Max Mara) e quelle della galleria di 

Massimo De Carlo. 

Com'è andata con Damiani? 

Ho conosciuto Andrea Albertini, 

presidente di Damiani, quando 

avevano due libri in catalogo ed io 

ero un ufficio stampa del territorio 

bolognese. Possiamo dire che 

siamo cresciuti insieme, e che 

molto ha contato la sua volontà di 

proporre un prodotto di qualità, 

con interesse verso la fotografia. 

La recente mostra di Hirst durante 

la Biennale è stato un successo 

per entrambi. 

E un flop o una cosa che non 

siete riusciti a fare come vorreste? 

Il flop è sempre dietro l'angolo! Mi 

è capitato sia per inesperienza sia 

per inconsistenza dell'evento o difficoltà 

di rapporti. 

Ma non trova esagerato l'interesse 

del mondo dell'arte contemporanea 

verso la comunicazione? 

Spesso si ha l'impressione 

che sia diventata più importante 

della qualità degli artisti… 

No, francamente non credo sia 

esagerato. Bisogna capire, noi uffici 

stampa per primi, che se una 

mostra non ha forza non la può 

ottenere con la comunicazione! 

I rapporti con i giornali, 

le riviste e le tv come 

sono? 

Direi ottimi, anche se a 

volte ci danno degli scocciatori. 

Più di una volta 

qualche critico mi ha 

chiamato o scritto per 

lamentarsi del nostro 

pressing, ma la realtà è 

che semplifichiamo la 

loro professione. 

I progetti futuri? 

Nei prossimi due anni vorrei assestare 

Studio Pesci ad un livello alto 

di clientela, sia privata che pubblica, 

puntando ancora di più sul contemporaneo, 

sulla fotografia e sui 

festival. Poi magari aprire un ufficio 

a Londra, per provare a confrontarmi 

con una grande città 

internazionale. � 

Studio Pesci 

via San Vitale, 27 

40125 - Bologna 

Tel 051269267 

info@studiopesci.it 

www.studiopesci.it 

[daniele capra] 

info.

Exibart.onpaper aziende.39 

fissati con l'arte 

Da una piccola ditta familiare negli anni Sessanta ad un gruppo di oltre quattrocento aziende in tutto il mondo. 

Dal primo acquerello di Nolde ad una collezione di oltre ottomila pezzi. Sbarca a Roma, con un nuovo museo, il 

re dei sistemi di fissaggio, Reinhold Würth. Ecco la sua storia… 

�� Settantadue anni, rigorosamente 

tedesco. Nella fisionomia, 

negli occhi azzurri, nei metodi, 

nella serietà, anche se i capelli 

scompigliati gli danno un'aria da 

filosofo esistenzialista più che da 

magnate d'impresa. Una grande 

passione per l'arte, cominciata 

negli anni Sessanta con Emil 

Nolde e l'Espressionismo tedesco, 

poi proseguita fino al contemporaneo 

- Kapoor, Christo, 

Baselitz - ma anche volgendo gli 

occhi al Rinascimento germanico. 

È Reinhold Würth, il magnate dei 

bulloni, delle viti, stabilmente tra i 

cento uomini più ricchi del mondo, 

secondo la classifica stilata ogni 

anno da Forbes. Personaggio 

assolutamente particolare ed atipico, 

ha appena aperto nell'autunno 

scorso un museo presso la 

sede romana dell'azienda, in cui 

dalla fine di febbraio (e fino ad 

ottobre) sono ospitati i coloratissimi 

lavori di Hundertwasser, con 

un progetto di mecenatismo 

assolutamente inedito: mettere 

l'arte tra i luoghi di lavoro. Ma facciamo 

un passo indietro. 

È il 1954 quando Reinhold 

Würth, neanche ventenne, inizia a 

lavorare nell'azienda paterna che 

si occupa di vendita all'ingrosso di 

viti e bulloni. In un contesto industriale 

caratterizzato dalla forte 

espansione (erano gli anni della 

ricostruzione postbellica, segnati 

da tassi di crescita a due cifre 

nella Repubblica Federale 

Tedesca) e grazie alle capacità 

del giovane Reinhold, nel giro di 

qualche anno l'azienda fa un salto 

di qualità, cui segue negli anni 

Settanta l'apertura delle prime 

filiali all'estero. Ora il gruppo, il cui 

core business rimane la commercializzazione 

di sistemi di fissaggio, 

è presente in più di ottanta 

paesi, dà lavoro ad oltre quarantacinquemila 

dipendenti ed è una 

delle più importanti realtà industriali 

della Germania. 

Potremmo dire che la passione 

per l'arte abbia seguito, quasi 

parallelamente, l'espansione dell'impresa. 

Negli anni Sessanta 

infatti Würth si appassiona all'arte 

ed inizia una vera e propria 

campagna acquisti, guidato "un 

po' dall'intuito, un po' dal gusto 

personale, un po' dalla storia dell'arte 

del mio paese". Si tratta di 

una passione essenzialmente 

verso le singole opere, senza una 

linea precisa o una volontà di portare 

a compimento un 

progetto culturale 

forte - come ad esempio 

è il caso di Panza di 

Biumo - da cui si evince 

il sincero e spontaneo 

trasporto per l'oggetto, 

alimentato da 

null'altro che il piacere 

personale. I primi 

amori sono 

l'Espressionismo 

Tedesco ed il gruppo 

Die Brücke, con opere 

di Max Liebermann, Ernst 

Ludwig Kirchner, Emil Nolde, 

Max Beckmann, ma anche autori 

come Edvard Munch e "qualcuno 

dei postimpressionisti francesi". 

Successivamente Würth comincia 

a sentire il fascino dell'astrat- 

to, nei particolari della cosiddetta 

École de Paris e dei pittori attivi a 

partire dagli anni Quaranta 

(Serge Poliakoff, Alberto 

Magnelli, Sonia Delaunay, Victor 

Vasarely, Franišek Kupka, Hans 

Hartung, Max Bill, Josef Albers), 

e a partire dagli anni Ottanta inizia 

a collezionare con una certa frequenza 

la scultura, tra cui spiccano 

una monumentale opera di 

Henry Moore di oltre cinque 

metri di altezza e lavori di grandi 

dimensioni di Tony Cragg e Anish 

Kapoor. Ma la passione fondamentale 

resta e resterà la pittura, 

anche nelle declinazioni neofigurative 

europee come i 

Neoespressionisti tedeschi e la 

Transavanguardia. "Quando una 

persona colleziona arte da trenta 

o quarant'anni sviluppa un metodo 

personale sicuro per dire che 

cosa sia o non sia, per lui, la qualità 

nell'arte". Lontano infatti dall'idea 

enciclopedica che hanno per 

esempio altri collezionisti abili 

invece a fare scelte più in linea 

con dettami storico-museali (vedi 

Pinault) Würth ci racconta che 

comunque in una vita di collezionismo 

"ci sono anche scelte sbagliate, 

anche se non ho mai rivenduto 

un pezzo". 

Il progetto di fondere insieme 

mondo dell'arte con quello aziendale 

gli viene invece a metà degli 

anni '80, quando si presenta la 

necessità di costruire la nuova 

sede centrale di Kunzelsau. In 

quell'occasione viene bandito un 

“ 

L'idea è quindi che il 

mondo del lavoro possa essere 

migliorato proprio grazie alle 

interazioni positive tra persone 

ed oggetto artistico 

concorso di idee tra architetti 

(vinto dal duo Siegfried Muller & 

Maja Muller-Djordjevic) e il 

magnate decide che parte della 

sua collezione avrebbe trovato la 

propria degna casa tra le pareti 

degli uffici. Da quel momento, tra i 

corridoi e le sale dell'azienda, i 

dipendenti della Würth avrebbero 

lavorato convivendo con molti dei 

pezzi della sua raccolta. "Vivere e 

lavorare circondati da opere è 

indice di una grande qualità della 

vita", afferma, "tanto più perché di 

tanto in tanto i dipendenti vengono 

con amici o parenti a fare un 

salto in azienda". L'idea è quindi 

che il mondo del lavoro possa 

essere migliorato proprio "grazie 

alle interazioni positive tra persone 

ed oggetto artistico": e non si 

pensi quindi solo ad una disincantata 

filantropia dato che rendere 

un ambiente lavorativo piacevole 

è un modo per stimolare l'efficienza 

e la produttività, "conferisce un 

orgoglio aziendale con delle ricadute 

dirette sulla motivazione". 

Ed inoltre è centrale il 

fatto che un'impresa 

caratterizzata da una 

forte presenza nel settore 

artistico può portare 

a delle ricadute positive 

anche in termini pubblicitari, 

come molte delle 

aziende più attente stanno 

sperimentando 

anche in Italia negli ultimi 

anni. Si pensi ad 

esempio al progetto di impacchettamento 

della sede aziendale centrale 

realizzato da Christo & 

Jeanne-Claude nel 1995 (con 

un'importante appendice musicale 

affidata a Philip Glass), che è 

stato un evento seguitissimo dai 

media e dal pubblico, e che ha sviluppato 

ricadute pubblicitarie stimate 

dai manager del gruppo sui 

cento milioni di vecchi marchi 

tedeschi. Ora l'edificio è visitato 

ogni anno da oltre centosessantamila 

persone, sono stati creati 

book shop, studiate linee di merchandising, 

creati appositi programmi 

educativi per l'infanzia. 

È in questa ottica che è stato 

aperto nel 2007 anche il Würth 

Art Forum a Capena, appena fuori 

Roma, ad ingresso rigorosamente 

gratuito, come gli altri musei 

europei dell'azienda. Si tratta di un 

nuovo spazio che, con la formula 

cara al fondatore, integra le esi- 

info. 

Art Forum Würth 

Viale della Buona Fortuna, 2 

00060 Capena, Loc. Scorano (Rm) 

Tel 06 90103800 

art.forum@wuerth.it 

www.artforumwuerth.it 

in alto: Reinhold Würth 

a fianco e sotto: La sede della Würth 

a Capena 

genze d'impresa - essenzialmente 

logistiche e direzionali - con quelle 

del moderno contenitore per l'arte. 

Collocato al di fuori dei flussi 

turistici di massa della Capitale, 

è stato pensato per essere facilmente 

raggiungibile in auto e per 

intercettare un pubblico trasversale 

con particolare attenzione 

alle famiglie, sulle quali molto si è 

puntato sia per le visite guidate 

che per la didattica. La mostra 

inaugurale è stata Percorsi da 

Spitzweg a Baselitz, che ha tracciato 

un insolito trait d'union tra 

la pittura Biedermaier e i maestri 

dell'ultimo Novecento, mentre 

fino all'autunno l'Art Forum 

ospiterà una complessa antologica 

di Hundertwasser, figura nota 

al grande pubblico anche per il 

suo lavoro di architetto a Vienna. 

Ovviamente, tra le oltre cento 

opere, la maggior parte è di 

casa. � 

[daniele capra]

40.approfondimenti Exibart.onpaper 

whitney unmonumental 

Save the date: 6 marzo - 1 giugno. Da Rita Ackermann a Mario Ybarra jr, ottantuno artisti pronti a scendere in 

campo tra il Whitney Museum e, per la prima volta, il Park Avenue Armory. Shamim M. Momin, co-curatrice 

dell'evento insieme a Henriette Huldisch, spiega ad Exibart tutto quanto c'è da sapere sulla Whitney Biennial: 

temi conduttori, budget, criteri di selezione, collaborazioni. Ma, come per l'inaugurazione del New Museum, 

anche stavolta si parla di non-monumentalità.. 

��Quando ha iniziato a lavorare 

alla Biennale del Whitney 

2008 con la sua collega 

Henriette Huldisch e con gli 

altri consulenti (Thelma 

Golden, direttore e chief curator 

dello Studio Museum di 

Harlem, Bill Horrigan, direttore 

del Media Arts department del 

Wexner Center for the Arts 

dell'Ohio State University, e 

Linda Norden, curatore e critico)? 

Abbiamo iniziato a organizzare 

la Biennale nel gennaio 2007. 

Pensando alle proporzioni della 

mostra fa spavento! 

Quali parametri vi siete dati? 

Abbiamo incontrato più volte i 

vari consulenti, in momenti 

diversi e per intere giornate, e 

con loro discutevamo le nostre 

idee, parlavamo di trend, di elementi 

prevalenti e di come pensavamo 

di impostare la mostra. 

Naturalmente non abbiamo iniziato 

da una tabula rasa. Siamo 

curatori, il nostro lavoro è vedere 

arte e prendere appunti. Se 

fermi un qualsiasi curatore per 

strada, sono certa che ha in 

mente una biennale già pronta! 

Noi abbiamo viaggiato quanto 

più possibile e trascorso moltissimo 

tempo negli studi degli artisti. 

Volevamo arrivare al risultato 

seguendo un processo deduttivo 

piuttosto che induttivo. Il 

vantaggio di vedere così tanti 

studi in così poco tempo, in 

diverse parti degli Stati Uniti e 

del mondo, e poi in maniera così 

concentrata, è che i punti di contatto 

tra le diverse forme artistiche 

saltano veramente agli 

occhi… 

La nozione di American Art 

pare ancora piuttosto confusa 

e spesso dà adito a critiche 

sugli artisti invitati a partecipare. 

Quale potrebbe esserne 

una corretta definizione? 

Penso che la definizione sia piuttosto 

vaga, non potrebbe essere 

altrimenti. Il Whitney Museum fu 

fondato da Gertrude Vanderbilt 

in un momento in cui non c'era 

interesse per l'arte Americana, 

con lo scopo di dare uno spazio 

agli artisti, generare interesse e 

mettere insieme una collezione 

per il museo. Naturalmente, ora 

non siamo nella stessa situazione 

e non lo siamo da parecchio: 

il concetto di American Art è in 

costante evoluzione, ci si interroga 

sia all'interno dell'institution 

che all'esterno. Francamente, 

ne abbiamo discusso molto, 

anche sulla definizione inerente 

al Whitney Museum of 

American art stesso… Noi 

comunque non abbiamo limitato 

la ricerca all'interno degli Usa, 

anche se alla fine la mostra sarà 

in linea con gli standard della 

Biennale del Whitney. Abbiamo 

cercato dove ritenevamo fosse 

“ 

I lavori in mostra evocano 

un senso di anti-monumentalità, 

rifuggono la spettacolarizzazione e 

mantengono una chiave di lettura 

frammentaria… in generale, c'è 

una tendenza verso la modestia 

nei materiali, ma senza nessun 

tipo di junk aesthetic 

rilevante in questo momento, 

con un'attenzione particolare ai 

luoghi dove gli artisti si spostano. 

Ora c'è una grande mobilità 

nel mondo dell'arte e ci sono 

alcune traiettorie particolarmente 

importanti: ad esempio la 

costa settentrionale del Pacifico, 

Vancouver, Seattle, Portland, 

oppure Los Angeles, il Messico, 

Berlino… 

In cosa si è differenziata la fase 

di selezione e organizzazione di 

questa Biennale rispetto a 

quella del 2004? 

In termini concreti, la procedura 

è stata molto simile ad altre 

mostre, una ricerca molto, 

molto approfondita… Poi intense 

conversazioni con altri curatori: 

specialmente quando si va fuori 

dai propri confini, non si può pretendere 

di essere informati 

come chi lavora e vive in quella 

zona. Ad esempio, ci sono città 

come Los Angeles che conosco 

molto bene e dove ho molti contatti, 

ma in altre non saprei dove 

andare a cercare o cosa vedere! 

I feedback più interessanti li ho 

spesso da altri artisti, e questa è 

forse la pratica emersa più marcatamente 

in questa Biennale. 

La mia vita sociale è densamente 

popolata di artisti. Questa 

volta, poi, ho anche più chiaro in 

mente come realizzare strutturalmente 

la mostra, cioè come 

applicare e riflettere l'approccio 

concettuale e curatoriale ad 

ogni livello, dal catalogo ai programmi 

didattici, fino all'allestimento, 

che è di solito uno dei 

nodi più critici. 

Stavolta il numero di artisti 

invitati - ottantuno, per la preci- 

sione - è più contenuto… 

Il tipo di lavoro che 

abbiamo scelto si basa 

molto sul concetto di 

total practice. 

Riteniamo che gli artisti 

oggigiorno lavorino 

più frequentemente su 

progetti omnicomprensivi 

piuttosto che sulla 

singola opera che scegli 

e piazzi in mostra. 

Allora abbiamo cercato 

di ridurre il numero 

di artisti per dare un 

maggiore spazio a ciascuno. 

A dire il vero, sui 

vari piani ci sono addirittura solo 

una cinquantina di artisti. Gli altri 

lavori o non si prestavano ad un 

allestimento classico o consistono 

in film e video. 

Questa edizione non ha un 

approccio tematico come quella 

scorsa, "Day for Night". 

Presenterà una panoramica 

dell'arte contemporanea americana? 

È piuttosto insolito avere una 

Biennale col titolo. "Day for 

Night" è stata la prima e unica 

volta che sia mai successo. In 

info. 

WHITNEY BIENNIAL 2008 

dal 6 marzo al 1 giugno 2008 

Whitney Museum of American Art 

945 Madison Avenue at 75th Street 

New York, NY 10021 

Tel (212) 570-3633 

Fax (212) 570-4169 

pressoffice@whitney.org 

www.whitney.org/press 

Seventh Regiment Armory Building 

Park Avenue and 67th Street 

New York, NY 10021 

Tel (212) 616-3930 

a lato: Shamim 

Momin curatrice 

della Whitney 

Biennail 

al centro: Adam 

Putnam - 

Untitled (4), 

2007 - Gelatin 

silver print, 

27.9x35.6 cm - 

Collection of the 

artist 

senso lato, però, ognuna presenta 

una tesi. In questa non ci sarà 

una posizione univoca, tematica, 

ma ci saranno vari fili conduttori 

e diverse sensibilità, che noi speriamo 

affiorino in maniera particolarmente 

evidente. I fili conduttori 

non sono lineari, però, ma si 

intrecciano e si sovrappongono… 

infatti, una delle idee presenti è 

proprio quella di una narrativa 

frammentaria e stratificata che 

resiste a un'interpretazione 

lineare, e anche ricca di contraddizioni. 

Può descriverci alcuni trend e 

pratiche artistiche presenti 

nella Biennale? Si aspetta che 

alcuni suscitino particolari controversie? 

Onestamente, non mi interessa 

provare a indovinare cosa piacerà 

e cosa verrà criticato… anche 

perché di solito è sempre qualcosa 

che non ti aspetti affatto! 

Al contrario, i lavori in mostra 

evocano un senso di anti-monumentalità, 

rifuggono la spettacolarizzazione 

e mantengono una 

chiave di lettura frammentaria, 

non centralizzata, con dispersione 

dei punti di vista. Molte opere 

suscitano un'idea di interruzione, 

di durata temporale che non 

consente una comprensione 

immediata e che le rende impegnative, 

ma allo stesso tempo 

esteticamente stimolanti. In 

generale, c'è una tendenza 

verso la modestia nei materiali, 

ad esempio con perdita di interesse 

in produzioni che siano 

super-sofisticate, ma senza nessun 

tipo di junk aesthetic, sia 

chiaro. Ci sono anche delle rivisitazioni 

più o meno letterali dell'idea 

di decadimento e fallimento, 

sia in termini di sistemi sociopolitici 

che della condizione 

moderna in se stessa. 

L'elemento performativo ha 

una forte presenza in questa 

Biennale. Un segno dei tempi? 

Ovviamente gli artisti fanno da 

anni performance o altri tipi di

Exibart.onpaper approfondimenti.41 

in alto: Coco Fusco - A Room of 

One's Own: Women and Power in 

the New America. Performance, 

P.S. 122, New York, 2006 

a destra: Roe Ethridge - Camilla, 

2007 - Chromogenic print, 

81.3x61 cm - Collection of the 

artist; courtesy Andrew Kreps 

Gallery, New York 

azioni di durata temporale. 

Ma certamente ora c'è una 

concentrazione di artisti che 

lavorano con questa idea di 

extended practice. Alcuni, ad 

esempio, saranno rappresentati 

da opere tradizionali nel 

museo, ma si "espanderanno" 

con azioni performative. Una 

sorta di pratica ramificata 

che si infiltra in maniera "virale" 

sotto forma di tecniche e 

modalità varie. E qui entra in 

gioco il Park Avenue Armory. 

L'edificio rappresenta un elemento 

estremamente strategico 

e significativo, e per la 

prima volta ospita tutte queste 

forme artistiche più effimere 

sotto uno stesso tetto. 

È un modo per rendere più 

comprensibile il nesso concettuale 

tra le varie forme 

artistiche in mostra, e per 

considerarle tutte su un 

medesimo piano di valore e 

importanza. L'Armory può 

ospitare tanti eventi, anche di 

natura diversa, senza esigere 

quasi mai la distinzione tra chi 

è protagonista della performance 

e lo spettatore. Ci 

sono installazioni con elementi 

mobili, interattivi, mutevoli; ci 

sono workshops nel corso di vari 

giorni e ci sono eventi serali. 

Alcuni lavori interagiscono con 

lo spazio e lo "attivano" in maniera 

particolare, altri non sono 

necessariamente nascosti, ma 

richiedono un certo investimento 

di tempo per essere apprezzati. 

Nulla è comunque imponente 

o spettacolare. Alcuni lavori si 

focalizzano sull'assenza e utilizzano 

lo spazio "scultoreamente" 

invece di conquistarlo. E non 

dimentichiamo che l'Armory si 

trova a pochi passi dal Whitney 

Museum… 

Collaborazioni di ogni tipo - 

quelle tra artisti, curatori e 

organizzazioni - stanno divenendo 

strategie sempre più comuni 

nel mondo dell'arte… 

Prima di tutto dobbiamo chiarire 

cosa si intende con questo termine. 

Oggigiorno con collaborative 

non ci riferiamo a un gruppo 

definito di persone con qualche 

obbiettivo prestabilito, che perdono 

la propria identità in nome 

del gruppo. Oggi le collaborazioni 

nascono spesso da network 

sociali e riflettono, ad esempio, 

modelli mutuati da comunità 

prese da internet. È un modo 

molto fluido di comunicare, mantenendo 

però la propria identità. 

In base alla sua esperienza, 

“ 

Per un museo è difficilissimo 

tenere il passo con gli standard a cui 

sono abituati gli artisti, con quei livelli di 

produzione… una galleria o uno spazio 

privato possono investire fondi che un 

museo non può neanche sognare! C'è 

una sezione intera del museo che lavora 

solo a quello e sta ancora lavorando 

per trovare altri fondi… 

quali sono i vantaggi e le 

limitazioni di una mostra 

co-curata? 

Devo dire che la collaborazione 

con Henriette ha 

avuto solo vantaggi. 

Abbiamo interessi piuttosto 

simili, ma allo stesso 

tempo diversi a sufficienza. 

E non abbiamo problemi a 

confrontarci sui punti di 

discordia e scambiarci le 

idee. In due si lavora con 

più intensità e a contatto 

più stretto rispetto a quando 

si è in tre-quattro persone. 

Francamente credo 

che curare mostre in collaborazione 

sia la chiave per 

il futuro… se si trova il giusto 

partner c'è la possibilità 

di confronto e arricchimento 

costante, e in due si 

può elaborare una posizione 

omogenea e ben articolata. 

La Biennale del Whitney 

non è nuova a collaborazioni 

con altre organizzazioni. 

Ricordiamo ad 

esempio quella con il 

Public Art Fund per i progetti 

a Central Park. 

Come si è sviluppata la 

collaborazione con il Park 

Avenue Armory e l'Art 

Production Fund? 

Con l'Art Production Fund 

la collaborazione è stata 

molto efficace. Loro hanno 

il compito di produrre tutti 

i programmi che si svolgono 

all'Armory. Hanno 

molta esperienza e molti 

strumenti a disposizione, 

sono stati loro a proporci 

l'idea! Hanno rispettato 

appieno la nostra visione 

curatoriale e gli artisti con 

cui hanno collaborato. In 

questo caso, la quantità di 

eventi su cui stiamo lavorando 

è davvero incredibile… 

Parliamo dei lavori in 

mostra: quanti sono stati 

commissionati per l'occasione? 

Tantissimi: quelli nel 

museo sono oltre il settantacinque 

per cento (o 

nuovi di zecca o riconfigurati 

per i suoi spazi), mentre 

quelli presentati 

all'Armory sono tutti nuovi. 

Penso che comunque questo 

corrisponda a come 

lavorano gli artisti oggi, 

perché non trovo abbia 

molto senso passare per 

ARTISTI PARTECIPANTI 

gli studi e scegliere questo o 

quel lavoro per poi mostrarli 

insieme. La selezione pura e 

semplice è un processo che 

crea troppa distanza, il lavoro e 

la sua produzione dovrebbero 

esser parte integrante del concepimento 

stesso della mostra 

e della sua presentazione. 

È stato difficile rientrare nel 

budget? 

I budget delle no-profit sono 

sempre problematici! Quindi, sì, 

è stato difficile. Forse ora è 

ancora più complicato a causa 

dell'ammontare di denaro che 

viene speso altrove nel mondo 

dell'arte. La discrepanza è enorme. 

Per un museo è difficilissimo 

tenere il passo con gli standard 

a cui sono abituati gli artisti, 

con quei livelli di produzione… 

una galleria o uno spazio privato 

possono investire fondi che un 

museo non può neanche sognare! 

Questo riflette anche alcuni 

problemi attuali inerenti alla 

filantropia. Volere esser coinvolti 

nell'arte non significa soltanto 

acquistare un'opera d'arte. 

Infatti, una grossa parte del 

nostro lavoro come curatori è 

far conoscere ai benefattori altri 

aspetti del mondo dell'arte. 

Il museo si è rivolto a sponsor 

aziendali, privati e galleristi per 

finanziare la mostra, il catalogo 

o altri eventi legati alla 

Biennale? 

Certamente. Non-profit vuol dire 

che dobbiamo raccogliere tutti i 

fondi di cui abbiamo bisogno e 

quindi ci siamo rivolti a tutti quelli 

che hai citato e anche alle fondazioni. 

C'è una sezione intera 

del museo che lavora solo a 

quello e sta ancora lavorando 

per trovare altri fondi. Deutsche 

Bank è uno degli sponsor principali 

quest'anno, insieme a GAP. 

GAP sembra un abbinamento 

interessante. È la prima volta 

che sponsorizza il Whitney 

Museum? 

È sicuramente la prima volta 

che la sponsorizzazione è di queste 

proporzioni. I soci fondatori 

di GAP, Donald e Doris Fisher, 

hanno una straordinaria collezione 

d'arte e sostengono molto 

attivamente tante iniziative. 

Quando ho iniziato la mia carriera 

al Whitney non avrei mai pensato 

che questo tipo di rapporti 

potesse sfociare in qualcosa di 

così reciprocamente interessante! 

� 

[a cura di micaela giovannotti] 

Ecco la lista degli ottantuno artisti partecipanti alla 

prossima Whitney Biennal. Rita Ackermann, 

Natalia Almada, Edgar Arceneaux, Fia Backström, 

John Baldessari, Robert Bechtle, Walead Beshty, 

Carol Bove, Joe Bradley, Matthew Brannon, 

Bozidar Brazda, Olaf Breuning, Jedediah Caesar, 

William Cordova, Dexter Sinister, Harry (Harriet) 

Dodge and Stanya Kahn, Shannon Ebner, Gardar 

Eide Einarsson, Roe Ethridge, Kevin Jerome 

Everson, Omer Fast, Robert Fenz, Coco Fusco, 

Gang Gang Dance, Amy Granat and Drew Heitzler, 

Rashawn Griffin, Adler Guerrier, MK Guth, Fritz Haeg, Rachel Harrison, 

Ellen Harvey, Mary Heilmann, Leslie Hewitt, Patrick Hill, William E. Jones, 

Karen Kilimnik, Alice Könitz, Louise Lawler, Spike Lee, Sherrie Levine, 

Charles Long, Lucky Dragons, Daniel Joseph Martinez, Corey McCorkle, 

Rodney McMillian, Julia Meltzer and David Thorne, Jennifer Montgomery, 

Olivier Mosset, Matt Mullican, Neighborhood Public Radio (NPR), Ruben 

Ochoa, DJ Olive, Mitzi Pederson, Kembra Pfahler/The Voluptuous Horror 

of Karen Black, Seth Price, Stephen Prina, Adam Putnam, Michael 

Queenland, Jason Rhoades, Ry Rocklen, Bert Rodriguez, Marina 

Rosenfeld, Amanda Ross-Ho, Mika Rottenberg, Heather Rowe, Eduardo 

Sarabia, Melanie Schiff, Amie Siegel, Lisa Sigal, Gretchen Skogerson, 

Michael Smith, Agathe Snow, Frances Stark, Mika Tajima/New Humans, 

Javier Téllez, Cheyney Thompson, Mungo Thomson, Leslie Thornton, 

Phoebe Washburn, James Welling, Mario Ybarra Jr.


la quadriennale 

dei bamboccioni 

Un centinaio di artisti, cinque curatori e un budget da un milione e mezzo di euro: questi i primi numeri di un 

evento che, da giugno a settembre, torna nel romano Palazzo delle Esposizioni. Sperando di sfornare ancora 

qualcuno di quei mid-career che oggi portano la bandiera italiana in giro per il mondo. Ne parliamo col presidente 

della Fondazione, Gino Agnese... 

��Si definisce un presidente sui 

generis, Gino Agnese, sia perché 

si diverte molto facendo il suo 

lavoro, sia perché - pur non essendo 

un critico d'arte - tratta la 

materia con disinvoltura. "Se la 

scrittura è la mia compagna professionale, 

l'arte è invece un'amitié 

amoureuse." - spiega - "Sono il 

biografo di Marinetti e Boccioni e 

sono stato molto amico di 

Mastroianni, Burri…". L'incontro è 

a Villa Carpegna, oasi di cultura 

con uno sguardo al futuro, con il 

suo tecnologico Archivio Storico- 

Biblioteca della Fondazione 

(ArBiQ), per parlare della XV rassegna 

che da giugno a settembre 

tornerà nella sede storica di 

Palazzo delle Esposizioni. Un centinaio 

di artisti chiamati da cinque 

curatori (Chiara Bertola, Lorenzo 

Canova, Bruno Corà, Daniela 

Lancioni, Claudio Spadoni) a rappresentare 

le nuove tendenze dell'arte 

italiana. Ad aprile la presentazione 

ufficiale. Nell'attesa, si 

potrà sfogliare il nuovo volume dei 

"Quaderni", Burri. Una vita di Piero 

Palombo, fresco di stampa. 

La Quadriennale si propone di 

presentare gli artisti italiani che 

avranno l'opportunità di essere 

lanciati sulla scena internazionale. 

Quest'anno si ritorna a questo 

ruolo puntando sui giovani? 

Si ritorna, per l'appunto, nel senso 

che nella passata edizione abbiamo 

avuto diversi giovani artisti 

che dopo la Quadriennale hanno 

fatto il salto, alcuni sul piano nazionale, 

altri all'estero: Manfredi 

Beninati, Alessandra Giovannoni, 

Giuseppe Stampone, Alberto Di 

Fabio, ma ce ne sono molti altri... 

In che fascia di età rientrano gli 

artisti selezionati per la XV edizione? 

Non sono né giovani, né vecchi. 

Come direbbe Padoa Schioppa, 

sono della generazione dei "bamboccioni". 

Ma altro che "bamboccioni"... 

sono dei piccoli maestri, 

avendo già una certa carriera alle 

spalle! 

Qual è il contesto istituzionale 

con cui la Quadriennale interagisce? 

La Quadriennale lavora nel proprio 

contesto, essendo un'istituzione 

autonoma, come le "sorelle 

espositrici" italiane, la Biennale di 

Venezia e la Triennale di Milano. 

La Quadriennale mette in mostra 

l'arte che si fa in Italia nel momento 

in cui si organizza la mostra. 

Questa è la nostra mission. I 

nostri punti di riferimento istituzionali 

sono due: i nostri azionisti, 

ovvero il Ministero per i beni e le 

attività culturali, nella misura del 

novanta per cento, e il Comune di 

Roma, per il dieci. Non abbiamo 

collegamenti organici con altre 

istituzioni, benché manteniamo 

rapporti frequenti con la Cineteca 

Nazionale, la Direzione generale 

Gino Agnese 

davanti alla scultura 

di Mastroianni (foto 

M. De Leonardis) 

degli archivi, alcuni 

uffici della Regione 

Lazio, Rai Teche. 

Abbiamo relazioni 

anche con il 

Ministero per gli 

affari esteri e gli 

Istituti italiani di 

cultura all'estero 

perché, svolgendo 

attività editoriale, 

inviamo i nostri 

volumi anche nelle 

biblioteche dei 

maggiori musei e 

delle più importanti 

università straniere. 

Tra i nostri 

compiti c'è anche 

quello di portare 

fuori dall'Italia la 

cultura artistica 

del nostro Paese. 

Quale sarà il budget di questa 

XV edizione? 

Il budget è nell'ordine di circa un 

milione e mezzo di euro. Le 

mostre costano molto, benché si 

faccia il possibile per fare grandi 

economie. 

Non esiste l'idea 

della figura 

di un direttoreartistico? 

No, perché 

non ce n'è 

bisogno. Per 

ogni edizione il 

consiglio d'amministrazione, 

di cui fanno 

parte Elena 

Pontiggia, Luigi Paolo Finizio, Carlo 

Fabrizio Carli, Danilo Eccher e 

Ludovico Pratesi, nomina una 

commissione di cinque esperti 

che organizzano la mostra senza 

un tema specifico, selezionando 

un centinaio di artisti. Abbiamo 

chiamato Fuori tema l'ultima edizione, 

proprio con la convinzione 

che il tema sia una specie di prigione 

per l'arte. La nostra rassegna 

non è una proposta organica, 

ma una riflessione sull'arte contemporanea 

in Italia, che è molto 

varia. Non abbiamo la presunzione 

di prendere solo alcune peculiarità 

delle sue esperienze, culture 

e approcci. Pensiamo di essere 

addirittura più moderni, perché 

abbiamo la convinzione di mettere 

su un ipertesto e non un testo. 

Dove l'ipertesto si forma per 

aggregazione, per accumulo ed é 

un prodotto della cultura informatica, 

quindi estremamente avanzato 

rispetto al testo che è, invece, 

un prodotto della cultura tipografica 

pre-internet. 

Quali saranno gli eventi e gli 

appuntamenti proposti nel quadriennio 

2008-2012? 

Sia io che i consiglieri d'amministrazione 

saremo in scadenza 

di mandato nella seconda 

“ 

Prima del 2003 la Quadriennale 

era avvilita da consigli d'amministrazione 

litigiosi o da dirigenze pigre alla Oblomov, 

vere caricature, gente che, come diceva 

Marinetti di suo padre avvocato civilista, 

spaccava il capello in quattro 

metà del 2009. Dunque non 

abbiamo questa preoccupazione 

di una gittata così a lungo 

termine. Però dato che nel 

2009 cade il centenario del 

Futurismo (tra l'altro la 

Quadriennale è stata il passaggio 

di molti futuristi della deuxième 

vague) dedicheremo uno 

dei nostri "Quaderni" a questo 

argomento. 

Ritiene che l'intervallo di quattro 

anni sia valido per documentare 

le novità più significative del 

panorama artistico nazionale? 

È chiaro che i tempi sono molto 

accelerati nella nostra condizione 

storica e le novità si producono 

con frequenze più strette rispetto 

al passato. Però tutti i sociologi 

sono d'accordo su un punto: viviamo 

una difficoltà di ricapitolazione. 

Siamo sotto un bombardamento 

informativo che si riferisce anche 

all'arte contemporanea, vista la 

produzione continua di fiere, 

mostre, giornali, riviste... Come 

negli altri comparti culturali c'è 

un'assoluta necessità di ricapitolazione. 

Senza ricapitolazione non 

c'è comprensione, ma solo assunzione 

di frammenti che non aprono 

varco alla conoscenza. Dunque 

fare il punto ogni quattro anni sull'arte 

italiana è un momento di 

ricapitolazione. In questo senso la 

Quadriennale è anche più importante 

di prima. 

Dal 2003, del resto, la 

Fondazione non ha mai smesso 

di lavorare... 

È stata fondamentale la consonanza 

tra il consiglio d'amministrazione 

e il presidente, grazie 

alla quale abbiamo messo il turbo. 

Prima del 2003 la Quadriennale 

era avvilita da consigli d'amministrazione 

litigiosi 

o da dirigenze 

pigre alla 

Oblomov, vere 

caricature, 

gente che, 

come diceva 

Marinetti di suo 

padre avvocato 

civilista, spaccava 

il capello in 

quattro. Siamo 

partiti dalla location, 

avendo 

capito che non 

stavamo più bene a Palazzo delle 

Esposizioni. Non era più il palazzo 

della Quadriennale, ma quello dell'azienda 

speciale Palexpo, dove la 

Quadriennale era ospite neanche 

troppo gradita. Così, approfittando 

di una legge del 1937 che 

obbliga il Comune a costruire la 

sede per la Quadriennale, abbiamo 

aperto una trattativa fino a 

quando non ci è stato assegnato 

SPACCATO DI VITA IN UN QUADERNO PER BURRI 

"Ciò che veramente ci danno i grandi artisti, Burri 

come Fontana, Picasso come Pollock, non è tanto una 

materia o un gesto o un segno, quanto piuttosto una 

lezione di attitudine di vita: la volontà, la forza di far dell'arte, 

la libertà d'invenzione". È di un 'collega' - nella fattispecie 

di Piero Manzoni - la frase scelta per presentare 

la monografia di Alberto Burri edita da Electa per 

la collana "I quaderni della Quadriennale" e presentata 

a Villa Carpegna lo scorso 28 febbraio. A comporre il 

"ritratto" del maestro di Città di Castello, in oltre duecento 

pagine arricchite da un centinaio di fotografie, 

un giornalista e narratore di talento come Piero 

Palumbo, corredato dai contributi di tre autori che a 

Burri furono legati da rapporti d'amicizia: Giovanni 

Carandente, Lorenza Trucchi e Gino Agnese. Chiude il 

info. 

Fondazione Quadriennale 

Villa Carpegna 

Piazza Di Villa Carpegna (00165) 

Tel 06 9774531 Fax 06 97745309 

info@quadriennalediroma.org 

www.quadriennalediroma.org 

da giugno a settembre 2008 

Palazzo delle Esposizioni 

Via Nazionale 194 (00184) 

Tel 06 489411 Fax 06 68301087 

info@palazzoesposizioni.it 

www.palazzoesposizioni.it 

questo edificio. Villa Carpegna è 

una costruzione di fine '600 che il 

Comune aveva acquistato una 

quindicina di anni fa e restaurato. 

Siamo entrati qui per primi, dopo 

il restauro, arredando l'edificio e 

realizzando nel fabbricato adiacente 

il più moderno archivio 

biblioteca di arte contemporanea, 

che è stato aperto al pubblico nell'ottobre 

2006. Dal 2004 ad oggi 

sono uscite anche numerose pubblicazioni, 

a partire da 

Astrattismo Italiano, e c'è stato 

anche l'importante convegno 

internazionale Arte e cultura negli 

anni Novanta. Dalla fine del Muro 

all'11 settembre, di cui abbiamo 

pubblicato gli atti, corredando il 

volume del più completo repertorio 

delle mostre fatte in quel 

decennio. 

Quale taglio darete all'omaggio 

che la Quadriennale dedicherà a 

Luciano Fabro? 

Esporremo per la prima volta in 

Italia un'unica opera di Fabro. 

prestata dalla famiglia dell'artista: 

una scultura molto suggestiva, 

che ha un qualcosa di sepolcrale. 

Avrà un grande impatto 

sui visitatori, non appena entreranno 

a Palazzo delle Esposizioni. 

Nel catalogo, poi, non ci saranno 

testi critici su Fabro, ma pubblicheremo 

una pagina in cui è l'artista 

a spiegare le sue ragioni 

d'arte. � 

[manuela de leonardis] 

volume la sezione "Apparati", con una cronologia delle 

mostre personali e delle principali mostre collettive, 

l'indice dei nomi e la bibliografia. Frutto di una ricerca 

durata quasi due anni, alla quale ha collaborato l'intera 

equipe dell'Archivio-Biblioteca della Quadriennale, 

"Burri. Una vita" non si pone esclusivamente come 

libro di critica d'arte, ma quale racconto dell'avventura 

esistenziale, la ricostruzione della cultura, delle amicizie, 

degli affetti di uno dei maggiori artisti italiani del 

Novecento: un uomo determinato, indocile e polemico, 

ma sorprendente per certa sua ironica innocenza… 

P.Palumbo, "Burri. Una vita", Electa, Milano, 2008. pp. 

208, 29 euro


finalmente macro 

I percorsi, le passerelle, il movimento, i terrazzi. E poi il rosso, come spunto casuale prima e come segno di 

sangue (e dunque di vita) poi. In un'intervista che segna l'inizio del conto alla rovescia per l'apertura di Macro 

(prevista tra sei mesi), Odile Decq a cuore aperto. In nome di un equilibrio dinamico... 

�� Il suo lavoro spazia da progetti 

architettonici a installazioni, 

che rappresentano vere e 

proprie opere d'arte, fino al 

design. Ritiene che il museo di 

Roma sia un semplice intervento 

architettonico o un progetto che 

si colloca al confine tra più discipline? 

Il MACRO comprende elementi 

che motivano e corroborano la 

mia architettura. In primo luogo, 

un museo d'arte contemporanea 

non è un'opera d'arte, non può 

esserlo. È un'opera d'architettura, 

ovvero uno spazio, o meglio, un 

insieme di spazi che permettono 

la presentazione di opere d'arte. È 

per questo che ci siamo dovuti 

rendere talvolta neutri (nelle sale 

espositive) e talvolta orientati al 

movimento (nei percorsi). 

Tuttavia, anche se tutto sembra 

essere in movimento nello spazio 

a causa delle passerelle, delle 

scale, degli ascensori; l'architettura 

permette una concentrazione, 

un'intimità. Lascia che il visitatore 

possa rallentare il suo percorso. 

Signora Decq, lei è sempre più 

legata al contemporaneo... 

Il mio interesse per l'arte contemporanea 

non cessa di crescere. 

Colleziono, realizzo gallerie d'arte, 

faccio installazioni. E tutto già da 

molto tempo. Ultimamente mi si 

è chiesto di esporre in prima persona. 

Non ho voluto presentare 

uno dei miei progetti d'architettura 

- una galleria non è luogo adatto 

a questo -, ma ho pensato ad 

una pièce che giocasse con lo 

spazio e che avesse una vita propria. 

Ecco come è nata 

Homéostasie, un'opera che interpreta 

ciò che per me è l'equilibrio 

dinamico. Si può dire che con 

questo pezzo ho cercato di passare 

dall'altra parte dello specchio, 

di cambiare punto di vista, di 

fuggire il campo stretto dell'architettura 

e dello spazio architettonico. 

Crede che questa interazione 

tra arti possa esserci solo quando 

due discipline si "scontrano", 

in questo caso per la destinazione 

d'uso a museo, o anche con 

semplici interventi di architettura? 

Arte e architettura possono 

incontrarsi in ogni istante. E non 

c'è solo il museo, c'è anche lo 

spazio pubblico, gli ambiti della 

vita privata. Il museo non è 

comunque l'unico luogo d'interazione. 

A questo proposito, considerato 

il suo interesse crescente per la 

materia, avrà un'attenzione particolare 

per il design e gli arredi 

dell'avventura romana? Quali 

saranno gli spazi più caratteriz- 

a destra: Odile Decq 

in basso: un rendering del 

progetto 

zati? La biblioteca? Il 

ristorante? 

Non vi saranno zone specificatamente 

dedicate ad 

interventi di design. 

Comunque ho disegnato 

'oggetti' per gli spazi del 

ristorante, della libreria, 

della sala di lettura, della 

sala conferenze, del bar... 

I segni distintivi, che connotano 

le sue architetture, 

sono identificabili 

anche nel progetto 

museale? Ad esempio, 

l'uso del colore rosso, 

presente anche nel caso 

romano, ha per lei un 

significato particolare? 

Il rosso è arrivato poco a 

poco dopo molti anni. 

“ 

Sebbene tutti dicano che 

sette anni di cantiere in Italia sono 

pochi, posso garantire che, se 

confrontati ad altri paesi, sono 

decisamente tanti 

All'inizio l'ho semplicemente 

fatto, non gli ho dato un senso 

particolare. In realtà ogni volta 

che partecipo ad una conferenza 

mi viene posta sempre questa 

domanda. E allora rispondo 

che dapprincipio il rosso era 

nato per rendere un forte contrasto 

con il nero. Di seguito è 

stato pensato come rosso-sangue 

e dunque rosso-vita. 

Il museo di Roma è stato definito 

come un progetto alla 

ricerca di un equilibrio dinamico, 

che è di per sé una contraddizione 

in termini. È alla 

ricerca di un punto di rottura 

che generi un'instabilità creativa 

riconducibile all'arte contemporanea? 

L'equilibrio dinamico non è una 

contraddizione in termini, la 

prova è la definizione di 

"Homeostasie", ovvero il termine 

che definisce nelle scienze 

l'equilibrio dinamico stesso. Si 

tratta dell'equilibrio che sta giusto 

al limite della rottura; quell'equilibrio 

che un nonnulla può 

mettere in movimento. 

Quell'equilibro nel quale forze 

apparentemente contraddittorie 

trovano un punto di stabilità 

a dispetto del movimento tutt'intorno. 

In una sua precedente intervista, 

ha definito Roma come la 

città ideale per la nuova architettura, 

la capitale secondo lei 

è effettivamente pronta ad 

accogliere un progetto come il 

suo, definito di "rottura con il 

passato"? 

Ho detto che il contesto romano, 

statico da tanto tempo, sarebbe 

un ambito ideale per sperimentare 

sull'architettura. Ho costatato 

che se un territorio è fermo da 

molto e si rimette in moto, va 

molto più spedito di un territorio 

che in moto c'è sempre stato. 

Roma ha cominciato a mettersi 

in moto. E lo deve fare ben forte 

nel futuro se non vuole addormentarsi 

di nuovo. 

E TUTT'INTORNO È GIÀ MACROZONA 

L'abbiamo battezzata già da qualche tempo - con la 

nostra mania per i neologismo in fatto di artdistrict - 

"Macrozona". Ed è proprio una macro zona di gallerie e 

spazi privati dedicati all'arte quella che si sta creando 

attorno ad un museo che non è ancora stato inaugurato 

(aprirà per la prima volta in occasione della prossima 

Notte Bianca romana, ad inizio settembre). E, dunque, 

per chi non si accontenta dell'importante mostra di 

Nahum Tevet che il direttore di Macro, Danilo Eccher, 

cura negli spazi di via Reggio Emilia 

(www.macro.roma.museum; mart-dom 9-19; 

06671070423) o dell'altrettanto interessante retrospettiva 

su Giuseppe Gallo visitabile fino al 24 marzo, ci 

sarà a disposizione un intero quartiere ingemmato di 

gallerie. A partire dalla stessa via Reggio Emilia tra decani 

della zona e newcomers. La galleria più importante del 

quartiere è senza dubbio la Oredaria di Marina Covi Celli 

(via Reggio Emilia 22; www.oredaria.it) dove fino all'8 

marzo c'è una mostra da non perdere del grande 

Maurizio Mochetti. Sempre fino all'8 marzo Antonello 

Bulgini è in mostra da Hybrida (via Reggio Emilia 32; 

www.hybridacontemporanea.it) mentre il giovanissimo 

lituano Andrius Zakarauskas è protagonista di una per- 

In questo progetto, oltre al 

classico, si è dovuta rapportare 

con un contesto anche storico, 

qual è stata la strategia? 

Il solo elemento importante di 

riflessione concettuale rispetto 

al progetto alle sue origini è 

stato l'obbligo di mantenere le 

facciate. E poi c'è stata questa 

necessità di rottura. Per far sì 

che il visitatore entrasse davvero 

in un altro universo. Per vedere 

l'arte contemporanea in una 

città dove non è visibile a causa 

delle tante preesistenze. 

Il titolo del concorso di Roma 

era "territori sensuali", come 

se l'ipotetico visitatore del 

museo dovesse compiere un 

percorso attraverso il quale si 

rapporta a nuove sensazioni 

che scaturiscono dall'interazione 

con l'edificio. Quanto 

conta la percezione dello spazio 

e che rapporto si crea in un 

museo tra opere d'arte e 

architettura? 

Il titolo faceva riferimento al 

fatto che aprirsi all'arte contemporanea 

significa mettere in 

gioco tutti i nostri sensi. E l'architettura 

è il territorio di questi 

sensi. Alla stessa maniera il 

disequilibrio legato alle pendenze, 

le texture di materiali cangianti 

sotto ai piedi del visitatore, 

i punti di vista variabili (contro 

sole, in obliquo, davanti alle 

vetrate...), tutto ciò mette in 

campo il rapporto diretto con 

l'opera e permette di creare dei 

rapporti successivi legati alla 

scoperta. È un po' come in uno 

spazio barocco con molteplici 

punti di fuga. 

Vi sono stati dei brutti momenti 

in quest'avventura? 

Il cantiere non ha passato dei 

momenti brutti. Comunque la 

gestione dei tempi è stata complicata. 

Ho progressivamente 

capito che la cosa sarebbe 

stata lunga. Perché se tutti 

dicono che sette anni di cantiere 

in Italia sono pochi, posso 

garantire che, se confrontati ad 

altri paesi, sono decisamente 

tanti. � 

[a cura di valia bariello] 

sonale al Traghetto (via Reggio Emilia 25; www.galleriatraghetto.it). 

Sempre curiosa la programmazione di 

Mondo Bizzarro (via Reggio Emilia 32c; www.mondobizzarro.net) 

che tra arte soft core e neo pop offre un fornitissimo 

bookshop da non mancare. Il Sole (via 

Nomentana 169; www.galleriailsole.it) propone con 

costanza ormai dal 2003 una programmazione di qualità 

dedicata quasi esclusivamente alla giovane figurazione 

italiana e sempre sull'Italia sembrano focalizzati i 

primi vagiti delle nuovissime Endemica (via Mantova 14; 

www.endemica.it), che presenta per questa primavera 

una mostra di Bruno Ceccobelli, e Segni Mutanti (via 

Velletri 30; www.segnimutanti.it) che fino al 7 marzo 

presente le carte di Emilio Leofreddi. Per coloro che poi 

avessero ancora voglia di spazi istituzionali, la zona non 

è affatto avara. E, oltre al Macro, gli art-lovers possono 

sbizzarrirsi tra la programmazione internazionale del 

Goethe Institute (via Savoia 15; www.goethe.de/roma) e 

le proposte di altissimo profilo dei Musei di Villa Torlonia 

(via Nomentana 70; www.museivillatorlonia.it, nel Casino 

dei Principi una personale di Carlo Livi fino al 15 giugno) 

all'interno della quale, tra non molto, aprirà a quanto 

pare un polo internazionale dedicato alla performance...


un'azienda proprio speciale 

Cinquantenne, romano, esperto delle gestioni culturali pubblico-privato. Ma soprattutto manager. Evviva la faccia. Per 

carità, nulla contro i direttori artistici, ma di fronte all'efficienza, alla capacità di maneggiare eventi culturali, ma anche 

numeri e conti ed al piglio aziendalista non possiamo che compiacerci. Mario De Simoni si ritrova, da gennaio, a fare il 

direttore generale di Palaexpo, che è un'azienda speciale del Comune di Roma e che non vuol dire 'solo' Palazzo delle 

Esposizioni. Racconto di come si può dirigere un grande polo culturale pur non avendo studiato Storia dell'Arte… 

�� Dal primo gennaio è diventato 

direttore generale 

dell'Azienda Speciale Palaexpo. 

Come vicedirettore generale si 

occupava della parte operativa 

della gestione del Palazzo, mentre 

ora le spettano anche la 

programmazione culturale, il 

marketing, la comunicazione. 

Fino a che anno la programmazione 

è già fatta (e dunque se la 

ritrova in eredità) e a partire 

da quando la sta progettando 

ex novo? 

La programmazione del Palazzo 

delle Esposizioni è frutto di un 

approccio dialettico, fra presidente, 

direttore generale, consiglieri 

di amministrazione, 

responsabile delle attività culturali, 

curatori. La sintesi gestionale 

è poi affidata al direttore 

generale. Stiamo ora lavorando 

all'affinamento della programmazione 

2010 e alla definizione 

di quella 2011. Devo anche dire 

che proprio il processo dialettico 

a cui ho fatto riferimento mi 

aveva comunque visto in qualche 

modo partecipe delle scelte operate 

sotto la precedente direzione 

generale. 

Continuerete su questa formula 

o c'è all'orizzonte la nomina 

di una figura che potremmo 

tutti gli spazi di palaexpo. 

Palazzo delle 

Esposizioni 

via Nazionale 194 - 

00184 - Roma 

Tel 06 489411 

Fax 06 68301087 



Teatro del Lido 

via Delle Sirene 22 - 

00121 - Roma 

Tel 06 56339753 

www.teatrolido.it 

Scuderie del 

Quirinale 

via XXIV Maggio 16 

- 00187 - Roma 

Tel 06 39967500/696271 

info@scuderiequirinale.it 

www.scuderiequirinale.it 

Zoneattive 

Foresteria della Casa 

del Jazz 

viale di Porta 

Ardeatina 55 - 00154 - Roma 

Tel 06 70473500 Fax 06 77261202 

www.zoneattive.it 

Casa del Jazz 

viale Di Porta 

Ardeatina 55 - 00154 

- Roma 

Tel 06 48941205/48941208 

www.casajazz.it 

Casa del Cinema 

via Marcello 

Mastroianni 1 - 00127 

- Roma 

Tel 06 423601 Fax 06 42016191 

info.cdc@palaexpo.it 

www.casadelcinema.it 

chiamare 'direttore artistico'? 

Ritengo che l'attuale assetto sia 

quello giusto per un luogo in cui 

accadono eventi anche molto 

diversi l'uno dall'altro, contrassegnati 

dalla multidisciplinarietà e 

dalla varietà sia dei linguaggi che 

dei contenuti. 

Ad oggi lei deve proporre 

mostre di qualità e, al contempo, 

garantire al Palazzo, come 

dire, un cash flow. Come evitare 

il rischio della commercializzazione 

degli eventi a scapito 

della qualità? 

Ricordando sempre quella che è 

la nostra missione istituzionale, 

che viene prima di qualsiasi 

approccio di marketing. 

L'azienda - e noi siamo un'azienda 

- rappresenta in questo caso 

la dimensione economica di una 

missione più vasta e fondante, 

quella culturale. Svolta a beneficio 

di tutta la cittadinanza. 

Dopo cinque anni di chiusura 

per restauri, il Palazzo delle 

Esposizioni ha riaperto i battenti 

con le tre mostre dedicate 

a Mark Rothko, 

Stanley Kubrick e 

Mario Ceroli, che dal 6 

ottobre allo scorso 6 

gennaio hanno portato 

oltre centosessantamila 

visitatori, con una 

media giornaliera di 

duemila persone. Al di 

là dei dati positivi, cosa 

poteva andare meglio? 

Ancora più visitatori. Al 

di là della battuta, dobbiamo 

lavorare ancora 

meglio sulla segnaletica e, in 

generale, per consentire al visitatore 

di orientarsi con immediatezza 

all'interno di uno spazio 

architettonico articolato come 

quello del PdE. 

Business abbonamenti e card. 

Come sta andando, in concreto? 

Siamo piuttosto soddisfatti. 

Annunciato a ottobre e partito a 

dicembre, il progetto membership 

ha registrato in poco più di 

due mesi mille adesioni. Tra i 

nuovi abbonati, molti sono coloro 

che hanno scelto la formula di 

adesione multipla: due o quattro 

card con un risparmio economico 

davvero significativo. 

Numerosi sono anche coloro 

che ogni giorno scelgono l'abbonamento 

al Palazzo delle 

Esposizioni come regalo; un 

dono che dura 365 giorni e che 

riserva moltissime sorprese. 

Per noi, il risultato di mille abbonamenti 

non è che un punto di 

partenza. Abbiamo allo studio 

altre forme di coinvolgimento 

degli abbonati e nuove proposte 

che coinvolgano tutte le sedi 

dell'Azienda. 

Una Sala Cinema, un 

Auditorium, un Forum e una 

libreria rendono l'offerta del 

Palazzo continua e ricchissima 

grazie alle rassegne di cinema, 

letture, incontri con gli artisti 

oltre alle esposizioni. In che 

percentuale questi spazi - che 

avete la possibilità anche in 

parte di dare in affitto - contribuiscono 

al vostro budget? 

La percentuale, intesa come 

qualcosa che fotografa un dato 

economico, si limita per ora, 

“ 

Con le prime 

mostre al Palazzo delle 

Esposizioni avete totalizzato 

centosessantamila visitatori. 

Cosa poteva andare meglio? 

Beh, potevamo fare ancora 

più visitatori… 

nelle nostre previsioni, all'otto 

per cento dei ricavi di PdE. 

Credo che questo dato sia prudenziale 

e sia destinato a crescere. 

Queste attività rappresentano 

una grande ricchezza 

culturale e un vero marchio di 

fabbrica del PdE. Il dato però che 

mi piace sottolineare, se si parla 

di percentuali, è che l' Azienda 

Speciale Palaexpo raggiunge 

una capacità di autofinanziamento, 

rispetto al contratto di 

servizio del Comune di Roma, 

che sfiora il settanta per cento. 

È un risultato straordinario, di 

cui tutti noi andiamo fieri, essendo 

consapevoli del fatto che la 

tensione verso le diverse capacità 

di autofinanziamento debba 

essere massima, data la situazione 

della finanza locale e i tagli 

intervenuti nei trasferimenti 

dallo Stato. 

Open Colonna è stato criticato 

per essere diventato teatro (o 

teatrino?) di una certa Roma 

con gli zigomi rifatti e la rinoplastica 

che ama più le chiacchiere 

attorno ad un tavolo (o, 

meglio, voracemente ad un buffet) 

piuttosto che l'arte. Com’è 

la situazione ora? 

Un avvio in corsa comporta 

sempre qualche incertezza iniziale. 

Devo dire che Antonello 

Colonna è stato il primo a rendersi 

conto della delicatezza del 

compito che lo attende. Esiste 

ora una buona comunicazione 

fra noi e OpenColonna, e il ristorante 

è molto rispettoso delle 

più generali esigenze del luogo in 

cui opera. 

Il 2008 si presenta come un 

anno ricco di eventi, con il festival 

della fotografia alle 

porte e il ritorno della 

Quadriennale. Cosa si 

aspetta da questa stagione 

in termini di 

numeri? Quali sono le 

vostre proiezioni? 

Riguardo alle sole 

mostre direttamente 

organizzate da noi, direi 

che quattrocentomila 

visitatori dall'inaugurazione 

sino alla fine delle 

mostre Etruschi nel 

Lazio e Bill Viola (Epifania 2009) 

sono una previsione soddisfacente. 

L'Azienda Speciale Palaexpo 

oltre al Palazzo delle 

Esposizioni gestisce anche le 

Scuderie del Quirinale, la Casa 

del Cinema, la Casa del Jazz e il 

PROSSIMAMENTE A PALAZZO 

Mario De 

Simoni 

insieme a 

Wim 

Wenders 

Teatro del Lido di Ostia. Un 

contributo non indifferente 

all'offerta culturale della 

Capitale. In quale posizione colloca 

l'operato dell'Azienda nel 

panorama artistico della città? 

L'Azienda si pone oggi come un 

grande generatore di cultura, 

forse il più grande d'Italia, se si 

esclude lo spettacolo dal vivo. 

Quali sono i 'numeri' complessivi 

dell'Azienda Speciale in termini 

di budget annuale, visitatori 

totali? 

Un budget di circa venti milioni di 

euro, un milione di visitatori su 

tutte le sedi dell'Azienda a regime. 

Siete un'azienda del Comune di 

Roma. E il Comune di Roma è in 

un momento particolare… 

Non so chi sarà il prossimo sindaco. 

Se mi chiede un parere su 

Francesco Rutelli, romano, 

ricordo che è con lui e con le sue 

amministrazioni che è cominciata 

la rinascita di questa città e 

che si è avviato un processo di 

attenzione alle tematiche del 

bello e della civiltà culturale. � 

Fra le prossime occasioni per vedere il ritrovato 

Palaexpo alla prova, dopo lo scoppiettante debutto, 

ci sarà la settima edizione del FotoGrafia- 

Festival, che non si fa sfuggire l'occasione per 

eleggere il centro d'arte di via Nazionale a sua 

sede centrale. La rassegna - al via il 4 aprile con il 

titolo Vedere la normalità. La fotografia racconta 

il quotidiano - vi terrà infatti le mostre più importanti, 

tutte nuove produzioni presentate in anteprima, 

oltre ad una ricca programmazione di eventi, 

proiezioni, letture di portfolio, presentazioni e 

incontri con protagonisti del mondo dell'arte italiana 

e internazionale. Un festival che conferma la sua attenzione alla giovane 

fotografia emergente, e che a via Nazionale propone un gruppo di 

giovani fotografi, Paolo Woods, Leonie Purchas e Lucia Nimcova, tutti 

nati negli anni '70, che presentano tre mostre legate da un tema comune: 

la tendenza a occuparsi di argomenti e storie sempre più personali. 

Sempre al Palazzo delle Esposizioni la nuova produzione di Gabriele 

Basilico, quest'anno protagonista della Commissione Roma annoVI con 

un lavoro sul fiume Tevere che si rifà alle atmosfere dei due più importanti 

lavori del fotografo milanese: "Bord du mer" sui porti della 

Normandia e "Beirut 1991", per il particolare colore che riprende nelle 

nuove fotografie di Roma. Nel ricco programma della kermesse curata 

da Marco Delogu, anche la seconda edizione del Premio Internazionale 

FotoGrafia Baume & Mercier, ed il workshop sul territorio laziale, condotto 

da Olivo Barbieri e David Farrell con progetti sulla via Francigena. 

Dal 4 Aprile - 25 Maggio 2008 

www.fotografiafestival.it


la fondazione 

che si farà museo 

Giovanni Guastalla, imprenditore, si racconta e racconta la propria creatura che sta prendendo sempre più corpo 

a Roma. La Fondazione Guastalla, dopo i primi vagiti nel centro storico della città, apre un nuovo e più 

funzionale spazio nella zona del Macro. Con l'idea di… 

�� Giovanni Guastalla, dopo 

Mendrisio e Milano, la 

Fondazione apre a Roma una 

sede. Ma non aveva già aperto 

uno spazio un anno fa? 

L'anno scorso si era aperto solo un 

ufficio le cui dimensioni non erano 

sufficienti a permettere l'esposizione 

di opere della collezione. Ora è 

stato approntato un vero spazio 

espositivo, in cui sarà esposta solo 

una collezione permanente, non 

saranno infatti realizzate delle 

mostre. 

Come nasce il suo interesse per 

l'arte? 

La mia passione per l'arte nasce 

molto presto, già durante il liceo. 

Pur avendo intrapreso all'università 

gli studi economici, la mia passione 

è restata sempre latente ma 

mai dimenticata. Una passione che 

ha attraversato tutta la storia dell'arte. 

Inizialmente mi interessava, 

infatti, l'arte antica, poi, per un 

lungo periodo, quella moderna. 

E l'arte contemporanea? Quando 

è arrivata? 

L'incontro, nel 2003, con Ludovico 

Pratesi, attuale direttore artistico 

della Fondazione, è stato determinante 

per il mio completo avvicinamento 

all'arte contemporanea. Da 

allora, dall'iniziale approccio amatoriale, 

ho cominciato a visitare gallerie, 

musei, fiere, a leggere, a studiare, 

per conoscere in maniera più 

approfondita, e ad acquistare i 

primi lavori. 

Che processo ha avuto la creazione 

della sua collezione? 

Dapprima ero principalmente 

orientato verso i giovani artisti italiani. 

Ma presto mi sono reso conto 

che il linguaggio dell'arte contemporanea 

è trasversale e quindi non 

può limitarsi ad uno specifico ambito 

geografico. E così sono entrati a 

far parte della collezione artisti 

come Peter Halley, James 

“ 

L'incontro, nel 2003, con 

Ludovico Pratesi, attuale direttore 

artistico della Fondazione, è stato 

determinante per il mio completo 

avvicinamento all'arte contemporanea 

Casbere o William Kentridge, che 

sono qui esposti. 

Tra l'arte contemporanea e quella 

moderna o antica vede una 

grossa frattura? 

Fondamentalmente no. La grossa 

diversità la vedo nell'approccio. Nel 

passato c'erano le grandi committenze 

che, in qualche maniera, dettavano 

i programmi iconografici. 

Ora, invece, l'artista ha una più 

ampia libertà d'azione, può così 

portare avanti una propria ricerca 

personale, esplorare apertamente 

temi e media diversi. E trovo che 

conoscere i meccanismi di ricerca 

e di riflessione degli artisti sia un 

aspetto altrettanto interessante e 

affascinante. 

Da quali istanze nasce l'idea di 

aprire una fondazione? 

Dall'intento di mostrare anche 

all'esterno le opere di artisti altrimenti 

costretti ad una dimensio- 

in alto: 

Giovanni 

Guastalla 

a sinistra: 

Ludovico 

Pratesi negli 

spazi della 

Fondazione 

in basso: Logo 

della 

Fondazione 

ne fortemente privata, per far 

percepire l'arte contemporanea 

con una chiave più diretta, con 

l'intenzione di far avvicinare più 

pubblico possibile. 

E per far avvicinare maggior 

pubblico, pensa di rivolgersi 

anche alle fasce più piccole, ad 

esempio alle scuole? 

Certamente. Come ben insegna 

la Fondazione Sandretto, che ha 

impiantato un efficiente settore 

della didattica, anch'io ho in programma 

di attuare un programma 

didattico rivolto alle scuole, 

dove purtroppo ancora manca 

un'educazione all'arte contemporanea. 

GLI ALTRI PROGRAMMI DELLA GUSTALLA. PARLA LUDOVICO PRATESI 

Quali saranno le personalità coinvolte nei primi incontri presso la fondazione? "Il programma dell'attività della 

Fondazione Guastalla prevede, per l'iniziale periodo marzo-giugno, delle tavole rotonde con una cadenza mensile, che 

hanno l'obiettivo di approfondire temi quali il collezionismo, il mercato, la critica e i protagonisti dell'arte, ovvero l'artista. 

Per i rispettivi temi, sono stati invitati Giovanni Giuliani (collezionista), Lia Rumma (gallerista), Achille Bonito Oliva 

(critico) e Francesco Vezzoli (artista)". È il direttore artistico della ‘Guastalla’, Ludovico Pratesi, a chiarire i prossimi 

obiettivi della Fondazione. A quanto ammonta il numero di collezionisti che afferiscono alla Fondazione? Come pensate 

di aumentarli per fare ancora più massa critica? "In stretti rapporti con l'Associazione Giovani Collezionisti, la 

Fondazione ha contatti con un cospicuo numero di collezionisti - solo a Roma circa una sessantina - impegnati nelle 

attività di promozione dell'arte contemporanea. Come detto, un accurato programma di seminari, visite guidate, 

incontri, tavole rotonde sarà l'ideale occasione per creare una vera e propria cultura del collezionismo". Un cenno 

agli spazi espositivi della Fondazione. Come si compongono architettonicamente e strutturalmente? "Ampi locali, 

situati al terzo piano di una caratteristica palazzina dei primi del Novecento, sapientemente risistemati, dove ogni 

cosa, dalle panche ai divani, è stato appositamente creato, con un sistema di illuminazione ultima generazione, oltre 

agli ambienti specificamente dedicati agli uffici: poco meno di una decina di vani, di dimensioni diverse". 

info. 

Fondazione Guastalla 

via Franscini, 10 - 6850, Mendrisio (CH) 

Tel +41 91 6469262 

Fax +41 91 6469272 

via M. Barozzi, 6 - 20122, Milano 

Tel 02 76318866 

Fax0276028214 

viale Regina Margherita, 262 - 00198, Roma 

info@fondazioneguastalla.com 

www.fondazioneguastalla.com 

La scelta di Roma come si configura 

in tutto questo? 

Roma è una città che ha una 

forte connotazione turistica: è 

caotica, frenetica, e anche l'arte, 

molto spesso, ha una fruizione 

massificata, ed è vista come qualsiasi 

altro campo di speculazione 

economica. La Fondazione, che 

non ha assolutamente scopi di 

lucro, vuole invece promuovere 

degli eventi che abbiano come 

principale obiettivo quello di far 

avvicinare quante più persone è 

possibile all'arte. E Roma ha delle 

grandi potenzialità. 

Ora aprite dunque questa nuova 

sede nella Macro-zona, che raddoppia 

i già inaugurati uffici nel 

centro storico della città. Cosa 

farete nel nuovo spazio? 

La zona Macro è un buon polo. 

Nel nuovo spazio essenzialmente 

si organizzeranno degli eventi, 

seminari e incontri sugli artisti e 

sulle loro opere. Col desiderio di 

diventare anche un collettore per 

altri investitori. 

Ci sarà modo per i normali visitatori 

di vedere qualcosa di assimilabile 

al concetto di mostra o 

di esposizione permanente? 

Su appuntamento la 

Fondazione sarà aperta al pubblico. 

Quella che visiterà sarà 

una parte della collezione che, 

periodicamente, vedrà ruotare 

le diverse opere. Questo sarà 

quindi un ulteriore incentivo a 

venire in Fondazione. 

Immaginate collaborazioni con 

altre fondazioni che hanno sede 

a Roma? In che termini? 

Sì, ovviamente si collaborerà con 

altre fondazioni. Infatti, nei vari 

ambienti sono stati lasciati di proposito 

degli spazi liberi, al fine di 

ospitare le opere che le diverse 

fondazioni o istituzioni vorranno 

mettere a disposizione. E su queste 

opere organizzare l'evento, 

individuando dei temi guida, intorno 

ai quali organizzare incontri, 

seminari, dibattiti. 

In definitiva cosa si prefigge di 

diventare la Fondazione, cosa 

vuole che sia tra uno o due anni? 

Un sogno è quello di aprire un 

museo, con una propria collezione, 

per promuovere l'arte contemporanea. 

� 

[a cura di daniela trincia]

56.nuovi spazi Exibart.onpaper 

GIU*BOX GALLERY napoli 

Giù, in un box auto del Vomero, nasce un nuovo spazio napoletano. Con l'obiettivo di 'svegliare' culturalmente la zona collinare partenopea. Tante iniziative all'insegna della 

varietà, proprio come in un juke-box. Ce ne parla Michele del Vecchio… 

Come nasce il nome e il progetto 

Giu*Box Gallery? 

Giu*Box significa letteralmente 

"giù ai box" e vuole evocare il 

distributore di musica tanto 

amato dal modernariato. L'idea 

è che ogni artista possa portare 

la propria esperienza e creatività 

nella scatola magica di 

Giu*Box. 

Perché al Vomero? 

L'offerta culturale a Napoli si svolge 

quasi interamente nella parte bassa 

della città. La nostra sfida è rilanciare 

il Vomero, partendo dalla sua 

parte più bella, la collina di San 

Martino. 

Ti sei formata a Roma. Da dove la decisione di 

aprire la tua galleria in Campania? 

Roma è stato (ed è...) un luogo fondamentale 

per me, dove ho avuto la possibilità di incontrare 

persone da cui ho imparato moltissimo: 

penso, tra gli altri, a Stefania Miscetti e 

Giovanni Giuliani, con i quali ho lavorato per 

molto tempo e che non avrei potuto incontrare 

altrove. Con gli anni ho realizzato che era 

importante mettere a frutto l'esperienza accumulata, 

ed essendo Salerno la mia città, mi è 

sembrato importante avviare un'attività qui 

piuttosto che altrove. 

Salerno è una città modello, specie in una 

regione non propriamente in linea con stan- 

Descrivici brevemente lo spazio 

espositivo. 

È uno spazio sui generis, unico a 

Napoli. Nasce dalla fusione di un 

locale deposito con un box auto. Ha 

due ingressi: uno "istituzionale", che 

porta in un salotto dell'arte, caldo 

ed accogliente; l'altro "urbanometropolitano", 

con accesso direttamente 

dai garage, che conduce 

Via Bonito 21/b 

Mob 339 2029153 

www.giubox.it 

info@giubox.it 

info. 

nello spazio "Box", 

dove una parete 

rosso fuoco contrasta 

col freddo materico 

di alluminio e 

ferro. 

dard di vivibilità svedesi. 

Credi che vi sia, oltre alla 

qualità della vita ed al buongoverno, 

anche un mercato 

per l'arte? 

Salerno è assetata di cultura, 

ma l'offerta è ancora bassa. 

C'è molto interesse, lo vedo 

dalla gente che mi sta 

seguendo e vuole essere 

aggiornata sugli artisti con i quali lavorerò. Ho 

conosciuto anche dei giovani promettenti collezionisti, 

e poi l'esperienza decennale di altre gallerie 

in città è indice del fatto che c'è fermento. 

Tutto questo, chiaramente, non esclude relazioni 

con città diverse da Salerno, fondamentali 

per la mia crescita, ma anche per la crescita 

dei miei artisti. 

Parlaci del tuo spazio. 

La galleria si trova in palazzo del XVII secolo e 

occupa la zona dell'allora teatro, che, da studi 

recenti, è documentato come il primo della 

città. La location è conosciuta in città perché, 

C'è un'attenzione 

particolare per la fotografia 

nelle vostre scelte espositive? 

La fotografia è al centro delle nostre 

scelte espositive: c'è nuovamente una 

grande attenzione verso l'arte di disegnare 

con la luce. Ospiteremo sia artigiani 

della camera oscura, che ancora 

scattano in analogico e stampano 

personalmente le proprie immagini, 

sia artisti del digitale. 

Con quali artisti 

lavorerete? 

I giovani sono il fulcro 

della nostra programmazione:scoviamo 

talenti nel 

mare magnum dell'arte 

e lavoriamo 

con quelli che ci propongono 

progetti. Nella programmazione 

del 2008 ci saranno 

comunque un paio di "chicche" di 

artisti già affermati. 

Ci sono progetti correlati all'attività 

espositiva? 

Legare progetti ed eventi all'attività 

espositiva è priorità di Giu*Box. Si 

per molto tempo, ha ospitato 

il locale "Le Botteghelle", dove 

negli anni Ottanta si sono 

svolti concerti e performance 

all'avanguardia, che molti 

ricordano con profonda 

nostalgia! La struttura è 

rimasta invariata: uno spazio 

longitudinale diviso in due 

navate, una riservata all'ufficio, 

l'altra allo spazio espositivo. L'accesso alla 

galleria è dato da un'ampia corte, su cui si 

affacciano vecchi palazzi del centro storico, 

mentre dall'ufficio si passa ad una terrazza che 

si apre nella corte seicentesca. L'ambiente 

essenziale della galleria è quindi circondato da 

riferimenti alla storia e alle stratificazioni culturali 

che caratterizzano la città. 

Ti devi creare una scuderia di artisti. Come 

procederai? 

Procederò come sempre: viaggiando, visitando 

mostre e fiere, alla scoperta di giovani che vorrei 

coinvolgere soprattutto con progetti site 

va da attività editoriali - quali la produzione 

di cataloghi - ad eventi collegati 

alle mostre: performance musicali, 

cene d'arte, proiezioni di film. 

Quali le prossime mostre in cantiere? 

L'8 marzo inauguriamo la collettiva 

Non Fiori Ma Opere, per ridare 

senso al significato originale della 

Festa della Donna, diventata ormai 

Festa della Mimosa. Ad aprile, la 

personale Bucolici del fotografo 

Giovanni Barba. Un intenso lavoro 

sugli anziani della sua terra, Teano, 

già premiato dal National 

Geographic. (alessandra troncone) 

OTTO ZOO milano 

Francesca Guerrizio e Maurizio Azzali. Chi sono? Da dove vengono? Dove vogliono andare? Breve intervista con i due neogalleristi milanesi. Provenienti dal mondo della 

moda e della regia. E proiettati verso la fotografia e non solo. In un loft molto milanese... 

Francesca Guerrizio e 

Maurizio Azzali. Chi siete, 

da dove venite, perché vi 

è venuta l'idea di una galleria 

d'arte? 

Io mi occupo di immagine 

e di eventi e ho lavorato nel 

mondo della moda e dell'arte, 

organizzando 

mostre. Per esempio, nel 

2006, la prima mostra a 

Milano di tre artisti indiani 

contemporanei, Jitish Kallat, Justin Ponmany e 

Cosa spinge due artisti ad aprire il 

proprio atelier a progetti diversi, al 

pubblico e alla città? 

Ci ha spinti la voglia di metterci in 

gioco e trovare stimoli relazionandoci 

con altri artisti e ospitandoli nei 

nostri spazi di lavoro. Serioquattro è 

un luogo misto: laboratorio artigianale, 

spazio famigliare e, insieme, espositivo, 

il tutto incorniciato in un edificio 

industriale bianco e azzurro. Una 

proposta nuova che speriamo possa 

muovere e incuriosire una città 

come Bergamo, diventando un punto 

di incontro e di produzione. 

Se doveste comporre uno slogan e 

una campagna pubblicitaria per 

SERIOQUATTRO, cosa direste? 

Via Botteghelle, 55 

info@tizianadicaro.it 

www.tizianadicaro.it 

Susie J. Lee dal 12 aprile 2008 

Se dovessimo immaginare la voce 

registrata e impostata di uno spot si 

potrebbe sentire: "Serioquattro, lo 

spazio di Simone Casati, fotografo e 

writer, e Marinella Tasca, stilista; due 

stanze di lavoro, un capannone, un 

set fotografico, un ampio cortile, 

pareti e corridoi per esporre e i due 

cani, Cindra e Noé, c'è vita su 

Bergamo, suona il campanello!". 

Passati i tempi dei limiti e delle convenzioni, 

nel vostro progetto la 

moda, il writing, il disegno, l'editoria 

si uniscono. A quale scopo? 

Principalmente per evolversi, anche 

rispetto agli stessi linguaggi di appartenenza, 

ma anche per riconoscersi, 

trovare connessioni, legami umani e 

info. 

Pushpamala. Maurizio è un 

regista con un passato da 

artista. La galleria è il 

punto d'arrivo di una passione 

per l'arte contemporanea 

che da tempo condividiamo. 

Milano è la città con più 

gallerie d'arte d'Europa. 

Come pensate di ritagliarvi 

il vostro spazio? 

Ci proviamo. La nostra è una passione, che rite- 

SERIOQUATTRO Seriate (bg) 

Quattro parole per descrivere un progetto ambizioso. Un writer e una stilista fanno di un capannone il loro atelier e per di più lo aprono al pubblico come spazio espositivo. 

Tutto per dire: qui si fa sul Serio... 

filosofici, presentarsi a pubblici diversi 

e in modo nuovo. La collaborazione 

con l'editoria è nata della voglia 

di unire le energie con una realtà 

editoriale bergamasca nuova come 

Libri Aparte e inaugurare una collana 

di libri d'artista con Serioquattro 

che presenta lo spazio, i suoi "abitanti" 

e il loro lavoro. 

info. 

Via Serio, 4/a 

Tel 035 4523071 

serioquattro@gmail.com 

www.myspace.com/serioquattro 

'Il Simo Superstar Vs Michael 

Jackson' fino al 31 marzo 

niamo possa svilupparsi positivamente. Spazio 

c'è sempre laddove si propone una ricerca sensata, 

pensata, non solo commerciale. 

Siete in un ex magazzino di tessuti. Che genere 

di spazio avete a disposizione per le 

Via Vigevano, 8 

Alexandra Catiere / Elena Zichon - Anima russa 

fino a tutto febbraio 

Riuscireste a 

descrivere la location 

in due parole? 

Una: il fiume, e 

l'altra? 

Sì, il fiume sicuramente 

può essere 

una delle immagini 

possibili e, per contrasto 

con l'idea del 

flusso, la seconda 

parola potrebbe essere "forma"; 

dare forma a un flusso di idee, persone, 

immagini... possibile? 

L'apertura ha dato spazio anche al 

lavoro di un artista che non opera 

dentro SERIOQUATTRO. Qualche 

anticipazione sul futuro... 

mostre? Il classico ex-industrial milanese? 

Uno spazio di duecento metri quadri, molto 

minimale. Lo abbiamo lasciato com'era, con un 

sapore industriale. La particolarità è che si 

apre su due cortili interni. 

Avete iniziato con due fotografe. Cosa proporrete 

nel prosieguo della stagione? 

Ancora fotografia fino a giugno: Lillian Bassman 

e Paul Himmel, due maestri della fotografia 

americana, Bharat Sikka, un fotografo indiano 

emergente. Poi, dall'autunno, altre forme di 

arte contemporanea. 

A chiusura della 

mostra "Il 

Simosuperstar 

vs Michael 

Jackson + 

Cabaret" di 

S i m o n e 

Facchinetti, il 22 

marzo sarà presentato 

il libro 

ASSUM PRETO di 

Os Gemeos, i due gemelli writers 

brasiliani, sempre in collaborazione 

con Libri Aparte che, insieme 

alla Galleria Armocida di Milano, 

cura il volume, mentre a maggio, 

in data da definirsi, saranno presentati 

i lavori inediti site specific 

dell'artista SAPO-e. 

TIZIANA DI CARO salerno 

Dopo lunghi anni di esperienza e formazione a Roma, la giovane gallerista esordisce con uno spazio tutto nuovo nella sua città. Reciterà questa parte in un luogo che fu il 

primo teatro di Salerno... 

info. 

specific. Mi interessa lavorare con artisti stranieri 

che non hanno mai avuto esperienze in 

Italia e con gli italiani che seguo da tempo, invitandoli 

a realizzare progetti nuovi, il più possibile 

connessi con la città e con il luogo. 

Quali saranno gli eventi espositivi da qui alla 

fine della stagione? 

L'apertura è programmata per il 12 aprile 

2008 con una mostra personale di Susie J. 

Lee intitolata Bodies of Water. Ho conosciuto 

Susie nel 2006, a Miami, dove esponeva alla 

fiera Aqua, con la sua galleria di Seattle. 

A giugno un'artista spagnola, Monica Alonso, 

che ho conosciuto a Roma durante una sua 

residenza alla Real Academia de España. 

E per la nuova stagione? 

Subito dopo l'estate proporrò una doppia personale 

di due artisti italiani, Alessandro 

Piangiamore e Stanislao Di Giugno, che per la 

prima volta lavoreranno in tandem. Per fine 

anno è in programma la mostra di Meris 

Angioletti.

Exibart.onpaper nuovi spazi.57 

TRIFOGLIO NERO genova 

Una galleria tenace. Come un trifoglio nero, particolare specie di pianta. Nel cuore di Genova, proprio dentro gli spazi di Palazzo Ducale, prende forma in primavera una 

nuova realtà galleristica. Con le idee piuttosto chiare... 

Il Trifoglio Nero. Perché questo 

bizzarro nome per una 

nuova galleria? 

Il Trifoglio Nero può avere 

diversi significati. Uno di questi 

è l’eccezionale resistenza 

della pianta, quasi impossibile 

da sradicare. 

Chi è il Trifoglio Nero? 

Il Trifoglio Nero è una comunione 

di intenti nata da un insieme di percorsi personali 

provenienti dal mondo dell'impresa, dell'arte, 

della comunicazione. Noi però proponiamo che 

l'attenzione sia sull'arte e gli artisti che promuoviamo 

piuttosto che su di noi. 

Che tipo di milieu galleristico-artistico c'è a 

AMTGALLERY milano 

Giovane? Di più, giovanissimo. Ma con tanta, tanta esperienza. Prima in una collezione, poi per conto di un grande gallerista milanese. Oggi, però, è tempo di mettersi in proprio. 

Di fare da sé. E dove se non a Milano? Ecco cosa ci dice Alberto Matteo Torri… 

Giovanissimo, ma già con una corposa 

esperienza alle spalle. Parlaci 

della tua carriera fino ad ora e di 

come sei arrivato ad aprire questo 

nuovo spazio a Milano. 

Inizialmente ho collaborato con un 

importantissimo collezionista d'arte 

moderna e ho compiuto una ricerca 

approfondita sull'arte contemporanea. 

Nel 2003 Primo Marella mi ha 

chiesto di aprire un suo spazio a 

Como, Marella Project space, che ho 

diretto per due anni. Nel 2005, grazie 

all'esperienza ed ai preziosi insegnamenti 

ricevuti, ho deciso di proseguire 

il mio cammino da solo fondando 

AMTgallery. Adesso, compiuti venticin- 

Chi è Carnaby? Nome, cognome e storia del 

promotore dell'iniziativa. 

Carnaby è un'esposizione di design nata alla metà 

degli anni Sessanta per iniziativa di mio padre 

Giancarlo, in uno dei più dinamici distretti industriali 

dell'epoca. La struttura è stata disegnata 

dall'architetto Ennio Arosio e negli anni è stata 

conservata intatta, con l'unica aggiunta di una 

scultura monumentale di Antonio Ievolella, posta 

all'ingresso. Anche grazie all'impulso dato dal collezionista 

Matteo Rossini, quest'anno, all'interno 

di Carnaby, è nato Carnaby 1st Floor, uno spazio 

non commerciale dedicato alla cultura del design 

e delle arti visive. 

Via Valassina 350 

info@carnabysrl.it 

www.carnabysrl.it 

Dall'8 marzo "Of the shelf" 

que anni, insieme alla mia meravigliosa 

futura mogliettina, ho trasferito la 

galleria a Milano. 

Milano ha avuto alcuni anni di crisi 

d'identità. Intravedi un riscatto 

all'orizzonte? 

Purtroppo la città risente della mancanza 

di istituzioni pubbliche che possano 

proporre grandi mostre d'arte 

contemporanea. Sarebbe importante 

ci fosse almeno un buon museo in 

grado di disporre di fondi sufficienti 

per assumere curatori e allestitori di 

fama internazionale. 

Sei portatore, come gallerista, di 

info. 

Una collezione concepita come una 

libreria. Fuor di metafora, di cosa si 

tratta? 

È un invito a dedicare più tempo alla 

lettura dei lavori. Nessuno può pensare 

di leggere un libro di duecento pagine 

in pochi minuti, la stessa cosa 

dovrebbe valere anche per un'opera 

d'arte. Soprattutto da quando le opere 

si sono trasformate in operazioni e 

quello che vediamo, spesso, non è 

altro che una forma di documentazione 

del processo. Il flusso mediatico di 

cui siamo investiti porta a vedere molte cose 

senza approfondirne nessuna. In una libreria, 

invece, si entra sapendo che passeremo del 

tempo con quello che scegliamo. In pratica, si 

tratta di trasmettere un certo modo di vedere le 

cose, che è quello dell'autore di questa collezione. 

Esiste davvero, dunque, un rapporto fecondo 

tra arte e design? Come si palesa? 

Credo che un rapporto fecondo tra le arti esista 

una riflessione attenta sul mercato 

internazionale. Quali sono le tue idee 

e le tue linee guida? 

Scelgo solo artisti giovani, soprattutto 

mai visti in Italia. Seguo da vicino il programma 

delle grandi gallerie di New 

York e le fiere d'arte, in questo modo 

ho la possibilità di entrare in contatto 

con artisti di fama internazionale che 

hanno fatto o faranno apparizioni in 

mostre museali, vincitori di premi 

importanti e protagonisti di autorevoli 

pubblicazioni. 

Parlaci del tuo spazio milanese. 

Com'è fatto, come lo sfrutterai, che 

caratteristiche ha, in che zona è 

info. 

Via de Bernardi, 1 

amtorri@gmail.com 

Inaugurazione "Albert Pinya" 6 marzo 

posizionato? 

Per la mia galleria milanese ho preferito 

uno spazio piccolo, molto caratterizzato 

da elementi classici: colonne e 

ampie porte di legno, che sono state 

allo stesso tempo mantenute e annullate 

dall'uso del bianco. Ho scelto un 

palazzo Liberty in una bella zona residenziale 

di Milano, via de Bernardi 1, 

tra viale Piave e viale Majno. 

e si manifesti con chiarezza nel 

momento in cui non si avverte più il 

confine tra una cosa e l'altra, anche se 

si possono riconoscere le rispettive 

identità. In ogni ambiente, da quello 

naturale a quello domestico, i risultati 

migliori si ottengono quando si riesce 

a stabilire un rapporto di continuità tra 

architettura, opere d'arte e oggetti di 

design, nel rispetto delle funzioni, non 

ultima quella estetica. Parafrasando 

Umberto Eco, dunque, direi che l'intelligenza 

dei creativi sta nel lasciare le 

porte aperte. 

I vostri spazi? 

Carnaby 1st Floor è uno spazio di oltre trecento 

metri quadri, con forma a L, indipendente dal 

resto dell'esposizione. Le opere in mostra non 

sono in vendita, come testimoniano anche i 

numerosi patrocini concessi dagli enti locali. A 

motivarci è stata la volontà di creare un luogo 

dove si potesse promuovere l'aspetto al pubblico 

Un cenno alle cose che proporrai 

da qui alla fine della stagione. 

Inaugureremo il 6 marzo con una 

personale di Albert Pinya, giovanissimo 

artista majorchino, classe 

1985, già visto in una mostra 

curata da Achille Bonito Oliva e di 

cui si intravede una personale in 

un'importante galleria di Anversa. 

Il 15 maggio presenteremo una 

mostra personale di Petra e 

JeanFrancois Moriceau, che 

andranno a modificare lo spazio 

con una loro grande installazione, 

sui toni di quelle gia viste Al 

LACMA di Los Angeles o ad art 

Unlimeted as Art Basel. 

CARNABY FIRST FLOOR lissone (mi) 

L'idea? C'è. Ed è quella di concepire la galleria d'arte come una libreria. Scomodando temi come la lettura e il tempo. In uno spazio che è il primo di una grande, storica, 

esposizione di design. Ce ne parla Massimiliano Arienti… 

Roma forse è arrivata per prima 

(con Dorothy Circus e Mondo 

Bizzarro). Ma ora arriva in forze 

anche Milano. Perché tutta questa 

attenzione a Lowbrow, Post-graffitismo, 

Pop Surrealism et similia? 

Milano non ha mai avuto una galleria 

'dedicata' ma in città l'arte del genere 

Lowbrow, Post Graffitismo è arrivata 

decisamente prima che non a Roma; 

artisti del genere hanno esposto fin 

dal 2001, basti ricordare mostre 

come Arte Impropria (2003), Now 

Underground (2004) e Urban Edge 

Show (2005). The Don Gallery sarà 

un punto di riferimento internazionale 

Genova. La città riesce ad 

esprimere un collezionismo? 

Genova è un mix ipnotico e inestricabile 

di storia millenaria, 

commercio, incrocio di culture, 

tradizioni fortemente locali e 

vocazioni internazionali. La 

città è un crocevia/porto di 

merci, genti, culture. 

L'ambiente dell'arte ha come 

territorio di partenza questo 

ambiente e da questo ne è influenzata. 

Di che tipologia di ambiente espositivo disponete? 

Lo spazio espositivo nasce in Palazzo Ducale, 

uno degli edifici più "monumentali" e vivi al 

tempo stesso della città, sede delle mostre isti- 

per queste correnti artistiche, e riserverà 

particolare attenzione alla produzione 

europea, giapponese e del centro 

e sud America. 

Chi c'è dietro? 

Dietro The Don Gallery c’è Matteo 

Donini alias The Don, da più di dieci 

anni appassionato collezionista e 

sostenitore del movimento. La sua 

collezione vanta più di cento opere di 

artisti italiani ed internazionali, mille 

serigrafie e la più importante collezione 

di toys d'Italia. Fra le altre sue attività 

anche quella di autore, con 

Bo130 e Microbo del libro Izastikup. 

Le cose che proponete iniziano ad 

avere una certa richiesta di mercato 

anche in Italia? 

Il mercato in Italia inizia a svegliarsi 

seguendo la tendenza americana e di 

città europee come Londra, Berlino e 

Parigi. Il mercato è ancora acerbo, 

ma con grandi possibilità di crescita. 

Come si compongono i 

vostri spazi espositivi di 

via Melzo? 

Lo spazio di via Melzo è 

un locale unico di cento 

metri quadri di proprietà 

di un noto gallerista. La 

galleria utilizzerà questi 

spazi solo per le prime 

mostre, in seguito cambierà 

sede. 

Anticipazioni su tutto il 

prosieguo della stagione. 

Il 5 marzo il grande opening con la collettiva 

Wake Up! dove saranno espo- 

meno evidente del nostro settore. Carnaby vende 

mobili, ma quello che vendiamo spesso proviene 

da un retroterra di idee e creatività che è molto 

difficile riuscire a comunicare. Penso al caso di 

Ettore Sottsass e agli anni d'oro di Poltronova. 

Quella era un'impresa che doveva produrre profitti, 

ma il suo successo è dipeso in gran parte dalla 

capacità di entrare in rapporto con la cultura, l'innovazione 

e le energie più vive. Credo che questo 

sia ancora un modello vincente. 

Le prossime attività? 

Carnaby 1st Floor intende produrre tre mostre 

all'anno rispettivamente dedicate all'arte, al 

design e all'architettura. Le prime due saranno 

riservate all'attualità, mentre per l'architettura si 

intende privilegiare la prospettiva storica. La prossima 

mostra, dunque, sarà una collettiva dedicata 

ai designer che lavorano con le gallerie d'arte 

che producono pezzi unici. In seguito, stiamo pensando 

ad una mostra che approfondisca gli 

aspetti più inediti della figura dell'architetto 

Gianfranco Frattini. 

THE DON GALLERY milano 

Perché "The Don"? Perché l'animatore è proprio lui, quel Matteo Donini che da dieci anni segue, si appassiona e soprattutto colleziona questo particolare tipo di arte fatta di 

toys e Surrealismo Pop. Da esporre, intanto, negli spazi di Claudio Guenzani a Milano... 

Via Melzo 5 

Mob 335 7439985 

www.thedongallery.com 

info. 

tuzionali più grandi promosse dalla città e situato 

nel centro di Genova, al confine tra il centro 

storico (uno dei più estesi in Europa) e la città 

nuova. L'ambiente della galleria si affaccia sulla 

piazza principale ed è composto da cento metri 

quadri con tre diversi spazi/stanze. 

Un cenno alle vostre prossime uscite fino alla 

conclusione della stagione 2007/2008. 

La Galleria esordisce il 29 marzo 2008 con la 

prima mostra italiana di José Parlá, artista statunitense, 

figlio di esuli cubani, che rappresenta il linguaggio 

delle città. L'analisi di Parlá vede la città 

come un enorme palinsesto, una grande intelaiatura 

culturale dell'uomo, sul quale chi la attraversa 

o la abita lascia i propri segni. L'artista parte 

dal proprio vissuto nell'ambiente metropolitano e 

da questi segni, figli del bisogno primordiale di 

esprimersi e tracciare la propria esistenza. Le 

opere spesso sono composte anche da materiali 

presi fisicamente dal tessuto urbano. 

La seconda mostra è "Along the Horizon" di 

IngridMwangiRobertHutter, che aprirà dal 17 

maggio al 28 giugno 2008. Con questa mostra, 

il collettivo IngridMwangiRobertHutter pone l'attenzione 

sulle interconnessioni e gli squilibri tra la 

vita in Europa e quella della gente africana, rappresentando 

questo tema con l'uso di video, 

installazioni e lavori di fotografia. 

Piazza Matteotti, 80r 

www.iltrifoglionero.com 

dal 29 marzo Josè Parlà 

info. 

ste le opere di Alexone 

(FR), Will Barras (UK), 

Bo130 (IT), Dave the 

Chimp (UK), Ericailcane 

(IT), Galo (IT), Jeremy Fish 

(USA), Microbo (IT), Mr 

Jago (UK), Space Invader 

(FR), San (SP), The 

London Police (UK); a 

luglio un confronto fra 

due artisti italiani, Bo130 

e Microbo, e due artisti 

americani; a settembre 

due dei nomi d’importanza 

internazionale: Jeremy Fish e Will 

Barras.

58.déjà vu Exibart.onpaper 

TRENTO. 

Joan Jonas 

La ritualità e la cinepresa diventano un 

tutt'uno, nell'idea di confronto con l'esterno 

e la natura. Jonas l'ha imparato 

da Aby Warburg e dagli indiani Hopi. Lo 

ha confessato nella corrispondenza 

"privata" con Valie Export, sulla rivista 

della Galleria Civica. Ora lo dimostra... 

Strutture in legno 

su piedistalli si 

aprono per porgere 

all'altezza dello 

sguardo i monitor 

posizionati all'interno. 

Sono una sorta 

di teatrini che introducono 

lo spettatore 

dentro l'immagine, 

dentro l'esperienza 

privata di Joan Jonas (New 

York, 1936). I video raccontano un'individualità, 

i passaggi per appropriarsi 

della propria identità, il passare del 

tempo. Le installazioni richiamano l'idea 

degli antichi teatri delle meraviglie 

e a questi fa riferimento anche il titolo 

della mostra, My Theater. Ma ciò che 

viene mostrato non ha nulla di meraviglioso, 

di fittizio, di lontano; è la vita 

stessa. Quella di una donna di mezza 

età. Mai si nasconde dietro a un atteggiamento 

teatrale, scenografico, 

costruito; l'artista non teme di ripetere, 

trent'anni dopo, un progetto come My 

New Theater VI, Good Morning, Good 

Night '06. Per un mese si è svegliata e 

addormentata "salutando" la macchina 

da presa. Lo ha fatto nel '76, lo ha 

rifatto nel 2006. E in questa ripresa 

fissa la videocamera, si riflette con lei 

in uno specchio: è una seconda protagonista. 

Per Jonas, che ha iniziato a 

fare arte negli anni '60, il video è sempre 

stato un mezzo espressivo fondamentale, 

e non solo uno strumento per 

documentare le sue performance, ma 

un simbolo dello sguardo dell'Altro con 

cui confrontarsi. L'artista ha sfruttato il 

prodigio - per usare un termine da 

wunderkammer - della cinepresa 

come qualcosa che è entrato a far 

parte della sua arte così come della 

sua vita. Niente a che vedere con un'idea 

di Grande Fratello che osserva di 

nascosto dall'alto. Nelle sue opere, 

infatti, dietro alla videocamera c'è sempre 

qualcuno che viene citato nelle 

didascalie, che non mancano di aggiungere 

riferimenti biografici e ispirazioni 

letterarie, che divengono tutt'uno con il 

video. Del resto, la cinepresa è un analogo 

dello specchio, che è un altro elemento 

centrale della sua ricerca, 

soprattutto di quella degli anni '70, in 

cui moltiplicava parti del proprio corpo 

per esprimere l'identità femminile 

come sfaccettata in se stessa. Ma lo 

specchio è presente anche nelle opere 

in mostra che fanno parte della serie 

recente My New Theater. In My New 

Theater II, Big Mirror disegna senza 

guardare la lavagna nera, ma rivolgendola 

verso uno specchio, che invece è 

fuori campo. Gli specchi sono centrali 

anche nell'installazione Mirror Pieces 

(1969-2004), allestita nel piano interrato: 

qui una tv è rivolta verso una 

parete di specchi. Al centro è un grande 

cerchio metallico, come se fossimo 

noi a doverlo attraversare e come fa il 

suo cane bianco nel video. La circolarità 

del tempo e un cerchio da attraversare 

rimandano direttamente all'idea 

di ritualità, d'iniziazione alla vita. La 

ritualità del legame con la natura è 

riscontrabile in maniera immediata nel 

terzo protagonista delle sue opere 

(oltre a lei e alla cinepresa): il cane. In 

My New Theater V, Moving in Place 

(Dog Dance) (2002-2005) Jonas si 

agita e i suoi movimenti sono velocizzati 

dalla videocamera, mentre il cane 

appare di fronte a lei, immobile a 

segnare la scansione del tempo. 

[mariella rossi] 

Galleria Civica d'Arte 

Contemporanea 

fino al 2 marzo 2008 

Joan Jonas - My Theater 

a cura di Anna Daneri, Criastina 

Natalicchio, Roberto Pinto 

via belenzani, 46 (centro storico) 

da martedì a domenica ore 10-18 

ingresso libero 

Tel 046 1985511 Fax 046 1237033 

info@galleriacivica.it 

www.workartonline.net 

Catalogo Charta 

MONFALCONE (GO). 

Nicola Verlato 

Un po' di pop, di porno, skate, comics e 

cultura alternativa. Mixate a dovere con 

genio barocco e follia visionaria. Inedite 

sinopie su carta e disegni complessi dal 

chiaroscuro teatrale. Che aprono cieli e 

spingono alla meraviglia... 

La lucida follia visionaria di Nicola 

Verlato (Verona, 1965; vive a New 

York) lascia esterrefatti. Il suo è un 

mondo in cui alto e basso, triviale e 

sublime si ricercano, incrociano e alimentano 

vicendevolmente, in un vortice 

tempestoso e spiraleggiante di 

richiami che spaziano dalla storia dell'arte 

alla pornografia, dalla pittura a 

soggetto mitologico-religioso alla 

street culture. La mostra di 

Monfalcone raccoglie la sua ultima 

produzione su carta e su tela, e fornisce 

interessanti strumenti interpretativi 

della produzione dell'artista, a partire 

dalle modalità di ideazione e sviluppo 

dei contenuti visivi. Verlato, che ormai 

da qualche anno vive a Brooklyn, è 

infatti figura atipica e per certi aspetti 

isolata. Il suo è un modus operandi che 

conserva l'artigianalità della bottega 

rinascimentale, in cui la scelta e la 

composizione del soggetto, ma anche 

il lavoro di ricerca necessario a coglierne 

gli elementi di resa chiaroscurale, 

sono assolutamente accademici, in 

linea con la tradizione di un'arte che, 

inevitabilmente, è anche mestiere. 

L'artista ha sviluppato così una procedura 

che parte dall'immagine bidimensionale 

(per esempio una foto trovata 

sul web, il fotogramma di un video, una 

sequenza di videogame) grazie alla 

quale tratteggia dei bozzetti; la fase 

successiva è la realizzazione di un 

modello plastico che rende visibili le 

interazioni spaziali dei soggetti, cui 

segue il lavoro finale sul supporto prescelto. 

Le sale della galleria sono allestite 

proprio come lo studio dell'artista, 

con numerosi schizzi alle pareti e sul 

pavimento, a testimoniare valutazioni, 

modifiche, ripensamenti, successivi sviluppi. 

La scelta dei soggetti invece è 

assolutamente anticonvenzionale e 

testimonia le incursioni della cultura 

popolare che va dalla musica heavy 

metal (come in Zakk) ai videogiochi, ai 

film di animazione, allo skate (è il caso 

di Gator). Uno spiccato amore per gli 

aspetti più truci e splatter rende possibile 

sgocciolamenti di sangue, liquidi 

corporali, talvolta in situazioni violente, 

altrove in dinamiche più teatrali. Ed è 

proprio questa la cifra più peculiare del 

suo lavoro: la creazione delle situazioni 

più disparate, rese con un registro 

barocco, dove le figure si contorcono e 

si dilatano fino a esplodere, nella prepotente 

resa muscolare, nei punti di 

fuga, nelle linee di forza che si moltiplicano 

e s'intrecciano. E il barocco, 

senza lasciare respiro all'osservatore, 

deflagra nella superficie. Sarebbe scorretto 

pensare a tutto questo come a 

una semplice pittura di maniera 

(anche se talvolta l'eccesso non dà 

respiro), poiché è sempre nuova la 

capacità di stupire, di risemantizzare 

con contenuti contemporanei procedure 

secentesche, in una pittura che è 

essenzialmente ricercata preziosità 

estetica. Parafrasando Marino 

potremmo dire che "è del pittor il fin la 

meraviglia". 


GC.AC - Galleria Comunale 

d'Arte Contemporanea 

Nicola Verlato 

a cura di Andrea Bruciati 

piazza cavour, 44 

Tel 0481 494369 Fax 0481 494352 

galleria@comune.monfalcone.go.it 

www.comune.monfalcone.go.it/galleria 

Catalogo con saggi di Michaël Amy 

e Andrea Bruciati, 15,00 euro 

MILANO. 

Daniele Puppi 

Fatiche senza tempo che riempiono 

lo spazio, senza nulla aggiungervi. 

Un Hangar fatto esplodere in un 

assordante battito di piatti. Il primo 

di tre grandi appuntamenti per l'artista 

friulano. E già si sente il sapore 

della consacrazione. 

Lo spazio non è soltanto lo scenario 

in cui l'azione si svolge. Oltre alle 

tonalità emotive e ai ricordi personali 

con cui lo connotiamo, qualunque 

luogo ha proprie tensioni e 

atmosfere autonome; una realtà 

formale che ha altri tempi e durate 

rispetto a quelli della storia che vi 

accade all'interno. Daniele Puppi 

(Pordenone, 1970) si occupa da 

oltre un decennio di accentuarne la 

visibilità e l'emozione, confrontandosi 

direttamente con lo spazio 

attraverso il video, in modo che l'azione 

ripetuta del proprio corpo lo 

contenga e sia contenuta da esso, 

nello stesso tempo, aderendovi 

completamente. 

La mostra all'Hangar Bicocca appare 

punto di arrivo e di partenza, probabile 

momento di consacrazione 

della sua maturità artistica e inizio 

di un anno di prestigiose mostre, 

con Londra e Roma ad attenderlo 

dopo Milano. Anche in questa 

nuova Fatica è lo spazio il protagonista. 

L'Hangar è un vecchio edificio 

industriale che ha mantenuto l'imponente 

eredità formale in volumetrie, 

shed, mattoni e lamiere, che 

l'artista ha voluto rispettare completamente. 

Ne ha studiato le linee 

di forza, i materiali e le timbriche di 

diffusione sonora per "farne esplodere", 

come l'artista stesso dichiara, 

le tensioni spaziali e sonore a 

esso connaturate. La video installazione 

occupa completamente la 

parete opposta all'entrata. 

L'inquadratura riprende il busto dell'artista 

e sfrutta l'andamento delle 

tre navate, dividendo la pareteschermo 

in tre sezioni. Sulle due 

laterali si agitano le braccia che 

muovono piatti a percussione. 

Quella centrale inquadra la maglietta 

nera dell'artista e rimane in 

ombra, tranne quando i due piatti si 

scontrano l'uno contro l'altro. Nel 

momento in cui si diffonde l'assordante 

battito accompagnato dall'eco 

metallica delle lamiere, su alcuni 

shed, a diverse altezze, sono proiettati 

frammenti dell'immagine, 

dando un'illusione tridimensionale. 

Dopo il battito le braccia tornano a 

muoversi sugli schermi laterali, per 

poi ritornare a scagliare i piatti 

l'uno contro l'altro, in un movimento 

continuo. Fatica 16 riesce a riempire 

lo spazio senza aggiungervi nulla 

al di fuori dei sette proiettori, ma 

non solo. Impone anche allo spettatore 

di non inoltrarsi eccessivamente 

al suo interno. [... continua a pag. 

84] 

Hangar Bicocca 

[stefano mazzoni] 


Daniele Puppi - Fatica 16 

a cura di Federica Schiavo 

viale chiese (zona bicocca) 

da martedì a domenica ore 11-19; 

giovedì ore 14.30-22 

biglietto intero 6,00 euro; 

ridotto 4,00 

Tel 02 853531764 

Fax 02 85354364 

info@hangarbicocca.it 

www.hangarbicocca.it 

Catalogo Electa 35,00 euro 

CINISELLO BALSAMO (MI). TORINO. 

Storie immaginate 

Werner Herzog 

in luoghi reali 

Il regista di Fitzcarraldo. Ma anche 

La fotografia su committenza non è più l'attore, il documentarista, il regi- 

solo un reportage d'autore. La tradusta di opere liriche, lo scrittore. 

zione in immagini di un momento della Colto mentre promette - e mantie- 

vita dell'artista diventa nello stesso ne - di mangiare la propria scarpa. 

tempo intima e condivisa. Una grande O mentre viene colpito da una pal- 

collettiva a due passi da Milano... lottola vagante durante un'intervista. 

Un omaggio al cinema estremo 

di un campione del "Nuovo cinema 

tedesco"... 

Nato nel 2004 come spazio espositivo 

dedicato al legame fra fotografia e 

committenza pubblica sul territorio, il 

Museo di Fotografia Contemporanea 

di Cinisello Balsamo ha recentemente 

affidato a otto fotografi italiani ed europei 

il compito di tracciare luoghi umani 

e sociali della Lombardia attraverso 

un'impresa artistica partecipata. Il 

risultato è la collettiva Storie immaginate 

in luoghi reali, serie di ricerche 

fotografiche in cui ogni artista ha interpretato 

luoghi oggettivi alla luce della 

propria sensibilità creativa. Il progetto 

vuole infatti superare la nozione limitante 

che fa della fotografia su committenza 

un lavoro meramente documentale, 

enfatizzandola piuttosto 

come un'occasione per approfondire 

in totale libertà una personale ricerca 

artistica già avviata. Jitka Hanzlová ha 

scelto giovani modelli per un progetto 

legato a Leonardo da Vinci a Palazzo 

Melzi d'Eril, tentando un approccio contemporaneo 

a dipinti del XV secolo: un 

lavoro realizzato nella cornice di Vaprio 

d'Adda, in cui l'artista ha concentrato 

tutte le sue esperienze passate. Jean 

Louis Garnell cattura invece 

nell'Abbazia di Morimondo frammenti 

di luce e rapporti spaziali particolari 

per fotografie che parlano della solitudine 

- l'unica persona raffigurata è un 

autoritratto - riflessa nel tempo dai 

monaci cistercensi in volontario esilio 

dai clangori del mondo: Morimondo, 

morte del mondo. Le immagini non raffigurano 

le cose nella loro staticità 

bensì nel loro divenire, ma nello stesso 

tempo sembrano voler accogliere la 

sensazione di fissità e profondità delle 

ombre da esse stesse prodotte. Il lavoro 

di Alessandra Spranzi è invece fantasmatico. 

Scegliendo il luogo della 

decadenza per eccellenza come il 

defunto Casinò Municipale di San 

Pellegrino Terme, vuole dar forma all'idea 

di un tempo passato che diventa 

cosa, arredo costitutivo di un luogo che 

fu. È la naturale deriva degli oggetti, 

che si autocancellano nel tempo ma 

che possono paradossalmente venir 

disvelati attraverso l'applicazione di un 

velo, membrana attiva che rende visibile 

l'invisibile. Olivo Barbieri sceglie egli 

stesso il punto d'inizio della lettura dell'immagine. 

Il risultato è la trasformazione 

del mondo in un modello: fotografare 

la realtà in modo tale che sembri 

un plastico (progetto realizzato presso 

il Castello di Somaglia). Paola De Pietri 

coglie il magico rapporto fra la natura 

e persone - distretto dei monti e dei 

laghi briantei - mentre Vittore Fossati 

a Villa Menafoglio Litta Panza di Biumo 

mutualizza l'idea di misura dalla pittura 

e dalla musica per render conto di 

spazi che siano più vicini alla vita. Come 

il video antiiconico di Gilbert 

Fastenaekens, che rappresenta 

momenti bloccati e istanti particolari 

abbandonati a se stessi (Villa Litta a 

Milano), mentre Andrea Abati si fa 

ricettore di storie, anteponendo il narrare 

- luoghi e persone - al mostrare. 

[emanuele beluffi] 

Museo di Fotografia 

Contemporanea 

fino al 27 aprile 2008 

Storie immaginate in luoghi reali 

a cura di Roberta Valtorta 

villa ghirlanda - via frova, 10 

da martedì a domenica ore 10-19; giovedì 

ore 10-23; chiuso 23-24 marzo 


Tel 02 6605661 Fax 02 6181201 

info@museofotografiacontemporanea.org 

www.museofotografiacontemporanea.org 

Catalogo in formato video realizzato 

da Meris Angioletti e Angelo Boriolo, 

con uno scritto di Paola Capriolo 

"È stato come incontrare qualcuno 

che conosco ma che non capisco 

del tutto". Responso insindacabile 

di Werner Herzog (Monaco, 

1942) all'indomani della visita alla 

propria mostra Segni di vita. 

Werner Herzog e il cinema. Come 

dargli torto? Ritrovarsi faccia a 

faccia col proprio io sconvolgerebbe 

chiunque, tanto da condurre 

alla pazzia (come insegna la parabola 

della Storia infinita), a meno 

che non si possieda una buona 

dose di fiducia in se stessi e coraggio 

da vendere. Che non mancano 

certo al regista tedesco, autore di 

ben cinquantadue film tra corti, 

medi, lungometraggi e documentari 

a dir poco estremi, realizzati nel 

corso di quarantacinque anni di 

attività, senza quasi mai programmare 

nulla. Perché "sono i progetti 

che vengono da me". Dunque, un 

personaggio e una carriera da 

celebrare con un omaggio-evento, 

pianificato per un anno e mezzo 

dallo stesso Herzog col Museo 

Nazionale del Cinema di Torino e 

reso attraverso articolate proposte. 

Innanzitutto, la retrospettiva 

completa di tutti i suoi film (trentacinque 

dei quali ristampati per l'occasione 

dall'istituzione torinese, a 

partire dai negativi originali). Poi 

un cine-concerto, un laboratorio di 

cinema e scrittura di due giorni 

diretto dal regista presso la 

Scuola Holden. Senza dimenticare 

l'ampia monografia-intervista, per 

nulla biografica o cronologica, realizzata 

da Grazia Paganelli, che ha 

saputo entrare nel vivo della sua 

poetica. Infine, la mostra alla 

Sandretto, sezionata per l'occasione 

in undici salette cinematografiche 

per accogliere altrettante 

videoinstallazioni dedicate ad 

aspetti e momenti della sua vita e 

opera. Oltre a tutti quei materiali 

fotografici - foto di scena, con l'aggiunta 

di scatti della moglie Lena 

sul set di Rescue Dawn (2006) - 

che costituiscono l'archivio della 

sua omonima casa di produzione. 

L'allestimento segue un percorso 

scandito per gradi successivi di 

complessità ed è pertanto funzionale 

a condurre lo spettatore-visitatore 

al cospetto della "verità 

estatica" herzoghiana. Proprio la 

ricerca dell'estasi è la chiave per 

decifrare al meglio gran parte dei 

suoi film, sempre in bilico tra finzione, 

documentario e video d'artista. 

[... continua a pag. 84] 

[claudia giraud] 

Fondazione Sandretto Re 

Rebaudengo 

Segni di vita. 

Werner Herzog e il cinema 

a cura di Alberto Barbera, Stefano 

Boni e Grazia Paganelli 

via modane, 16 (borgo san paolo) 

Tel 011 3797600 Fax 011 19831601 

info@fondsrr.org 

www.fondsrr.org

Exibart.onpaper déjà vu.59 

TORINO. 

FIRENZE. 

Arman 

Marco Perego 

Oggetti che lasciano sulla carta l'im- Non ingannino colori e giocattoli. 

pronta della pittura a olio. Un'onda di disillusione attraversa la 

Accumulazioni di oggetti quotidiani, Devastated Land. Giochi infantili in 

scarti assemblati in recipienti traspa- atmosfere solitarie, dove lo svago è 

renti. E ancora, strumenti musicali minacciato dall'estraneità e da una 

tagliati su pannelli di legno... 

cronica, irriducibile imprevedibilità... 

L'antologica di 

A r m a n 

(Armand 

Fernandez, 

Nizza, 1928 - 

New York, 

2005) riserva molte sorprese allo 

spettatore. Non sono infatti solo presentate 

le opere più conosciute del suo 

repertorio, ma viene proposto un interessante 

percorso che prende in considerazione 

tutti i momenti topici della 

ricerca, approfondendo in modo particolare 

le fasi di transizione, ed evidenziando, 

di conseguenza, le articolazioni 

successive del lavoro. Si tratta dunque 

di una mostra che invita ad approfondire 

la conoscenza di un artista il cui contrassegno 

è una vita nomadica, manifestazione 

della volontà di non avere 

alcun punto fermo se non l'esperienza. 

Il passaggio dall'astrazione pittorica di 

stampo tradizionale alla scrittura tramite 

oggetti intrisi d'inchiostro di china 

è ben evidenziata dai Cachets, "forme 

post-pittoriche" che caratterizzano la 

sua stagione creativa alla fine degli 

anni '50, e dalle Allures d'objets, oggetti 

che lasciano sulla carta l'impronta 

della pittura a olio della quale sono 

impregnati. L'oggetto diventa il punto di 

riferimento obbligato del lavoro che, 

superando gradualmente i limiti della 

pittura tradizionale, fa sua la necessità 

di mostrare come l'arte invada la vita 

nelle sue manifestazioni più usuali. Da 

queste osservazioni nascono le 

Accumulations di oggetti quotidiani, 

quasi sempre usati, e le Poubelles, 

"estensioni del corpo contemporaneo", 

scarti assemblati in recipienti trasparenti, 

che assumono una forte valenza 

percettiva. Il percorso della mostra 

propone le accumulazioni più diverse, 

anche dal punto di vista cromatico: 

macinini da caffè, manometri, radio, 

spazzolini da denti, aspirine, forme per 

scarpe, pomoli per testate di letto, 

tubetti di colore di resina e di china, 

ventagli. La serialità della disposizione 

pare distruggere l'unicità dell'oggetto 

stesso ma, a una riflessione attenta, si 

constata come l'insieme definisca un 

altro oggetto, differente, la cui specificità 

prende vita proprio dall'assemblaggio. 

"All'interno del medesimo oggetto", 

afferma Umberto Eco, "esiste la possibilità 

di una modulazione del molteplice". 

È nella disarmonia che risiede l'armonia: 

se si osservano attentamente 

le accumulazioni, si vede come la 

casualità degli accostamenti suggerisca 

un'armonia fondata sulla provvisorietà 

e sulla dissonanza. Si veda, ad 

esempio, quale equilibrio palesino lavori 

quali The birds 11 (1981), dove l'accumulazione 

di pinze metalliche assume 

la forma di uno stormo di uccelli, o 

Accumulation Renault (1968 ca.), 

dove le testate di motore acquisiscono 

una decisa qualità pittorica o, ancora, 

Tout ce qui brille n'est pas d'or (1975), 

un assemblaggio di lingotti d'oro, simile 

a un dipinto astratto. È opportuno 

segnalare come sia ampia la selezione 

di opere incentrate su oggetti musicali, 

chitarre, violoncelli, trombe, contrabbassi, 

tagliati su pannelli di legno o nella 

resina, o bruciati nella resina o nel plexiglas, 

o inclusi nel cemento. L'oggetto 

assume una valenza narrativa, come 

del resto avviene anche in Venus 

(1971), un busto che contiene bambole 

nella resina, o in Venus (1994), 

costituito da etichette nella resina. In 

queste opere si evidenzia con chiarezza 

la traslazione metamorfica dell'oggetto 

quotidiano, che assume un diverso 

valore semantico. 

[tiziana conti] 

Fondazione Palazzo Bricherasio 

Arman 

a cura di Luca Beatrice 

via lagrange, 20 (centro storico) 

Tel 011 5711811 Fax 011 5711850 

info@palazzobricherasio.it 

www.palazzobricherasio.it 

Catalogo Cudemo 

Marco Perego 

(Milano, 1979; 

vive a New 

York) sembra 

plasmare le 

proprie opere 

per elaborare 

un lutto. I feticci 

fantastici di 

un'infanzia tradita 

subiscono 

una catarsi 

attraverso le sale del Museo 

Archeologico Nazionale di Firenze, 

dove Hermes bambino uccide la 

tartaruga o Herakles strozza i serpenti, 

nei giochi funebri in onore di 

Patroclo o nelle danze dei giovani 

ateniesi. Il rito supremo avviene 

nella sala del Vaso François (ceramica 

attica a figure nere del 570 

a.C.), dove in Everyone has two 

lives, in one you fake in the other 

you despair, la grande tela è tenebrosa 

come Aiace che trasporta il 

corpo di Achille nella decorazione 

del vaso, il fondo scuro e le sgocciolature 

violacee esaltano il dolore 

e il cordoglio. Molte altre tele sono 

coloratissime, cromìe acide, metalliche 

con colature materiche e 

resinose. Con glaciale iperrealismo, 

l'artista stempera l'astio, la 

sfida si fa logica e il quadro assurge 

ad archivio moderno di oggetti 

d'affezione, di passioni; si eleva a 

contestazione di uno sviluppo lineare 

della storia umana. 

L'enorme distributore di chewing 

gum che campeggiava in piazza 

della Santissima Annunziata, 

davanti all'ingresso 

dell'Archeologico, il giorno dell'inaugurazione, 

adesso è nel giardino 

del museo e, per quanto coloratissimo, 

non emana allegria ma 

melenso abbandono. Le recenti 

opere di Perego trasudano colore 

e oggetti, spesso balocchi e personaggi 

di fiabe e fumetti. Richiami 

all'infanzia, ma un'infanzia negata e 

devastata, come devastata è la 

terra in cui ci ostiniamo a sopravvivere. 

Come legge del contrappasso 

si fronteggia un sapere antico 

"delle interazioni umane che lasciano 

dietro di sé un sedimento di 

legame: un sedimento che si ispessisce 

nel tempo" (Bauman) e un 

presente definito nell'atto del consumo 

e nel ritmo sbalorditivo ed 

estenuante del cambiamento. Si 

tratti di giochi in frantumi o spesse 

gocciolature sanguigne, come in 

Give Nothing Back, o nei più famosi 

portacicche (come li chiama l'artista), 

cioè le installazioni Bubble 

machine che distribuiscono teschi 

al posto di gomme americane, 

tutto evoca un percorso di "protesta" 

verso la mercificazione della 

vita. Nella paideia greca, il bambino 

differisce dall'adulto soltanto per 

l'incapacità di distinzione fra bene 

e male, ma in questo percorso contemporaneo 

appare ineluttabile 

che anche gli adulti siano regrediti 

al punto di perdere la strada. 


[daniela cresti] 

Museo Archeologico Nazionale 


Marco Perego - Devastated Land 

a cura di Sergio Risaliti 

Via della Colonna, 38 

Orario: lunedì ore 14-19; martedì e 

giovedì ore 8.30-19; mercoledì, 

venerdì, sabato e domenica ore 

8.30-14 

Ingresso: intero 4 euro; ridotto 2 

euro 

Info: tel. +39 05523575; fax +39 

055264406; 

www.firenzemusei.it/archeologico 

FIRENZE. 

Omar Galliani 

Un memento mori che parla di eternità. 

Teschi e rose che danzano come 

pianeti dalle orbite distorte. E ancora 

lontani volti di donna e fiori improvvisamente 

legati a parti anatomiche. Tra 

distanze, apparizioni e armonie, Omar 

Galliani entra agli Uffizi... 

Capita che, nella 

biblica attesa di 

un centro per 

l'arte contemporanea 

a Firenze, 

siano gli Uffizi a 

rilanciare a livello 

istituzionale l'attenzione 

per il 

contemporaneo. 

Capita che il 

Gabinetto 

Disegni e Stampe degli Uffizi acquisisca 

alcune opere di Omar Galliani 

(Montecchio Emilia, 1954; vive a 

Montecchio e Urbino): un trittico, due 

disegni a matita su carta e altri quarantacinque 

disegni, di dimensioni più 

piccole, a matita e inchiostro di china, 

tutte in esposizione nella sala Edoardo 

Detti del Gabinetto. È il trittico 

Notturno (2007), un'opera monumentale 

che si compone di tre tavole di 

legno di pino, a offrire il nome all'evento. 

Sulle tre tavole, poste verticalmente 

le due laterali e orizzontalmente la 

centrale, Galliani è intervenuto con la 

carta vetrata, rivestendole poi di un'avvolgente 

e profonda trama di segni a 

grafite, il cui strato s'ispessisce a volte 

per far emergere alcuni elementi, o si 

dirada per lasciare spazio ad altri, rendendo 

visibile il colore del legno sottostante. 

Una cascata di rose a sinistra 

e di teschi a destra e, nel mezzo, un 

pianoforte. Fiori, teschi e strumenti 

musicali: è difficile resistere alla tentazione 

di richiamarsi alla tradizione 

della vanitas (e tale definisce quest'opera 

anche la direttrice Marzia 

Faietti). Tanto più difficile se l'artista in 

questione è stato legato a quello che, 

negli anni '80, era chiamato 

Anacronismo: recupero fantasmatico 

di un passato sentito non come storia 

ma come labile e inconsistente presenza. 

Se la rosa era, nella vanitas 

intesa come genere, il richiamo alla 

fugacità dei piaceri e dei sensi dell'uomo 

e il teschio l'indicatore di un tempo 

irrimediabilmente trascorso, lo strumento 

musicale viveva della bivalente 

allusione alla vita attiva e alle sue 

momentanee occupazioni da una 

parte, e alla possibilità di sopravvivenza 

delle arti dall'altra. La vanitas di 

Galliani sembra però trasformarsi nel 

suo opposto, nell'evocazione di un'eternità 

impalpabile, nascosta sotto la 

fitta tessitura creata dalla grafite. È 

un'eternità siderale, in cui le rose e i 

teschi si muovono con l'eleganza e la 

sicurezza di pianeti nello spazio, intorno 

a cui i segni lasciati dalla carta 

vetrata, visibili attraverso la grafite, 

disegnano orbite distorte e irregolari. 

Le rose e i teschi danzano (una danza 

che non sembra possibile definire 

macabra) al suono forse della musica 

delle sfere: al centro il pianoforte, 

sagoma nera e imponente, assume il 

valore di un'apparizione salvifica per 

quanto oscura. Se Mantra (1999) e 

Nuovi Santi (2007) hanno al centro 

volti di donna immersi in una lontananza 

irraggiungibile (nel primo è lo stesso 

volto a sdoppiarsi per separarsi da 

se stesso), i quarantacinque disegni a 

matita e inchiostro di china di vari 

colori sono una serie di incontri, di 

contatti tra ossa sfumate a matita e 

fiori disegnati a china, taglienti come 

ghiaccio. Incontri da cui, come una 

scintilla, sembra sprigionarsi una 

improvvisa armonia. 

[donata panizza] 

Uffizi - Gabinetto Disegni e 

Stampe 


Omar Galliani - Notturno 

piazzale degli uffizi, 1 

da mar. a dom. ore 8.15-18.50 


Tel 055 2388624 

gdsu@polomuseale.firenze.it 

www.polomuseale.firenze.it/musei/disegni 

Catalogo Electa 

NAPOLI. NAPOLI. 

Olivo Barbieri 

Luca Pignatelli 

Mirare, puntare, focus. Abituato a In treno con l'artista per un nostalgi- 

volare alto, Barbieri plana sulla collico "come eravamo". Dai vetri un paena 

di Capodimonte per... archiviare la saggio fatto di lance, bombe e case 

pratica di una committenza eccellen- incendiate. Ma non ci sono fermate. 

te con un repertorio di immagini di E tutto scorre senza saldarsi alle pro- 

repertorio. Ma il richiamo metropolitano 

è troppo forte. E tutto finisce in 

fondità della memoria... 

pulp... 

Nel '68, con 

un'arte fatta di 

quotidianità, di 

vita, i titanici 

poveristi giungevano 

a traghettare 

anime 

Di Olivo Barbieri (Carpi, 1954) 

fotografo si ammira il bilanciamento 

austero e monumentale delle 

inquadrature in bianco e nero. Di 

Olivo Barbieri videomaker si gustano 

la versatilità cromatica e il 

ritmo sincopato, usati per manipolare 

una pellicola di culto come 

Scarface. Si fa in due l'artista emiliano 

per il debutto della trilogia 

Uno sguardo da Capodimonte, uno 

sguardo su Capodimonte - che 

vedrà in campo altri due obiettivi 

eccellenti: Craigie Horsfield e 

Mimmo Jodice -, accantonando 

macchiatesi di 

consumismo 

verso "viaggi" che consentissero di 

avere un approccio innocente e genuino 

col mondo. Quarant'anni più tardi, di 

quella dialettica capace di corrodere 

abitudini e conformismi della società 

contemporanea non rimane che il 

mezzo, il supporto, svuotato del suo 

peso ideologico: dall'arte povera si 

passa miseramente alla povera arte. 

Questo passaggio si rende "fisico" e 

manifesto con le opere di Luca 

Pignatelli (Milano, 1962), in mostra al 

Museo Archeologico Nazionale di 

Napoli. Intenzionate a discutere l'atteggiamento 

dell'uomo odierno, a denunciare 

le conseguenze infauste del suo 

comportamento egoista e distratto, di 

addirittura se stesso per rispetto fatto si connotano soltanto per un 

della committenza (anche se il mero polemismo autoreferenziale. I 

Soprintendente al Polo museale suoi Treni non si inerpicano su per 

napoletano Nicola Spinosa preferi- colonne ripidissime come quelli di 

sce parlare di "reazione" e "provo- Kounellis, ma mestamente scivolano 

cazione"). Noto infatti per le vedute su paesaggi anonimi e scarni con 

metropolitane a volo d'uccello, 

Barbieri zooma qui su un campione 

di quattordici immagini (dodici in 

bianconero e due a colori) paradigmatiche 

di altrettanti generi, scelte 

dopo aver setacciato l'Archivio 

fotografico della pinacoteca. 

Riproduzioni di riproduzioni che, in 

ossequio al rimbalzello filosofico di 

un'arte replica di se stessa, ne catturano 

a distanza ravvicinatissima 

graffi, impronte, scalfitture, screpolature: 

particolari macroscopici 

che, tra iperrealismo e documento, 

mostrano i tesori delle collezioni 

come oggetti, materia vulnerabile 

"fare" cinematografico, come in un vecchio 

film dei Lumière. Dai finestrini non 

si affacciano memorie di antiche cicatrici 

né i vagoni si aprono su racconti 

sociali per recare il loro messaggio di 

sofferenza. Tutto, piuttosto, sembra 

evaporare e disperdersi con lo sbuffo 

di biacca che fuoriesce dalla locomotiva 

in corsa. Non bastano neppure i 

teloni ferroviari usurati dal tempo, che 

tante mani hanno conosciuto, a riscattare 

la mollezza e il distacco dell'arte di 

Pignatelli: il suo è un tragico sempre 

apparente, il cui livore viene continuamente 

stemperato da schizzi di colore 

simili (?) a neve o infiocchettato da 

decorazioni floreali di dubbia valenza, 

e vissuta. Difficile credere che un che lo rendono ben lontano dalla figura 

così severo e compatto percorso di "prometeico officiante" di una cultu- 

possa esplodere fragorosamente ra morente e di una dimensione perdu- 

in un bagno di sangue. Eppure ta. Anche in Schermi si legge lo scarto 

avviene nel prosieguo, quando le tra nobile intenzione e mancato risulta- 

macchine - fotografica e da presa - to. Le anfore panciute che vestono l'in- 

tornano alla contemporaneità per 

puntare sulla confiscata villa di 

Walter Schiavone, fratello del famigerato 

capoclan Francesco, detto 

"Sandokan": ottocentocinquanta 

metri quadrati su tre livelli, circondati 

da tremilaquattrocento di giardino 

con immancabile piscina, 

destinati, stando alle promesse 

istituzionali, ad accogliere un centro 

sportivo e riabilitativo per disabili. 

Un delirio edilizio ispirato al 

capolavoro di Brian De Palma, solo 

che questa "Hollywood" è di cemento, 

non di cartapesta, e con tanto 

tero perimetro di una sala, infatti, recano 

in grembo immagini delle guerre di 

ieri e di oggi, realizzandosi come continuum 

temporale che riduce al medesimo 

comune denominatore la ferocia 

umana. Eppure non riescono a figurare 

come angoscianti e claustrofobici 

vasi di Pandora, esalando invece l'amaro 

e sgradevole sentore di un lezioso 

omaggio al museo ospitante. Un sussulto 

di creatività sprezzante viene, 

invece, da una Madonna di sapore 

rinascimentale dal viso smaterializzato, 

reso come se fosse stato celato da 

un velo. Tra le braccia, una tavola su 

cui bruciano case e strade sostituisce 

di scala a tenaglia, tale e quale a con indovinato sarcasmo la figura del 

quella da cui Al Pacino/Tony fanciullo salvatore, realizzando un'im- 

Montana precipita dopo la mattanmagine forte e originale di un'attualissiza 

finale. Ed è proprio sui fotogramma Gomorra. A chiudere la personale, 

mi degli ultimi tre minuti del film tuttavia, un ultimo scivolone, questa 

che Barbieri concentra le proprie volta mediatico. Un video realizzato da 

attenzioni, attraverso interventi pit- Daniele Pignatelli induce, mediante 

torici che ne accelerano il cruento 

dinamismo e ne esasperano i toni, 

avvincendosi a un immaginario 

locale pregno di barocchismo. 


una telecamera in soggettiva, a correre 

a perdifiato in un bosco "in guerra" 

per poi fermarsi a una festa di paese 

con tanto di asinello e musica folkloristica. 

Non c'è nulla nella corsa che 

somigli a un percorso catartico; piutto- 

[anita pepe] 

Museo di Capodimonte 

sto appare come un finale un po' troppo 

favolistico. La decadenza si ottunde 

(ancora!), le riflessioni si fanno lontane 

e, come suggerito da una vecchia canzone, 

"il veleno della vita dorme in pace 

in un vaso di malora". Tarallucci e vino. 

[carla rossetti] 

Uno sguardo da Capodimonte. 

Olivo Barbieri - TWIY 

a cura di Cristiana Colli 

via di milano, 2 

Tel 081 7499111; 

Fax 081 2294498 

artina@arti.beniculturali.it 

www.museo-capodimonte.it 

Catalogo Electa Napoli 

MANN - Museo Archeologico 

Nazionale di Napoli 

Luca Pignatelli 

a cura di Achille Bonito Oliva 

piazza museo nazionale, 19 

Tel 081 440166 Fax 081 440013 

ornella.falco@beniculturali.it 

www.archeona.arti.beniculturali.it


TRIESTE. 

BRESCIA. 

Nikola Uzunovski 

Giulio Paolini 

Regalare il sole all'inverno senza luce L'eterno ritorno dell'identico, quasi una 

dei lapponi. Questo l'ambizioso pro- missione concettuale. Alla quinta persogetto 

del vincitore del premio nale con la galleria bresciana, Paolini 

Giovane Emergente Europeo Trieste torna ancora una volta su temi cardine 

Contemporanea. E la galleria si tra- della contemporaneità artistica. Tra citasforma 

in un laboratorio. Dove progettare 

l'irrealizzabile... 

zionismo esterno e metrica spaziale... 

C'è un legame strettissimo tra arte e 

utopia, essendo la capacità dell'arte 

di generare orizzonti distanti e mondi 

possibili pressoché infinita. Via via 

lungo la storia, l'arte si è nutrita e ha 

allo stesso tempo creato il mondo 

ideale dei religiosi, dei filosofi e degli 

esteti, ma anche quello alternativo 

dell'uguaglianza sociale, dell'utopia 

politica, fino a quello - terribile e angosciante 

- dei totalitarismi impegnati a 

elaborare la propria mitologia. È invece 

un'utopia realizzabile, senza però 

essere ancora a portata di mano, 

quella che propone Nikola 

Uzunovski (Belgrado, 1979) con il 

progetto My Sunshine, che gli è 

valso il premio di Giovane Emergente 

assegnato da Trieste 

Contemporanea. Il suo lavoro, a 

cavallo tra public art e arte relazionale, 

è un vero e proprio work in progress 

mirato a cambiare le abitudini 

e gli stili di vita della popolazioni della 

Lapponia, dove, a causa della rotazione 

dell'asse terrestre e per l'estrema 

vicinanza al circolo polare, d'inverno 

non arrivano i raggi del sole e la luce 

naturale è solo un rumore di fondo. 

L'artista ha pensato di creare un 

sistema di illuminazione con specchi 

collocati su palloni in grado di riflettere 

la luce dall'alto verso il suolo, portandola 

tra le case e le strade, favorendo 

da un lato maggiori relazioni 

sociali e dall'altro un cambiamento 

degli stati umorali e psicologici. Il progetto 

può per certi aspetti ricondursi 

all'idea d'intervento ambientale, alla 

capacità cioè di agire per creare dei 

mutamenti sulla percezione del paesaggio, 

ma in senso stretto è basato 

essenzialmente sulla capacità di 

creare sculture con la luce, argomento 

già caro alle avanguardie 

americane degli anni '60. La finalità 

di ordine relazionale invece è assolutamente 

nuova, e in questa c'è tutto 

il carico dell'utopia, capace di rendere 

reale l'impossibile, confrontandosi 

con tutti gli strumenti scientifici del 

caso. Non si pensi infatti al progetto 

di Uzunovski come una semplice fantasia 

infantile, tutt'altro: l'artista ha 

coinvolto scienziati e ricercatori di 

università prestigiose come 

Cambridge o la Sissa di Trieste, che 

sono stati presenti alla vernice e che 

si sono impegnati a elaborare equazioni 

in grado di descrivere l'orbita 

dei palloni, la tipologia e l'inclinazione 

degli specchi e via dicendo, affrontando 

pure ipotesi sulla meteorologia, i 

materiali, i venti, l'irraggiamento. La 

galleria si è così trasformata in un 

laboratorio con lavagne ricoperte di 

disegni e numeri, libri, testi, computer, 

calcolatrici e tutti gli strumenti 

del caso: un luogo cioè in cui si elaborano 

dati, si verificano ipotesi, si fa 

scienza. E danno coraggio le parole di 

una studiosa d'eccezione come 

Margherita Hack che, a parte i costi 

rilevanti, reputa attuabile, con le 

attuali tecnologie spaziali, l'utopia 

artistica di un sole d'inverno. 

Studio Tommaseo 


Nikola Uzunovski - My Sunshine 

a cura di Massimo Premuda 

via del monte, 2/1 

Tel 040 639187 Fax 040 367601 

tscont@tin.it 

www.triestecontemporanea.it 

Catalogo disponibile 

"Io non so, non posso dire che cosa ho 

voluto fare. Chi lo sa, non vuol capire 

che si può anche tacere" (Giulio 

Paolini). Al riecheggiare delle parole 

sullo scandalo della comunicazione 

pronunciate nei corsi presso la 

Fondazione Ratti, fanno da specchio 

queste rinunce alla teoria esplicita sull'arte. 

Eppure, di teoria implicita ce n'è 

molta e la fluidificazione dello sguardo 

scopre il vero scheletro teorico che 

supporta il lavoro di Giulio Paolini 

(Genova, 1940; vive a Torino). Lo studio 

del momento creativo passa attraverso 

un utilizzo della pittura e della 

scultura come dispositivi concettuali. 

Mentre la riflessione meta-artistica si 

serve dell'arte come di uno strumento, 

lavorando allo stesso tempo come un 

artista inconsapevole. Le figure dei pittori 

Zeusi e Parrasio, un prelievo da 

mitologia greca e avvenimento storico, 

presiedono alla decostruzione delle 

arti classiche. Nell'omonima opera, la 

divisione in porzioni di una testa greca 

in gesso invita alla ricomposizione virtuale 

dei profili. Alle pareti, a sigillare il 

gioco di corrispondenze del lavoro scultoreo, 

due tele composite che ragionano 

attraverso l'ibridazione del recto e 

del verso, sulla superficie della rappresentazione 

e sui confini provvisori e 

casuali della tela. L'allestimento di 

Zeusi e Parrasio fornisce anche una 

soglia, introduzione all'operazione 

murale e a un nuovo spazio concettuale. 

Scena muta (la stanza dell'autore) si 

compone di citazionismo interno e citazionismo 

esterno. Un assemblaggio 

ragionato e misurato di strumenti da 

lavoro, tavole sul disegno geometrico e 

tele bianche, frontali o rovesciate, che 

rappresentano la tela. Per comunicare 

la sospensione che produce la cornice: 

"Tutto insomma lì si trova, a misura di 

un domani uguale a ieri". Il particolare 

approfondimento sulla tautologia autoriale 

trova spazio nella rappresentazione 

del pittore che dipinge se stesso 

mentre lavora all'esposizione. Secondo 

un percorso visivo dai margini verso il 

centro, seguendo diagonali e concentrazioni 

di forze trasversali, Paolini 

descrive la tecnica artistica come un 

mezzo di sottrazione che riduce ai 

minima l'operazionalità artistica, ritrovando 

nel suo fondo libidinale le strutture, 

le ragioni d'azione. In risonanza con 

l'intervento murale, altre visioni della 

scena pittorica si moltiplicano nella 

serie di settantaquattro tavole ospitata 

dalla seconda sala. Il supporto della 

tela, come ambiente di formazione dell'opera 

d'arte, si completa nella caratterizzazione 

del suo esecutore. Se la 

tecnica è condotta, direzionata verso 

una fine preciso, ovvero l'identificazione 

di un "passaggio sotterraneo", il discorso 

sull'autore è un diaframma riflessivo 

altrettanto potente. "L'autore? Un 

attore!", afferma Paolini in una delle 

composizioni poetiche che corrispondono 

alle tavole. L'istrionismo dell'artista 

che interpreta se stesso, che non 

abita lo spazio. Ma il tempo si risolve 

nella narrazione della natura illusionistica 

dell'autore, la riconversione di 

immagini fotografiche e della riproduzione 

dà luogo a esiti vertiginosi che 

lavorano sulla parola attraverso figure 

retoriche. Il lapsus dell'autorialità. 

[simone frangi] 

Galleria Massimo Minini 

Giulio Paolini - Zeusi e Parrasio 

via apollonio, 68 

Tel 030 303034 Fax 030 392446 

info@galleriaminini.it 

www.galleriaminini.it 

MILANO. 

Chen Ke 

Le figure infantili catturano l'immaginario 

pittorico. Esili bambini sommersi da 

luoghi che non si svuotano. Luoghi 

senza orientamento. Come in un libro di 

fiabe, l'ambientazione è amniotica. Ma 

l'espressione triste dei visi, i corpi e gli 

oggetti rimandano a qualcosa fuori... 

Immaginate un mondo senz'aria, 

senza strade, senza niente. Un mondo 

aperto dalla luce di una fessura, il 

mondo di un nascondiglio segreto, 

scoperto sul fondo di un armadio. 

Provate a figurare e poi a riprodurre 

un paesaggio così. La riuscita di questo 

gioco, verso il miracolo della 

forma, della creazione se si preferisce, 

è affidato tutto alla postura dei 

corpi, ai gesti che affiderete ai personaggi, 

quelli che dovrete sforzarvi di 

vedere intrappolati. Dovrete, come al 

deposito delle ultime cose, lasciar finire 

la resistenza al reale e far sì che 

l'atmosfera respiri qualcosa come 

quiete e pacificazione. Senza lenti di 

giudizio, senza deformazione alcuna. 

Dovrete portare a completa schiusa 

la nuova verità; la realtà di cui ora 

sarete padroni, quella che sarà fatta 

coincidere, quasi interamente, con la 

fantasia di una volta. Con quello strano 

colore dell'inesistenza che attinge 

dallo stesso serbatoio visivo dal quale, 

sottratto il mondo che s'immagina, le 

ombre dei grandi non disturberanno 

più i profili dei piccoli. Fa parte della 

stessa grana, dello stesso spessore 

tattile, l'universo conchiuso entro cui 

Chen Ke (Tongjiang, 1978) si rifugia 

senza scappare. I suoi dipinti su tela, 

quasi tutti di grandi dimensioni, esposti 

in galleria non superano i dieci 

pezzi. Ognuno di questi riquadri è una 

finestra che parla in maniera eloquente, 

ma non forbita, di un mondo relegato 

ai segreti, e forse ai sogni, dell'infanzia 

finita anche se in-definita. L'artista 

cinese illustra in maniera enigmatica, 

seppur delicata, le scene di stasi e di 

non-vita dei propri personaggi. 

Sempre immersi, senza pericolo, in 

acquose paludi scure, lì dove ogni soggetto 

è partecipe della luce che 

emana, compattando con immediatezza 

la pennellata di Ke. Ogni fulgore 

viene assorbito, e allo stesso tempo 

espulso, dalla carnagione statuaria, 

quasi di gesso, messa addosso ai visi 

infantili, addolciti dai tratti neotenici dei 

soggetti. Sebbene queste viste siano 

state dipinte in paesaggi senza alcun 

appiglio visivo, dove persino un albero 

blu simula e simbolizza l'arrivo di una 

tempesta, Ke si dimostra abile nello 

spazializzare la propria ricerca, trasferendo 

lo stesso materiale pittorico e 

la medesima atmosfera onirica anche 

sulla superficie di oggetti all'interno 

degli ambienti della galleria. Sui mobili, 

disposti senza combinazione apparente, 

di una vecchia cameretta, l'artista 

riprende le fila di un sogno, o di una 

storia, che lei stessa ha scritto e poi 

esposto sotto teca all'ingresso di questa 

installazione. Dal comodino come 

dal letto, dalla macchina da cucire 

come dallo stipite della porta messa in 

mezzo alla stanza, bianchissima e 

vuota, coppie di occhi guardano. 

Guardano visi senza età, trattenuti 

dalla miniatura di figure bianche, inglobate 

dentro enormi gocce di colore. 

La storia, qui, prende a ripetersi, narrando 

le paure di bambini e caratteri 

che emulano una sorta di verità. Al di 

fuori di uno scenario che non ha bisogno 

di indicazioni spaziali e pseudogeografie 

di luoghi, per essere ritrovato. 

[ginevra bria] 

Marella Arte Contemporanea 


Chen Ke 

via lepontina, 8 (zona maciachini) 

da martedì a sabato ore 11-19 


Tel 02 69311460 Fax 02 60730280 

info@marellagallery.com 

www.marellagallery.com 

MILANO. MILANO. 

Anja Puntari 

Laura Owens 

L'imperscrutabilità della pornogra- Una delle principali pittrici americafia 

smantellata in meno di cinque ne dell'ultima generazione. Ma quale 

minuti. E con una semplice ricerca relazione sussiste tra pittura gioio- 

su internet. La tripla xxx concentrasa e corporeità in rivolta? Da Los 

ta sullo sguardo delle protagoniste. 

Dove le barriere fra set e spettacolo 

si abbattono.. 

Angeles, Laura Owens... 

"Esplicita rappresentazione del 

corpo umano o dell'attività sessuale 

con lo scopo di eccitamento o 

soddisfazione carnale, con poca o 

assente valenza artistica": la pornografia, 

secondo Wikipedia. 

Sicuramente l'anonimo autore di 

questa definizione non conosce 

XXX, l'ultimo video di Anja Puntari 

(Helsinki, 1979). Con un lavoro di 

quattro minuti e quarantacinque 

secondi, l'artista finlandese rovescia 

ogni dogma riguardante la più 

evidente spettacolarizzazione del 

sesso, la cui regola fondamentale 

è lasciare ogni coinvolgimento 

emotivo al di fuori del "lavoro". Lo 

fa cercando in rete filmati, per lo 

più amatoriali, tutti appartenenti al 

cosiddetto genere gonzo, in cui le 

barriere classiche del modo di 

ripresa tradizionale, vale a dire le 

telecamere che dividono attori e 

operatori, sono abbattute. La 

"troupe", il regista, tutti partecipano 

all'atto sessuale filmato, offrendo 

una costante soggettiva dell'azione. 

Niente di particolare, fin qui, 

un semplice cut'n'paste di filmati a 

luci rosse fatti in casa, parrebbe. 

Invece no. Puntari ribalta le convenzioni 

che legano attore e spettatore 

degli spettacoli triple X 

rated, codice americano per classificare 

la pornografia più hard. 

Non si vedono più i corpi, i movimenti 

sono nascosti, la sessualità 

è di nuovo oscurata. Tutto ciò che 

ci è dato vedere sono gli occhi 

delle protagoniste. "Occhi specchio 

dell'anima", si suol dire, e 

come dissentire: le emozioni che 

traspaiono dalle nostre espressioni 

sono innegabili persino durante 

le riprese su un set ad alto tasso 

erotico. Sta qui l'inversione di 

significato. La pornografia si trasforma 

in un viaggio nella sfera più 

intima, quella dei sentimenti e 

delle emozioni. Le ragazze non 

sono più semplici oggetti di soddisfacimento 

degli istinti primari, ma 

sono entità coscienti, la cui emotività 

trova spazio in un universo di 

rappresentazione da cui solitamente 

è esclusa. Se il genere 

gonzo mira a creare empatia fra 

interprete e astante, Puntari ci 

rende partecipi delle sensazioni 

delle protagoniste. La sfera esplicita 

del porno è negata, ciò a cui 

prendiamo parte è uno spettacolo 

interiore, quasi spirituale, in cui le 

emozioni provate dalle interpreti 

superano la valenza puramente 

estetica e sensuale delle azioni da 

cui scaturiscono, per svelare ciò 

che realmente vive nella mente. Il 

nostro voyeurismo cambia significato: 

ci ritroviamo, ammaliati a 

immaginare quali pensieri siano 

forieri di sguardi tanto multiformi, 

a volte assenti, a volte fin troppo 

partecipi, o forzati, rassegnati. 

Spettatori di una nuova forma di 

rappresentazione della sensualità, 

oltre la sessualità. 

Francesca Minini 

[guia cortassa] 

Anja Puntari - XXX 

via massimiano, 25 (zona ventura) 

Tel 02 26924671 Fax 02 21596402 

info@francescaminini.it 

www.francescaminini.it 

Che ci fanno zebre, animali sereni e 

colorati, tavole imbandite con fiori e 

leggerezza nella terra di Paul 

McCarthy e Chris Burden? Non si 

può dire che il panorama artistico di 

Los Angeles sia stato segnato da leggerezze 

e armonie. Anzi, il tratto comune 

che ha caratterizzato la metropoli 

californiana è spesso quello di un atto 

estremo, selvaggio, da ultima frontiera. 

Un nome, quello della città degli angeli, 

associato a un immaginario apocalittico 

e sradicato, in cui lo spazio artistico 

si è delineato in cosciente antitesi alle 

ricerche newyorchesi, attraverso il 

culto aggressivo di una corporeità in 

rivolta. Ma, sotto questa luce, pochissimi 

sembrano i tratti che uniscono 

Laura Owens (Euclid, 1970) all'ambiente 

in cui lavora e alle tematiche fino 

a ora delineate. Nell'esposizione da 

Guenzani siamo di fronte a serene 

composizioni: acrilici e oli che, come 

preziose tappezzerie, disegnano i racconti 

di fanciulli contemporanei. Dietro 

un albero spuntano sorridenti due 

zebre, alcuni destrieri cavalcano in una 

moderna grotta di Lascaux, ma 

soprattutto trionfi di petali e fiori che, 

fuoriusciti dal tubetto, vanno a stamparsi 

sulla tela. La città e il corpo che 

della metropoli californiana sono stati 

vessillo sembrano essere minuziosamente 

rimossi, fino a regredire a un'infanzia 

da libro delle favole. Le tele certo 

non sono immuni dalle recenti vicende 

biografiche dell'artista, che proprio nei 

giorni dell'inaugurazione si trovava 

nelle ultime fasi di una gravidanza, ma 

questo tratto di sognante irrealtà ha 

una lunga storia nella ricerca della pittrice. 

Fin dai suoi primi lavori, infatti, ci 

si trova di fronte a montagne azzurrine 

sullo sfondo di alberi fioriti. Senza volerla 

caricare di eccessivi significati, questa 

rimozione del corpo, in aperta controtendenza 

alla storia locale, è forse 

uno dei punti di forza più significativi di 

questo lavoro. È questo tratto che, con 

ogni probabilità, ha garantito l'affermarsi 

della sua pittura all'inizio del millennio, 

seguendo le esigenze di un 

mondo dell'arte che andava, in quegli 

anni, globalizzandosi e omologandosi. 

Owens è una delle più acclamate pittrici 

americane dell'ultima generazione 

ed è massicciamente presente nelle 

principali collezioni, come quella del 

magnate Pinault. Il suo nome, assieme 

a quello di Hernan Bas e Karen 

Kilimnik, è stato associato all'etichetta 

"neoromantico" (si pensi alla mostra 

Ideal World alla Schirn Kunsthalle di 

Francoforte nel 2005) e si è voluto leggere 

nei suoi lavori una sorta di ritorno 

all'ordine e alla pittura. Si può dire che 

l'opera di Laura Owens abbia subìto, 

nel bene e nel male, le dinamiche culturali 

di questi anni recenti e abbia rappresentato 

un'arte che si è rapidamente 

istituzionalizzata, trasformandosi 

nell'arco di un decennio da ricerca a 

veicolo privilegiato per la costruzione di 

un'élite globale internazionale. Il che 

non è sempre sinonimo di qualità e 

innovazione. 

Studio Guenzani 

[alberto osenga] 

Laura Owens 

via eustachi, 10 (zona porta venezia) 

Tel 02 29409251 Fax 02 29408080 

luciana@studioguenzani.it 

www.studioguenzani.it


MILANO. 

Stephan Balkenhol 

Ancora personaggi anonimi estratti 

dalla folla, dalle spalle curve e dai volti 

privi di vita. Dove l'emozione è tutta nei 

segni dello scalpello e nelle schegge del 

legno. E nella fantasia dello spettatore... 

Dopo la grande mostra al Pac dell'estate 

scorsa, le sculture di Stephan 

Balkenhol (Fritzlar, 1957) ritornano 

a Milano. Si tratta dei suoi ultimi 

lavori, realizzati nel corso di quest'anno, 

con incisioni talmente fresche da 

far sentire la vitalità della materia, 

nel modo in cui il legno risponde al 

taglio, liberando il suo aroma nell'aria. 

Buona parte delle opere in 

mostra riprende le ben note figure 

dell'artista tedesco, che ritraggono 

uomini di un quotidiano indistinto. 

Sono i volti, le espressioni e le pose di 

personaggi anonimi, come i fantasmi 

che compongono la folla che ogni 

giorno attraversa stazioni e metropolitane. 

Più dei volti, parlano le posture. 

Spalle incassate, schiene curve, 

mani in tasca, ventri rilassati, gambe 

molli. Lo scalpello di Balkenhol riproduce 

il lato umano che meno si presta 

a essere immortalato, quello che 

generalmente è a tal punto evanescente 

da non essere visto. Le sue 

sculture, invece, estraggono i singoli 

dalla massa mantenendo uno sguardo 

indifferenziato, senza dar loro 

identità e neppure emozione, isolandoli 

su un piedistallo che amplifica il 

loro essere anonimi e privi di interesse. 

La forza delle sue opere sta nell'espressività 

della materia, che supera 

quella del raffigurato. La durezza dei 

tratti scolpiti, i segni marcati ancora 

da sgrossare, le scheggiature e le 

crepe sul legno creano meravigliosi 

giochi di luci e ombre, in grado di 

dare enorme vitalità a ciò che compongono. 

Tra le sculture presenti, si 

distingue Mann mit Tasse, un dittico 

di statua e rilievo, in cui una grande 

tazza fa da sfondo alla piccola scultura 

di un uomo stretto nella giacca in 

pelle nera, dalla foggia meno anonima 

rispetto alle classiche divise dell'uomo 

comune cui Balkenhol ci ha 

abituato. Colpisce la delicatezza di 

Frau mit kurzem Rock, mentre appare 

poco convincente e acerbo 

Grosser Mann mit weissem Hemd, 

forse per l'ancora eccessiva freschezza 

del legno. Alcuni dei lavori 

presentati escono dai canoni dell'artista, 

come Kokarde, che raffigura i 

cerchi concentrici di una coccarda 

colorata attraverso incisioni insolitamente 

levigate. Oppure Architektur, 

un'evocativa torre con alla sommità 

quattro teste, che guardano tutte, 

ciascuna da un diverso angolo, in 

direzioni differenti. Tra i bassorilievi, 

si segnala per dimensioni e intensità 

il grande Tokyo by Night che realizza, 

attraverso un assemblaggio di legno 

di wawa e di pioppo colorati, uno skyline 

immaginario della capitale giapponese. 

Sono ben quattro, infine, i bassorilievi 

che raffigurano volti umani. 

Nel loro gioco di ombre che nega a 

distanza la terza dimensione, sembra 

di cogliere un sottile rimando ai 

soggetti ritratti. 

Svuotati, privi di vita e profondità, 

appiattiti come i rilievi che li raffigurano, 

in una bidimensionalità illusoria. 

Sono i ritratti svuotati di personaggi 

e storie possibili, che sta allo spettatore 

decidere come riempire. 


Galleria Monica De Cardenas 

Stephan Balkenhol 

via francesco viganò, 4 

Tel 02 29010068 Fax 02 29005784 

monica@decardenas.com 

www.artnet.com/decardenas 

MILANO. 

Marika Asatiani 

Attraverso una carrellata di sguardi, 

Marika Asatiani racconta la storia del 

proprio Paese. Lotte, annessioni, divisioni 

millenarie mai risolte. Le vite di uomini 

e donne semplici si rivelano all'obiettivo 

di una giovane artista georgiana... 

MILANO. 

Helidon Gjergji 

La fine della televisione? Un cimitero 

di spot saturi e agonizzanti, una discesa 

nel buio, movimenti isterici dietro a 

una maschera nera. Dopo la Biennale 

di quest'anno, Helidon Gjergji ripropone 

la sua visione decadente e pittorica 

del mezzo televisivo... 

VERONA. GENOVA. 

Andrea Galvani 

Karin Andersen 

Conigli in mezzo alla neve, tra le brume Metamorfosi di uomini e paesaggi. 

dell'inverno. Di color bianco, mimetiz- Rielaborazioni digitali di fotografie. Dove 

zati tra il ghiaccio, o neri che appena si il mondo è visto con uno sguardo "diver- 

vedono nella nebbia. I raffinati fuoriso", alla ricerca del punto d'incontro tra 

luogo di uno dei giovani protagonisti realtà e immagine. Sedici nuove opere 

della fotografia concettuale italiana... per la prima personale genovese... 

Capanne di legno, sperdute nella campagna 

brulla e assolata, volti di giovani 

donne provati dal sole e incorniciati da 

austeri foulard neri, pelli piagate dal 

tempo e dalle vicissitudini. Siamo ad 

Achara, in Georgia, una regione significativa 

per le vicende storiche che ne 

hanno segnato confini e abitanti. Storie 

d'indipendenze, annessioni, sangue, 

rivoluzioni e riannessioni. Trascorrono 

circa due anni dalla fine dei conflitti e 

una giovane artista-fotografa locale, 

Marika Asatiani (Tiblisi, 1977), si reca 

ad Achara per stilare un reportage 

attento e meticoloso, di cui protagonisti 

assoluti sembrano essere le figure 

femminili, le abitazioni e i singoli, delicati 

gesti della quotidianità, finalmente 

tornata a essere il cardine fondamentale 

dell'esistenza di questa terra. Vite, 

inquadrature e sguardi che non possono 

non ricordare nell'ostentazione di 

una dignità mai perduta, accentuata 

dalle posture fiere avvolte in abiti malmessi, 

nella simulazione di non-chalance 

davanti a quell'obiettivo e al suo 

manovratore, che diverte e incuriosisce, 

la poesia romantica e trasgressiva 

di Un Paese, progettato da Cesare 

Zavattini e Paul Strand tra il 1952 e 

il 1955, nel paese natìo dello scrittore, 

Luzzara. Si tratta di due realtà diverse, 

eppure estremamente vicine. 

Entrambe colte tra le rovine di guerre, 

regimi, politiche infelici, dolorose e 

decennali. Entrambe viste attraverso 

gli occhi di quei protagonisti che la storia 

tende a dimenticare, di quegli 

oggetti che gli avvenimenti travolgono 

nella piena, senza il lusso di una menzione, 

mettendo in conto un numero in 

più fra i tanti. In entrambe le circostanze, 

sono, infine, gli artisti che si adoperano 

per riempire i vuoti interstiziali 

lasciati dalla storia. Una storia, che nel 

caso delle montagne di Achara, è 

stata in grado di separare e isolare, 

fino a far sì che i suoi abitanti, divisi dal 

resto della Georgia per religione e confini 

geografici, sviluppassero estetica e 

tradizioni peculiari. L'atteggiamento di 

Marika Asatiani è dunque sia quello di 

chi, con amor di patria, fa un pellegrinaggio 

in terra natìa alla riscoperta 

della storia del proprio Paese, sia quello 

dello straniero che si ritrova sedotto 

e affascinato da misteriose ed esotiche 

culture lontane. Entrambi i sentimenti 

emergono molto chiaramente 

Un libro del 2006 del francese Jean- 

Louis Missika, specialista dei media, 

s'intitola La fine della televisione. Se 

sia vero che siamo al canto del cigno 

per l'epocale elettrodomestico non si 

sa (anche se Youtube è ormai il sito 

dalla crescita più alta e uno dei più 

popolari in assoluto nel mondo, e payper-view 

e video on-demand guadagnano 

sempre più privilegi), ma l'albanese 

Helidon Gjergji (Tirana, 1970; 

vive a New York) è senz'altro dell'idea. 

L'artista si interessa da anni ormai al 

rapporto fra televisione e realtà, oltre 

che a quello fra televisione e pittura. La 

sua Silica (2007), installazione già 

esposta al padiglione albanese dell'ultima 

Biennale di Venezia, viene oggi 

ripresentata in versione più contenuta 

da Rossana Ciocca, ed è un vero e proprio 

epitaffio. Si tratta di un angolo fra 

due pareti della galleria invaso da una 

montagna di sabbia, a creare un 

deserto in miniatura. Fra le dune sono 

affondati cinque monitor piatti, verticalmente, 

a sparire per metà sottoterra. 

Gli schermi sono accesi e mostrano 

sequenze pubblicitarie dai colori saturi, 

a volte con interventi visivi, come filtri 

che ne confondono il contenuto, rendendo 

le immagini più astratte. È un 

piccolo cimitero, un monumento a una 

cultura decaduta, che tuttavia agonizza 

istericamente nell'insensata violenza 

delle proprie immagini frenetiche. 

L'uso dei monitor ricorda le sculture di 

Nam June Paik e l'accostamento tra 

l'opacità organica della sabbia e l'asetticità 

traslucida dei monitor è un piacevole 

contrasto sensuale. In un'intervista 

a "Uomo Vogue" del maggio-giugno 

2007, l'artista racconta che "la tv è la 

summa formale della storia della pittura: 

l'aura di quest'ultima viene sostituita 

dal potere ipnotico del movimento e 

della ripetizione seriale". E in un'opera 

del 2003, Action TV Painting, il riferimento 

pittorico era letterale: una tela 

filtrava la visione di una parete di schermi 

tv, ciascuno sintonizzato su un 

canale random. Lo spettatore poteva 

cambiare gli schermi per mezzo di 

appositi telecomandi, con un gesto 

orizzontale che evocava il dripping di 

Jackson Pollock. La casualità è infatti 

un aspetto importante nel lato pittorico 

dei lavori di Gjergji. 

L'artista albanese non sorvola sul ruolo 

Si è scritto a lungo sulla contrapposizione 

tra fotografi e artisti o, 

meglio, tra fotografi-fotografi e artisti-fotografi. 

La seconda personale 

di Andrea Galvani (Verona, 1973) 

presso la galleria Artericambi 

potrebbe essere letta proprio sulla 

scorta di quest'antitesi, se non vi 

fosse nel suo lavoro la capacità di 

ricomposizione di quella che è stata 

un'antinomia essenzialmente di 

natura teorica. Semplicemente la 

fotografia è arte, poiché ha in sé 

contenuti di ordine estetico o concettuale, 

indipendentemente dal 

fatto che sul supporto, sul medium, 

siano fissati ritagli di mondo, paesaggi, 

persone, situazioni, o si testimoni 

un gesto o un processo. 

Galvani è la perfetta dimostrazione 

di come sia possibile essere fotografo-fotografo 

e anche all'opposto 

artista-artista, e non certo in nome 

dell'ibridazione, ma essenzialmente 

perché non esiste alcuna differenza, 

alcuna dicotomia, essendo presenti 

nel suo lavoro forma, concetto, 

estetica. Il visitatore è accolto in 

galleria da una parete - allestita 

appositamente per la mostra per 

parzializzare la volumetria - su cui è 

collocato N(-1) #1, in cui brillano 

nell'oscurità cento occhi di una 

colonia di gatti catturati di notte 

con il flash (il lavoro, come i successivi, 

appartiene al secondo ciclo 

della trilogia L'intelligenza del male). 

Il riflesso della loro pupilla è inquietante, 

poiché è il simbolo del ribaltamento 

della dinamica osservatoreosservato: 

siamo noi a vedere i felini, 

certo, ma questi ultimi già ci 

guardavano, senza alcuna necessità 

dell'illuminazione artificiale. 

Nell'ambiente successivo sono invece 

i conigli a essere protagonisti, in 

varie foto riprese in un ambiente 

innevato e montuoso: l'artista ha 

infatti allestito un vero e proprio set 

a oltre tremila metri, orchestrando 

gli scatti tra le nevi e le nebbie, con 

conigli di colore bianco e nero. Nel 

primo caso, le sagome dei roditori 

si confondono con l'ambiente candido, 

quasi volessero giocare a 

nascondersi; nel secondo, invece, 

sembrano le silhouette della propria 

presenza, quasi come se qual- 

La storia comincia con un uomo qualsiasi 

che una mattina si sveglia e scopre 

di aver assunto le sembianze di 

uno scarafaggio. Ciò che lo sprofonderà 

nella disperazione, al punto di 

lasciarsi morire, non sarà la 

Metamorfosi ma il rifiuto subito dalla 

società. È una metamorfosi anche 

quella che racconta Karin Andersen 

(Burghausen, 1966). Su corpi 

maschili e femminili appaiono code, 

orecchie, artigli. Una capra ha piedi da 

donna con tanto di scarpe col tacco e 

smalto alle unghie. Sono uomini 

bestiali o animali antropomorfi? 

Provengono da un'altra dimensione o 

sono il risultato di qualche strano 

esperimento? Appare chiaro nella 

scelta iconografica un forte debito nei 

confronti del Loughton Candidate, il 

satiro-pecora interpretato da 

Matthew Barney in Cremaster 4. 

Andersen s'inserisce a tutti gli effetti 

nel panorama post-human. Aderendo 

a tale filosofia, sceglie di rappresentare 

l'uomo come oggetto di sperimentazioni 

biotecnologiche e genetiche, 

come un ibrido sottoposto a una procedura 

di modificazione del proprio 

corpo, che rende incerto il confine tra 

ciò che è definibile come "umano" e 

ciò che non lo è. Jeffrey Deitch propone 

di interpretare l'era postumana 

come il momento di ricostruzione dell'io, 

disintegrato dal postmodernismo. 

Così i protagonisti delle opere in 

mostra appaiono come bambini che, 

all'alba della loro esistenza, cercano di 

imparare qualcosa del mondo; o, 

come turisti appena arrivati, magari in 

treno (elemento ricorrente in questi 

lavori), in un paese straniero. Tra le 

mani hanno cartine geografiche, riviste, 

libri o giocattoli; peluche, trottole e 

Lego usati per rivelare il loro desiderio 

di scoperta. Gli occhi esplorano, fissano 

l'obbiettivo, indagano, chiedono, 

scoprono. Si trovano in mezzo a persone 

comuni, forse prossime vittime 

dello stesso processo di ibridazione, 

con le quali non esiste per il momento 

alcuna possibilità di interagire: a dividerli 

ci sono muri, porte chiuse, la consapevolezza 

della nuova era che si sta 

affermando. Un'ulteriore trasforma- 

dai suoi still, in cui affetto, identificazio- ingannatore che il mezzo televisivo ha cuno ne avesse ritagliato la forma zione è già cominciata: gli ambienti 

ne ed empatia sembrano vincolare rivestito nel proprio Paese, dal quale sulla pellicola. Diventa centrale che circondano i personaggi rappre- 

fotografo e soggetto in un legame pro- moltissimi emigranti si sono imbarcati quindi il fatto di essere collocati sentati stanno diventando virtuali, lo 

fondo, un calore che allo spettatore verso l'Italia inseguendo miraggi di tele- fuori luogo, in un posto inaspettato, vediamo nel primo piano di molte 

esterno non può sfuggire. Tuttavia, l'atquiz e benessere. Nelle opere Hawaii tanto più che le loro forme si dilui- opere. In questo panorama qualcosa 

tenzione dell'artista per le vesti colora- (2004) e Banco d'Albania (2006), già scono fino a dissolversi nel paesag- di artificiale sta per invadere la realtà 

te, per i costumi domenicali così goffa- esposte in Italia nella stessa galleria e gio; ed è quello che capita anche nel come ci appare. L'artista lo rende visimente 

occidentali, per i tappeti arabe- allo Spazio Symphonia, Gjergji rifletteva video in cui gli attrezzi da lavoro bile attraverso oggetti animati e 

scati stesi al sole e le decorazioni inso- sulle fraudolente promesse della sca- (una pala, un piccone, una scala, un misteriosi, dai colori fluorescenti e 

lite, sottolineate con vigore attraverso tola magica, ma è solo in Silica che ne annaffiatoio) uno alla volta si disin- dalla matericità plastica, che si 

le angolazioni, le luci e le inquadrature sancisce una seppur ambigua morte. tegrano bruciando, volando nell'aria nascondo tra quelli a noi noti: dischi, 

delle sue immagini, tradiscono una Oggi l'installazione viene presentata come fumo di sigaretta. Come scri- tazze, carte, giochi in scatola, lampa- 

distanza di anni-luce tra due realtà che insieme al video The Blue Danube, nel ve Anna Daneri, Galvani procede de, un violino, bambole, e molti altri 

i confini hanno unito e che le vicende e quale una microcamera viene spinta "agendo per sottrazione", con un ancora. Simboli di una realtà sul punto 

la realtà più volte hanno tentato di attraverso un tubo di scarico sulle note meccanismo che per contrarium, di trasformarsi. 

separare. 

del famoso brano classico, e ad alcune 

altre opere. 

anziché rivelare, maschera, dissolve 

e tace per sempre. 

[alice cammisuli] 

[santa nastro] 

[nicola bozzi] 


Guidi & Schoen 

Galleria Annarumma404 Ciocca Arte Contemporanea 

fino all'8 marzo 2008 

Karin Andersen - Nouvelles études 

fino al primo marzo 2008 

Marika Asatiani - Achara 


Helidon Gjergji - Silica 

Galleria Artericambi 

sur le magnétisme animal 

a cura di Domenico Quaranta 

via casati, 26 

via lecco, 15 (zona porta venezia) Andrea Galvani - N(-1) 

vico della casana, 31/r 

da martedì a sabato ore 16-19.30 da martedì a sabato ore 14-19.30 a cura di Anna Daneri 

lun. pom. - sab. 9.30-12.30 e 16-19.30 



via cesari, 10 (zona porta vescovo) ingresso libero 

Tel 02 39430655 

Tel 02 29530826 Fax 02 20421206 Tel/Fax 045 8403684 

Tel 010 2530557 Fax 010 2474307 

info@annarumma404.com 

gallery@rossanaciocca.it 

artericambi@gmail.com 

info@guidieschoen.com 

www.annarumma404.com 

www.rossanaciocca.it 

www.artericambi.org 

www.guidieschoen.com


FIRENZE. 

Enzo Cucchi 

L'immagine di Cucchi attraverso un 

video, un vinile e un'intervista. Forme 

fluttuanti nel vuoto, che lasciano il significato 

al di là della pittura. Lo spettacolo 

della Transavanguardia: affabulazioni 

artistiche in funzione del mercato e 

in nome del postmoderno... 

Il corpo e la voce, la pittura e i disegni 

di Enzo Cucchi (Morro D'Alba, 

1949; vive a Roma) sembrano reliquie 

nelle due gallerie fiorentine; 

frammenti slegati che raccolgono il 

suono della sua voce, i movimenti 

sulla tela, l'espressività facciale. 

L'intervista, incisa su vinile e registrata 

per le vie del centro storico di 

Firenze, ci sottrae l'immagine di 

Cucchi, restituita invece dalle dirompenti 

inquadrature del documentario 

(Anima nuda, 2007, di Riccardo 

Buzzanca) che lo spia mentre lavora. 

L'operazione del curatore, Sergio 

Risaliti, è un sezionamento anatomico 

dell'artista attraverso vari mezzi (il 

video, la registrazione audio e le 

opere) che consente allo spettatore 

di ricostruirne autonomamente la 

personalità. La pittura di Cucchi si 

colloca alla "fine della storia", dove le 

forme sono libere di fluttuare negli 

spazi assenti, dove non ha luogo l'utopia 

né il sogno, dove la libertà del 

gioco prende il sopravvento. Il senso 

ultimo della sua arte è la separazione 

dei significanti dai significati, la creazione 

di una retorica degli oggetti, 

pescati acriticamente dalla realtà e 

dalla storia. L'assenza di un rapporto 

tra figure e sfondo non definisce la 

spazialità del reale come un tutto, 

ma come una somma di parti immerse 

in un infinito spazio bianco. Nella 

serie Il vesuvio è il padre di tutte le 

nuvole del mondo (1994) compaiono 

piedi, cani, case, animali e teste di 

uomini senza soluzione di continuità, 

senza significati manifesti, per affabulare 

lo spettatore all'incanto della 

figurazione postmoderna. Sta precisamente 

in quest'affabulazione il limite 

dell'arte di Cucchi. Se le avanguardie 

storiche erano destinate fatalmente 

a confrontarsi con spazi istituzionali 

e commerciali per criticarli 

dall'interno, come diceva Sanguineti, 

la Transavanguardia ha ribaltato 

questo paradigma: l'arte sopravvive 

in funzione del rapporto con il mercato 

e con il museo. Nell'intervista che 

dà il titolo alla mostra, Presente!, 

Cucchi è più interessato al rapporto 

tra immagine e testo che a organizzare 

un discorso logico o poetico: 

costruisce una presentazione grafica 

in cui proliferano segni che non significano. 

L'intervista è un'opera ridotta 

a oggetto (che ha un alto valore di 

scambio), non uno spazio di discussione 

critica (si parla di pugnette, 

apocalisse e scarpari). E se "ogni 

generazione ha il diritto di scrivere la 

storia di quella che la precede", come 

voleva un maestro di metodo storico 

quale Marc Bloch, allora chi è nato 

negli anni ('80) che sancivano la consacrazione 

di Cucchi e della 

Transavanguardia ritiene più attuali 

alcuni spazi dell'arte contemporanea 

(la riflessione sul video, la fotografia, il 

digitale) che cercano di forzare le 

dinamiche statiche del mercato, invece 

di sfruttarle. 

[claudio gulli] 

Galleria Alessandro Bagnai 

Galleria Poggiali e Forconi 

Enzo Cucchi - Presente! Lato A - Lato B 

a cura di Sergio Risaliti 

via Salutati, 4/r 

Tel 055 6802066 Fax 055 6814190 

galleriabagnai@tin.it 

www.galleriabagnai.it 

via della scala, 35/a e via benedetta, 3/r 

Tel 055 287748 Fax 055 2729406 

info@poggialieforconi.it 

www.poggialieforconi.it 

Catalogo a cura di Lorenzo Poggiali, con 

un testo di Sergio Risaliti, 60,00 euro 

ROMA. 

Giuseppe Stampone 

Una classe elementare, con banchi e 

sgabelli. Appesi alle pareti, diciotto 

cartelloni didattici con le invenzioni 

che cambieranno il mondo. In fondo, 

la cara lavagna col titolo della lezione 

del Maestro Stampone. E tra i banchi, 

lui, il piccolo Pinocchio... 

Suona la campanella, 

tutti in 

classe. Dove 

quell'odore 

misto di gesso, 

carta, colori e 

fragranza di 

bambini sale alle 

narici, inconfondibile. 

Nell'aula 

del Maestro 

Giuseppe Stampone (Cluses, 1972; 

vive a Roma) c'è tutto il necessario: i 

banchi con i loro sgabelli, i cartelloni ai 

muri, la lavagna. Ma quei cartelloni, 

anziché essere quelli colorati del riconosciuto 

abbecedario, sono bianchi, 

con puntuali disegni tecnici a matita e, 

in qualche punto, una campitura col 

bianco acrilico. "Volevo ricostruire il 

primo giorno di scuola", racconta 

Stampone, "quando tutto è ancora da 

imparare". Quindi tutto può essere 

letto con occhi nuovi e visto con 

mente priva di preconcetti. Quando 

c'è ingenua inconsapevolezza e ogni 

cosa può essere battezzata con un 

nome inedito. Candore e verginità tradotti 

attraverso il bianco dei cartelloni. 

E i titoli dei singoli lavori, con la loro 

semplicità, descrivono tutto un 

mondo, quello contemporaneo, dominato 

dalla velocità, dall'imperante e 

inarrestabile globalizzazione, e quello 

che comporta e determina, dall'annullamento 

delle distanze alla perdita di 

individualità, al conflitto per l'accaparramento 

e accantonamento di ricchezze, 

alla distruzione e all'impoverimento 

delle risorse naturali. Quegli 

"oggetti", alcuni di uso comune e quotidiano, 

altri entrati a forza nell'immaginario 

collettivo, vengono sezionati 

come al microscopio, quasi per carpirne 

l'essenza, per trovarne l'anima e 

capire da dove nasce il loro fascino e 

l'impossibilità di farne a meno. 

Macchina economica per la misurazione 

del tuo tempo (l'inconfondibile 

swatch, icona degli anni '80, quando 

veniva battuto all'asta a cifre da capogiro), 

Macchina per la visione a distanza 

(televisore), Dispositivo per catturare 

la pelle delle cose (macchina fotografica 

analogica), Dispositivo per la 

riproduzione intelligente (il preservativo). 

Altri evocano invece tutte le complicazioni 

economiche a essi legati 

(Pompa per la circolazione del mondo, 

ovvero la trivella petrolifera) o i livelli 

della perversione umana (Dispositivo 

ansiogeno, una bomba). Tutti questi 

disegni "tecnici" hanno il loro corrispettivo 

in bianchi modelli in scala. Ma, 

nascosto fra le gambe di un banco, c'è 

Pinocchio, a simbolo dell'ignoranza, 

della fase immediatamente precedente 

alla conoscenza. Conclude il ciclo 

delle invenzioni, la "+1", originale del 

Maestro Stampone, Diomira. Visibile 

solo per pochi giorni al Complesso di 

Santo Spirito in Sassia. Un banco di 

dimensioni enormi; grazie a una semplice 

scala a pioli, si può sbirciare all'interno 

per scorgervi una New York 

resa attraverso anonimi parallelepipedi 

in ceramica bianca, sotto una soffice 

polvere bianca. Dove colui che si 

arrampica altro non è che Pinocchio, 

trasportato in Second Life. 

[daniela trincia] 

Z2O Galleria - Sara Zanin 


Giuseppe Stampone - Le 18+1 

invenzioni che cambieranno il mondo 

via dei querceti, 6 (zona colosseo) 

da martedì a sabato ore 15.30- 

19.30 o su appuntamento 


Tel 06 70452261 Fax 06 77077616 

info@galleriaz2o.it 

www.z2ogalleria.it 

Catalogo con testi di Alberto Abruzzese, 

Derrick De Kerckhove, Franco Speroni, 

Antonio Tursi, Luisa Valeriani 

ROMA. 

Katharina Sieverding 

Stravolge i tratti del suo volto da femminili 

a maschili, da incorporei a materici. 

Stabilendo una correlazione tra 

chimica biologica e chimica dei processi 

di elaborazione fotografica. Un unico 

prisma, che riflette le incessanti metamorfosi 

alla ricerca di un'identità... 

Se si escludono le 

proiezioni e il filmato 

nella prima sala, la 

galleria presenta 

grandi stampe che 

riproducono l'immagine 

seriale di uno 

stesso volto. 

Ambiguo e proteiforme, 

varia secondo 

l'incidenza dell'illuminazione,l'angolazione, 

il trucco, il variegato complesso 

di manipolazioni tecniche. È il volto di 

una tra le più affermate rappresentanti 

della fotografia contemporanea, 

Katharina Sieverding (Praga, 1944; 

vive a Düsseldorf e Berlino). 

L'artista, nota per le trasposizioni degli 

eventi della sua epoca su gigantografie, 

si è concentrata sull'autoritratto, 

declinando le molteplici possibilità d'essere. 

Una sorta d'investigazione del sé 

elaborata attraverso il doppio registro 

della finzione e del rituale, condotta 

mediante quella che Roland Barthes 

definisce "un'astuta dissociazione della 

coscienza d'identità", che si produce 

nell'assunzione del sé come altro. Il 

ricorso all'analisi attraverso l'autoritratto 

fotografico (ingenerata da una 

matrice femminista) come critica allo 

stesso processo di rappresentazione 

la avvicina a fotografe quali Hannah 

Wilke e Cindy Sherman. Se quest'ultima, 

però, si avvale della nozionale 

spaccatura tra artista e persona raffigurata, 

in Sieverding le due istanze 

sono palesemente fuse. Oscillando in 

una perpetua tensione fra ricerca e 

affermazione, metafora e somiglianza, 

l'artista utilizza la propria personalità 

mutevole come media e come simbolo. 

Lo scopo basilare è di trasmettere 

l'idea della metamorfosi: dell'essere 

umano e della natura, dell'arte e della 

scienza, dei fattori psicologici e del 

mondo esterno (società, costume, 

apparenza). Trasformazione è il tema 

della mostra, centrato grazie a una 

scelta curatoriale che ne ha rintracciato 

il filo conduttore lungo il percorso 

dell'artista, dalla fine degli anni '60 fino 

ai recenti Visual Studies. Nel primo 

ambiente della galleria, un documentario 

fotografico girato a Roma - dove 

Sieverding visse tra il 1972 e il 1973 - 

attesta il fermento socio-politico-culturale 

di quegli anni. Gli incontri nello storico 

spazio-garage di Fabio Sargentini 

con personaggi quali Joseph Beuys 

(con cui l'artista ha studiato alla 

Kunstakademie di Düsseldorf) alle 

prese con la lettura di Anarchius Klots 

o con Gino De Dominicis, che si copre 

il viso con un foglio di carta. Le opere 

della Sieverding hanno la facoltà di 

dominare lo spazio, creando un simultaneo 

impegno per l'osservatore e l'osservato, 

e sono dotate di un possente 

simbolismo. Nella sequenza Die Sonne 

um mitternacht schauen X/VI 

(Guardando il Sole a mezzanotte, 

1988), il viso dell'artista ricoperto di 

polvere d'oro e con eruzioni solari può 

ricondurre all'athanor, "l'alto forno 

cosmico" (Rudolf Schmitz) dove avvengono 

le trasmutazioni della materia 

alchemica. Nella serie Life-Death si 

distingue il ritratto VII/3. Qui l'artista, 

rifuggendo il rapporto visivo diretto con 

lo spettatore, contempla la propria 

immagine riflessa su un cucchiaio. 

Allusione alla fase lacaniana dello specchio, 

può suggerire la presa di coscienza 

dell'identità che, per formare il sé, 

subisce una lacerante quanto inevitabile 

separazione. La fotografia, simulacro 

della morte, dà conto di una resurrezione 

simulacrale. Scrive Jean 

Baudrillard: "Di là da tutti gli specchi, o 

nei loro sparsi frammenti [..] bisogna 

cercare di vedere l'indeterminatezza 

radicale della vita e della morte". 

[lori adragna] 

Galleria Il Ponte Contemporanea 

Katharina Sieverding - 

Trasformazioni 

a cura di Achille Bonito Oliva 

via di monserrato, 23 

Tel 06 68801351 

info@ilpontecontemporanea.com 

www.ilpontecontemporanea.com 

ROMA. ROMA. 

Luigi Ontani 

Emilio Prini / Nicola de Maria 

Numeri, non solo rebus linguistico-ico- Due artisti e amici, due linguaggi a 

nografici. Fotografie, opere in legno, confronto. La visione figurativa neo- 

vetro e ceramica. Il maestro dell'ironia espressionista di De Maria, il virtuosi- 

rende omaggio a Pitagora... 

smo psichico di Emilio Prini. Il recupero 

del passato, l'esaltazione del colore, 

l'energia geometrica delle linee e 

dei materiali. Un'esposizione sui 

generis per la nuova sede della galleria 

Pio Monti... 

Dove c'è ironia, l'intelligenza è d'uopo, 

si sa. Raffinatissima e giocosa anche 

questa personale alla Galleria Lorcan 

O'Neill. In mostra lavori recentissimi 

di Luigi Ontani (Vergato, 1943; 

vive a Roma), insieme a qualche 

pezzo "storico". Una sorta di anticipazione 

dell'antologica in preparazione 

al Mambo di Bologna, sulla scia di 

Genthara, la memorabile esposizione 

allo Smak di Gent nel 2003-2004. 

Giochi di parole, double sens, rebus 

iconografici. A partire dal titolo della 

mostra, Perentorio. Dal tondo della 

fotografia acquerellata - il fondo è 

azzurro - esce il volto ornato da un 

copricapo di tre pere verdi e il corpo 

nudo dell'artista, ingabbiato da una 

corazza degli stessi frutti (varietà 

Abate Fètel). Ontani stavolta rende 

omaggio a Pitagora, padre della filosofia 

e della matematica, con 

ErmEstEtica Pythagorea (2007). La 

scultura in ceramica è arrivata per 

l'occasione da Faenza. Non è casuale 

la parata di numeri tracciati in oro 

sull'alta base dell'opera, considerando 

che Pitagora attribuì loro poteri 

magici. Ontani-Pitagora, quindi, come 

Ontani-Carabiniere, Ontani-San 

Pietro, Ontani-Maharaja. Filo conduttore 

anche di questa mostra è il ludico 

travestimento, modulato dal frizzo 

irriverente, dal volubile sarcasmo. 

Uno spirito che, del resto, si coglieva 

già negli "oggetti pleonastici", piccoli 

lavori in gesso ottenuti a calco da 

reperti del quotidiano, trattati con la 

scagliola e dipinti a tempera, che l'artista 

realizzava nel 1965, a cui seguirono 

i tableaux vivants in cui perdeva, 

di volta in volta, la propria identità per 

interpretare personaggi della storia, 

della letteratura, della religione, del 

mito, dell'arte. Coloratissime 

maschere in legno (Shiva Latri, 

2007; Di JuRe, 2006; Panaemonio, 

2007) sono alle pareti della galleria 

trasteverina, accanto a opere in 

vetro (NarciSpecchiOuroboros, 

2007; ArlecchiNerone, 2006) e a 

fotografie acquerellate, oltre che alle 

sculture in ceramica policroma. 

Impossibile negarsi un sorriso di 

fronte alla grande fotografia lenticolare 

Electicthrone (2007) in cui 

Ontani siede o, meglio, è legato a un 

trono che ha le zampe a forma di 

gambe e piedi umani, esattamente 

come i braccioli-mani. A seconda 

della posizione dell'osservatore, il 

maestro mostra il volto serio oppure 

fa le smorfie. Punto di partenza, 

comunque, rimane la pittura tardo 

manierista e barocca. In mostra 

anche un'opera del '75, Nudo con 

dado, dichiarato omaggio a 

Tintoretto. È del 1991, invece, 

Ennesima Cena, installazione di 

tredici fotografie di diverse dimensioni 

in cui l'artista indossa i panni degli 

apostoli. Per questa rappresentazione, 

Ontani attinge agli stereotipi dell'iconografia 

sacra, che interpreta con 

un guizzo tutto personale: da una ciotola, 

ad esempio, ecco spuntare un 

piccolo dinosauro di plastica. Altra 

fonte di ispirazione è l'Oriente: il suo 

repertorio si arricchisce indistintamente 

di influenze orientali e occidentali, 

il tutto declinato, come sempre, 

in prima persona. 

[manuela de leonardis] 

Galleria Lorcan O'Neill 

Luigi Ontani - Perentorio 

via degli orti d'alibert, 1/e 

Tel 06 68892980 Fax 06 6838832 

mail@lorcanoneill.com 

www.lorcanoneill.com 

Nicola De Maria (Foglianise, 1954) è 

un esponente di quella corrente che, 

nel 1979, Achille Bonito Oliva definì 

Transavanguardia. Sempre in quell'anno 

venne allestita la sua prima 

mostra, ad Acireale. De Maria non 

nasce pittore: si laurea in medicina e 

si specializza in neurologia. E quando 

si dedica all'arte, lo fa con uno stile che 

è marcatamente personale, soggettivo, 

tipicamente rappresentativo del 

"gruppo" di cui fa parte. Tra i suoi colleghi 

è l'unico che si dedica a una tale 

rappresentazione astratta, dinamica, 

che - superando i confini della tela - si 

mette in contatto con l'ambiente circostante. 

Le tele esposte dimostrano 

quanto la Transavanguardia abbia 

lavorato al recupero del passato - in 

chiave narrativa ed espressiva - per 

sopperire all'esasperazione concettuale 

che aveva inasprito tutte le 

forme dell'arte, più che all'anti-accademismo 

dell'avanguardia. Una particolare 

attenzione rivolta all'uso dei materiali 

che, nobili o vili, trovano comunque 

una nuova dimensione di vita, che li 

inserisce a pieno titolo in un processo 

artistico di combustione visiva. Anche 

la figura dell'artista passa su un piano 

diverso, traslando dalla funzione di 

conduttore-eroe a quella di nomade. 

Un artista, insomma, che si guarda 

alle spalle per documentarsi e confrontarsi 

ecletticamente con la storia 

e le tradizioni, il che lo porta a trovare 

infinite soluzioni stilistiche. 

I lavori di De Maria ben si inseriscono 

in questo contesto di contaminazione 

perpetua e perenne e, pur nella loro 

semplicità, coinvolgono sempre. Il concetto 

di recupero esplode nei colori 

vivaci delle tele più che nella luminosità 

traboccante o negli accostamenti 

energici. Le linee sono compatte e la 

geometria suscita un forte impatto, 

che non disdegna di richiamare l'emotività 

espressionista. In altri casi, invece, 

l'impulsività creativa lascia spazio 

alla nostalgia di una pacata rappresentazione 

che narra di antiche e perdute 

visioni. In mostra anche due 

opere di Emilio Prini (Stresa, 1943), 

con un omaggio a De Maria. Qui il 

carattere è squisitamente psichico, 

perfettamente scarno. Radicale e raffinato. 

E suggerisce metafore concettuali 

purissime. L'opera di De Maria 

getta le basi per una riflessione artistica 

profonda. Lo spettatore perde le 

norme di ancoraggio morale, gli schemi 

formali predefiniti e trova nuove 

forze che animano linee e colori, 

immagini disarticolate e visioni allo 

stato puro. La poetica della 

Transavanguardia lascia spazio a 

studi liberi e rappresentazioni ancestrali; 

una svolta ironica che, di lì a 

poco, ispirerà anche il gruppo dei 

cosiddetti "Nuovi selvaggi". 

Galleria Pio Monti 

[michele nero] 

Emilio Prini / Nicola de Maria 

piazza mattei, 18 (zona ghetto) 

Tel/Fax 06 68210744 

permariemonti@hotmail.com


ROMA. 

ROMA. 

Cy Twombly 

Simona Uberto / 

Sala ovale, sala del potere. Quando la 

Nathalie Du Pasquier 

fama del gallerista compete con 

quella dell'artista, in mostra non si 

può che parlare di circuito e mercato. 

Mentre l'arte si congeda educatamente. 

Senza lasciare tracce... 

Ombre, specchi, profili, sagome, 

masse. Simona Uberto popola le pareti 

di scatti che, dopo la camera oscura, 

tornano a muoversi. Mentre in vetrina 

il robot di Nathalie Du Pasquier, dopo 

pellicole e pellicole di gesta eroiche, 

rimane fermo, immobile... 

Il concetto 

moderno di 

galleria nasce 

con l'obiettivo 

di creare uno 

spazio espositivopossibilmente 

asettico, materno e non offensivo 

nei riguardi dei lavori ospitati, aperto 

al pubblico più vario e privo di campanelli 

alla porta d'ingresso. Il white 

cube teorizzato e praticato negli anni 

'60, in grado di lasciare viva e intatta la 

volontà espressiva dell'opera, senza 

interferire con essa né oscurarla. Lo 

spazio di Larry Gagosian a Roma 

rispetta tutte le regole dello stile guadagnandone 

in estensione, location, 

luce e maestria degli architetti coinvolti 

nel progetto, Firouz Galdo e lo 

Studio Caruso St John Architects. Il 

cubo si trasforma in ovale così come la 

banca insediatasi nell'edificio degli anni 

'20 diventa galleria. Una magia da Re 

Mida che solo Gagosian è in grado di 

praticare. E in Italia fa notizia. Se da un 

lato Gagosian si augura "di diventare 

parte della vita culturale di questa città 

straordinaria", in realtà non sembra 

parlare di integrazione, quanto di indifferenza 

nei confronti del contesto. La 

situazione romana vive di punti di 

aggregazione ristretti, spazi che traggono 

faticosamente ossigeno dall'aria 

stantia di vecchie glorie un po' trascurate. 

Non esiste galleria ampia più di 

un terzo dello spazio di via Crispi. I collezionisti 

non sono numerosi, ma molto 

attenti. Atterrare come un'enorme 

astronave da luoghi lontani, tendendo 

la mano a quelli che contano (più nella 

politica e nello spettacolo che nell'arte) 

vuol dire badare poco ai ritmi della 

comunità artistica che da anni si sforza 

di cambiare direzione alla giostra 

arrugginita dell'arte romana, imponendo 

un nuovo corso e accaparrandosi le 

luci della ribalta. Ai livelli di Gagosian 

(sette gallerie all'attivo, di cui una a 

Beverly Hills, tre a New York, due a 

Londra e una a Roma) è difficile parlare 

solo di arte. Il mercato la fa da 

padrone, fagocitando gli artistar e 

sponsorizzandoli in tutto il mondo. È 

una scelta che si può condividere o 

meno, ma che di fatto manovra e conduce 

le fila dell'arte con più di tre zeri. 

Probabilmente nella capitale, e più in 

generale in Italia, manca una media 

borghesia artistica che riempia il gap 

tra piccola e grande "impresa" venuto 

palesemente alla luce. 

Il trittico imponente di un Cy Twombly 

(Lexington, Virginia, 1928; vive a 

Roma) maturo e riflessivo - con le sue 

larghe pennellate di bianco sgocciolante, 

come grafismi di un linguaggio indecifrabile, 

sul denso fondo verde, richiamo 

alla natura lussureggiante di 

Salalah, oasi sul mare al cospetto del 

deserto di sabbia più grande del 

mondo - sembra pulsare dalle pareti 

lucenti di vernice fresca, quasi a corredo 

di uno spazio più carico di significati 

delle opere stesse. Tre immense tavole 

nella sala centrale, due manifesti 

con l'invito alla mostra velocemente 

abbozzati all'ingresso, una scultura in 

bronzo e una in gesso rappresentanti 

colonne afasiche come totem in equilibrio 

instabile e un collage su carta 

Fabriano racchiudono tutta la mostra. 

Davvero poco generosa in confronto 

allo spazio e alle aspettative. Un decorativismo 

che non si addice all'artista, 

ma che nella sinergia di obiettivi prevale 

a causa del contesto. Leo Castelli 

insegna: l'arte può diventare mercato, 

ma innanzitutto dev'essere arte. 

Gagosian Gallery 

[marta silvi] 

Cy Twombly - Three Notes from Salalah 

via francesco crispi, 16 

Tel 06 42086498 Fax 06 42014765 

roma@gagosian.com 

www.gagosian.com 

Catalogo disponibile 

Persone che si muovono, persone che 

stanno compiendo un'azione ben precisa. 

Gruppi catturati in un istante, poi 

separati sagoma per sagoma e riassemblati 

in un nuovo insieme. Sono le 

Masse di Simona Uberto (Savona, 

1965; vive a Milano): una serie di 

installazioni - serigrafie su acciaio, alluminio, 

legno - che raccontano spaccati 

di vita. Alcune letteralmente sbucano 

dalle pareti, colte in scene quotidiane. 

Passeggiano, portano a spasso il cane, 

vanno in bici, in motorino, leggono il 

giornale, si abbracciano. Le piccole 

sagome giocano e dialogano con la 

parete bianca che le fa da sfondo, e 

con chi le osserva, contribuendo in 

questo modo al ricrearsi della situazione 

da cui sono state estrapolate. Le 

due facce, infatti, da una parte presentano 

lo scatto fotografico, dall'altra il 

supporto privo d'immagine che funge 

da specchio. In questo modo riflettono 

la fotografia della sagoma che hanno 

di fronte, così da ingannare l'occhio in 

una ripetizione infinita. Il modo, infine, 

con cui sono state installate sulla parete, 

crea un ulteriore gioco di luce che si 

trasforma in una serie di ombre. Tutto 

muta a seconda di come ci si pone di 

fronte alle piccole figure, unico invariato 

è il movimento, l'idea di movimento. 

In Border line l'artista sostituisce al 

gioco dello specchio un'altra forma di 

azione. La fotografia da un lato viene 

sviluppata normalmente, dall'altro è 

invece volutamente mossa. Due sviluppi 

della stessa posa. Scatto, sviluppo e 

realizzazione eseguiti dall'artista. Nella 

serie, poi, che dà nome all'esposizione, 

la visione è frontale. Non più, quindi, 

profili con giochi d'ombre e specchi ma 

impatto diretto sullo scatto. Qui le 

sagome si muovono su piani paralleli, 

strati. L'effetto ottenuto è proprio la 

moltitudine, la massa. Punto di vista 

dall'alto, invece, per le Aggregazioni. 

Qui un gruppo di persone in sit-in viene 

osservato da lontano: un insieme con 

uomini e donne, in piedi e per terra, 

con borse e megafono, un altro piccolo 

gruppo che arriva, una camionetta 

della polizia. Niente giochi di luce e 

d'ombre, nessuno specchio. Solo il 

punto di vista, l'osservazione, il racconto. 

Come nelle piccole cornici della 

memoria, piccoli scatti montati su adesivi 

e assemblati in nuove pose. Come 

sempre accade nella sede romana di 

Romberg, al lavoro dell'artista nello 

spazio espositivo "Solo Show" se ne 

affianca un altro in quello esterno, la 

"Camera Con Vista". Qui, visibile dalla 

vetrina che si affaccia sulla piazza, 

Nathalie Du Pasquier (Bordeaux, 

1957; vive a Milano) ha allestito un 

coloratissimo, grande robot in stile 

cartone animato. Una sorta di Voltus 

V, per i nostalgici dei tempi lontani che 

non si vogliono arrendere ai Gormiti. 

Nella "stravaganza" dell'oggetto, nel 

gioco delle forme, affiora l'influsso della 

militanza dell'artista nel gruppo 

Memphis come designer. 

[valentina correr] 

Romberg Arte Contemporanea 


Simona Uberto - SoloShow 

Nathalie Du Pasquier - CameraConVista 

a cura di Italo Bergantini e Gianluca 

Marziani 

piazza de' ricci, 127 

da mar. a sab. 14-19.30; lun. e mattine 

su appuntamento - ingresso libero 

Tel/Fax 06 68806377 

artecontemporanea@romberg.it 

www.romberg.it 

NAPOLI. 

Jason Martin 

L'atlante geografico di Jason Martin. 

Tavole fisiche ricoperte con materiali 

eterogenei. Territori lunari e lucenti 

di una mappa figurativa originale. 

Supporti solcati da un grande pettine. 

Che movimenta la materia... 

"Astrazione terrena" è il titolo scelto 

da Joseph Masheck più di venticinque 

anni fa per definire la produzione 

pittorica di David Budd in occasione 

di una retrospettiva alla Max 

Hutchinson Gallery. Una definizione 

che si adatta bene anche ai dipinti di 

Jason Martin (Jersey City, British 

Islands, 1970), paragonati nel 1998 

dal "New York Times" proprio ai lavori 

più astrattizzanti del pittore americano. 

Un anno prima, un giovanissimo 

Martin aveva partecipato a 

Sensation, ormai celeberrima collettiva 

degli scalpitanti Young British 

Artists alla Royal Academy of Art. 

Rispetto alle brillanti provocazioni 

plastiche della premiata scuderia 

Saatchi, le opere dell'artista anglosassone 

sbalzano sulle pareti dello 

spazio espositivo in tutta la loro carica 

figurativa. "Astrazioni terrene", 

tavole geografiche che contribuiscono 

a delineare i segni fisici di un atlante 

solido e prominente, come le vedute 

aeree di tonalità zinco esposte 

presso la Lisson Gallery nel 2004; 

tra le opere esposte a Londra anche 

Atlas, una parola scelta come titolo 

per l'ultima personale italiana di 

Martin da Mimmo Scognamiglio. 

Tavole fisiche di una cartina troppo 

irregolare e variegata per essere la 

descrizione politica di un territorio. 

Irregolari come la sagoma di alcuni 

supporti in acciaio: quadrilateri che 

aspirano vanamente all'armonia 

delle forme quadrate. I supporti 

accolgono materiali eterogenei 

come la sabbia, che aumenta la porosità 

dei composti pastosi scelti per 

alcune opere. Ne consegue che gli 

avvallamenti materici di Ruin (2007) 

rimandano alla morfologia di un territorio 

grigio e lunare. In questo caso, 

la grana spessa dell'impasto allarga 

le maglie del blasone curvilineo che 

solca la maggioranza dei lavori in 

mostra. L'impiego di gel acrilici su 

acciaio specchiante, talvolta in quantità 

tali da non ricoprire tutta la 

superficie, mette a nudo i supporti, 

come nel caso di Waimea, dove i 

riflessi delle striature esibiscono l'effetto 

liquido di un cerchio sull'acqua. 

E, ancora, la lucentezza del nero acrilico 

che definisce la superficie di alcune 

opere big size quali Cairo (2006) 

con la sua seducente morfologia da 

disco vinilico. Lo stemma di Jason 

Martin movimenta la materia, 

mostrando i segni del supporto 

"agito" con una sorta di grande pettine, 

strumento da sempre presente 

nella sua personale cassetta degli 

attrezzi. Blasoni monocromatici 

come monogrammi astratti che 

(contras) segnano al centro dei supporti 

la paternità di un linguaggio originale. 

[giuseppe sedia] 

Mimmo Scognamiglio 

Arte Contemporanea 

Jason Martin - Atlas 

via mariano d'ayala, 6 

(zona chiaia) 

Tel 081 400871 Fax 081 19576621 

info@mimmoscognamiglio.com 

www.mimmoscognamiglio.com 

Catalogo a cura di Luca Massimo 

Barbero 

NAPOLI. NAPOLI. 

Gian Paolo Striano Hugo Markl / James Yamada 

Who wants to live forever? 

Dannazione e gloria dell'eternità. Che 

abbaglia la retina, confonde il pensiero, 

s'insinua nei polmoni. Indistruttibile e 

assassina, come veleno... 

Coppia d'assi vincente per Markl e 

Yamada. Due partite distinte, ma 

accomunate dal sottile gioco psicologico 

o, meglio, a-psicologico in cui 

irretiscono. Il grande bluff? Piuttosto, 

una micidiale puntata al buio... 

Riflessione tragicomica sull'eternità. 

Sull'inafferrabile e talora non auspicabile 

esistere senza fine, ma anche 

sulla prosaica e purtroppo altrettanto 

eterna insipienza umana nel suicidarsi 

in nome di un "progresso" economico 

e tecnologico non sempre degno 

di tal nome. E che rischia di sopravvivere 

a tutti noi, seppellendoci sotto 

danni dalla portata ancora non prevedibile. 

Gian Paolo Striano (Napoli, 

1977) parte dalla concreta polemica 

sociale sull'uso dell'incorruttibile ma 

esiziale eternit per abbracciare 

astratte suggestioni filosofiche, superando 

la giustapposizione dei due livelli 

di senso con quella deflagrante ironia 

con cui già era emerso nel Premio 

Fondazione Arnaldo Pomodoro. 

Nell'itinerario espositivo, il processo 

ideativo della mostra è proposto all'inverso: 

la prima sala introduce all'ambigua 

connotazione dell'eternità in 

senso concettuale, mentre la seconda 

ne applica la duplicità allo specifico dell'utilizzo 

della lega di amianto. La balconata 

piastrellata di pannelli fotovoltaici 

di Panorama, netta ed elegante - 

come l'ironia che l'ha generata - nelle 

linee, trasfigura il quotidiano e naturale 

gesto di rubare dall'affacciata di 

casa quel po' di sole consentitoci dalla 

moderna edilizia in una riflessione sull'eterno 

ciclo dell'energia, e su come al 

suo ripetersi in natura si sia affiancato 

un altro processo generativo, quello 

tecnologico. Catturata e riverberata 

nei pannelli specchianti Senza Titolo 

della parete contigua, la luminosità si 

amplifica evidenziando, oltre alla luce - 

che diventa quasi un ulteriore materiale 

scultoreo - anche il paradosso: 

ben poco "metafisici" in tutto questo 

spirituale lucore, si stagliano infatti i 

profili-nuvolette con citazioni famose 

sull'eternità, al contrario surreali e dissacranti 

anche per l'accostamento di 

frasi auliche a altre spoeticizzanti. 

Anch'esse, s'intende, trasformate ora 

in sempiterni fumettistici ammonimenti 

a futura memoria. Come scolpisce 

la luce, così nell'ambiente successivo 

Striano plasma il vuoto. Eternit, l'opera 

che ha dato l'idea per tutta la 

mostra, con un mirabolante meccanismo 

magnetico, così magico che 

sembra provenire ancora dal mondo 

dei comics, "sputa" via da sé il velenosissimo 

tetto di eternit (incapsulato 

per ovvie ragioni di sicurezza) che ne 

minaccia la candida e intonsa purezza 

delle pareti, quasi ingenuamente 

infantili nella forma. Come se su un 

puro mondo familiare fosse improvvisamente 

piombata la minaccia di 

un'entità maligna e venefica: denuncia 

non troppo da fumetto, dato che proprio 

ciò l'utilizzo di amianto ha prodotto 

nella realtà. Difesa utopistica, 

incapsularsi i polmoni, è quella suggerita 

da Senza Titolo, disegno che rivela 

gli inizi da illustratore di Striano, 

ancora evidenti nel carattere "disegnativo" 

della sua scultura, che spesso 

individua un punto di vista privilegiato 

e si costruisce per linee esatte 

e limpide. Nitore di sguardo e d'acume, 

a denuncia della non trasparente 

spregiudicatezza umana. 

[diana gianquitto] 

BlindArte Contemporanea 


Gian Paolo Striano - Eternit 

via caio duilio, 4/d (zona fuorigrotta) 

da lun. a ven. ore 10-13 e 16-19 


Tel 081 2395261 Fax 081 5935042 

info@blindarte.com 

www.blindarte.com 

Non potevano essere più diversi Hugo 

Markl (Pasadena, 1964) e James 

Yamada (North Carolina, 1967): 

caparbio, determinista quasi fino a 

essere opprimente il primo; sfumato, 

più possibilista e discorsivo il secondo. 

Personalità artistiche opposte, ma inaspettatamente 

convergenti per la 

vibrazione comunicativa che inducono. 

Entrare in Mamatschi di Markl è ritrovarsi 

asserragliati senza scampo nel 

cupo cromatismo di un cubicolo blu 

notte. Monolitiche, gigantizzate, impenetrabili 

si ergono A Spade, A Heart, A 

Diamond e A Club, inoppugnabili armi 

di un invincibile poker d'assi. Quattro 

enormi carte da gioco, sembrerebbero 

rappresentazione del reale, esca 

per riflessioni esistenziali e psicologiche 

su regole sociali e di vita; eppure, 

l'eccessiva e ipertrofica presenza dei 

pannelli respinge ogni interpretazione 

mimetica o traslata, costringendo a 

prendere atto della loro inconfutabile e 

muta essenza, quasi come accade per 

le sculture minimal. Kafkianamente 

incarcerato nell'opera, l'osservatore è 

costretto a confrontarsi con contenuti 

che però si negano e gli sfuggono dietro 

l'apparente semplicità di una facciata 

autoreferenziale. Sorprendente 

meccanismo di spostamento e deviazione 

del senso psichico dagli esiti 

quasi paranoici e ossessivi, in linea del 

resto col gusto fetish delle precedenti 

opere dell'artista. Una boccata d'aria 

fresca, dopo il claustrofobico blu di 

Markl, è il caleidoscopio multicolore in 

Daydream Nation di Yamada. Ma l'allure 

na?f è subito rotta dai sensori di 

movimento che, quasi occhi vivi, realizzano 

il paradosso di essere gli unici elementi 

animati, seppur freddamente 

tecnologici, di una rappresentazione 

solo in apparenza "vitale". Il panico 

sogno di una dimensione naturale, non 

mediata dalla tecnologia, fa spogliare 

l'uomo dei suoi panni "civilizzati" in I am 

now a dolphin, rituale metempsicosi da 

un piano all'altro dell'essere, stigmatizzata 

dalla frattura formale del pannello. 

Modularità ripresa in Black eyed 

sun, trasposizione astratta del passaggio 

da uno stadio "plumbeo" a un altro 

più "luminoso" del vivere. Storm e Leif 

individuano, con la liricità ottenuta grazie 

alle potenzialità del mezzo fotografico, 

un'ipotetica riappacificazione dell'uomo 

col contesto tecnologico, subito 

rimessa in discussione dalla composizione 

scultorea di monitor di Warmer, 

simbolica e sadica catarsi dalla tecnologia, 

sobillata dal brainstorming di 

immagini di vita olistica e incorrotta. 

Nonostante le immagini dalla forte 

connotazione emotiva, però, anche 

Yamada, come Markl, induce la sensazione 

di non riuscire a entrare in contatto 

con le atmosfere psicologiche 

sottese, "raffreddate" dalla mediazione 

tecnologica adottata. Spersonalizzato 

e anestetizzato dalla vita che si è creato, 

l'uomo di Markl e Yamada non 

riesce più neanche a leggere le sue 

carte, e diventa dipendente del gioco e 

delle regole che egli stesso si è imposto. 

[diana gianquitto] 

Galleria Raucci/Santamaria 

fino al 29 febbraio 2008 

Hugo Markl - Mamatschi 

James Yamada - I am now a dolphin 

corso a. di savoia duca d'aosta, 190 

da mar. a ven. 11-13.30 e 15-18.30 


Tel 081 7443645 Fax 081 7442407 

info@raucciesantamaria.com 

www.raucciesantamaria.com

64.intervallo Exibart.onpaper 

le preferenze di Giovanna Cattaneo Incisa 

Presidente Fondazione Torino Musei 

01. La città Londra 

02. Il libro Danubio (Claudio Magris) 

03. Il film Il Gattopardo (Luchino Visconti) 

04. Il cantante Fabrizio De Andre’ 

05. Il ristorante Dove non si aspetta 

06. Il cocktail Bellini di Harry's Bar 

07. L'uomo politico Ugo La Malfa 

08. Il quotidiano La Stampa 

09. L'automobile Fiat 500 e Fiat Panda 

10. Lo stilista Giorgio Armani 

11. L'attore Cary Grant 

12. Il programma tv Che tempo che fa 

13. La canzone Imagine (John Lennon) 

Luca Massimo Barbero - direttore artistico C4 - Centro Cultura Contemporaneo Caldogno, tenterà il tredici sul prossimo numero 

ahbbellooo!!! 

s t r a f a l c i o n i d i g e s t 

"...il primo portale nel settore dell'arte e del mercato di opere, con l'eccezionale media quotidiana 

di cinquanta milioni di contatti" 

[toni un poco enfatici di andrea rustichelli che su affari&finanza di repubblica parla del 

sito di saatchi] 

Oh, per carità, il sito del grande pubblicitario londinese va bene, benissimo. Ma fare 

cinquanta milioni - ve lo diciamo noi che internet lo mastichiamo - significa essere 

quantomeno sceso a patti con i governi di India e Cina ed aver reso il sito obbligatorio 

a tutti i cittadini! 

"Per il gruppo di Palazzo Marino si trattava di agire nel tessuto milanese in modo spiazzante, 

curioso e filologicamente mirato" 

[gianluca marziani ripercorre l'epopea trussardi nell'arte contemporanea su panorama] 

Attenzione ai palazzi della downtown meneghina, però. La sede di Trussardi è in 

Palazzo Marino alla Scala, per la precisione. Quando si dice 'Palazzo Marino', infatti, 

si parla comunemente dell'edificio dirimpetto, quello dove ha sede il Comune di 

Milano. 

Un altro giovane artista italiano da tempo acquistato da Pinault è infatti il bravissimo e famosissimo 

(al pari di Cattelan) Francesco Vezzoli, oggi superstar dell'arte internazionale (in 

scuderia con Gagosian) 

[articolo del corriere della sera sugli artisti 'ricamatori'] 

A parte i superlativi, forse un tantino esagerati, parlando di 'scuderia Gagosian' per 

Vezzoli non si fa un torto alla Galleria Giò Marconi di Milano che è la rappresentante 

italiana dell'artista? E se è vero come è vero che il Corriere è un giornale, anzi il 

giornale italiano... 

MoMa mia che bello! 

[il titolo di un articolo de l'espresso su una nuova mostra al museo manhattaniano] 

No, non ce la prendiamo - anche se dovremmo - con il titolista, ma con il gioco maiuscole\minuscole 

che troppe volte si sbaglia. Il Museum of Modern Art di New York 

City si abbrevia MoMA, non MoMa o MOMA, o Moma... Vabbene??? 

premio spam per l’arte. 

abbiate pietà di noi (e della nostra e-mail) 

La galleria è la simpatica Changing Role di Napoli. Il gallerista è il simpatico 

Guido Cabib. L'artista è Nunzio de Martino. Il comunicato stampa 

ne descrive la ricerca artistica come "l'appropriazione di una coscienza 

dello spazio e del tempo". E va bene, ma questo non vuol dire che ci si 

possa appropriare del tempo di chi, povero, è costretto a lavorare con la 

e-mail. E poi il titolo della mostra, 

Nunzio de Martino - Passaggi 

FACCIAMO13CON 

fa comprendere che era proprio quello l'obiettivo: totalizzare un maggior 

numero di... passaggi possibile. Nelle nostre caselle di posta elettronica, però! 

�� Uno scontro di civiltà si 

potrebbe giocare al mattatoio. 

Dove in Occidente finisce un 

numero agghiacciante di bovini, 

mentre nella più grande democrazia 

al mondo, come usa 

chiamare l'India, quegli stessi 

animali sono sacerrimi per una 

fetta rilevante della popolazione. 

Questioni igienico-cultuali che 

s'intrecciano con la perspicua 

letterarietà delle religioni monoteiste. 

Ci si potrebbe spingere 

piuttosto lontano osservando il 

lavoro che Jannis Kounellis ha 

allestito nel 2006-07 alla 

Fondazione Pomodoro. Un quadrato 

inaccessibile, formato da 

pareti metalliche sormontate 

da centinaia di volumi, al centro 

del quale - visibile dall'alto - era 

una macchia di pittura. Quel 

che qui c'interessa sono però i 

quarti di bue che ne "decoravano" 

l'esterno. Come in una staffetta, 

il pensiero corre a immagini 

assai più splatter, alla profusione 

di sangue nelle azioni 

orchestrate da Hermann 

Nitsch. Dalla quarta alla settima, 

ad esempio, fra il 1963 e il 

1965, a farne le spese erano 

agnelli. Volendo concentrarsi 

sui bovidi, l'ottantesima fa il 

caso nostro. Siamo nel 1984: 

medesima, fluviale colata di 

sangue e, in uno scatto particolarmente 

incisivo, sei braccia a 

fungere da divaricatori. (Al 

Teatro delle orge e dei misteri 

s'è pure interessato Franco 

Vaccari nel 1975, qualora si 

fosse attratti dalla resa in bianco 

e nero di abbondanti emoschizzi.) 

Ancora agnelli, performer 

e colature di sangue: titolo 

truistico, El peso de la culpa, per 

un'azione del 1997-99 di Tania 

Bruguera. Evidentemente, la 

simbolica nudità con echi neotestamentari 

è particolarmente 

ossessionante. Al punto che 

l'esercizio della ritrattistica della 

carne morta potrebbe essere 

oggetto di una storia dell'arte 

da macelleria. Gli esempi 

abbondano. Si pensi al Bue 

squartato del 1947 di Marc 

Chagall conservato al 

Pompidou (doppiato almeno 

dall'omonimo del 1929-35), 

alla Macelleria del 1930 di 

George Grosz, alle numerose 

Carcasse de bœuf di Chaïm 

Soutine (un Quarto del 1923 

circa, ad esempio, ancora a 

Parigi ma al Musée de 

# lemma 

di marco enrico giacomelli 

BUE 

Jenny Saville - Torso 2 - 2004 - olio su tela - cm 360x294 - courtesy The Saatchi 

Gallery, London 

l'Orangerie). Niente di più facile 

che risalire la china del tempo, 

all'incontro del Bue macellato 

del 1655 - siamo sempre nella 

capitale francese, ora al Louvre 

- di Rembrandt e della 

Macelleria dei primi anni '80 del 

Cinquecento di Annibale 

Carracci. Ricalandosi vertiginosamente, 

va senz'altro citato lo 

straordinario Painting (1946) 

di Francis Bacon conservato al 

MoMA e, sempre del pittore 

dublinese, la coniugazione di 

Rembrandt e Velázquez in 

Figure with Meat del 1954. Il 

turbine dei nomi e l'odore del 

sangue v'annebbia il ricordo? 

Quest'ultima tela è l'unica che 

Jocker salva dalla vandalizzazione 

del museo di Gotham City 

nel Batman del 1989. 

Ristabilito l'equilibrio, ancora 

un'oscillazione all'indietro per 

vedere almeno qualche bue 

che sta sulle proprie zampe. Il 

rifugio migliore l'offrono i 

Macchiaioli. Dai Pascoli a 

Castiglioncello (1861) di 

Telemaco Signorini a Carro e 

bovi nella Maremma toscana 

(1867) di Giuseppe Abbati per 

giungere alla Mandriana trascinata 

da un bue infuriato (1895- 

1900 ca.) di Giovanni Fattori. 

Tornando a noi, si torna ai cadaveri: 

con Marc Quinn, che allestisce 

nel Parco Archeologico 

di Scolacium un bronzo con 

patina nera della consueta carnezzeria 

(titolo di un dramma 

sublime di Emma Dante); con 

Torso 2 di Jenny Saville, in una 

pittura dalla spiccata connotazione 

baconiana, violentissima 

nelle spatolate e nei tagli netti 

delle zampe, nel midollo esposto 

e nella scomposta rigidità 

della colonna vertebrale. Si possono 

infine seguire rivoli meno 

mediatici e più mediati, approdando 

a Vito Boggeri e al suo 

Bue squartato realizzato con la 

camera d'aria, oppure all'omonimo 

di Gianni Castagnoli, 

esposto alla mostra senese 

Ipermercati dell'arte, letteralmente 

incartapercorito. La 

mattanza s'arresta alle soglie 

della fotografia. Se ne intravedono 

sprazzi, magari sul fondo 

di uno scatto in bianco e nero di 

Bob Richardson. Ma lo sguardo 

è attirato altrove. � 

Il prossimo lemma sarà 

manichino

Exibart.onpaper recensioni.65 

the painting of modern life 

Fotografia e pittura che dialogano insieme. Dando vita a un codice espressivo nuovo. L'evoluzione dell'immagine che 

passa da un linguaggio all'altro. Con effetti percettivi di grande intensità... 

�� Una tematica importante e 

complessa: l'utilizzo del linguaggio 

fotografico nella pittura. È 

questo il nodo intorno al quale si 

muove la mostra The Painting of 

Modern Life / Dipingere la vita 

moderna, che affronta il problema 

esaminando il divenire e le 

profonde trasformazioni del linguaggio 

visivo negli ultimi quarantacinque 

anni, in ambito 

europeo, americano e asiatico. Il 

confronto avviene dunque su 

diversi fronti culturali, oltre che 

su una multiformità di stili e 

metodi. In quest'arco temporale, 

la pittura ha palesato una 

costante riadeguazione delle 

sue modalità espressive, 

mostrando molteplici facce: citazioni, 

realismi, pittura di memorie, 

influenze mediali, recupero 

della dimensione onirica, nel 

info. 

fino al 4 maggio 2008 

The Painting of Modern Life / 

Dipingere la vita moderna 

a cura di Ralph Rugoff 

Castello di Rivoli - Museo d'arte 

contemporanea 

Piazza Mafalda Di Savoia - Rivoli (TO) 

da martedì a giovedì ore 10-17; da 

venerdì a domenica ore 10-21 

biglietto intero 6,50 euro; ridotto 4,50 

Tel 011 9565222 Fax 011 9565230 

info@castellodirivoli.org 

www.castellodirivoli.org 

Catalogo Skira 

segno della ricerca 

di una "qualità" 

intrinseca. La fotografia, 

dal canto 

suo, una delle arti 

più recenti e forse la 

più prolifica a partire 

dagli anni '80, si 

è dilatata sempre 

più verso incursioni 

extraterritoriali. 

Risulta dunque di 

grande interesse la 

verifica delle possibilità 

di intersezioni di 

codici all'apparenza 

molto diversi, che la 

mostra si propone 

di fare. La compenetrazione 

dei linguaggi 

esalta le peculiarità 

di ognuno di essi 

e li potenzia dal 

punto di vista 

espressivo e percettivo. 

"All'inizio degli 

anni '60", afferma il 

curatore della mostra, Ralph 

Rugoff, "un numero ristretto di 

artisti segnò una svolta epocale 

nella storia della pittura. 

Indipendentemente gli uni dagli 

altri, Gerhard Richter a Colonia, 

Andy Warhol e Richard 

Artschwager a New York crearono 

quadri basati su immagini 

fotografiche". Questi artisti sono 

le figure fondamentali intorno 

alle quali si muove la mostra. 

emilio isgrò 

�� Nunc et in hora mortis 

nostrae. Amen. C'è tutto l'eclettismo 

di un "grande" come Emilio 

Isgrò (Barcellona Pozzo di Gotto, 

1937) in Mantra Siciliano per 

Madonne Toscane (2007), installazione 

situata nell'ultima sala del 

percorso espositivo al Centro 

Pecci di Prato. C'è eclettismo e 

sintesi di una vita dedicata all'arte. 

Un'arte a tutto tondo, carica di 

emozioni, pensieri, concetti e 

gestualità. Incomparabile l'unica 

frase dell'Ave Maria che non è 

stata cancellata. Tutto il resto è 

oblio; tutto il resto, pavimento, 

pareti e soprattutto la statua 

bianca della Madonna con rosario 

sono invase dalle formiche che si 

accaniscono sul suo volto, quasi a 

coprirlo totalmente. D'altra parte, 

"le formiche italiane sono le più 

veloci" sta scritto in Formiche 

Ants, opera del 1998. La semplice 

locuzione latina fa rivivere anni 

nemmeno troppo lontani, quando 

le celebrazioni liturgiche erano in 

latino e il "divino" supplicato si percepiva 

lontano, spesso ostile e 

incomprensibile. Pittura, fotografia, 

scultura, installazioni, poesia 

(Fiere del sud, 1956), saggistica, 

romanzi (nel 2003, Ultimo brindisi 

all'amico infame ha vinto il premio 

San Pellegrino) e... musica 

evocata. Molte le installazioni multimediali, 

come La veglia di Bach 

(1985) per la Scala di Milano nell'anno 

europeo della musica e 

Chopin (1979), opera raccolta in 

una grande sala, che è possibile 

ammirare in questa ampia e suggestiva 

retrospettiva. Isgrò non si 

Per Richter, della fotografia - 

"un'immagine della mia e della 

vostra realtà" - risulta essenziale 

la dimensione dell'effimero che 

lascia nel dipinto tracce di evanescenza 

figurale, come si vede 

in Renate und Marianne (1964). 

Artschwager insegue nell'immagine 

il dettaglio, la quotidianità 

di luoghi usuali, quali la 

Fabbrica (1969) o il Dormitorio 

(1968), dei quali riproduce l'ano- 

è fatto sfuggire nulla e non ci ha 

privato del suo punto di vista su 

molti aspetti della vita. Osservata, 

sentita e vagliata da un particolarissimo 

spirito poliedrico: "L'arte 

mi serve a conoscere e rappresentare 

le cose, ma ciò non significa 

che condivida i fatti e le cose 

nimità. Warhol "sceglie con 

cura l'immagine", procede attraverso 

eliminazioni di particolari, 

ripete i media senza modificarli, 

attingendo anche a situazioni 

che hanno una presa forte nell'inconscio 

collettivo, come Big 

electric Chair (1967). Accanto a 

questi tre anticipatori di una 

nuova ibridazione linguistica, la 

mostra presenta una vasta selezione 

di opere nelle quali l'utilizzo 

che rappresento". E mentre 

molte correnti artistiche percorrono 

la teoria di un'arte impotente 

di fronte a eventi di distruzione, la 

scommessa di Isgrò sta nel tentativo 

di "mutare la distruzione in 

ricostruzione costante". La cancellatura 

che ha contraddistinto 

tutto il suo percorso artistico 

serve a liberare sempre l'opera 

concettuale dallo schematismo 

della forma, sia essa sociale o linguistica. 

In quest'ultima, solo la virgola 

si salva perché ne rappresenta 

"il sale", e l'artista la celebra 

in Le virgole (1966) e in 

Competition is competition 

(1999). La gestualità paradossale 

del cancellare l'inutile e il superfluo 

è vissuta non tanto come 

rimozione ma come estrapolazione 

in positivo di nuove costruzioni 

espressive e significanti di parole 

e immagini. La cancellatura dà 

linfa a nuovi messaggi; cancellatura 

come catarsi, liberazione 

essenziale e spesso provocatoria. 

La sfida al formale prende consistenza 

nelle sale del Pecci, dove 

Eberhard Havekost - National 

Geographic, 2003 - olio su tela, 

110x130 cm - Courtesy of Locksley 

Shea Gallery - © l'artista 2007 e 

Galerie Gebr. Lehmann, Dresden 

Foto: Werner Lieberknecht, Dresden 

del medium fotografico ha un 

ampio ventaglio espressivo. 

Alcuni esempi: David Hockney, 

che "fa fotografie come un disegnatore", 

capace di riportare 

fedelmente un certo modo di 

percepire la realtà; Malcolm 

Morley, che suddivide l'immagine 

intera in parti, eliminando i 

primi piani e lo sfondo; Elizabeth 

Peyton, che rivede e corregge 

l'immagine fotografica nella pittura 

attraverso la mano; Franz 

Gertsch, che enfatizza i particolari 

fino a liberarsi completamente 

dell'emotività; o, ancora, 

Liu Xiadong, per il quale la fotografia 

è uno strumento atto a 

evidenziare gli effetti del capitalismo 

sulla società cinese. 

Insomma, quello della Manica 

Lunga è un percorso che propone 

allo spettatore un'articolata 

selezione di opere la cui efficacia 

è duplice. In quanto, accanto alla 

tematica forte della commistione 

linguistica, si evidenzia l'effetto 

percettivo, spesso esaltato 

dal formato dei lavori, quasi 

sempre molto grandi. � 

[tiziana conti] 

Cancellare la cancellatura. Emilio Isgrò duella con la parola da mezzo secolo e cerca di svincolarsi da 

schematismi formali e rigorosi. Sperimenta e di fatto trasforma - anno per anno, minuto per minuto - il suo "fare". 

Piegando l'idea al desiderio d'artista... 

Emilio Isgrò - Dichiaro di essere 

Emilio Isgrò, 2008 - 400x287 cm, 

acrilico su tela montata su legno - 

Collezione Centro per l'arte contemporanea 

Luigi Pecci 

circa quarant'anni dopo Dichiaro 

di non essere Emilio Isgrò, quasi a 

sconfessare se stesso nei primi 

anni '70, ecco l'enunciazione positiva 

di identità nell'opera introduttiva 

che dà il titolo alla mostra: 

Dichiaro di essere Emilio Isgrò. 

Basta il sottile spostamento di un 

elemento per ribaltare i piani di 

lettura. E in questo caso la cancellatura 

dell'avverbio rimuove la 

censura comunicativa e fa "che ti 

fia chiaro / ciò che 'l mio dir più 

dichiarar non puote" (Purgatorio, 

XXIV, 89-90). � 


info. 

fino all'11 maggio 2008 

Dichiaro di essere Emilio Isgrò 

a cura di Marco Bazzini e Achille 

Bonito Oliva 

C.Arte - Centro per l'Arte 

Contemporanea Luigi Pecci 

viale della repubblica, 277 

da mercoledì a lunedì ore 10-19; 

chiuso il 1° maggio 

biglietto intero 5,00 euro; ridotto 4,00 

Tel 0574 5317 Fax 0574 531901 

info@centroartepecci.prato.it 

www.centroartepecci.prato.it

66.trecapitali Exibart.onpaper 

A Los Angeles i piccoli spazi cavalcano la scena dell'arte, diventeranno i giganti del west? Inoltre una riflessione… Proposte deboli o aspettative troppo alte nei confronti 

delle istituzioni museali made in L.A? 

Amie Dicke - Infinitely suffering Thing, 2007 - 

courtesy Peres Projects 

Mentre il primo round che vede protagonisti una 

donna e un afro-americano, in corsa per la presidenza, 

anima e scuote l'America e l'opinione internazionale, 

la scena dell'arte losangelina rimane 

tendenzialmente quiescente. Eppure Los 

Angeles, tra i diamanti della west coast, dovrebbe 

essere una città che osa, lanciandosi nei mercati 

asiatici ed europei e trovando strategie per invogliare 

il popolo dell'arte a "hollywoodianeggiare" le 

strade che portano ai meravigliosi colossi architettonici 

dell'arte contemporanea. Alcuni tentativi 

Alla fine è sempre lui, Banksy, a tenere sotto scacco l'art world londinese. Intanto, mentre la Tate continua ad accumulare grandi sponsor per i suoi grandi eventi, Londra si riscopre 

classica. Per una primavera rassicurante. Da Roman Signer a Jenny Holzer. Non mancano, però, i nuovi e nuovissimi spazi di cui vi diamo conto... 

La nuova installazione di Jenny Holzer da 

Sprueth Magers 

Sul fronte degli eventi che fanno chiacchierare, 

due notizie dal mondo dell'arte si sono fatte largo 

tra le colonne dei giornali semi-scandalistici inglesi: 

in gennaio un lavoro "autentico" di Banksy è 

stato messo all'asta su eBay e venduto per la 

modica cifra di circa 208,000 sterline. E non è 

tanto la cifra a sorprendere (Banksy continua ad 

emergere vincitore nelle case d'asta e tra il 

mondo delle celebrità con cifre di vendita da capogiro) 

né la sempre più frequente e spesso 

"sospetta" associazione Banksy - eBay (già riportata 

per la vendita di stampe non autentiche e per 

l'artificiale "gonfiamento" dei prezzi) quanto l'oggetto 

venduto: il muro di una proprietà di Notting 

Hill sul quale il writer aveva realizzato un graffito e 

Domingo Milella - Discarica di Mexico City, 2004 

Il Goethe Institute di New York ha appena inaugurato 

Ludlow 38, uno spazio dedicato interamente 

ad eventi e mostre di arte contemporanea situato 

- neanche a dirlo - nell'ormai noto Lower East Side. 

Lo spazio, ristrutturato dal duo Ethan 

Breckenridge e Liam Gillick, è stato aperto in collaborazione 

con il Kunstverein München, che ne 

curerà il calendario per un anno, e con Mini Bmw 

come sponsor principale. Stefan Kalmár e Daniel 

Pies del Kunstverein München organizzeranno 

mostre, eventi, conferenze, dal titolo USA 2008, 

invitando sia artisti tedeschi che internazionali, e 

quindi consolidando sempre più il supporto già 

notevole che le istituzioni tedesche, come quelle di 

sembrano tuttavia esserci. Dopo gli scatti che 

immortalano la mistura socio-culturale, de La 

frontera tra Stati Uniti e Messico, di Graciela 

Iturbide (fino al 13 aprile), Bill Viola sarà protagonista 

fino al metà giugno con Emergence, un'istallazione 

video che, rifacendosi alla Pietà di 

Masolino (XV sec), mette in scena una sequenza 

di immagini di due donne che sollevano un uomo 

che emerge dalle acque di un pozzo rievocando 

morte e resurrezione. Una lunga lista di grandi 

nomi per Museum of Contemporary Art con 

Collecting Collections: Hilights from the 

Permanent Collection of the MOCA, riorganizzando 

cronologicamente e per correnti artistiche le 

acquisizioni che vanno da Piet Mondrian a 

Maurizio Cattelan. In un’epoca in cui entrare nel 

privato delle persone, osservandone i comportamenti, 

anche con la capacità di manipolarne reazioni, 

sviluppa un perverso accanimento che spopola 

nelle tv internazionali, interessante è stata la 

proposta di Hummer Museum con una personale 

di Kaari Upson (conclusa il 17 febbraio). 

L'artista californiana, venuta in possesso di alcuni 

oggetti personali di un suo ex vicino di casa, Lerry, 

inizia a ricostruire la sua vita attraverso storie 

che dovrà naturalmente essere rimosso dall'attuale 

locazione, con tanto di Perspex a proteggere 

il lavoro dai vandali. 

Sotheby's ha poi finalmente offerto alla Tate 

Britain di sponsorizzare le installazioni della 

Duveens Commission, rendendo questo evento 

annuale. Dopo "Semi-Detached" di Michael Landy 

e "State Britain" di Mark Wallinger, quest'anno 

Martin Creed è stato scelto per la commissione 

ed il lavoro verrà rivelato in estate. 

Si apre un mese di "classici contemporanei" nelle 

maggiori gallerie di Londra, con una scelta tanto 

eclettica da rispondere a tutti, ma proprio tutti, i 

gusti possibili. A partire dall'ironico Roman Signer 

in mostra da Hauser & Wirth fino al 15 marzo. 

L'installazione con l'assurdo tagliaerba robotizzato, 

smarrito tra le quindici sedie di metallo distribuite 

sull'elegante sala a parquet della galleria, 

suscita un malinconico sorriso allo stesso modo 

del film "Signers Koffer" che offre una documentazione 

unica di quasi tutte le "actions" dell'artista 

dagli anni '70 fino ad oggi, inclusi i pericolosi esperimenti 

con esplosivi e missili ed una quasi fatale 

passeggiata in mezzo ad un lago ghiacciato. 

Drammatico e a tratti sconfortante, il lavoro in 

video di Willie Doherty, riproposto in una fantastica 

retrospettiva alla Matt's Gallery fino al 16 

marzo, risuona della violenza dell'Irlanda del Nord, 

paese d'origine dell'artista, con i conseguenti 

traumi della memoria. Accanto alla proiezione di 

tanti altri paesi europei, dedicano all'arte contemporanea 

a New York. 

La Scandinavia House, ad esempio, sede 

dell'American-Scandinavian Foundation, promuove 

gli artisti provenienti dai propri paesi 

con delle mostre interessanti e dal forte 

appeal. La serata inaugurale di Arts Fennica: 

Finnish art now - mostra cui partecipano Elina 

Brotherus, Markus Kåhre, Elina Merenmies e 

Anna Tuori - ha visto una quantità di pubblico 

tipica dei vernissage più patinati di Chelsea. 

Altro esempio sono i servizi culturali olandesi, sempre 

in prima fila nel sostenere progetti o eventi 

legati a propri artisti. Che sia il finanziamento di 

una mostra, l'organizzazione di un evento o di una 

serata d'onore, o la semplice presenza del cultural 

attaché a un'inaugurazione di un artista olandese. 

Non è senza una sincera e sana invidia che paragoniamo 

tutto ciò al supporto istituzionale che 

riceve l'arte contemporanea italiana, in quel di 

New York. Infatti, se da un lato rimangono sempre 

solide le presenze italiane nei programmi di 

residency per artisti, anche dopo la chiusura di 

quella storica del P.S.1, dall'altro lato non si può 

non sottolineare come la promozione dell'arte e 

degli artisti italiani sia generalmente lasciata un 

po' al caso o all'iniziativa personale. 

Per menzionare alcune delle artist's residency più 

recenti, ricordiamo che a Location One è giunta 

che oltrepassano il limite del lecito, cancellando 

ogni traccia di obbiettività e trasformando se 

stessa nell'ossessione di Lerry. Il gigante LACMA 

continua a "giocare in casa" proponendo SoCal: 

Southern California Art of the 1960s and 70s 

from LACMA's Collection. Protagonista della 

mostra è l'opera di Edward Kienholz, Back Seat 

Dodge '38, scultura del '64, resa controversa dal 

set definito pornografico posto sui sedili posteriori 

della macchina simbolo dell'epoca. 

Ma non c'è da dire. A Los Angeles gli spazi privati 

spiccano di gran lunga sulle ricche istituzioni. 

Dalle pendici delle colline di Hollywood, al crescente 

quartiere di Culver City fino alle lunghe spiagge 

di Santa Monica. Appuntamento obbligatorio è a 

East L.A, Chinatown, tra le gallerie più cool. La 

new entry del momento è Bonelli Contemporary, 

sede gemella di Bonelli arte contemporanea di 

Modena con una giovane ed intraprendente collettiva; 

Space as a Space cheha presentato i lavori 

di Joshua Callaghan, Malisa Humphrey, 

Justin Michell, Tadashi Moriyama, Nikko 

Mueller, Devon Oder, Karthik Pandian, Ben 

Shaffer. Successo assicurato invece per Amie 

Dicke con Infinitely suffering Thing presso Peres 

altre otto opere della passata produzione di 

Doherty, particolare attenzione viene riservata al 

lavoro già visto alla Biennale di Venezia, "Ghost 

Story", con la voce dell'attore irlandese Stephen 

Rea a rievocare - ma senza chiari referenti ed in 

un'atmosfera da incubo - la scena di un massacro, 

forse quello del Bloody Sunday, di cui l'artista 

è stato testimone oculare. 

Tematiche similmente socio-politiche sono riproposte 

da Jenny Holzer con la nuova installazione 

"Detained", presentata da Sprüth Magers fino al 

15 marzo: dipinti, proiezioni e lavori in LED che si 

riferiscono ad alcuni documenti militari ufficiali 

americani sulla situazione in Medio Oriente 

recentemente rivelati al pubblico. 

Altra mostra gioiello, la monografica di Yayoi 

Kusama da Victoria Miro fino al 20 marzo include 

serigrafie, sculture, installazioni ed un lavoro 

specifico realizzato sul vicino Regent's Canal. A 

due passi da qui, dopo il recente assolo alla White 

Cube di Hoxton Square, Darren Almond rimane 

sulla scena fino al 30 marzo, questa volta da 

Parasol Unit, con una serie di immagini fotografiche 

in bianco e nero di grandi dimensioni, a metà 

strada tra l'onirico ed il documentario, realizzate 

in alcuni dei numerosi viaggi dell'artista in destinazioni 

remote (Tibet, Indonesia, Siberia). 

Alla National Gallery poi, fino al 30 marzo, si possono 

studiare le sei proposte per la quarta commissione 

per il piedistallo di Trafalgar Square, tra 

Moira Ricci con il supporto di Artegiovane e del 

Comune di Milano. Pierluigi Calignano e Domenico 

Mangano, invece, sono stati ospiti dell'ISCP con il 

sostegno di Viafarini, per il primo, e della DARC, per 

il secondo. Grazie al Premio New York, poi, Ettore 

Favini, Linda Fregni Nagler, Andrea Mastrovito e 

Silvia Vendramel hanno l'opportunità di lavorare 

all'Italian Academy della Columbia University nel 

corso dell'anno accademico 2007-2008. 

Dal punto di vista dei progetti curatoriali, Senso 

Unico al P.S.1 ha rappresentato uno sguardo 

veloce e sommario all'arte contemporanea italiana 

pur costituendone uno spunto interessante 

per approfondimenti e un gesto d'apertura 

da coltivare in futuro. 

L'iniziativa individuale, però, resta quella con i 

risultati più incisivi e di lungo periodo, come 

dimostra l'ondata di mostre personali di artisti 

italiani che si prepara a Chelsea e dintorni. 

Da Tracy Williams Ltd., Domingo Milella espone 

grandi stampe fotografiche di paesaggi scattati 

durante i suoi viaggi. Le stanze della townhouse/galleria 

del West Village, accoglienti e decorate 

da stucchi, non potrebbero esser più lontane 

dal concetto dell'asettico white cube, e ricreano 

un'atmosfera d'altri tempi per le foto a colori dal 

gusto molto pittorico. Uno dei lavori più interessanti, 

una discarica di Mexico City, rappresenta - 

purtroppo - un'iconografia attuale e per nulla da 

Projects. Oggetti, foto, materiali ritrovati, diventano 

sculture, con sottese citazioni letterarie, attraverso 

cui l'artista medita sulla fragilità dell'esistenza. 

La testa di Dante è bendata evitando così di 

osservare tutto l'orrore e il dolore attraverso il 

passaggio nell'Inferno. Un'ondata di freschi talenti, 

meno introspettivi e più metropolitani, è invece 

composta da Alejandro Diaz, Amir H. Fallah e 

Andrew Lewicki presso Mary Goodman con 

What Do You Care? a cui i tre giovani artisti 

rispondono in maniera differente ma puntando 

l'attenzione sull'affinità tra arte e sottocultura 

urbana, come, in particolare, Lewicki, che attraverso 

raffinate sculture di rampe da skate, usando 

legni e metalli nobili, ironizza sul rapporto tra 

vandalismo e istituzione losangelina. Poco lontano 

merita senza dubbio Mandarin Gallery con la collettiva 

di otto artisti quasi tutti gay; You, Whose 

Beauty was Famous in Rome. Emblematico, tra 

tutti, il lavoro di Hedi El Kholti che centra il concept 

dell'esibizione raffigurando uomini seminudi 

che posano lascivamente distesi in stanze decadenti. 

� 

[leonardo proietti] 

le quali un'automobile scassata di Jeremy Deller 

ed una famiglia di scimmie di Tracey Emin. 

Tra le nuove presenze sulla mappa londinese 

degli spazi espositivi, Limoncello, in Hoxton Street 

(www.limoncellogallery.co.uk), diretta da Rebecca 

May Marston, presenta fino al 1 marzo lavori di 

Sean Edwards e Giorgio Sadotti. Sempre in 

Hoxton Street, Macbeth Gallery riapre dopo la 

ristrutturazione sopra l'omonimo pub, gestita 

dalla collettiva Lazy Gramophone e con un programma 

di mostre e performances (www.lazygramophone.com). 

Sempre in zona ma a sud di 

Old Street, Rod Barton Invites, anche nota come 

Above the Griffin Pub per la locazione, rafforza il 

programma di mostre, a partire dall'attuale collettiva 

con lavori di Ian Monroe, Piers Secunda e 

Michael Stubbs fino al 9 marzo 

(ww.rodbarton.com). Più dislocate, Way East - 

come annuncia il nome ai margini dell'area ad est 

di Londra destinata ai giochi olimpici - ha aperto 

alla fine di gennaio nell'abitazione dell'artista 

Russell Martin, con una mostra di Nick Kaplony 

(www.wayeast.russell-martin.org.uk); mentre 

Spring Projects - a nord-ovest di Londra - inaugura 

un programma di mostre di moda/fotografia/design 

con il lavoro del fotografo norvegese 

Solve Sundsbo fino al 30 marzo (www.springprojects.co.uk) 

� 

[irene amore] 

Tante le iniziative del vecchio continente nella Grande Mela. La Germania al Ludlow 38 del Lower East Side. L’efficienza dei servizi culturali olandesi. E grande interesse per l’arte scandinava. 

Ancora pochi italiani, che comunque si fanno sentire… 

terzo mondo. 

Alla Galerie Lelong, Angelo Filomeno prosegue la 

sua ricerca tra pittura classica e prezioso ricamo 

con Betrayed Witches ed espone tele monocromatiche 

esclusivamente nere e argento. Uno 

scheletro di vetro e una frusta in pelle, vetro e 

onice, trasferiscono la simbologia e l'ambiguità 

care all'artista nelle forme tridimensionali, mentre 

i temi della catarsi e della spiritualità appaiono 

in un grande mandala nero al cui centro giace 

solitario uno scarabeo, simbolo di decomposizione 

e rigenerazione. Stefano Cagol, alla prima personale 

newyorchese da Priska C. Juschka Fine 

Art, sviluppa un progetto mixed media con foto, 

video, installazione e azione pubblica, dal titolo 

Guinea Pig. L'artista riflette sull'inganno generale 

provocato dagli additivi tossici che si utilizzano nel 

cibo e nei giocattoli e che fanno di noi utenti cavie 

da laboratorio. Infine, Diego Perrone presenta da 

Casey Kaplan tre nuove sculture della serie La 

fusione della campana, iniziata nel 2005 alla 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. In questa 

sede rappresenta tre distinti stadi in cui si procede 

artigianalmente per arrivare alla forgiatura in 

bronzo di una campana. 

Per ora è tutto qui, e a New York si rimane in 

attesa di molti altri artisti italiani. � 

[micaela giovanotti]

Exibart.onpaper tornaconti.67 

a cura di alfredo sigolo 

lo spettro della crisi tra 

rinascimento e decadenza 

Magari è solo un fatto scaramantico ma, dopo l'ennesima imbarcata di Wall Street del gennaio scorso, gli 

analisti tornano a piangere il morto: finalmente sarà il 2008 l'anno in cui il mercato dell'arte impatterà con gli 

effetti della crisi dei mutui americani della scorsa estate? 

��Contraddittorio il polso dei collezionisti, 

registrato ora anche dal 

sito leader mondiale per i risultati 

d'asta, Artprice. Non serviva certo 

il nuovo Confidence Index per stabilire 

che la congiuntura economica 

è sfavorevole, più significativo il 

dato che registra la previsione di 

un ulteriore peggioramento nei 

prossimi mesi e soprattutto una 

sensibile contrazione dei prezzi 

dell'arte. Addirittura sorprendente 

invece, seppur in linea con le 

nuove regole del mercato che 

inducono a spendere anche i 

danari che non si hanno, scoprire 

che secondo il sondaggio di 

Artprice tutto ciò non sembra 

compromettere la voglia di comprare 

ancora e comprare adesso. 

Nel frattempo, sul fronte delle 

aste, Londra è stato il primo 

banco di prova per la nuova stagione. 

Inattese le buone performance 

del comparto classico 

Impressionist & Modern, soprattutto 

per l'Espressionismo tedesco, 

Fauvisme e Secessione viennese, 

mentre qualche scricchiolio 

è arrivato da Christie's per il segmento 

del Post War 

& Contemporary, 

peraltro ben coperto 

da alcune buone 

aggiudicazioni. 

Notizia l'hanno fatta i 

26.340.000 BP del 

trittico di Bacon degli 

anni '70, i 6.740.500 

BP del grande 

Concetto spaziale 

rosso del '65 di 

Fontana, i 

7.350.500 BP spuntati dal 

Richter del '66. Meno roboanti e 

comunque significative sono state 

le risultanze su Jack Pierson 

(334,100 BP), Robert Longo 

(204,500 BP) e Francis Alys 

incanti. 

TUTTO IL MARCIO DEL MERCATO 

Don Thompson è un economista specializzato 

nel mercato dell'arte, già docente alla 

London School of Economics e all'Harvard 

Business School. "The $ 2 Million Stuffed 

Shark" è il titolo del suo nuovo libro pubblicato 

da Aurum Press. Si tratta di un ritratto 

impietoso del nuovo mercato dell'arte, 

manovrato occultamente, popolato di collezionisti 

che di arte capiscono nulla, ma 

sanno esattamente quanto costa, di galleristi 

annoiati con la puzza sotto il naso. 

L'arte contemporanea è temporanea per 

definizione, dice Thompson, e lo squalo 

marcescente di Hirst è profetico. Su mille 

artisti che hanno fatto grandi mostre nelle 

più prestigiose gallerie di NYC e Londra 

solo venti si sono confermati sulla cresta 

dell'onda nel 2007. E sul fronte storico non 

va meglio: un ex direttore del MoMA avrebbe 

confidato che circa il quaranta per 

cento delle opere circolanti sul mercato 

sono false e ci sarebbero prove evidenti. Ci 

sono circa seicento Rembrandt sparsi per 

i musei di tutto il mondo e altri trecento in 

mani private. Quasi il triplo di quelle storicamente 

dipinte dal grande artista olandese. 

(60.500 BP). Scendendo nel 

merito però un primo segnale 

negativo viene dal catalogo, per lo 

più nomi piuttosto consolidati con 

pochi emergenti e il deciso proposito 

di spremere la vena cinese, 

che costituiva il 12% dell'offerta. 

Tra i rari emergenti buona performance 

di Wangechi Mutu 

(204.500 BP) e mezza stecca 

per Dana Schutz (60.500 BP). 

Dei nostri restano sotto le stime 

Vezzoli, nonostante i 96.500 BP, 

e invenduti i lavori di Chia. A ben 

vedere il dato dell'invenduto è proprio 

il più eloquente: complessivamente 

nelle tre sessioni dedicate 

al contemporaneo ha raggiunto il 

30%, un chiaro invito al ribasso 

dei prezzi. 

Sorprendente invece il board dei 

compratori, che ha visto una 

larga partecipazione di collectors 

made in Usa che passano per 

essere quelli, sulla carta, più in difficoltà. 

Nelle due tornate di 

Impressionist & Modern hanno 

sfiorato addirittura il 43%. 

Negli ultimi anni il mercato si è 

continuamente interrogato sul 

“ 

Nei primi sette anni del 

nuovo secolo l'offerta in asta di 

arte contemporanea ha già 

superato numericamente quella 

di tutto il decennio 1990-2000 

suo futuro, per molti aspetti 

imperscrutabile se si pensa all'inedita 

situazione in cui è venuta a 

trovarsi l'economia globale. Ogni 

previsione, dalla più ottimistica 

alla più catastrofica, è considera- 

ta plausibile e ottiene favori. Sarà 

interessante un giorno voltarsi 

indietro e scoprire quale sia la 

reale eredità lasciata da questo 

periodo. 

Un piccolo assaggio può essere 

fatto analizzando proprio il segmento 

protagonista da ormai vent'anni, 

l'arte contemporanea. Nei 

primi sette anni del nuovo 

secolo l'offerta in asta di 

arte contemporanea ha 

già superato numerica- 

mente quella di tutto il 

decennio 1990-2000. In 

proiezione la percentuale 

di aumento può essere calcolata 

intorno al 37%. 

Rispetto ai singoli media 

quasi nulla è cambiato, con 

la pittura a detenere oltre il 

70% del mercato e una 

lieve flessione della scultura. La 

vera progressione la mette a 

segno la fotografia, che molti artisti 

oggi scelgono come strumento 

di espressione insieme all'installazione 

e al video; sul fronte del mer- 

E INTANTO LA CINA CONQUISTA IL PODIO 

Terzo posto assoluto del ranking mondiale per 

quanto attiene il numero di case d'asta e volumi 

di affari, scalzando così la Francia da una 

posizione che deteneva da tempo. In testa 

rimangono U.S.A. e UK ma la crescita del dragone 

è inarrestabile: +78% tra 2006 e 2007 

per volume d'affari. Al grande salto hanno contribuito 

non solo le succursali delle leader 

mondiali Crhstie's, Sotheby's e Bonham's ma 

anche le numerose case d'asta locali emergenti: 

Beijing ChengXuan, Shangai Hosane 

Auction, Hua Chen Auction, Beijing Council 

International Auction. Trentasei gli artisti cinesi 

che, nel 2007, si sono piazzati tra i principali 

contemporanei per volume d'affari. E ben 

quindici tra i trentacinque che hanno superato 

il milione di dollari. La rivalutazione dell'arte 

contemporanea cinese, dal 2001, è calcolata 

in un + 780%. I big assoluti? Tra i moderni Xu 

Beihong e Chen Chengbo, tra i contemporanei 

Cai Guo Qiang, che detiene il record assoluto 

per un artista cinese con 8,5 milioni di dollari, 

Zhang Xiaogang, esordio in asta nel 1998 e 

giro d'affari di 57 milioni di dollari nel 2007, 

Yue Minjun (record a 5,3 milioni di dollari), 

Zeng Fanzhi (record a 5 milioni di dollari) e 

Chen Yifei (record a 4,7 milioni). 

cato però solo la prima è stata 

realmente sdoganata dal sistema 

delle case d'asta, permettendole 

negli ultimi sette anni di quintuplicare 

il suo giro d'affari. 

LA FALSA CRISI 

La congiuntura economia minaccia di mettere 

in crisi il mercato dell'arte? Tutto falso secondo 

Souren Melikian che, su Artinfo.com, mette 

sul banco degli imputati le case d'asta, esaminando 

passo passo i loro punti deboli e accusandole 

di essere loro la vera minaccia. Scarsa 

disponibilità di opere importanti di grandi artisti, 

quotazioni gonfiate e penuria di venditori 

eccellenti sono le ragioni prime di una tensione 

crescente tra le auction house. In nome della 

tutela e della fidelizzazione del venditore e per 

scongiurare passaggi alla concorrenza si è 

innescato un processo di distorsione che sta 

penalizzando fortemente i compratori. 

L'irrisolto problema del duopolio Sotheby's- 

Christie's non fa che aggravare una situazione 

che Melikian giudica critica soprattutto rilevando 

un pericoloso abuso della pratica delle 

garanzie, consentite al venditore a copertura 

del rischio che l'opera resti invenduta o venga 

aggiudicata sotto la stima. Un tempo usato 

con parsimonia, il sistema è oggi divenuto per 

le case d'asta quasi una regola per fidelizzare i 

clienti venditori, a tutto discapito dell'equità del 

mercato e della sua trasparenza. La quota di 

garanzia infatti non è mai ufficialmente comunicata 

al pubblico. 

a sinistra: Francis Alys - Still from 

Ensayo I (The Rehearsal), 1999-2004 

(ed. 4) 

sotto: Thomas Scheibitz - Ideal, 2004 

- cm 295x195 

Mai l'arte contemporanea è stata 

insomma così protagonista. 

Qualcuno un po' frettolosamente 

ha invocato un nuovo 

Rinascimento. Ma la fioritura 

creativa di quell'epoca storica 

straordinaria dell'Europa a cavallo 

tra XV e XVI secolo è stata 

comunque appannaggio di un'élite 

economica, politica e religiosa ed 

è stata innanzitutto rivoluzione 

culturale e di pensiero. E 

pertanto non è mai accaduto 

che l'arte sia stata come 

oggi alla portata di tutti, vero 

ed inedito fenomeno di 

massa. Di consumo di 

massa. Che ciò abbia delle 

ricadute culturali paragonabili 

a quelle del Rinascimento 

è dunque tutt'altro che scontato, 

anzi. Il nostro è certamente 

il tempo del boom del 

mercato dell'arte ma non 

del boom dell'arte. L'offerta 

è aumentata a dismisura 

ma l'arte pervasiva, proprio 

per le logiche del sistema 

che la alimentano, fatica a 

consolidarsi nel tessuto culturale, 

a determinare cambiamenti 

di gusto e di pensiero; 

essa vive in condizioni 

di instabilità e provvisorietà, 

vittima della bulimia collettiva. 

Soffre della musealizzazione 

precoce che, per converso, 

si traduce in prematura obsolescenza. 

Sarà un caso, ma proprio 

precarietà e anacronismo sembrano 

dominare non solo nella critica 

ma anche nella ricerca artistica 

contemporanea. Quasi che 

entrambe, critica e ricerca, tendessero 

pericolosamente a legittimarsi 

all'ordine delle regole imposte 

dal mercato. Basta guardare 

ai top players della pittura (da Luc 

Tuymans a Elizabeth Peyton, da 

Karen Kilimnik a Peter Doig, da 

Kuitca a Scheibitz, da Daniel 

Richter a Rauch fino a Glenn 

Brown), per i quali è sempre più 

urgente rigenerare stili, ancorare 

concetti al passato recente e 

remoto. O ai grandi artisti fotografi 

e video (da Bill Viola a Douglas 

Gordon, da Richard Prince a 

Steve McQueen, da Kara Walker 

a Jeff Wall), per i quali il reenactment, 

la rievocazione e rivitalizzazione 

di una memoria perduta è 

spesso fonte di suggestione. 

Il sospetto è che dietro a tutto ciò 

si celi allora una grande contraddizione: 

mentre il mercato alimenta 

l'illusione di una nuova svolta 

culturale, l'arte combatte una 

lotta clandestina per la sua identità 

e sopravvivenza, nella quale la 

tanto temuta crisi potrebbe persino 

rivelarsi uno straordinario 

alleato. �

68.fashion Exibart.onpaper 

a cura di marzia fossati 

il volto della next generation 

Da vetrinista per Queen Viv a talento-rivelazione allevato tra le innovative fila di Anversa. Il perlaceo tocco 

lunare di Peter Pilotto punta ora alla conquista delle passerelle londinesi… 

�� Dall'austriaca città natale 

Wörgl alle vetrine della boutique 

londinese di Vivienne 

Westwood. Da Londra alla 

Royal Accademy of Fine Arts di 

Anversa, culla della fashioncreatività 

più avant-garde. 

Diversi i premi all'attivo - tra cui 

il Maria Luisa Award ricevuto 

all'interno del contest ITS 

(International Talent Support) 

ed il Coccodrillo Shoe Award - 

prima di tornare nuovamente 

nel Regno Unito per il battesimo 

ufficiale sulle passerelle 

della London Fashion Week con 

la collezione SS08, gran debutto 

e al tempo stesso sintesi del 

lavoro precedente, con tanto di 

NewGen Award sponsored by 

Top Shop: lo stesso riconoscimento 

che servì a lanciare, tra 

gli altri, i talenti di Alexander 

McQueen e Sophia Kokosalaki. 

Tra tailoring, printwork e ricerca 

sui tessuti si snoda tutto il 

discorso stilistico della primavera/estate 

2008 firmata dal 

giovane Peter Pilotto. Surreale 

e scultoreo, disciplinato e con- 

j'adore. 

QUANDO IL BRAND È "IMPEGNATO" 

Nato con la p/e 2008, il nuovo marchio made in 

Italy di abbigliamento streetwear BAMBOGJ ha 

presentato a Who's Next Paris la collezione a/i 

08/09, attraverso performance di video-arte 

realizzate da Basmati a.c. Felpe e t-shirt che rifiutano 

l'omologazione e comunicano con il pubblico 

tramite campagne pubblicitarie "intelligenti" che 

tematizzano questioni sociali fondamentali: dalla 

politica alla disoccupazione, dalla religione al 

tasso d'interesse variabile. Recentemente è poi 

nato BAMBOGJ Art Department per permettere 

a giovani artisti di dare libero sfogo alla propria 

creatività, realizzando una serie di opere d'arte 

che verranno utilizzate nei negozi quali esclusivi 

espositori per un capo BAMBOGJ. I primi ad 

essere coinvolti nel progetto? I giovani allievi 

dell'Accademia d'Arte di Ravenna. 

www.bambogj.it 

trollato nel taglio, Pilotto disegna 

silhouette mascoline - spalle 

forti e vita segnata - associandole, 

qua e là, ad un effetto 

drappeggio, cercato per 

ammorbidire l'immagine generale. 

Le proporzioni si individuano 

agli estremi della vestibilità: 

ora un abito è ampio e voluminoso 

- abbondanza di riprese 

generosamente distribuite 

lungo i fianchi di un tubino 

monocolore arancione - ora è 

asciuttissimo, letteralmente 

cucito addosso, nulla più che 

una tuta seconda pelle - robotica 

radiografia in lycra di seta - 

portata sotto una smoking-jacket 

attillata. La palette di colori 

si muove dai meccanici nerogrigi 

della session iniziale alle 

nuance pastello di tutta la 

seconda serie di outfit, dalla 

gamma dei nudi e dei sabbia 

alle fresche ombre ristoratrici 

di certi azzurri e verdi chiari. 

Toni ricavati sul limitare dell'arcobaleno, 

dialogo tra tinte unite 

e pattern geometrici: stampe 

che ammiccano tanto all'esteti- 

ca del pixel, quanto a certi 

canoni neo-etnici, per alcuni abitini 

smanicati in misto-cotone 

che si illuminano grazie a rifiniture 

lucide e cangianti. Lightblue 

malinconico per il mini- 

BIOCOUTURE MADE IN ITALY 

Nathu: un luogo reale dal simbolismo antico, 

un passo sulla catena himalayana, lungo la 

Via della Seta. Da questa suggestione geografica 

nasce la nuova linea di abbigliamento 

femminile che identifica ed esprime il lusso 

con l'equilibrio sostenibile. Nata da un'idea di 

Marta Pietribiasi, la collezione utilizza esclusivamente 

tessuti biologici, con tanto di certificazione 

ICEA. Lo stile è fuori dal tempo, 

con dettagli preziosi di antica memoria artigiana. 

Gli accessori in tessuto, dal jersey 

operato al denim, passando per il morbido 

cotone, sono il logico completamento di un 

look eco-chic: le cerniere delle borse sono 

prive di nichel e cromo, manici e profili sono 

in pelle conciata al vegetale. 

www.nathu.it 

www.icea.info 

dress zippato stretto in vita da 

una cerniera legata a mo' di cintura, 

le coppe sono conformate 

- plasmate in un cotone rigido, 

sostenuto, ma al tempo stesso 

malleabile - ultima evoluzione di 

IL PARKA DA SCUDETTO 

La caccia all'Inter Century Parka Woolrich è 

già iniziata da parte dei fans più accaniti, da 

Gabriele Salvatores a Claudio Bisio, da 

Enrico Mentana a Paolo Bonolis, passando 

per Aldo Giovanni e Giacomo. Creato in limited 

edition per celebrare il centenario della 

F.C. Internazionale, è realizzato in Winter 

Nylon giapponese, ad alte performance tecniche, 

mentre l'imbottitura Slim è in termolight, 

materiale poco voluminoso che mantiene 

però inalterata la temperatura del corpo, 

per un "assetto costante" a prescindere 

dalle variazioni climatiche. I dettagli rivelano 

poi la vera passione nerazzurra: dal ricamo e 

patch del centenario della squadra, al lining 

interno personalizzato Inter. 

www.woolrich.com 

www.wplavori.com 

in alto: Peter Pilotto 

"origami-bra", accenno 

ad un contemporaneo 

Oriente, dopo i riferimenti 

nipponici più istituzionali 

dell'autunno/inverno 

07/08. Stesso concetto 

di reggiseno "costruito" 

anche per i top, da portare 

con un paio di minimal 

shorts a vita alta e con il 

materico copri-spalle 

traforato, oppure con la 

minigonna orange, 

mossa da numerose 

pince. Sopra a tutto riluce 

- fulmineo guizzo 

generatosi in un astratto 

punto del passato e 

proiettato verso il futuro 

- il "moon-light shadow 

theme", cifra distintiva 

dello stilista, già opalescente 

e perlacea ossatura 

della graduation collection 

di Peter Pilotto, 

ospitata anche, sotto 

forma di video-installazione, 

presso diversi spazi d'arte: 

dalla Window Gallery di 

Anversa al Museum Boijmans 

Van Beuningen di Rotterdam, 

passando per il Centre Culturel 

Suisse di Parigi. La sua visione 

poetica e al tempo stesso 

molto energica della moda femminile, 

continuo dialogo tra la 

prospettiva classica di eleganza 

e l'evoluzione contemporanea 

del medesimo concetto, si è già 

guadagnata le pagine di alcune 

tra le principali testate di riferimento 

per il fashion system: 

Women's Wear Daily, i-D, 

Dazed & confused, Self Service 

e Nylon hanno già iniziato a 

documentare il tocco magico di 

Pilotto, la libertà che i suoi abiti 

incarnano e le innumerevoli 

possibilità di celarsi dietro a differenti 

personalità che essi 

offrono. � 

www.peterpilotto.com 

link.

Exibart.onpaper handbag.69 

a cura di valentina tanni 

POKER DI ARCHITETTI 

Se la vostra passione è l'architettura, il 

mazzo di carte Play Architecture potrebbe 

essere il gadget che fa per voi. 

Immaginate un tavolo 

verde dominato da 

Le Corbusier, 

Gaudì e Van 

der Rohe, 

protagonisti, 

insieme 

a molti 

altri grandi 

nomi dell'architettura 

moderna, di un set di 

carte da gioco francesi. I 

quattro semi corrispondono 

ad altrettante correnti 

storiche: Pre-Modernismo, 

Modernismo, Post-modernismo 

and De-Strutturalismo (in vendita 

su www.designmuseumshop.com)... 

NUTELLA BAG 

Non poteva essere firmata che da Gilli 

(www.gilli.com) la borsa a forma di barattolo 

di Nutella commissionata da Ferrero 

e prodotta in soli cento 

esemplari (Gilli 

Nutella Cube). 

L'accessorio, in 

vitello nappato 

marrone e bianco, 

riproduce nel 

dettaglio la confezione 

della 

mitica crema 

di nocciole, 

con tanto di 

etichetta e 

tappo zigrinato. 

IL PARADOSSO 

ADDOSSO 

Le spillette rotonde (dette anche pins) 

sono tornate di moda già da qualche 

anno, aiutate dal successo dello streetstyle. 

Una versione colta e divertente è 

offerta da Button Paradox, una coppia di 

spille che inscena, 

con due semplici 

frasi, il 

più classico 

dei paradossi. 

Il cerchietto 

rosso dice che 

quello blu è vero, mentre il blu dice che il 

rosso è falso (in vendita su 

www.etsy.com)... 

SORRISI DI GHIACCIO 

C'è una dentiera nel bicchiere? Colpa del 

designer Jason Amendolara 

(http://jasonamendolara.wordpress.co 

m), che, al grido di "le dentiere non sono 

più solo dei nonni", ha trasformato la scomoda 

protesi in ghiaccio da cocktail. Il 

prodotto si chiama Frozen Smiles ed è in 

vendita su www.worldwidefred.com. 

Niente più sorrisi di circostanza ai party, 

solo sorrisi congelati… 

Dall’alto a sinistra prima riga: il progetto di biblioteca sulle scale di Levitate Architects - Bibliochaise, degli italiani 

Nobody&Co. - Book Clock, l'orologio da libreria. 

Seconda fila: Equation Bookshelf, la mensola delle parentesi - Pile of Books, di Josefin Hellström-Olsson. 

Terza fila: See-Saw Bookshelf, di BCXSY - Nightstand / Poetry, di Marian Laššák - The Enlightenment, il libro 

luminoso di Studiomeiboom. 

un libro 

Il mio regno per 

"Non riesco a saziarmi di libri. E sì che ne posseggo un numero superiore al necessario" scriveva 

Francesco Petrarca all'amico Giovanni Anchiseo nel 1346, in una famosa lettera in cui 

chiedeva, tra le altre cose, di procurargliene degli altri. La passione per i libri e per la carta 

stampata è sopravissuta ai secoli e a tutte le innovazioni tecnologiche; una passione che riguarda 

la forma dell'oggetto (con tutte le simbologie che racchiude) tanto quanto il suo contenuto. 

Ed è per questo che la libreria e i volumi rilegati restano i protagonisti indiscussi delle sperimentazioni 

dei designer di tutto il mondo. C'è chi si preoccupa di ottimizzare lo spazio, inventandosi 

nuove e fantasiose collocazioni per i patrimoni librari personali, come lo studio londinese 

Levitate Architects (www.levitate.uk.com), che ha presentato di recente The Book Staircase. 

Centinaia di volumi trovano posto, allineati con cura, negli spazi ricavati tra un gradino e l'altro 

di una scala che collega due piani di un appartamento. Una simile logica, in piccolo, è stata applicata 

nel progetto Bibliochaise, degli italiani Nobody&Co (www.nobodyandco.it): una poltronabiblioteca 

pensata per "immergersi letteralmente nella lettura". 

Josefin Hellström-Olsson (www.beckmans.se/josefin-hellstrom-olsson), con il suo Pile of 

Books, propone invece un comodino che evoca, nella forma, una colonna di libri. Ciascun volume 

diventa un contenitore, non solo per romanzi e giornali, ma anche per la sveglia, le pantofole, 

la tazza di caffè. Quasi identico, ma con un piglio più mimetico, il progetto di Marian Laššák, 

Nightstand / Poetry, in cui ogni libro nasconde un cassetto (su www.comunistar.com). 

Due mensole originali sono invece quelle di Estudio Breder (in Equation Bookshelf libri e oggetti 

sono racchiusi in parentesi graffe, quadre e tonde - su http://estudiobreder.blogspot.com) 

e di BCXSY (See-Saw Bookshelf misura ironicamente il "peso" delle pubblicazioni. Su 

www.gnr8.biz). 

Ci sono casi in cui del libro rimane soltanto l'involucro, che integra funzioni non previste. È il caso 

di Book Clock, un orologio che si mimetizza perfettamente in mezzo alla biblioteca simulando 

un tris di eleganti tomi rilegati con copertina rigida (su www.perpetualkid.com). The 

Enlightenment, infine, di Studiomeiboom (www.studiomeiboom.nl), immagina un libro capace di 

illuminare, letteralmente quanto metaforicamente (www.lightupyourworld.nl). 

I suoi lavori sono stati efficacemente 

definiti "Book Autopsies", autopsie di libri. Questi 

ultimi infatti vengono scavati in profondità e usati 

come materiale scultoreo, dando vita ad affascinanti 

mondi tridimensionali fatti di carta e inchiostro. Lui 

si chiama Brian Dettmer ed è un giovane artista 

americano. Una selezione delle sue migliori opere è 

visibile sul sito della galleria Hayeé Rovirosa di 

New York: www.haydeerovirosa.com. 

NEOCLASSIC GRAFFITI 

Si chiama Art 

Relic ed è un 

insolito oggettod'arredamento 

che 

mescola suggestioniarcheologiche 

con un'attitudine 

punk. La scultura, 

in gesso dipinto 

di nero, viene venduta in una cassa di 

legno con tanto di lucchetto e insieme a 

un punteruolo. A cosa serve? A sfogare 

latenti pulsioni vandalistiche "personalizzando" 

il busto classico con scritte e graffiti 

(in vendita su www.kael-shop.it). 

GEOGRAFIE 

GASTRONOMICHE 

C'è un duo di designer tutto al femminile 

dietro la serie di accessori per la tavola 

Topoware (www.topoware.org). La canadese 

Alexandra Deschamps-Sonsino e la 

tedesca Karola Torkos si sono ispirate al 

concetto di "dining landscape", pensando 

all'universo della tavola e al rito del mangiare 

come ad un vero e proprio paesaggio. 

Ecco allora tovagliette, piatti e posate 

con curve di livello e profili topografici. 

Perché "mangiare è un viaggio"… 

OPTICAL SHOES 

Motivi geometrici, fantasie concentriche e 

illusioni ottiche. Si ispira dichiaratamente 

all'arte Optical la collezione primaveraestate 

2008 della Onitsuka Tiger 

(www.onitsukatiger.it). Una serie di sneakers 

che accosta pattern ipnotici in bianco 

e nero con dettagli coloratissimi. 

Dedicate a tribù urbane 

dai gusti psichedelici… 

UN CAPOLAVORO DI TV 

Raramente quello che vediamo sullo 

schermo televisivo può essere considerato 

"arte". Al contrario, l'estetica dell'oggetto 

tv assume sempre più importanza. 

Lo ha capito il designer svedese 

Axel Bjurström (www.bjurstrom.com), 

autore di TV Easel, un mobile porta tv 

che evoca le forme di un cavalletto da 

pittore. Il progetto fa parte di una serie 

commissionata da Panasonic.

70.decibel Exibart.onpaper 

a cura di alessandro massobrio 

paesaggi in movimento 

Una disciplina plurale, rivoluzionaria, ma ancora in via di definizione. È il design acustico, i cui teorici si dividono tra 

sostenitori di una "rumorosa" oggettività e predicatori di una "chiaroudenza" soggettiva. In mezzo, spunta la terza via… 

��Il design acustico è un settore 

interdisciplinare ancora in 

fase di definizione, sia pratica 

che teorica. Sviluppatosi sulla 

scia delle idee rivoluzionarie di 

Pierre Schaeffer e messo a 

punto qualche anno più tardi 

dal compositore e musicologo 

Raymond Murray Schafer con 

l'attivazione del World 

Soundscape Project, il design 

acustico ha contribuito a definire 

l'orizzonte della sperimentazione 

sul suono degli ultimi 

trent'anni. Con esiti spesso 

apprezzabili sia sul piano della 

pratica compositiva e artistica 

sia su quello della riflessione 

teorica, in cui trovano spazio 

un numero sempre crescente 

di filosofi, musicisti, antropologi, 

architetti, ingegneri, sociologi 

e amatori. 

Tra le questioni più discusse, 

quella della scelta del modello 

e delle strategie di intervento 

nell'ambiente si pone ancora 

oggi saldamente al centro degli 

interessi degli studiosi, dando 

vita ad alcune controversie per 

molti versi paradossali e ambivalenti. 

I teorici del modello acustico 

ambientale ritengono possibile 

un approccio totalmente 

oggettivo al suono, concepiscono 

lo spazio come il contenitore 

vuoto del suono e sostengono 

la necessità di pianificare 

interventi tecnici per migliorare 

l'ambiente urbano. Di contro, 

una nutrita schiera di 

musicisti e ricercatori insiste 

nel porre l'accento sulle componenti 

soggettive dell'ascolto 

e sul legame che unisce, e letteralmente 

con-fonde, input e 

output all'interno del paesaggio 

sonoro. Un posto a parte è 

occupato invece dalla proposta 

di Barry Traux di definire progressivamente 

i compiti del 

design acustico, tenendo conto 

di una dialettica della complessità 

che si instaurerebbe tra 

micro e macro sistemi all'interno 

di ciò che lui definisce la 

comunità acustica. 

Secondo i teorici del primo 

modello il suono è essenzialmente 

un flusso energetico di 

informazioni che si muove unidirezionalmente 

da una fonte di 

emissione verso un soggetto 

ricevente. Esso, così considerato, 

si configura perlopiù come 

un elemento astratto, misurabile 

indipendentemente dall'ascoltatore. 

Questo punto di 

vista è l'impulso di una lunga 

serie di iniziative e progetti - 

inascolto. 

QUARISTICE 

L'uscita della nona release degli 

Autechre, Quaristice, che contiene ben 

venti tracce, porterà la storica band di 

Rochdale in giro per l'Europa con un 

tour che toccherà anche l'Italia, dal 14 

al 16 marzo. Ecco il calendario: il 14, a 

Torino, Hiroshima Mon Amour; il 15, a 

Roma, Officine Marconi; il 16 a 

Bologna, Kindergarten. 

totalmente indifferenti alla 

maggior parte delle amministrazioni 

locali italiane ma 

abbastanza diffusi in altre parti 

d'Europa e nel Nord America - 

volti ad un miglioramento della 

qualità della vita secondo lo 

schema rumore=danno. Anche 

la politica di sensibilizzazione 

dei rischi connessi con l'alto 

livello di rumore sul posto di 

lavoro, finalizzata alla conservazione 

dell'udito del lavoratore 

quanto a quella del denaro 

necessario per non danneggiarlo, 

segue lo stesso sentiero, 

mentre l'industria musicale 

e l'ingegneria elettroacustica 

ne sfruttano le intuizioni per 

definire uno standard di ascolto 

e di mercato - hi-fi - sempre 

più esigente e tecnologico. A 

tal proposito è piuttosto sorprendente 

notare come le tecniche 

di esaltazione della 

massa sonora, come l'enhancement, 

si muovano esatta- 

mente nella direzione opposta 

a quella dettata dal binomio 

silenzio/benessere che le ispira, 

con l'effetto certo di isolare 

in basso: Pierre 

Schaeffer - 

Courtesy of the 

Canadian Music 

Centre 

il suono dal suo contesto originale 

di produzione e quest'ultimo, 

attraverso le cuffie, dall'ascoltatore. 

Un destino simile a 

“ 

Per il designer del paesaggio 

sonoro la ricerca coincide con la scelta 

di alcuni suoni piacevoli e l'esclusione 

di altri considerati sgradevoli, in vista 

del raggiungimento di un presunto 

stadio di superiorità acustica 

TUTTI ALL'AUDITORIUM 

Meet In Town è la rassegna che la fondazione 

Musica per Roma dedica alla club culture e al 

meglio della scena elettronica mondiale. Un 

modo nuovo di vivere gli spazi dell'Auditorium. 

Un week-end al mese per scoprire alcuni dei più 

interessanti artisti internazionali. Paesaggi 

sonori differenti, contaminazioni, progetti speciali. 

Queste le prossime date: 7 marzo: 

Fennezs e Zav Jacob e Jean Marc Caimi; 8 

marzo: Telefon Tel Aviv; 4 aprile: Kode9 and 

Spaceape// Kikko Solaris e S.Dub. 

quello della realtà virtuale 

nel cinema, la 

quale, una volta assuefatti, 

anziché produrre 

un più forte realismo 

sortisce l'effetto contrario 

di uno smascheramento 

della finzione 

e di un invecchiamento 

precoce delle immagini 

o peggio di uno svilimento 

del reale; allo stesso 

modo il suono, separato del 

rumore, nel lungo periodo finisce 

col produrre un'intolleranza 

al suono dell'ambiente. 

I sostenitori del secondo 

modello, quello del paesaggio 

sonoro, preferiscono privilegiare 

l'esperienza dell'ascolto, 

trattano il suono come il risultato 

di una relazione bidirezionale 

e continua tra sorgente e 

ricevente - tenendo cioè conto 

del soggetto simultaneamente 

come ascoltatore e produttore 

di suono - e appoggiano una 

valutazione non quantitativa del 

sonoro. In questo senso essi si 

DA METROPOLIS AD AFTERVILLE 

Il 27 marzo l'edificio più visionario e utopico 

della città di Torino - la Mole 

Antonelliana, costruita sul finire 

dell'Ottocento e oggi sede del Museo 

Nazionale del Cinema - ospiterà lo spettacolo 

"Da Metropolis ad Afterville", con la 

musica ipnotica dei torinesi Larsen e una 

videoinstallazione che ripercorrerà un 

secolo di storia del cinema di fantascienza, 

presentando, come in un vasto collage, 

scorci ed elementi delle città di domani. 

avvalgono di un'interpretazione 

del suono già nota ai fenomenologi, 

che ne esaltano il potere 

conoscitivo mettendone in 

luce il legame materiale con la 

realtà interna della cosa, a differenza 

per esempio del colore, 

che si ritiene inerisca solo 

alla superficie del mondo. 

Gli studi sul paesaggio sonoro, 

che scelgono una metodologia 

in larga misura qualitativa e si 

basano perlopiù su differenze 

percettive, tendono a ricadere 

nel contenitore teorico dell'etnografia 

e dell'antropologia, 

fornendo scarsi risultati sul 

piano strategico e traducendosi 

il più delle volte in uno slancio 

emancipativo, pedagogico o 

morale. Per il designer del paesaggio 

sonoro la ricerca del 

suono coincide con la scelta di 

alcuni suoni piacevoli e l'esclusione 

di altri considerati sgradevoli, 

in vista del raggiungimento 

di un presunto stadio di 

superiorità acustica che 

Schafer chiama chiaroudenza. 

Le riflessioni di Marius 

Schneider sul significato della 

musica, o ancora il fascino di 

Schafer per le culture primitive 

e le cosmogonie antiche, in cui 

egli vorrebbe rintracciare i 

segni di un primato sonoro del 

cosmo, si collocano a questa 

altezza con un forte richiamo 

spirituale che poco si accorda 

con le tecnologie elettroacustiche 

indispensabili al designer, il 

miglioramento della qualità 

della vita e l'ambivalenza contemporanea 

di natura e cultura 

nel paesaggio sonoro stesso. 

�

Exibart.onpaper pre[ss]view.71 

a cura di marco enrico giacomelli 

idee chiare, colore scuro 

Presentato nei primi giorni di febbraio, il progetto "Brown Magazine" nasce da un'idea di Luca Francesconi 

e Luigi Presicce. Per una rivista che non sia soltanto tale. Gli interessi? Gli spazi non profit e l'alchimia, la 

curatela come disciplina artistica e la spiritualità. Ne abbiamo parlato con i due artisti... 

�� Cominciamo dall'inizio: 

quando nasce il progetto di 

Brown Magazine? E cosa significano 

i due termini che lo definiscono? 

L'idea del trimestrale nasce 

circa un anno fa da una delle 

tante chiacchierate fatte tra noi. 

Brown è il "nome proprio" di un'iniziativa 

con al centro un magazine, 

una rivista online di approfondimento 

e ricerca sulle arti 

visive. Ma il progetto è certamente 

più ampio e articolato. 

Due artisti che fondano una 

rivista. È una cosa che non succedeva 

da qualche anno... Il 

"sistema" vi pare asfittico? Il 

vostro "ruolo" vi sta stretto? 

La necessità di creare Brown 

non nasce in contrapposizione o 

reazione a nulla, al contrario: lo 

stimolo è stato generato dall'osservazione 

di molte realtà non 

profit e spazi di progetto sparsi 

un po' in tutta Europa, con i quali 

desideriamo rapportarci e creare 

un network. Stiamo assistendo 

a un momento particolare 

della storia dell'arte contemporanea: 

artisti e curatori si mettono 

in gioco in prima persona 

senza più una distinzione netta, 

come sarebbe avvenuto fino a 

poco tempo fa. Questa logica 

aperta evidenzia sempre più 

come la curatela diventi disciplina 

artistica a sé stante, al pari di 

tecniche quali la fotografia, la 

scultura o il disegno. Sarebbe un 

discorso molto ampio, ma riteniamo 

davvero sia questo il motivo 

che sta portando gli artisti a 

un maggior coinvolgimento e 

non tanto un rimescolamento 

dei ruoli. Il nostro impegno di 

artisti continua individualmente 

come prima, Brown è un progetto 

distinto. 

La scelta di fare un prodotto 

che resta sul web è funzionale 

alla creazione di un network 

senza troppi oneri economici. 

Ma come vive Brown? 

rotocalco. 

UNO SCRIVANO PER L'ARTE 

Presentata a Bologna ad Arte 

Fiera, Bartleby è una rivista di 

approfondimento dedicata all'arte 

contemporanea. Stampata da 

Gli Ori e diretta da Alessandro 

Sarri, esordisce con un #0 

Untitled. La lista dei contributor 

è nutrita: Giulio Paolini, Saretto 

Cincinelli, Elio Grazioli, Mauro 

Panzera, Tommaso Tuppini, 

Alessandra Violi e Jorge Molder. 

www.bartlebyrivista.it 

La rivista, il cui concept grafico è 

stato pensato da Paolo Gonzato, 

ha comunque due modi di essere 

consultata: online, tramite il 

sito www.brownmagazine.net in 

italiano e in inglese, ma anche in 

versione pdf stampabile, sempre 

al medesimo indirizzo. 

Brown è stato finora autofinanziato 

da noi e si è avvalso del 

contributo di persone vicine, che 

hanno messo a disposizione con 

entusiasmo le loro competenze 

tecniche per il sito, come 

Francesca Conchieri, e per la 

comunicazione e ufficio stampa, 

come Valentina Suma. La nostra 

non è una rivista classica, non è 

quello il nostro obiettivo. 

Dunque, non vi sarà 

alcuna raccolta di 

materiale pubblicitario. 

Piuttosto metteremo 

molta attenzione nella 

produzione degli 

accessori correlati al 

nostro brand e inoltre 

vi sarà una selezionatissima 

proposta di 

multipli di artisti internazionali. 

Settore, quest'ultimo, 

molto sottovalutato 

in Italia. 

Ezechiele Leandro - Santuario della Pazienza (particolare) - San 

Cesareo, Lecce - photo Luigi Presicce 

Luigi Presicce per pre[ss]view 

ARTE IN LIBRERIA 

Edito dalla storica libreria Bocca 

di Milano - ditta fondata a Torino 

nel 1775 - Arte Incontro è un trimestrale 

stampato dal 1990. 

Ha naturalmente il suo interesse 

primario nell'editoria d'arte, ma 

non vi si limita affatto. Anche grazie 

alla collaborazione dello storico 

dell'arte Antonio D'Amico e al 

supplemento Le Segrete di 

Bocca. 

www.libreriabocca.com 

In cinque righe la La testata di Brown Magazine 

vostra linea editoriale. 

Dieci se rispondete 

con una sola voce! Brown è un luogo di approfondimento, 

una realtà aperta, una 

volontà di connessione e, in ultimo, 

il desiderio di analizzare 

quella parte di arte contemporanea 

prossima alla cultura 

popolare, alla spiritualità, all'alchimia 

e alla metafisica. Il format 

sarà basato prevalentemente 

sull'intervista, sia come 

forma più diretta di dialogo e 

ricerca, sia come posizione di 

scambio fra chi pone domande 

e chi risponde. Brown si avvarrà 

del contributo di curatori e 

artisti di diverse nazionalità. 

Oltre a una sezione dedicata in 

generale alla produzione artistica 

di vari autori, raccoglierà 

anche interviste specifiche su 

una sola opera, così come l'approfondimento 

su artisti del 

passato recente. Una particolare 

attenzione sarà riservata a 

tutte quelle realtà simili, spazi 

di progetto e non profit, collettivi 

curatoriali, con i quali vuole 

porsi idealmente in relazione. 

CINA CANADESE 

Pubblicato a Taipei ma editato a 

Vancouver, si occupa di arte cinese 

contemporanea ed è scritto in 

inglese. È la schizofrenica geografia 

di una rivista che da gennaio 

diventa bimestrale. Niente crisi 

del settimo anno, dunque. Al contrario, 

Yishu si conferma leader 

nel settore sotto la guida di Keith 

Wallace. E amplia la propria rete 

distributiva. 

www.yishujournal.com 

Parliamo del primo numero... 

La prima uscita conterrà una 

conversazione di Katia 

Anguelova con Seamus Farrell, 

un'intervista di Lorena 

Giuranna ad Alessandra 

Galbiati su Alik Cavaliere, con 

un'ampia selezione di scritti inediti 

dell'artista a cura di Lorena 

ICONO-GRAFIE 

Nato nel 2007 e votato alla 

cultura visiva contemporanea, 

il trimestrale Eikon affianca la 

storica rivista del gruppo Art'è, 

FMR. Ma la sequenza monografica 

si chiude con quest'ultimo 

#5 consacrato al "Viaggio". 

Perché è alle porte una ulteriore 

novità: una FMR "bianca", 

contraltare non solo cromatico 

dell'ammiraglia. 

www.fmrarte.it 

Giuranna e Luigi 

Presicce. Poi un'analisi 

di Caterina Riva sull'opera 

performativa di 

Joan Jonas, oltre a una 

prima mappatura degli 

spazi non profit in 

Europa. Inoltre, una 

conversazione tra Luca 

Francesconi e Olivier 

Babin sull'opera Los 

Angelus e un'intervista 

di Eleonora Battiston 

con Carol Lu e Pink 

Studio. 

In una precedente 

occasione avete parlato 

di opera - e artista - come 

valore assoluto. In una società 

che, volenti o nolenti, si basa 

sul valore di scambio come la 

mettiamo? 

Non ne vediamo l'antitesi. 

Approfondire tematiche dell'arte 

legate alla spiritualità ci sembra 

la miglior piattaforma per 

iniziare quel dialogo, quello 

scambio che ci siamo prefissi 

verso tutte le realtà non profit. 

Il nostro obiettivo di crearne un 

network è di lungo periodo, noi 

due abbiamo iniziato con molta 

umiltà, e con altrettanta cercheremo 

di procedere. Anche 

ora che la squadra è più ampia! 

Arte contemporanea e spiritualità: 

non temete l'affrettato 

incasellamento nelle esperienze 

che per semplicità possiamo 

definire "New Age"? 

La New Age è un fenomeno sincretico 

e generalista abbastanza 

superato, molto più legato 

agli anni '60 e '70. La spiritualità 

è un tema ampio e a nostro 

avviso estremamente attuale 

nella dialettica contemporanea, 

con una ritrovata attenzione 

verso l'arte popolare. Basta leggere 

il primo numero e dare 

un'occhiata al sommario per 

capire che l'impostazione editoriale 

ha un respiro più ampio e 

aggiornato. � 

RADDOPPIO PARIS 

Fabio Paris, titolare dell'omonima 

galleria, è fra le rare realtà 

europee a portare avanti un lavoro 

coerente sulla "new media 

art" con gruppi come 01.org e 

Ubermorgen. All'attività espositiva 

affianca ora quella editoriale. I 

primi due volumi sono dedicati a 

Todd Deutsch e Gazira Babeli, 

con doppia edizione italiana e 

inglese. 

www.fpeditions.com

72.libri Exibart.onpaper 


il tempo dei frammenti 

Se il fascismo viene necessariamente dopo la lettera, allora le neoavanguardie hanno un problema. Taccuino 

di viaggio attraverso una manciata di volumi. Connessi dallo stile frammentario. Talora loro malgrado... 

�� Uno degli interventi di Slavoj 

Zizek che la casa editrice de "il 

manifesto" ha raccolto sotto il 

titolo di Distanza di sicurezza. 

Cronache dal mondo rimosso - 

talvolta veri e propri scritti d'occasione 

ed editoriali scritti "a 

caldo" - è dedicato a Leni 

Riefenstahl e alla sua "perfezione". 

La tesi dell'intellettuale sloveno, 

che naturalmente si può 

applicare ben oltre il caso della 

regista tedesca, è che "non c'è 

'fascismo avant la lettre', perché 

è la lettera stessa (la designazione) 

che dall'insieme degli elementi 

fa nascere il fascismo vero e 

proprio". Perché si possa parlare 

di fascismo è dunque necessario 

che siano emerse contemporaneamente 

alcune caratteristiche; 

soprattutto, è indispensabile 

che queste non siano limitate al 

piano retorico, ma subiscano 

una "torsione concreta". In altre 

parole, il fascismo è l'attuazione 

di un programma. 

Si potrebbe tentare una lettura 

"sociale" dell'arte a partire da 

questa definizione. E rintracciare 

conferme e smentite, in particolare 

concernenti il passaggio dal 

moderno al contemporaneo, sul 

crinale della Seconda guerra 

mondiale e della conseguente 

spartizione dell'Europa. 

Insomma, Storia e geografia, 

come sottotitola il suo libro 

Catherine Millet, fondatrice e 

direttrice di "Art press" e nota ai 

più in Italia per La vita sessuale di 

Catherine M., romanzo che ha 

goduto di una certa diffusione. 

Ora, che un libro titolato Arte 

contemporanea venga ristampato 

con ben poche varianti a nove 

anni di distanza dalla sua prima 

pubblicazione (1997, 2006, traduzione 

italiana 2007) è già un 

dato interessante. Che situi la 

nascita della suddetta arte contemporanea 

a metà anni '40, 

oppure nei postmoderni anni 

'80, o ancora nei primi '90, e che 

comunque rammenti l'"ampio 

consenso sulla collocazione della 

data di nascita dell'arte contemporanea 

nel periodo compreso 

no dust. 

MANUALE DELLE PASSIONI 

Sono "incontri, scontri e tensioni 

di arte contemporanea" quelli 

che Francesca Alfano Miglietti 

ha raccolto in questo libro. Scritti 

riveduti e corretti per calzare in 

due macro-aree: l'invisibile e il 

visibile. Nel primo caso si va da 

Fontana a Laib, nel secondo si 

transita da Duchamp a Sophie 

Calle. Critica, ma sempre e 

comunque appassionata. 

Skira - 302 pp. - 24 euro - 

www.skira.net 

tra il 1960 e il 1969" - 

turbinìo di opinioni che 

derivano dal lavoro preliminare 

la stesura del 

libro, consistente in numerose 

interviste ad "addetti 

ai lavori" - rischia di essere 

piuttosto disorientante. 

Ma ciò che turba, sebbene 

si tratti di un'assonanza 

e nulla più (?), è la considerazione 

relativa al passaggio 

dalle avanguardie 

"storiche", i cui esponenti 

"avevano già rabbiosamente 

fatto a pezzi le convenzioni 

e giocato agli 

apprendisti stregoni", al 

decennio che avrebbe 

aperto "uno spazio di libertà 

di cui non avevano 

certo goduto i pionieri". 

Conclusione: "Nel riallacciarsi 

alle avanguardie di 

inizio secolo, i movimenti degli 

anni Sessanta si presentano 

come la loro realizzazione". Non 

solo. Questa attuazione porta 

con sé anche la propria legittimazione, 

comunicata a diversi 

livelli, dal mercato alle acquisizioni 

museali (con buona pace di 

tanta ingenua retorica sulla 

purezza dell'arte e la sussunzione 

operata dalla finanza: quale 

miglior desacralizzazione del 

capolavoro se non il cartellino col 

prezzo apposto al suo fianco?). In 

altre parole, "l'arte contemporanea 

opera una saldatura laddove 

la modernità segnava una rottura", 

almeno in apparenza. E ancora: 

l'abbandono della teleologia 

comporta alcune controindicazioni, 

in primis una sorta di collasso 

temporale nell'imbuto del 

presente, con effetti quali 

l'"amnesia di tipo parziale, selettivo" 

e l'ipoteca sul futuro, come 

ha insegnato Gillo Dorfles; e un 

secondo collasso, quello 

dell'"opacità del codice 

simbolico", per cui si può (?) dire 

che Cattelan ha impiccato alcuni 

bambini in una piazza milanese. 

Cosa incarna l'attuazione del programma 

moderno? Millet cita 

Cyril Jarton, e in particolare ram- 

FRANCESCO PAOLO MICHETTI 

Dopo l'impresa dedicata a Basilio 

Cascella, quel minuzioso biografo 

che è Franco Di Tizio si cimenta 

con il capostipite del cosiddetto 

"Cenacolo di Francavilla". La 

cittadina in provincia di Chieti 

dove un Museo prende il nome di 

Michetti così come un premio 

che, nel 2008, giungerà alla 

venerabile 59esima edizione. 

Ianieri - ill. b/n - 560 pp. 

36 euro - www.ianieriedizioni.it 

menta l'interazione fra l'accezione 

artistica e quella linguistica 

del termine performativo. In questo 

duplice senso, si può dire con 

Jarton e col nostro dimenticato 

Pareyson che "formare significa 

fare, ma un fare che mentre fa, 

inventa il suo modo di fare". 

Insomma, è l'opera d'arte contemporanea 

stessa che scrive e 

attua il proprio programma; e 

questo programma è l'opera. 

Questo carattere autoreferenziale 

e autopoietico - Szeemann 

lo chiamava mitologia individuale 

e ne ha fatto il soggetto della 

quinta Documenta - coinvolge 

l'ontogenesi come la filogenesi 

dell'opera. Ovvero sia la progettualità 

che conduce e costituisce 

l'opera stessa, sia la "tradizione" 

nel solco dalla quale quella stessa 

progettualità emerge: 

"L'ambiente artistico, trascinato 

nella fuga in avanti delle avanguardie, 

ha finito per stabilizzarsi 

su una velocità di crociera che 

ammette tutte le tendenze contemporaneamente". 

È il modello 

del traditore teorizzato da Bonito 

Oliva e attuato in Italia in primo 

luogo dalla Transavanguardia. 

Se dunque si può dire che il futuro 

non è più quello di una volta, 

no italian. 

MARTIN PARR 

L'ultimo uscito nella collana "55". 

Ovvero 55 scatti fondamentali 

nella carriera d'un artista con in 

mano una macchina fotografica. 

Ordinati cronologicamente, 

introdotti da un critico - Sandra 

S. Phillips nella fattispecie - e con 

sintetica biografia in chiusura. 

Data pure l'ottima qualità di 

stampa, il rapporto qualità-prezzo 

è degno di nota. 

Phaidon - ill. col. - 128 pp. - 

19,95 euro - www.phaidon.com 

almeno per ora lo stupore si è 

rifugiato nei sempre più ridotti 

spazi dell'altrove. Per ciò il critico 

diviene curatore e lo storico, a 

detta di Hans Belting, si trasforma 

in antropologo. Con piglio più 

o meno partecipante, osserva la 

nascita dell'opera, la sua gestazione, 

il suo farsi. 

Viste le tesi esposte, la disorganicità 

del libro di Catherine Millet 

diventa un manifesto, un raddoppio 

delle tesi stesse. Ma mai 

quanto la forma quasi aforistica 

del volumetto di Bruno Pedretti, 

La forma dell'incompiuto. 

Quaderno, abbozzo e frammento 

come opera del moderno. 

Volume erudito, meta-citazionista, 

che zampetta con agilità fra 

discipline, muse, tempi e modi 

dell'arte, della filosofia e della 

sophia. Per mostrare, più che 

dimostrare, l'estrema contemporaneità 

(e dunque modernità e 

antichità) della "forma incompiuta". 

Che solo in un'ottica teleologica 

può venir considerata una irrilevante 

bozza del prodotto finale. 

Le conseguenze di tale sguardo 

rinnovato sono innumerevoli: 

concernono ad esempio il mercato 

crescente e fiorente dei 

disegni, dei diari, degli appunti, 

ARTE CONTEMPORANEA E 

TECNICHE 

Un volume che riflette su "materiali, 

procedimenti, sperimentazioni" 

nell'arte contemporanea. Dagli 

albori avanguardisti alle nuove tecnologie. 

La cura è affidata a Silvia 

Bordini e l'obiettivo è puntato sull'opera 

d'arte intesa come frutto 

d'una tecnica e d'una processualità 

tecnologica. Un libro materialista, 

ben oltre il crocianesimo. 

Carocci - 314 pp. - 22 euro - 

www.carocci.it 

Maurizio Cattelan - Senza titolo, 2004 - 

courtesy Fondazione Trussardi, Milano - 

photo Marco Enrico Giacomelli 

finanche dei promemoria 

(l'Appuntamento con l'urologo di 

Robert Gober), oppure possono 

riguardare la riflessione più teoretica 

sul rapporto fra mano e 

mente, sulla scia di Focillon. Non 

è naturalmente possibile sintetizzare 

linearmente le divagazioni 

intrecciate alle quali Pedretti 

espone il proprio lettore. Questa 

stessa possibilità testimonierebbe 

dell'insuccesso del libro. Ciò 

che però va almeno accennato è 

che tutto questo discorso, più o 

meno apertamente vitalistico, 

che ha il suo perno nella magnificazione 

dell'esperienza nel suo 

darsi o, in altri termini, dell'opera 

nel suo farsi, altro non è che una 

nuova - e nemmeno tanto - mitologia 

"sintomatica" del nostro 

tempo. 

A questo punto, unendo all'obsolescenza 

del kantiano "disinteresse" 

dell'arte il carattere sintomatologico 

di quest'ultima nella sua 

declinazione contemporanea, 

non pare così azzardata l'ipotesi 

letteralmente delirante di 

Roberto Cascone, noto alle cronache 

per essere il fondatore del 

Cattelan Funs Club. Ossia utilizzare 

l'arte contemporanea come 

terapia. Aristotelico. � 

I volumi segnalati. 

. Roberto Cascone, ArTherapy. 

Curarsi con l'arte contemporanea, 

Giraldi, pp. 130, 11 euro 

. Catherine Millet, L'arte contemporanea. 

Storia e geografia, 

Scheiwiller, pp. 176, 16 euro 

. Bruno Pedretti, La forma dell'incompiuto, 

Utet, pp. 100+12 t.f.t., 

11 euro 

. Slavoj Zizek, Distanza di sicurezza, 

Manifestolibri, pp. 174, 18 euro 

PAOLO GRASSINO 

I testi sono firmati da Gian Alberto 

Farinella e Norma Mangione, oltre 

naturalmente a Lóránd Hegyi, 

direttore del Museo d'arte moderna 

di Saint-Etienne. L'istituzione 

d'oltralpe dedica infatti a Grassino 

e a Francesco Gennari una doppia 

personale, aperta fino a metà aprile. 

Per Gennari intervengono 

Dieter Schwarz e Giorgio Verzotti. 

Hopefulmonster - ill. col. - 152 

pp. - 34 euro - 

www.hopefulmonster.net

Exibart.onpaper libri.73 


la carica del buon senso 

china ist nahe 

gilardi il fatalista 

��Chi s'imbatte in questo saggio dal titolo stravagante 

e dalle pagine leggere, difficilmente 

potrà resistere alla curiosità di sollevarne la 

copertina, sulla quale giacciono laconici il titolo, 

La fidanzata automatica, e il nome dell'autore, e 

scorrerne rapidamente il sommario alla ricerca 

di un indizio che faccia propendere per l'una, 

piuttosto che per l'altra, delle numerose ipotesi 

che il libro, a una prima occhiata, suggerisce 

relativamente al suo contenuto. 

L'enigma è presto risolto: l'obiettivo di Maurizio 

Ferraris - filosofo formatosi nell'ambito degli studi 

di ermeneutica, ma da qualche anno impegnato 

in un ripensamento dell'ontologia che si avvale 

vantaggiosamente del contributo della filosofia 

analitica - è quello di fare una "ontologia delle 

opere d'arte", di identificare cioè "le caratteristiche 

necessarie, sebbene non sufficienti" affinché 

un'opera d'arte sia tale. Proposito ambizioso, che 

irrompe nel cuore del dibattito che coinvolge da 

tempo l'estetica, la critica e la storia dell'arte 

intorno all'annoso quesito: cos'è un'opera d'arte? 

Uno stile agile e scorrevole cattura il lettore in 

una rigorosa logica argomentativa, articolata in 

sei tesi e numerose sottotesi. Dopo aver messo 

in discussione le teorie contemporanee dell'arte 

alle quali più spesso accordiamo il nostro consen- 

�� Correva l'anno 2006 quando, per i tipi di 

Electa e con le firme di Dalu Jones, Filippo Salviati 

e Mariagrazia Costantino, usciva Arte contemporanea 

cinese. Si trattava e tuttora si tratta dell'unico 

volume che, con un taglio crono-tematico, 

avesse come obiettivo l'introduzione approfondita 

a un mondo che il mercato e una serie di eventi 

espositivi di più o meno ampia portata avevano 

già posto all'attenzione del pubblico. Degli "addetti 

ai lavori" ma anche dei "semplici appassionati". 

Il tentativo, peraltro riuscito pienamente, di procedere 

alla storicizzazione del fenomeno testimoniava 

a favore dell'arte cinese contemporanea. In 

altre parole, considerarla una mera ed effimera 

moda destinata a scemare significava - e a maggior 

ragione significa oggi - restare ancorati a un 

"occidentrismo" non solo e non tanto politically 

uncorrect, ma miope dal cospetto di quella nicchia 

economica non trascurabile che è appunto il 

mercato globale dell'arte contemporanea. Senza 

peraltro considerare il dato meramente statistico 

concernente il potenziale umano che la Cina 

possiede e può dispiegare in ogni comparto del 

"sistema" artistico. 

D'altro canto, una delle possibili dimostrazioni di 

tale persistenza era palese in almeno un paio di 

tappe del "Grand Tour" della scorsa estate. A 

Kassel, la dodicesima Documenta aveva in Ai 

��Che Ando Gilardi sia un personaggio capace 

di stupire e coinvolgere in ogni sua impresa è cosa 

nota. L'ultimo suo lavoro non rappresenta l'eccezione, 

al contrario, rafforza la regola. Dissacrante 

e ironico, l'agile pamphlet composto in forma di 

dialogo condensa tutte le pubblicazioni precedenti 

in un'autobiografia dal grande valore istruttivo, 

ideale per chi voglia avvicinarsi alle immagini fotografiche 

in modo affatto banale. 

D'altronde, tutto si può dire di Gilardi - eccessivo, 

barocco, iperbolico nel sentenziare e collocare i 

valori del fotografico - tranne che sia un accademico 

prevedibile, uno scrittore soltanto abile ed efficace 

nella retorica. Impossibile semmai non prendere 

atto che ci troviamo di fronte a un autore 

capace di assumere una posizione forte su qualsiasi 

aspetto problematico del fotografare. 

Citando in apertura Jacques le Fataliste di 

Diderot, Gilardi dichiara sin da subito il riferimento 

filosofico alla sua personalissima teorizzazione 

della "fotografia fatalista", per poi giungere -dopo 

un divertente e denso percorso- a discorrere di 

"fotografia scaramantica" e "fotografia arbitraria". 

In mezzo, un'infinità di riflessioni, spunti, ma anche 

rivelazioni sorprendenti. In appendice, infine, il 

Gilardi fotografo ripercorre la propria storia attraverso 

le proprie immagini. Ma, sarebbe meglio 

so, l'autore si appella al senso comune e alle 

esperienze più ordinarie per azzerare le nostre 

credenze e immergerci in un mondo di oggetti 

ideali, fisici e sociali (che, assieme ai soggetti, 

costituiscono le categorie fondamentali dell'ontologia 

costruita da Ferraris) tra i quali giacciono 

discretamente le opere d'arte. Ma quali sono le 

caratteristiche specifiche di queste ultime? 

I primi due capitoli dettagliano le caratteristiche 

fisiche in virtù delle quali alcune cose, e non altre, 

possono diventare opere d'arte (l'ordinarietà, la 

manipolabilità, la relazionalità). Ed è infatti da un 

punto di vista schiettamente fisico che le teorie 

che si appellano rispettivamente a una presunta 

straordinarietà o alla convenzionalità dell'opera 

d'arte incontrano un primo, grande limite. 

Ma siamo solo all'inizio del lavoro. Le opere sono 

anche e soprattutto oggetti sociali, sono iscrizioni 

e stratificazioni di atti, prossime al genere dei 

documenti. Le opere, prosegue l'autore - onde evitare 

che si pensi che un certificato di matrimonio 

possa ambire a diventare un'opera d'arte - provocano 

accidentalmente conoscenza e necessariamente 

dei sentimenti. Inoltre, ecco la tesi che 

motiva l'apparente stravaganza del titolo, "le 

opere sono cose che fingono di essere persone": 

viviamo della e nell'illusione che esse, in quanto 

Weiwei uno dei suoi protagonisti, data l'inevitabile 

invasività costituita dalle 1001 sedute risalenti 

alla dinastia Qing e ai relativi 1001 cinesi che, 

suddivisi in cinque gruppi, le hanno occupate per 

la performance Fairytales. Mentre, a Venezia, il 

percorso ideato da Robert Storr negli spazi 

dell'Arsenale era punteggiato dai film in 35 millimetri 

della serie Seven Intellectuals in Bamboo 

Forest di Yang Fudong. 

Il volume curato da Uta Grosenick e Caspar H. 

Schübbe risulta complementare rispetto al libro 

italiano e al suo taglio manualistico, fungendo in 

primo luogo da strumento consultivo. Infatti, per 

ognuno degli ottanta artisti selezionati e ordinati 

cronologicamente, il lettore troverà innanzitutto 

una breve introduzione critica, offerta in tre lingue 

(inglese, tedesco e cinese) e firmata da uno dei 

dodici contributor (Feng Boyi, Biljana Ciric, Birgit 

Hopfener, Wu Hung, Gregor Jansen, Carol Lu, 

Victoria Lu, Barbara Pollack, Karen Smith, David 

Spalding, Philip Tinari e Qiu Zhijie). A seguire, non 

manca naturalmente l'apparato iconografico, 

piuttosto esteso e di ottima qualità, unitamente a 

una bio-bliografia e a un breve statement dell'artista. 

Il tutto confezionato in una veste grafica assai 

meno scontata di quanto si potrebbe pensare, 

grazie innanzitutto al lavoro del designer svedese 

Jonas Lundin. 

dire, Gilardi fotografo fatalista si guarda indietro, 

riconoscendosi nell'esser stato costantemente e 

ossessivamente proteso a cogliere episodi, frammenti, 

casualità varie di un reale misterioso ed 

enigmatico. 

Una ricerca di tutta una vita, quindi, quella proposta 

in questo testo. Una ricerca ispirata dal culto 

per l'immagine e per l'anima che questa coglie e 

restituisce, perché "se l'anima è bella è bella 

anche l'immagine". Non si fraintenda però il senso 

di questa citazione come un atto di clemenza 

verso la fotografia amatoriale, perché l'arte non 

può essere un passatempo. È semmai sacrificio e 

sapienza per la risultanza di una forma e di un 

corpo che si vuole far desiderare, dice Gilardi. 

Senza il desiderio che spinge alla visione e all'acquisto 

vi è solo consumo, non arte autentica. 

Infine, naturalmente, la "fotografia digitale", identificata 

dall'autore sin dagli anni '80 come una rivoluzione 

epocale, in grado di far rinascere la "vera" 

fotografia, quella ch'egli colloca prima dell'invenzione 

dei procedimenti per renderla stabile, per farla 

uscire dall'evanescenza - pure fondante il fotografico 

autentico, cioè la sua fluidità, interattività e 

vitalità - delle camere oscure. Il digitale che rivoluziona 

l'idea di supporto e il modo di distribuire le 

fotografie, i metodi e i mezzi per la loro archiviazio- 

suscitano in noi dei sentimenti, possano ricambiarci, 

ma non sono altro invece che "fidanzate 

automatiche". 

Si arriva così alle conclusioni, non senza una 

certa fatica e con la sensazione che questa ricerca 

abbia trascurato quel non so che d'indefinibile 

eppure fondamentale che riguarda l'esperienza 

delle opere d'arte. Ma quel che il libro promette, 

Ferraris non si stanca di ripeterlo, è l'individuazione 

delle caratteristiche necessarie, non di quelle 

sufficienti. Ciò significa che l'estetica che ci propone 

ha prima di tutto un obiettivo critico: solo una 

volta liberato il terreno della riflessione da posizioni 

fuorvianti e sterili si potrà sollevare di nuovo e 

con più validi strumenti l'interrogativo, che non 

smettiamo di porci, sulle condizioni sufficienti. � 

[giulia matteucci] 

info. 

Maurizio Ferraris - La fidanzata automatica 

Bompiani, Milano 2007 

Pagg. 206, ill. b/n, 12 euro 

ISBN 9788845259579 

libri.bompiani.rcslibri.it 

Ad aprire questo China Art Book, oltre a un'intervista 

con il succitato Ai Weiwei, va segnalata la 

breve quanto aggiornata e chiara introduzione di 

Birgit Hopfener. La quale rammenta come agli 

inizi degli anni '90, in Cina, esistessero soltanto cinque 

gallerie che trattavano arte contemporanea. 

Mentre dopo appena una quindicina d'anni si possono 

contare le biennali di Beijing e Shanghai, le 

triennali di Guangzhou e quella itinerante Nanjing, 

la casa d'aste locale Guardian, il collezionista e 

mecenate Guan Yi, musei pubblici e privati come, 

rispettivamente, il Duolun di Shanghai e l'Ucca di 

Beijing, e infine le fiere, in primis con l'ultima arrivata, 

la già notevole ShContemporary di Shanghai. E 

con le Olimpiadi alle porte e le decine di cantieri 

per i nuovi musei, il trend non potrà che essere 

positivo, almeno per qualche anno ancora. � 

[m.e.g.] 

info. 

Uta Grosenick & Caspar H. Schübbe (eds.) 

- China Art Book 

DuMont, Köln 2007 

Pagg. 670, 39,90, ing./ted./cin. 

ISBN 9783832177690 

www.dumontliteraturundkunst.de 

ne e conservazione, oltre che per la riproduzione 

ed elaborazione. Il digitale che cambia in profondità 

la fruizione e la produzione delle immagini fotografiche, 

che cambia la sostanza stessa del fotografare 

per un ritorno all'origine - qui sta l'originalità 

di Gilardi - alla vitalità delle immagini non imbalsamate 

in un supporto. 

Il libro procede per riprese a tratti sincopate e in 

altri momenti distese delle idee che hanno ispirato 

i suoi splendidi precedenti: Storia sociale della 

fotografia (2000), Storia della fotografia pornografica 

(2002) e Wanted (2003). Un Gilardi al 

solito libero e senza peli sulla lingua, capace di 

costringere il lettore a prendere posizione su tutto 

quanto afferma, a provocare e a muovere il dissenso, 

l'opposizione o il concordare. Per fare, in 

definitiva, riflettere. � 

[gabriele tinti] 

info. 

Ando Gilardi - Meglio ladro che fotografo 

Bruno Mondadori, Milano 2007 

Pagg. 160, 15 euro 

ISBN 9788842420415 

www.brunomondadori.com

74.design Exibart.onpaper 

a cura di stefano caggiano 

design fiction 

Oggi che la tecnologia trasforma gli oggetti in congegni magici che rendono straordinario ogni minuto della vita 

quotidiana, c’è chi dichiara apertamente di progettare "non-oggetti" e di puntare tutto sul design dell’immaginifico. 

Non per scappare dalla realtà, ma per spaccare la fragile crosta del presente e lasciare emergere la realtà del 

futuro. Sempre più impaziente di vedere la luce oggi… 

�� Branko Lukic è uno di quei 

designer a cui il presente va stretto. 

Ciò che gli interessa è il dopo, il 

possibile, l’inaspettato, the next 

step. Forse per questo, dopo aver 

lavorato a lungo per IDEO, la più 

importante azienda mondiale di 

consulenza per il design, due anni 

fa ha deciso di sciogliere del tutto 

gli ormeggi e di lanciarsi anima, 

corpo ed energia nel futuro, 

immaginandoselo attraverso il 

design. 

Inizia così l’avventura di 

Nonobject, il suo studio fondato a 

Palo Alto, California, che si occupa 

di design e soprattutto di metadesign, 

progettando deliberatamente 

oggetti che non si possono 

realizzare (perché richiedono 

materiali che ancora non esistono, 

strutture produttive che non si 

possono mettere in piedi, sensibilità 

che ancora non hanno preso 

forma) con il preciso scopo di 

esplorare i diversi volti che i nostri 

oggetti potrebbero assumere alla 

prossima, imminente svolta 

antropologica. 

A differenza dell’animale, il cui 

comportamento è predeterminato 

dall’istinto, nell’uomo il modo di 

usare il corpo è plastico, cangiante, 

malleabile. Per questo possiamo 

imparare a sciare, guidare un 

aeroplano, usare un cellulare. 

Dipende dagli oggetti di cui ci 

dotiamo. 

Dopo aver passa- 

to anni a plasmare 

il futuro per 

aziende come 

Samusung, Intel, 

Nike, Starbucks e 

Motorola, Lukic si 

è reso conto che 

la partita del 

design si gioca 

sul piano antropologico, 

perché 

il lavoro sugli 

oggetti ha a che fare con il modo 

con cui il sentire quotidiano delle 

persone evolve/involve. "Oggi 

siamo circondati da oggetti defe- 

compassi. 

SELF-MADE DESIGNER 

Nella nostra epoca la creatività è 

un diritto universale preteso da 

tutti, anche da chi non ne avrebbe 

le possibilità. Se ne sono 

accorti quelli di Spreadshirt, 

azienda diventata in poco tempo 

la più grande piattaforma del 

mondo di abbigliamento personalizzato. 

Secondo una ricerca condotta 

da Branded l'ottanta per 

cento delle persone vorrebbe 

realizzare da sé il proprio abbigliamento, 

ma di queste solo un 

quinto saprebbe come fare. Agli 

altri ci ha pensato Spreadshirt, la 

cui mission dichiarata è quella di 

"far diventare l'abbigliamento personalizzato 

un fenomeno di 

massa". Simili esperienze sono 

destinate a moltiplicarsi nei prossimi 

anni. Le persone vorranno 

sempre più intervenire in prima 

persona nel design delle cose 

che compreranno. 

www.spreadshirt.net 

qui a destra: 

Nonobject, prog. 

Tarati - cellulare - 

Image courtesy of 

Nonobject - 

www.nonobject.co 

m - All Rights 

Reserved 

in fondo a destra: 


CUin5 - Cellulare 

post-dysplay - 

Image courtesy of 

Nonobject - 



Reserved 

in basso: 


Pebble - MP3 

Player di forme 

diverse come i 

ciottoli di un fiume 

- Image courtesy 

of Nonobject - 



Reserved 

renti che servono ai nostri bisogni 

primari portandoci dal punto A al 

punto B, ma lasciandoci emotivamente 

indifferenti. È tempo di 

cambiare". 

Proprio questa è la partita in cui si 

sono buttati Lukic e i suoi (gli altri 

membri di Nonobject: Suncika 

Lucik, Steve Takayama e Steve 

“ 

Il comportamento degli oggetti 

info-elettronici, basato su tecnologie 

complesse e misteriose, non può 

essere "concepito" fino in fondo 

nemmeno dai suoi stessi progettisti, 

figuriamoci dagli utenti 

Vassallo, tutti professionisti al top 

level della categoria), che ogni 

giorno convincono aziende come 

BMW, Hewlett-Packard, Cisco e 

BRAND CONTRO BRAND 

Nasce il marketing user-generated 

content. Ad aprire la 

strada è un’applicazione web 

costruita su Ning in cui si chiede 

al visitatore di votare il vincitore 

fra due loghi scelti a caso. 

Attualmente i brand caricati 

sul sito sono poco più di un 

centinaio, ma gli utenti hanno 

la possibilità di aggiungerne di 

nuovi. Anche se capita spesso 

che la sfida sia fra loghi che 

appartengono a mondi completamente 

diversi che rispondono 

a valori non comparabili, 

resta impossibile sottrarsi 

all’amletico quesito: è meglio 

Wind o Salumi Negroni? 

Dreamworks o Alitalia? Apple o 

Barilla? E alla fine un motivo, 

felicemente parziale e irrazionale, 

per votare un brand piuttosto 

che un altro, lo si trova 

sempre. 

http://brandcontrobrand.ning.com 

Ford (oltre ancora a Samusung, 

Intel, Nike, Starbucks, Motorola, 

Pepsi e altre) dell’enorme potenziale 

generato dalla loro capacità 

visionaria ma non spregiudicata, 

che non si limita a immaginare 

nuovi oggetti, ma delinea una vera 

e propria antropologia del futuro. 

In quest’ottica vanno visti oggetti 

come CUin5, il cellulare 

dell’era post- 

display, o, ancora, 

Tarati ("attraverso", 

in sanscrito), che 

consente di connettersi 

ad altri utenti 

tramite il passaggio 

delle dita attraverso 

il telefono, come se 

fosse una magia, 

qualcosa che accade 

al di là del regno 

del visibile. 

A questo proposito, secondo 

Mike Kuniavsky, della società di 

experience design Adaptive Path, 

nel disegnare gli apparecchi info- 

GLI OGGETTI CHE PARLANO 

All’interno del dipartimento di 

Energia Elettronica dell’Università 

Tor Vergata di Roma è attiva dal 

2004 la società Raptech, che 

lavora per "far parlare gli oggetti". 

Tre ricercatori (Marco Berliocchi, 

Maurizio Manenti e Alessandro 

Bolognesi) e due docenti (Aldo Di 

Carlo e Paolo Lugli) sono all’opera 

per mettere a punto Archiviatech, 

piattaforma per la gestione di 

archivi e magazzini reali (non virtuali) 

in cui la ricerca della documentazione 

raggiunge livelli critici. 

Grazie a queste tecnologie basate 

su Rfid (Radio Frequency 

Identification, inerti come come 

dei "tag" nel mondo reale consentono 

la lettura delle informazioni a 

distanza) e Zigbee saranno gli 

oggetti stessi a dirci dove si trovano. 

Il gruppo è attualmente al lavoro 

su un sistema per localizzare 

persone e merci anche in ambienti 

chiusi dove non arriva il segnale 

Gps. L’annunciata fusione tra il 

web e il mondo reale è cominciata. 

www.raptech.it 

elettronici i 

designer 

dovrebbero 

considerare la 

magia come 

nuova metafora 

cognitiva, in 

sostituzione 

della metafora 

del desktop che 

per vent'anni ha definito i computer 

da ufficio. In effetti, il comportamento 

degli oggetti info-elettronici, 

basato su tecnologie complesse 

e misteriose, non può 

essere "concepito" fino in fondo 

nemmeno dai suoi stessi progettisti, 

figuriamoci dagli utenti. 

Secondo Kuniavsky la metafora 

della magia renderebbe più intuitive 

queste tecnologie, le cui prestazioni 

sono sempre più simili a 

prodigi. 

Prodigiosa è infatti la possibilità 

offerta dal cellulare di parlare con 

chiunque da qualunque luogo tramite 

collegamenti posti al di là 

della soglia del percepibile. Se da 

un lato ciò genera entusiasmo, 

dall’altro occorre ricordare che 

ogni oggetto d’uso deve poter 

essere utilizzato da persone in 

carne, ossa e sentimenti. "Il rapporto 

stretto tra forma e funzione" 

- scrive Andrea Branzi - "si è 

disciolto: il computer non ha una 

funzione ma tante funzioni quante 

sono le necessità dell’operatore. 

Siamo passati dall’epoca del funzionalismo 

all’epoca dei funzionoidi. 

Strumenti che non hanno una 

sola funzione ma tante funzioni 

quante sono le diverse necessità 

dell’operatore". 1 

Il problema con i 

"funzionoidi" è cognitivo prima che 

performativo. È la percezione del 

senso di questi oggetti che necessita 

di essere ripensata, perché 

tale senso - che coincide non solo 

con le prestazioni degli apparecchi, 

ma anche con il rapporto 

cognitivo e sensoriale tra oggetti 

senza più limiti e essere umano 

ricco di tutti i suoi limiti - evolve 

così in fretta che in certi casi dissolve, 

o rischia di farlo. Proprio qui 

entrano in gioco il design e il 

nuovo compito a cui è chiamato 

www.nonobject.com 

www.nonobjectbook.com 

link. 

nel XXI secolo, che consiste nel 

tessere adeguate forme di 

"senso" per oggetti ad alto tasso 

di potenzialità. 

Nel corso di questo 2008 è prevista 

l’uscita di Nonobject Book, 

libro + DVD che raccoglie "nonoggetti", 

concept e oggetti futuristici 

commentati dallo stesso 

Lukic, e di cui designer e architetti, 

scenografi e sceneggiatori, 

esperti di marketing e antropologi 

visionari potranno avvalersi per 

sbirciare il profilo degli oggetti di 

domani, oltre che contribuire essi 

stessi a crearne le premesse 

nella disponibilità sensoriale delle 

persone. "'Nonobject Book' è il 

primo di un genere che chiamiamo 

'Design Fiction'. Come la science 

fiction e le storie di fantasia ‘stirano’ 

l’immaginazione, così la 

nostra speranza è quella di trascinare 

[il lettore, ndr] in un viaggio 

nel futuro del design e delle esperienze 

di consumo, condividendo 

con lui storie e concetti che offrano 

un nuovo punto di vista, un 

nuovo modo di pensare, un nuovo 

passo in avanti. Naturalmente, 

come succede in ogni fiction, alcune 

delle nostre idee possono sembrare 

improbabili - persino impossibili. 

Non ti preoccupare. Il biglietto 

lo abbiamo comprato noi. Tu 

devi solo goderti il viaggio." � 

1 

Andrea Branzi, Modernità debole e diffusa. 

Il mondo del progetto all’inizio del XXI secolo, 

Skira, Milano, 2006, p. 10.

Exibart.onpaper design (&aziende).75 

a cura di giorgia losio 

la casa missoni 

�� Gli elementi caratterizzanti dell'ultima collezione 

MissoniHome sono la rosa e le stampe floreali 

ideate da Rosita Missoni, mescolati - secondo 

la filosofia del put together perseguita dalla 

griffe - a dadi, chevron e agli effetti animalier. Lo 

studio dei colori si concentra su toni e campi 

pieni, sfumature e asimmetrie che ricordano le 

armonie delle composizioni di Vassilij Kandinskij 

e le ricerche cromatiche e ritmiche di Robert 

Delaunay e della moglie Sonia Terk. 

Un'esplosione di colori e segni che avvolge il fruitore 

in una visione prospettica che richiama le 

sperimentazioni Bauhaus e diviene un total concept 

nell'habitat di Missoni: i grafismi dei tessuti 

vengono estesi ai pannelli che rivestono le pareti, 

alle tende, ai pavimenti, dove i rilievi dei double 

elaborati per sofà e cuscini si traslano sui tappeti 

sagomati a fiore. Anche le isole di relax entrano 

nella collezione, ibridi tra sofà e letto che creano 

una geografia della lentezza immersa in un 

paesaggio fantastico in cui perdersi e nel contempo 

ritrovarsi. Rosita Missoni così descrive 

l'habitat della sua collezione: "La casa è viva e si 

muove, respira con te e accoglie gli amici, esprime 

i tuoi sogni. L'arredo creativo consente anche 

il viaggio dell'illusione, senza spostamenti. 

Viaggiare nella realtà è comunque un fantastico 

propellente vitale. Spesso, in viaggio, si ha biso- 

armani/casa code 

��Il tessile è uno degli elementi chiave della collezione 

casa di Giorgio Armani che ricerca, 

anche nella vestizione degli interni, un'elegante 

armonia tra l'universo maschile e quello femminile. 

L'ultima collezione si chiama emblematicamente 

Per Lui/Per Lei ed è una costellazione di 

mobili, decorazioni e tessuti che rivestono l'habitat 

di lui e di lei in accostamenti armonici che 

riflettono l'habitus Armani. In questo modo la filosofia 

Armani si diffonde anche negli interni casa 

sviluppando un vero e proprio stile di vita. 

La ricerca tessile per gli interni segue le creazioni 

moda della griffe: morbidi grafismi e linee sinuose 

si intercalano a geometrie più rigorose, come la 

losanga che crea un effetto optical tridimensiona- 

trame femminili 

�� Ispirata dalla luce scandinava, Aurora 

Boreale, della textile designer danese 

Charlotte Houma, è una collezione di tende 

con tessuto perforato che creano nell'ambiente 

un effetto tridimensionale e continui giochi di 

luce. Prodotta da Faber, questa collezione è 

stata recentemente selezionata per il premio 

Delta '07 organizzato da ADI FAD (Associazione 

di Industrial Design) di Barcellona. La designer 

ha lavorato con materiale tessile sperimentale 

per molti anni, usando differenti tecniche come 

stampaggi chimici, tagli fatti a mano con un 

semplice taglierino, tagli a laser e altri tagli digitali 

per bucare la materia e giocare con la luce. 

L’ispirazione nasce dall'architettura moresca di 

Alhambra, con i suoi motivi decorativi a buchi, 

le e che troviamo ad esempio nella zona living nelle 

trame della poltrona London e del sofà Otello. 

L'habitat Armani riflette il gusto dello stilista per la 

purezza minimal e per un lusso ricercato anche 

nelle forme più semplici, risultato di stratificazioni 

culturali come il suo amore per l'Art Déco e 

l'Orientalismo. Particolare attenzione è riposta 

alle armonie formali e materiche nell'accostamento 

dei mobili e a quelle cromatiche e stilistiche 

nell'abbinamento dei tessuti e nella scelta 

degli accessori. 

Rappresentative della filosofia Armani sono 

anche le novità in edizione limitata prodotte per il 

periodo natalizio, Antoinette e Adelchi, veri e propri 

"arredi gioiello". Antoinette è una coiffeuse 

remixata in un look più scandinavo. 

Tra i progetti in corso d'opera anche un'importante 

mostra in maggio al Danish Museum of 

Decorative Art di Copenhagen intitolata 

Waterdreams. Con questo progetto la designer 

sottolinea il paradosso dell'acqua: bisogno 

per sopravvivere e ragione di morte in molti luoghi 

del mondo. Le grandi installazioni per questa 

mostra sono delle opere d'arte uniche, ma 

con pochi cambiamenti la Houman crea un 

design utile per l'industria che conduce direttamente 

alla prossima collezione Faber ispirata ai 

suoi lavori artistici, nuovi motivi a buchi che possono 

essere utilizzati sia come tende che come 

pannelli. 

Anche le designer svedesi Ulrika Elovsonn e 

gno di trovare un rifugio, con lo spirito e il sapore 

di casa. E questo è possibile se lo stile di uno spazio 

è un distillato di armonie, una fusione di 

memorie e desideri, di abitudini e gusti universali, 

un insieme di modi di vita". 

A queste originali creazioni in tessuto di soft-furnishing 

si affianca da qualche anno una produzione 

hard-furnishing con la rivisitazione, per esempio, 

di una delle icone della produzione di Verner 

Panton, la Rocking chair, disponibile in versione 

relaxer singola ed extralarge, o la seduta 

Mademoiselle à la Mode vestita da Philippe 

Starck per Kartell anche con le tonalità Missoni. 

La collezione si incrementa così con un nuovo ele- 

rivestita in prezioso tessuto color champagne, 

mentre Adelchi è una scrivania che si caratterizza 

per il suo contenuto artigianale in cui le tessere 

di metallo satinato e lucido del rivestimento 

sono applicate una per una. Così Giorgio Armani 

descrive la sua special edition: "Con queste edizioni 

numerate ho voluto parlare di unicità. Ho 

pensato a persone uniche e al loro desiderio di 

possedere qualcosa di speciale". 

Armani/Casa, con trentatre negozi indipendenti 

nelle più importanti città del mondo e cento punti 

vendita in oltre trentacinque nazioni, rappresenta 

un marchio in forte espansione nel panorama 

dell'interior design, grazie anche al lancio dell'esclusiva 

catena Armani Hotels&Resorts in colla- 

Ulrika Mårtensson creano originali trame tessili 

che vanno a caratterizzare lo spazio, come le candide 

tende Wing e la serie di cuscini e plaid 

Wobbling Wool esposti all'ultimo Salone Satellite 

di Milano. La serie Wobbling Wool in particolare è 

nata durante il lavoro di ricerca della Mårtensson 

nel campo dei tessuti insonorizzati, da cui sono 

nate forme lavorate a maglia come un volume tridimensionale 

organico che isola dal freddo e dal 

suono. Recentemente hanno esposto l'installazione 

Sculpturegarden of objects nella cornice del 

leggendario hotel di Stoccolma Berns Salonger. 

Forme multicolor caratterizzano invece le creazioni 

della designer belga Romy Smits, che dal 

2005 lavora sul concetto wooky, una forma 

organica in cui si riflette la componente infanti- 

mento nelle presentazioni-evento che 

MissoniHome ha in calendario ogni anno. 

L'altissima qualità tecnologica e la ricercatezza 

dei tessuti si deve alla collaborazione più che ventennale 

con l'azienda T&J Vestor che esprime il 

sodalizio tra il know-how di un'azienda ai vertici del 

settore dell'arredamento e la creatività della maison 

Missoni, grazie al quale la collezione 

MissoniHome, ricco mosaico di prodotti tessili 

(soft furnishing) e complementi d'arredo (hard 

furnishing), sta conoscendo un crescente successo 

che negli ultimi anni l'ha portata a ottenere un 

forte riscontro sul mercato internazionale. � 

www.missonihome.com 

borazione con Emaar Properties (una delle società 

immobiliari più importanti del mondo), i cui 

interni saranno arredati con collezioni 

Armani/Casa create ad hoc. 

Un altro dei progetti in progress è quello di ospitare 

mostre e co-branding all’interno dei propri 

punti vendita, che diventano così spazi di diffusione 

della produzione di artisti contemporanei affini 

alla filosofia Armani, come già è avvenuto con 

la mostra itinerante Immagini del Mondo, dedicata 

al fotografo Georg Gerster e inaugurata negli 

spazi della boutique Armani/Casa di Parigi, in 

seguito ospitata nelle sedi di Londra, New York e 

Madrid. � 

www.armanicasa.com 

le della designer. Ricordando un po' la tecnica di 

moltiplicazione di uno stesso motivo utilizzata 

dall'artista olandese Escher, il concetto wooky 

si articola attraverso una collezione sempre più 

numerosa di simboli, stampe grafiche, creazioni 

di alta moda e tessuti per l'interno. 

Nell'universo home sviluppa il total concept per 

il bagno Wookywahallah e la Wooky lamp realizzata 

per la mostra EI - Entity Identity al SM's, 

Stedelijk Museum's-Hertogenbosch, aperta fino 

al 2 marzo 2008 e in seguito a Pechino in occasione 

dei Giochi olimpici. � 

www.charlottehouman.com 

www.ulrikaelovsson.com 

www.ulrikamartensson.se 

www.romysmits.com

76.infumo Exibart.onpaper 

a cura di gianluca testa 

è deciso: si vive! 

Siamo lontani. Lontanissimi da Le Vite del Vasari. Distanti anni luce da qualsiasi forma di critica d'arte conosciuta. In 

questo caso conta il linguaggio. Nuovo, inclassificabile, diretto. E a svilupparlo, seppur con esiti differenti, ci sono due 

artisti che non sono né biografi, né storici, né critici… 

��Misurare il dolore è un compito 

difficile. Ancor più faticoso è 

dare forma e corpo alla depressione, 

ai tormenti, agli incubi e 

alle angosce di certi artisti. 

Uomini assai poco comuni. 

Prendiamo ad esempio Paul 

Gauguin e Vincent Van Gogh, vittime 

loro malgrado della propria 

genialità. Due anime sensibili, 

maltrattate e abbandonate perché 

conoscessero da vicino solitudine 

e povertà. Ma chi dei due 

ha sofferto di più? Forse "il genio 

vestito di piaghe, il re del dolore a 

olio su tela, il maestro dell'acquerello 

e lacrime su carta". No. Non 

si tratta del pittore olandese. 

Almeno secondo Marcello Jori. 

"Non si tratta di Vincent Van 

Gogh a cui tutti pensano quando 

si pronuncia la parola dolore. Ma 

del suo amico Gauguin, ingiustamente 

collocato in seconda posizione 

della graduatoria del soffrire 

artistico". Due citazioni tratte 

dal libro illustrato da Jori e edito 

da Coconino Press, È deciso: si 

muore!. Non un romanzo né un 

fumetto né una graphic novel né 

una biografia. Impossibile catalogarlo. 

Meglio parlare di libro illustrato, 

appunto. O di una "predicazione", 

come recita il sottotitolo. 

Un omaggio da artista ad artista. 

Un saggio poetico ed estremo, 

partecipato e carico d'ammirazione. 

Un'opera complessa 

che Jori, grande maestro per 

l'uso di parole e pennelli, ha scritto 

e disegnato perché fosse 

letta, recitata, raccontata. La 

scelta del linguaggio aperto e di 

una predicazione illustrata che 

non ha precedenti da mettere a 

confronto è ciò che ci si aspettava 

dal ritorno al fumetto di 

Marcello Jori. Lui, lo sperimentatore, 

è artista completo. Insieme 

a Mattotti, Carpinteri, Giacon, 

Brolli, Igort (che ha ritrovato 

proprio alla Coconino come direttore 

editoriale) e altri, negli anni 

'80 ha contribuito a fare grande 

il gruppo Valvoline. Tra sperimentazioni, 

suggestioni e citazio- 

bolle. 

DUE GUIDE ILLUSTRATE PARTONO DA "ZERO" 

Nascono le ZeroGuide di Milano e Roma. Due 

volumi annuali, gratuiti, completi di recensioni 

guidano ai migliori luoghi nelle città più grandi 

d'Italia. Ma soprattutto due guide illustrate. Le 

sezioni sono accompagnate da disegni, schizzi 

e un breve racconto a fumetti realizzato da 

due giovani illustratori italiani coordinati da 

Matteo Stefanelli: si tratta di Davide Toffolo 

(Milano) e Marco Corona (Roma). Sono loro a 

reinterpretare in chiave visionaria le atmosfere 

e i luoghi urbani. Il progetto, pensato e promosso 

da Edizioni Zero, proseguirà con la 

realizzazione della guida di Torino. 

www.edizionizero.com/it/guide 

ni che trovavano nelle avanguardie 

storiche la prima ispirazione, 

Valvoline ha stimolato lo sviluppo 

della nuova cultura del fumetto 

attraverso l'elaborazione di 

forme espressive ricche di felici 

contaminazioni. Purtroppo il 

gruppo si scioglie con la chiusura 

di riviste come Alter Alter e 

Frigidaire. Ma gli artisti sopravvissuti 

al decennio oscuro che ne 

seguì sono riusciti ugualmente a 

lasciare un segno. Jori, più noto 

come pittore e romanziere (indimenticabile 

anche tra i bambini il 

suo Gigi Tempesta, reperibile in 

molte biblioteche delle scuole 

medie come valida alternativa a 

Gian Burrasca), oltre che illustratore 

e fumettista è anche designer. 

Tutto questo conferma l'amore 

che Jori nutre per l'arte, in 

qualunque forma si esprima. Un 

amore che si traduce in questo 

tributo a Gauguin. Un solo grande 

capitolo che racconta gli ultimi 

anni dell'artista. La fuga da 

Parigi e la conseguente nostalgia, 

le lunghe notti di 

Tahiti, il tentativo di suicidio, 

la realizzazione di 

grandi opere e stralci di 

un carteggio che ravviva 

la figura dell'uomo-artista, 

la sua fine (anzi, la 

liberazione) avvenuta ad 

Atuana, nell'arcipelago 

delle Isole Marchesi. Jori 

dipinge Gauguin come 

un martire, un Gesù crocifisso 

su una tela da 

pennelli gocciolanti. 

Sopra la sua testa la 

sigla P.P.R.P. (Pavulvus 

LUCCA: VENTUNO MOSTRE IN SEI MESI 

Il Museo del Fumetto di Lucca ha organizzato 

tre eventi espositivi e ventuno mostre a 

tema composte da oltre millecinquecento 

tavole originali. E tutto questo solo nei primi 

sei mesi del 2008. In primo piano ci saranno 

personaggi e storie western nati dalle mani 

di grandi autori (Hugo Pratt, Sergio Toppi e 

Dino Battaglia). In cantiere c'è anche un progetto 

per la realizzazione di un albo che racconta, 

intrecciandole, le storie di emigrati 

lucchesi: da Giacomo Puccini al trombettiere 

al servizio di Custer, John Martini. A disegnarla 

saranno quattro grandi maestri del 

fumetto italiano: Sergio Toppi, Sergio Tisselli, 

Giovanni Ticci e Renzo Calegari. 

www.museoitalianodelfumetto.it 

Pariginus Rex Pictorvm). Lo 

vediamo nudo e malato. Lo vediamo 

vomitare sulla montagna 

dove pensava sarebbe morto. 

L'empatia si estremizza con l'invenzione 

di una lettera scritta 

dall'autore al maestro e con l'individuazione 

dei tre picchi di dolore 

nella vita di Gauguin (l'abbandono 

della moglie, la negazione 

degli amici e il rifiuto di critici e 

colleghi) che lo porteranno a 

scrivere E' deciso: si muore!. 

L'intreccio dei registri e l'espressività 

violenta degli acquerelli di 

Jori - che strappano la poetica di 

Jean Michel Folon per rigurgitarla 

restituendo all'uso del colore 

nuovi significati visivi - vanno 

ben al di là delle aspettative del 

pubblico cui il lavoro è destinato. 

Quest'opera è per tutti. Per gli 

studiosi e gli amanti dell'arte, per 

i lettori di fumetti, per i poeti e gli 

studenti. Anche perché Jori sa 

scrivere. Lo fa bene. E le parole, 

liberate dal vincolo dei balloon, 

scorrono leggere e sfumate, a 

tratti impercettibili. Parole scritte 

coi pennelli, con la stessa consistenza 

liquida dell'acquerello. 

Una scelta che rende il libro 

intraducibile in altre lingue. 

Anche per questo unico. 

Lo stesso non si può dire di 

Gradimir Smudja, che sempre 

per passione ha scelto invece di 

raccontare una strana vicenda 

della vita di Van Gogh. L'artista 

serbo, emigrato nel 1982 e ora 

“ 

Per nulla simili in 

esperienza e sensibilità, 

Marcello Jori e Gradimir 

Smudja sono due illustratori 

che hanno raccontato coi 

fumetti, ognuno a modo suo, 

quella strana competizione 

del "soffrire artistico" 

BILBOLBUL, ATTO SECONDO 

Il festival internazionale del fumetto BilBOlbul 

arriva alla sua seconda edizione (a Bologna 

dal 5 al 9 marzo 2008). L'organizzazione è 

ancora dell'associazione culturale Hamelin. Il 

primo piano su Gianni De Luca, una sezione 

su "fumetto e jazz" con Louis Joos, focus sul 

fumetto cinese e statunitense e, come sempre, 

tanti ospiti. Tra questi Stefano Ricci e 

Gabriella Giandelli. Tra le proiezioni in programma, 

da non perdere il documentario sul 

maestro Will Eisner. Per i più piccoli ci sarà 

il Cocco Bill di Jacovitti interpretato da Luca 

Salvagno. 

www.bilbolbul.net 

www.coconinopress.com 

www.artling.it/jori.html 

link. 

residente in lucchesia, ha raggiunto 

la notorietà proprio grazie 

all'uscita dell'albo Vincent e Van 

Gogh (Grifo Edizioni). Una biografia 

romanzata poco attinente al 

reale. Un'opera di fantasia nella 

quale il vero autore dei quadri di 

Van Gogh è un piccolo e turbolento 

felino di pelo rosso e per 

questo rassomigliante al pittore 

olandese. Quasi come fosse un 

alter ego. Quello folle e geniale. 

Molto simile al gatto con gli stivali, 

solo più violento e meschino. 

Nonostante il forte accento ironico, 

surreale e anche un po' grottesco, 

la storia scorre meno fluida 

delle vignette. Le carenze nei 

testi e nella sceneggiatura sono 

compensate da straordinarie illustrazioni 

che scorrono in una 

sequenza di richiami e rimandi 

pittorici. Smudja, pur mantenendosi 

fedele alla sua pittura, sfrutta 

a pieno l'acquerello coprendo 

ogni spazio e marcando visibilmente 

luci e ombre con i colori e 

lo stile degli impressionisti. Le 

citazioni si sprecando: da 

Rembrant a Delacroix (secondo 

il gatto Vincent dipinti dai suoi 

avi) fino a Picasso, Monet e 

Gauguin, i cui quadri sarebbero - 

secondo il racconto - opera di un 

pappagallo. In questo 

volume, in vendita perfino 

al Van Gogh Museum di 

Amsterdam, il pittore ha 

una limitata espressività 

e viene presentato come 

un uomo inetto e privo di 

qualsiasi talento. Mentre 

il Gauguin visto con gli 

occhi di Smudja, che non 

sembra neppure lontano 

parente di quello tormentato 

e poetico di Jori, 

rischia di confondere l'immaginario 

dei lettori 

meno preparati. Del resto 

si tratta pur sempre di un 

fumetto. E l'attinenza al reale 

diventa solo un pretesto per narrare 

una piccola grande storia di 

fantasia. 

Tutto questo, comunque, è solo l'inizio 

di un genere. Anche se lavorando 

di fantasia c'è già chi ha trovato 

ispirazione rivisitando il 

mondo dei grandi artisti. L'ultimo 

esempio in ordine di tempo è Chi 

vuole uccidere Picasso? (di Nick 

Bertozzi, edito da Guanda): un triller 

di inizio secolo i cui protagonisti 

sono appunto Pablo Picasso, 

Georges Braque, Erik Satie, 

Guillaume Apollinaire, Henri 

Matisse e lo stesso Paul Gauguin. 

Ebbene, mentre Smudja ha già 

pubblicato un altro omaggio alla 

pittura con Le Bordel des Muses 

nella quale si rievoca la vita tormentata 

di Henri de Toulouse- 

Lautrec, Marcello Jori porterà 

avanti il suo progetto con la 

Coconino Press realizzando altri 

quattro volumi dedicati ad altrettanti 

artisti molto diversi tra loro. 

Picasso, Modigliani, Andy 

Warhol e Frederic Edwin 

Church. �

Exibart.onpaper primopelo.77 

a cura di pericle guaglianone 

umberto chiodi 

Romanticismo neo-folk. Ancora un artista dichiaratamente 

alle prese con l'Ideale. Solida formazione intellettuale e 

un'invidiabile coerenza di vedute. Ha da poco lasciato 

l'Emilia per una lontana (almeno idealmente) Milano… 

Una battuta che sintetizzi il senso della tua 

ricerca? 

Dovendo presentare il mio lavoro con un'immagine 

parlerei di… Un Semaforo Interiore 

[con le maiuscole, ndr]. 

In effetti è un lavoro per molti versi immediato, 

benché denso di riferimenti alla storia dell'arte 

e non solo. Quali sono gli artisti e i movimenti 

cui hai guardato con più interesse? 

Di artisti ne ho amati e trascurati tanti. Dico trascurati 

perché alcuni mi hanno molto impressionato 

senza che poi riuscissi a dedicare loro il giusto 

approfondimento. La tv e Internet, che abituano 

all'immagine-flash, senza contesto, senza 

didascalia, aggravano la disattenzione; in più in 

Italia certi artisti storicizzati di fama internazionale 

non vengono valorizzati come meriterebbero. 

Penso per esempio a Füssli, o a William Blake... 

Parallelamente a questi, e ad altri giganti come 

Dürer, Leonardo, Klinger, Moreau, Böcklin, 

Picasso, Ernst, Bearsdley, Rops, mi hanno coinvolto 

e marchiato a fuoco certe illustrazioni per 

l'infanzia. Penso a John Tenniel, alla crudeltà di 

Heinrich Hoffmann, alle fantasie coloratissime di 

Antonio Rubino. Quel mondo naîf legato alla filastrocca 

e alla favola, si sovrappone nei miei riferimenti 

al mondo della stampa pubblicitaria fin 

de siècle e Decò, alla cartellonistica di Alfons 

Mucha o Marcello Dudovich. Sempre nell'ambito 

dell'arte applicata mi hanno appassionato le 

immaginette sacre antiche, quelle francesi 

soprattutto, e le vecchie foto-cartoline. Mi piacciono 

le fotografie di Lewis Carroll, le operazioni 

filmiche di David Lynch, di Matthew Barney... Gli 

artisti su cui mi sono soffermato e documentato 

di più sono i Simbolisti. Un contemporaneo che 

mi ha affascinato molto e di cui ho visto recentemente 

una mostra a Berlino è John Colemann. 

E sul tavolo in cucina, in questi giorni, ho la riedizione 

di Una settimana di bontà di Max Ernst. 

Artisti si diventa o, alla fin fine, si nasce? 

Essere un artista credo sia innanzitutto una 

condizione dell'anima. Non credo alla condizione 

dell'artista per caso. Se mi chiedi come 

questo sia diventato un lavoro, dico che forse 

ho sempre pensato che lo volesse diventare. 

Formazione canonica? 

Mi sono diplomato al Liceo Artistico di Bologna e 

ho frequentato il corso di pittura all'Accademia 

delle Belle Arti, sempre a Bologna. Il mio percorso 

è stato diretto e preciso, ma ho anche avuto 

interessi trasversali significativi: dalle lezioni di 

pianoforte ad esperienze come aiuto scenografo; 

dalla collaborazione con scrittori alla frequentazione 

di gruppi di studio dell'Antroposofia. 

Arti visive e attualità socio-politica possono 

guardarsi dritte negli occhi? 

Oggi quando l'arte e l'attualità socio-politica si 

guardano dritte negli occhi solitamente scoppia 

il sensazionalismo. Forse l'arte contemporanea 

vive anche di questa balorda pubblicità, che confonde 

la grandiosità di un'opera con la grandiosità 

di uno scandalo e dà adito a grida inutili, in 

sostanza alla confusione. Le condizioni sociali e 

culturali di un'epoca sono parte del processo 

creativo di qualsiasi artista, ma la vera opera 

d'arte è un riflesso capace di guardare oltre. 

Chi scrive d'arte come si è espresso a proposito 

del tuo lavoro? 

Ogni critico si è focalizzato su un particolare 

aspetto poetico o formale. Ognuno ha una propria 

linea di indagine che dipende dalla sensibilità, 

dal gusto personale e dalla formazione culturale… 

Ad esempio in Germania la critica ha puntato il 

dito sugli aspetti energetico-sessuali e sulle consonanze 

carrolliane; in Italia ci si è focalizzati sull'aspetto 

onirico-esoterico e pop-surrealista. Le 

interpretazioni sono su livelli di lettura diversi e 

tutte, finora, possono trovare un effettivo riscontro 

con la mia opera. Con i critici ho un buon rapporto 

anche se oggi nel mondo dell'arte esistono 

molti improvvisati e poca professionalità. 

Una persona attualmente molto 

importante? 

Il mio gallerista, Enzo Cannaviello, con il 

quale ho un rapporto di esclusiva. L'ho 

conosciuto un paio d'anni fa attraverso 

Alberto Zanchetta, giovane critico 

e amico. 

Hai scelto Milano. Una decisio- 

ne sofferta? 

Sono sempre vissuto nella campagna bolognese 

e l'esigenza di vivere la città era diventata 

forte. Ho scelto Milano per diverse ragioni, tra 

cui l'apertura alla scena internazionale. Non 

sapevo come la mia natura intimista avrebbe 

reagito alla realtà della folla, e di conseguenza 

come questo avrebbe influenzato il mio approccio 

al lavoro. Ora lo so e so anche che non tornerei 

più indietro. 

Passi molte ore in studio? 

I modesti studi che ho avuto sono diventati tutti la 

mia piccola stanza delle meraviglie. Quando sono 

arrivato a Milano e ho trovato un nuovo studio, quest'esigenza 

si è rafforzata per bilanciare il mio spaesamento, 

per continuare ad avere un riferimento 

ambientale sicuro. Un elemento capace di influenzarmi 

mentre lavoro è la musica. Cerco di sincronizzare 

le sonorità con il mio stato d'animo e viceversa. 

Purtroppo a Milano vincono spesso le sirene 

della polizia e i clacson delle auto… 

Qual è la mostra migliore che hai fatto e perché? 

La più esaustiva è stata la doppia personale dal 

titolo Asfodelo, con Gabriele Memola, allo Studio 

d'Arte Cannaviello. Cito questa non solo perché 

è la mostra più recente e rappresentativa del 

mio lavoro ad oggi, ma anche perché si era creato 

una sorta di percorso guidato sulla metamorfosi 

(allestito in due sale separate). Le opere di 

Memola poeticamente embrionali ed eteriche 

culminavano in una raffigurazione iper-umana 

del corpo, mentre nella mia sala si entrava nel 

corpo stesso e nelle morfologie dell'inconscio. 

Bio. Umberto Chiodi è Nato a Bentivoglio 

(Bologna) nel 1981; vive a Milano. Personali: 

Semplicitas, Duplicitas, Galleria Schultz 

Contemporary, Berlino; Asfodelo, (con Gabriele 

Memola), Studio d'Arte Cannaviello, Milano 

(2007). Tra le collettive: Arrivi e Partenze. Italia, 

a cura di A. Fiz e W. Gasperoni, Mole 

Vanvitelliana, Ancona; The Mix-Up, Limited 

Gallery, Milano (2008); Arte Italiana, 1968- 

2007, a cura di V. Sgarbi, Palazzo Reale, 

Milano; Allarmi 3, a cura di A. Zanchetta, I. 

Quaroni, A. Trabucco, C. Antolini. 

Caserma de Cristoforis, Como; 

Dopamine, a cura di I. Quaroni, Studio 

d'Arte Cannaviello, Milano (2007); K 

to your heart, a cura di I. Quaroni, 

KGallery, Legnano, Milano (2006); 

XX Premio di Incisione Giorgio 

Morandi, Museo Morandi, 

Bologna; Il Serafico 

Succedaneo, a cura di 

A.Zanchetta , Galleria Pier 

Giuseppe Carini, San 

Giovanni Valdarno, Arezzo 

(2005); Cauda Pavonis, 

a cura di A.Zanchetta, 

AndreA Arte 

ContemporaneA, 

Vicenza (2004). 

Simone Bergantini - a sinistra: 

Max, 2007 - Stampa a getto di 

inchiostro fissata sotto plexiglass - 

150x150 cm e stampa a getto di 

carboncino su carta cotone - 

90x90 (3/3) e 50x50 (9/9) + 1 pda. 

a destra: RM041SB, 2004 - dal 

ciclo La città plausibile, cm 60X40 - 

stampata su carta baritata tiratura 

3/3 + 1 pda. 

Umberto Chiodi - a sinistra: Amore specchiamoci nella TV, 2007, 24x33 cm, china e acquarello su carta. 

a destra Lo specchio, 2007, 26x42 cm, mista su carta - Courtesy Studio d'Arte Cannaviello. 

Quando hai capito di 

poter fare sul serio? 

Quando ho venduto la 

prima fotografia. E ho pensato 

di proseguire quando i 

collezionisti sono diventati 

troppi... Cerco sempre di parlare 

con leggerezza di questo 

investimento sociale e lasciare 

che tutta la profondità si traduca 

nella superficie delle mie immagini. 

Che formazione hai? 

Ho avuto la fortuna di crescere in una 

famiglia che da sempre frequenta il 

mondo dell'arte. Ho avuto modo di relazionarmi 

quotidianamente con pittori, 

scultori, critici e collezionisti. Poi mi sono 

laureato in storia dell'arte contemporanea 

alla Sapienza, seguendo le lezioni dei professori 

Di Giacomo e Zambianchi, cui oggi riconosco 

il merito di non aver ingabbiato il mio pensiero. 

La fotografia è stata una scelta successiva e 

relativamente recente. In quel momento rappresentava 

la cosa più lontana dalla mia vita ma anche 

la tecnica più immediata cui potessi accedere per 

affermare una mia autonomia espressiva, per esprimere 

con immagini alcune tematiche che sentivo 

esplodermi dentro. Ad oggi mi considero un buon autodidatta. 

Ho imparato sul campo: nella mia casa-studio 

c'è un armadio con tutti i miei sbagli e un piccolo cassetto 

in cui conservo i negativi rappresentativi della mia 

poetica. 

In tre righe come presenteresti il tuo lavoro? 

Farei così: disporrei queste tre righe su una superficie 

piana a formare un grafico ortogonale xyz. 

Allora vediamo di prenderla alla larga... Un tuo pregio? 

Quello che mi riconosco come un pregio è la capacità 

di rinnovare la forma mantenendo il baricentro nei 

contenuti. Anche se alcuni dicono che questo potrebbe 

essere il mio difetto. 

Il tuo pantheon di riferimento? 

Emilio Cafiero, Gerhard Richter, Roger Ballen, 

Michelangelo, Gilbert & George, Kounellis, Jeff Koons, 

Antonello da Messina, Ettore Guatelli, Bronzino, 

Rembrandt, Canova, De Kooning, Duchamp, Bresson, 

Enrico Ghezzi, Fassbinder, Herzog, Antonioni, Fellini, 

Jonh McEntire, Battiato, Chris Cunninghum, Boltanski… 

Forse è meglio smettere, più ne scrivo più ne dimentico. 

Arti visive e attualità socio-politica in che rapporti 

sono? 

Sia l'arte che la nostra attualità socio-politica sanno che 

devono tenere la testa bassa per tutte le marachelle 

commesse. Per quello che mi riguarda due mie opere 

le ha acquistate un senatore, e questo mi sembra già 

un grande risultato. 

Sei soddisfatto di come viene interpretato il tuo lavo- 

simone bergantini 

Si dichiara un autodidatta della fotografia. Ma è cresciuto 

in mezzo agli artisti e si è laureato in storia dell'arte. 

Lucido e autoironico, ragiona di mercato e di metodologia 

di lavoro. E come molti, sta per sbarcare a Berlino… 

ro? In che rapporti sei con chi scrive d'arte? 

Ti sembrerò cinico ma spero si capisca il senso profondo 

di quanto sto per dire. Secondo me ad un certo livello 

non c'è migliore interpretazione di un lavoro che non 

sia il suo acquisto. È ovvio che non tutti possono acquistare 

un'opera d'arte e che, soprattutto, non tutti possono 

acquistare alcune costosissime opere d'arte, quindi 

capisco quanto sia discutibile questo mio modo di 

pensare, che è riferito squisitamente a quello che io individuo 

come principale sistema di qualificazione di un'opera 

inserita nel "mercato dell'arte". D'altro canto devo 

pure confessare che le migliori interpretazioni vengono 

spesso fornite da chi non si occupa affatto di arte. Con 

i critici e con la stampa mantengo ottimi rapporti, non 

sono ancora sufficientemente famoso per potermi permettere 

dei nemici. 

Come avviene nel tuo caso l'approccio al lavoro? 

Ho due modi di lavorare. Il primo, quello che prediligo 

come uomo, è legato al camminare. Alcune mie 

immagini traducono circostanze del mondo in cui 

riconosco un qualcosa che mi riporta alla mia natura 

profonda di essere umano. Confesso però che quando 

parto non lo faccio mai volentieri: i viaggi mi 

costringono a vedere cose profonde e dolorose, mentre 

a casa, nel mio studio, dove sto bene con me stesso, 

produco un altro tipo di immagini, più cerebrali, 

più intellettuali forse. Per l'ultimo ciclo di lavori 

Seminario sull'infanzia ho trovato un compromesso: 

costruivo dei set assumendo a studio grandi strutture 

industriali abbandonate. Ora vivo tra Milano e 

Roma ma sto per aprire il mio primo vero studio a 

Berlino. Spero di renderlo attivo per la fine agosto. 

Quale la mostra che non scorderai? 

Sicuramente la prima, a Milano. Una piccola personale 

in una stanza d'albergo. La ricordo veramente 

bene: fu la prima volta che degli sconosciuti espressero 

dei giudizi sul mio lavoro. 

Un artista che ritieni particolarmente bravo? 

Qualche settimana fa sono andato a trovare in studio 

Pierluigi Febbraio, un mio coetaneo romano. Ho avuto 

l'impressione che in lui ci fosse poesia e ho visto nei 

suoi nuovi lavori una crescita formale incredibile; se 

avrà la forza di insistere e la fortuna di trovare dei validi 

sostenitori credo possa fare grandi cose. 

Un'ultima battuta? 

Approfitto e la sparo grossa: posso propormi per una 

copertina di Exibart.OnPaper? 

Bio. Simone Bergantini è nato a Velletri (Roma) nel 

1977; vive tra Milano e Roma. Personali: Il sesto continente, 

Milano FlashArtShow, ATA Hotel Executive, 

room Romberg (2005). Collettive, premi, eventi: Vai. 

Vespa arte italiana, Pontedera (PI), Museo Piaggio, a 

cura di V. Dehò (2008); "Premio Cairo 2007" Milano, 

Palazzo della Permanente, finalista scelto dalla redazione; 

SerrONE, Monza, Biennale Giovani (2007); 

Rom[A]berg Roma, Romberg artecontemporanea; 

MiArtXI2006, Milano, stand Romberg (2006); 

Attraverso la fotografia, Bagnarola (BO), BW Project 

Breaking Waves; "Reality" 

Monteprandone (AP), Palazzo Parissi; 

Altre voci, altre stanze, Catania Arte 

Fiera, a cura di A. Riva; "Premio Celeste 

2005" Siena, Palazzo Pubblico, Finalista 

per Pittura Mediale Studente; Se telefonando…, 

Teramo, PiziArte (2005); La 

Quadratura del paesaggio, Milano Flash 

Art Fair, Una Hotel Tocq, room Romberg; 

Finalista premio "PagineBianche 

d'Autore" per la regione Lazio, iniziativa 

promossa da SEAT Pagine Gialle, patrocinio 

DARC, in coll. con il GAI; Patti chiari!, 

Roma, RipArte 2004, Ripa Hotel, suite 

Romberg; "Terapia di gruppo", Latina, 

Romberg (2004).

78.ou? Exibart.onpaper 

elenco completo degli Exibart.point dove trovare Exibart.onpaper (se proprio siete così tirchi da non abbonarvi) 

Alessandria - ZOGRA - Corso Roma 123 

Ancona - ACRILICO CAFE - Corso Giuseppe Mazzini 89 

Ancona - ARTESSENZA - Via 1° Maggio 142/c 

Ascoli Piceno - LIBRERIA RINASCITA - Piazza Roma 7 

Asti - FONDO GIOV-ANNA PIRAS - Via Brofferio 80 

Bari - TAVLI BOOK - Strada Angiola 23 

Benevento - ARCOS - Corso Giuseppe Garibaldi 

Benevento - PESCATORE - Via S. Pasquale, 36 

Bergamo - ARS ARTE+LIBRI - Via Pignolo 116 

Bergamo - GAMEC - Via San Tomaso 52 

Biella - CAF. CITTADELLARTE - Via G. B. Serralunga 27 

Bologna - ARS CAPILLORUM - Via Del Pratello 13 

Bologna - ART TO DESIGN - Via Porta Nova 12 

Bologna - BETTY & BOOKS - Via Rialto 23a 

Bologna - BRAVO CAFE - Vico De Gradi 4r 

Bologna - FABRICA FEATURES - Via Rizzoli 8 

Bologna - IL LEONARDO - Via Guerrazzi 20 

Bologna - LA SCUDERIA - Piazza Giuseppe Verdi 2 

Bologna - L'INDE LE PALAIS - Via De' Musei 6 

Bologna - MAMBO - BOOKSHOP - Via Don Giovanni Minzoni 4 

Bologna - MANA' - Via Cartoleria 15 

Bologna - MODO INFOSHOP - Via Mascarella 24/b 

Bologna - NEON>CAMPOBASE - Via Francesco Zanardi 2/5 

Bologna - RAUM - Via Ca' Selvatica 4/d 

Bologna - SESTO SENSO - Via Giuseppe Petroni 9c 

Bologna - SUGAR BABE - Via San Felice 25d 

Bologna - VILLA SERENA - Via Della Barca 1 

Bologna - ZO'CAFE - Via Lodovico Berti 15/b 

Bolzano - CENTRO CULTURALE TREVI - Via Dei Cappuccini 28 

Bolzano - GOETHE2 - Via Dei Cappuccini 26a 

Bolzano - LIBERA UNIVERSITA' DI BOLZANO - Via R. Sernesi 1 

Brescia - PUNTO EINAUDI - Via Pace 16 

Cagliari - EXMA' - Via San Lucifero 71 

Cagliari - MAY MASK - Via Vincenzo Sulis 63 

Cagliari - T HOTEL - Via Dei Giudicati 

Caldogno (vi) - C4 - Villa Caldogno, Via Zanella 3 

Castiglioncello (li) - LA LIMONAIA - CAST. PASQUINI - P.zza Della Vittoria 1 

Catania - PAPINI - Corso Italia 78 

Catania - ZO - Piazzale Asia 6 

Catanzaro - L'ISOLA DEL TESORO - Via Francesco Crispi 7 

Cesena - TEATRO VERDI - Via Luigi Sostegni 13 

Chieti - OFF. CULTURALI - Via Papa Giovanni XXIII 14 

Cinisello Balsamo (mi) - MUSEO DI FOTO. CONTEMP. - Via Frova 10 

Codroipo (ud) - VILLA MANIN DI PASSARIANO - Piazza Manin 10 

Como - LA TESSITURA - Viale Franklin D. Roosevelt 2a 

Como - LIBRERIA DEL CINEMA - Via Mentana 15 

Cortina d’Ampezzo - LIBRERIA SOVILLA - Corso Italia 118 

Ferrara - LA CARMELINA - Via Carmelino 22 

Firenze - ASSOLIBRI - Via Del Sole 3r 

Firenze - BASE-PROGETTI PER L'ARTE - Via Di San Niccolò 18r 

Firenze - ELIO FERRARO GALLERYSTORE - Via Parione 47 

Firenze - G. CAFFE' GIUBBE ROSSE - P.zza Repubblica13/14r 

Firenze - LEF - Via Ricasoli 105 

Firenze - LIBERA ACCADEMIA DI BELLE ARTI - P.zza di Badia a Ripoli 1/A 

Firenze - LIBRERIA CAFE' LA CITE' - Borgo San Frediano 20/r 

Firenze - LIBRERIA DEL PORCELLINO - P.zza Del Mercato Nuovo 1 

Firenze - PLASMA - Piazza Francesco Ferrucci 1r 

Firenze - TEATRO DEL SALE - Via De' Macci 111r 

Firenze - VILLA ROMANA - Via Senese 68 

Forlì - CAMELOPARDO - Piazza Aurelio Saffi 38 

Gallarate (va) - CIVICA GALLERIA D'ARTE MODERNA - Viale Milano 21 

Gallarate (va) - EXHIBAIR MALPENSA - Strada Statale Dell'Aeroporto Della Malpensa 

Genova - BROADSIDE - Via XII Ottobre 31r 

Genova - C DREAM COSTA LOUNGE&BAR - Via XII Ottobre 4 

Genova - LIBRERIA ELECTA - EINAUDI - Piazza Bellini 70 

Genova - MENTELOCALE - Piazza Matteotti 5 

Genova - WOLFSONIANA - Via Serra Gropallo 4 

Genova - ZONAFRANCA - Via XXV Aprile 16 

Lecce - ASSOCIAZIONE IL RAGGIO VERDE - Via F. D'Aragona 14 

Legnano (mi) - KGALLERY - Piazza Europa 15 

Livorno - FACTORY DESIGN - Via Monsignor F. Ganucci 3 

Lucca - PUNTO EINAUDI - Via San Girolamo 19 

Mantova - CENTRO BOMA-BORSA - Piazza Vilfredo Pareto 1 

Matera - PALAZZO LANFRANCHI - Piazzetta Giovanni Pascoli 

Merano - KUNSTMERANOARTE - Via Portici 163 

Milano - 11 - Via Alessio Di Tocqueville 11 

Milano - 55DSL - Corso Di Porta Ticinese 60 

Milano - ACCADEMIA DI BRERA - Via Brera 28 

Milano - ACCADEMIA DI BRERA 2 - Viale Marche 71 

Milano - A+M BOOKSTORE - Via Alessandro Tadino 30 

Milano - ANGEL ART GALLERY - Via Fiori Chiari 12 

Milano - ARMANI\LIBRI - Via Alessandro Manzoni 31 

Milano - ARTANDGALLERY - Via Francesco Arese 5 

Milano - ART BOOKBOVISA - Via Lambruschini 31 

Milano - ART BOOK MILANO - Via Della Moscova 27 

Milano - ART BOOK TRIENNALE - Viale Emilio Alemagna 6 

Milano - ARTIDORO OSTERIA - Via Manfredo Camperio 15 

Milano - BASE B - Via Lambruschini 36 

Milano - BOCCASCENA CAFFE - Corso Magenta 24 

Milano - BONDBAR - Via Pasquale Paoli 2 

Milano - CAFFE DEGLI ARTISTI - Viale Abruzzi 23 

Milano - CAFFE GIAMAICA - Via Brera 32 

Milano - CAFFETTERIA DEGLI ATELLANI - Via Della Moscova 25 

Milano - CCS - CENTRO CULT. SVIZZERO - Via del Vecchio Politecnico 3 

Milano - CHOCO CULT - Via Michelangelo Buonarroti 7 

Milano - CIBOH - Via Clusone (di fronte al civico 6) 

Milano - C/O CARE OF - Via Luigi Nono 7 

Milano - C-ZONE - Via Pestalozzi 4 

Milano - DERBYLIUS - Via Pietro Custodi 16 

Milano - DESIGN LIBRARY - Via Savona 11 

Milano - DOCVA - Via Giulio Cesare Procaccino 4 

Milano - DOMUS ACADEMY - Via Giacomo Watt 27 

Milano - ELECTA | KOENIG - Piazza Del Duomo 1 

Milano - EMPORIO CHOCOLAT - Via Giovanni Boccaccio 9 

Milano - FASHION LIBRARY WORK - Via Vigevano 35 

Milano - FONDAZIONE PRADA - Via Antonio Fogazzaro, 36 

Milano - FOOD&DRINKS 35 - Via Panfilo Castaldi 35 

Milano - FORMA LIBRERIA - Piazza Tito Lucrezio Caro 1 

Milano - FRANKLIN&MARSHAL - c.so P.ta Ticinese, 16 

Milano - FRIDA - via Antonio Pollaiuolo 

Milano - FRIP - c.so P.ta Ticinese, 16 

Milano - GALLERIA CARLA SOZZANI - Corso Como 10 

Milano - HANGAR BICOCCA - Viale Sarca 336 

Milano - IED - Via Pompeo Leoni 3 

Milano - IED ARTI VISIVE - Via Amatore Antonio Sciesa 4 

Milano - IULM - Via Carlo Bo 4 

Milano - ISTITUTO MARANGONI - Via Pietro Verri 4 

Milano - LE BICICLETTE - Via Giovanni Battista Torti 

Milano - LE TROTTOIR - Piazza XXIV Maggio 1 

Milano - LIBRERIA DEL CASTELLO SFORZESCO - Piazza Castello 

Milano - LIBRERIA CLUP - Via Andrea Maria Ampère 20 

Milano - LIBRERIA HOEPLI - SECONDOPIANO - Via Ulrico Hoepli 5 

Milano - LIBRERIA L'ARCHIVOLTO - Via Marsala 2 

Milano - LIBRERIA TIKKUN - Via Montevideo 9 

Milano - LIBRERIA UTOPIA - Via Giovanni Ventura 5 

Milano - LIFEGATE CAFE - Via Della Commenda 43 

Milano - MARGHERA 37 - Via Marghera 37 

Milano - MALO - Via Della Spiga 7 

Milano - MI CAMERA BOOKSTORE - Via Cola Montano 

Milano - MILANOLIBRI - Via Giuseppe Verdi 2 

Milano - MILANO LOUNGE BAR - Via G. Cesare Procaccini 37 

Milano - MOM - viale Monte Nero, 51 

Milano - MUSEO DELLA PERMANENTE - via Turati, 34 

Milano - NABA - Via Carlo Darwin 20 

Milano - NEON>FDV - Via Procaccini 4 

Milano - N'OMBRA DE VIN - Via San Marco 2 

Milano - PAC - PADIGLIONE D'ARTE CONTEMPORANEA - Via Palestro 14 

Milano - PALAZZO DELLE STELLINE - corso Magenta, 61 

Milano - PALAZZO REALE - Piazza Del Duomo 12 

Milano - PAPER & PEOPLE - Via Friuli 32 

Milano - PURPLE - c.so P.ta Ticinese, 22 

Milano - RAAS - Via Pietrasanta 14 

Milano - RADETSKY - c.so Garibaldi, 105 

Milano - REFEEL - Viale Sabotino 20 

Milano - REVEL - SCALO D'ISOLA - Via Thaon Di Revel Genova 3 

Milano - RISTORANTE INDUSTRIA / SUPERSTUDIO - via Bugatti, 13 

Milano - RIVA RENO GELATO - Viale Col Di Lana 8 

Milano - S'AGAPO' - Via Lodovico Il Moro 171 

Milano - SKIPINTRO - Via Donatello 2 

Milano - SOTTOCORNO LIBRI&CAFFE - Via Pietro Maestri 1 

Milano - SOTTOCORNONOVE STUDIOGALLERIA - Via P. Sottocorno, 9 

Milano - SPACCIO DI CHARTA - Via Della Moscova 27 

Milano - SPAZIO BASEB - Via Raffaele Lambruschini 36 

Milano - SPAZIO CRAPAPELADA - Via Savona 12 

Milano - SPAZIO FITZCARRALDO - Viale Angelo Filippetti 41 

Milano - SPAZIO OBERDAN - Viale Vittorio Veneto 2 

Milano - SPAZIO PONTACCIO - Via Pontaccio, 18 

Milano - SPAZIO ROSSANA ORLANDI - Via Matteo Bandello 14 

Milano - SUITE - Largo La Foppa 5 

Milano - SUPERSTUDIO PIU - Via Tortona 27 

Milano - T35 - Via Tortona 35 

Milano - TAD - Via Statuto 12 

Milano - TOKIDOKI STORE - Corso Di Porta Ticinese 62 

Milano - TRACE [TRAS] - Via Savona 19 

Milano - VENTI - Via Celestino IV 9 

Milano - VIAFARINI - Via Carlo Farini 35 

Milano - WOK - Viale Col Di Lana, 5a 

Modena - ADRESSE - Largo Giuseppe Garibaldi 30 

Modena - CAFE' LIVRE - Via Emilia Centro 103 

Monfalcone (go) - GALLERIA COM. D'ARTE CONTEMPORANEA - P.zza Cavour, 44 

Montecatini Terme (pt) - BK1CONCEPTSPACE - Via Della Nievoletta 20 

Monza - ARTE FATTO - Via Carlo Prina 18 

Napoli - AZAR CAFE - Via Alessandro Scarlatti 139 

Napoli - CULTI SPA CAFE - Via Carlo Poerio 47 

Napoli - EDICOLE' - Piazza Municipio 5 

Napoli - FONOTECA- Via Raffaele Morghen 31 

Napoli - INTRA MOENIA - Piazza Bellini 70 

Napoli - KESTE' - Via San Giovanni Maggiore Pignatelli 

Napoli - MADRE BOOKSHOP - Via Luigi Settembrini 79 

Napoli - MANI DESIGN - Via S. Giovanni Maggiore Pignatelli 1b 

Napoli - NENAPOP - Via Nardones 22 

Napoli - NUOVO TEATRO NUOVO - Via Montecalvario 16 

Napoli - PAN BOOKSHOP - Via Dei Mille 60 

Napoli - PENGUIN CAFE - Via Santa Lucia, 88 

Napoli - SUPPORTICO LOPEZ - Supportico Lopez 32 

Napoli - TEATRO TINTA DI ROSSO - Via San Biagio Dei Librari 39 

Napoli - TRIP - Via Giuseppe Martucci 64 

Napoli - TTC CLUB - Via Giovanni Paisiello 39 

Novara - MATERIMA - Casalbeltrame 

Novara - TEATRO COCCIA - Via Fratelli Rosselli 47 

Nuoro - MAN - Via Sebastiano Satta 15 

Padova - BARLUME - Via Antonio Francesco Bonporti 26 

Padova - CAFE AU LIVRE - Via Degli Zabarella 23 

Padova - GODENDA - Via Francesco Squarcione 4/6 

Palermo - EXPA - Via Alloro 97 

Palermo - KURSAAL KAHLESA - Foro Umberto I 21 

Palermo - LIBRERIA BROADWAY - Via Rosolino Pilo 18 

Palermo - LIBRERIA MODUSVIVENDI - Via Quintino Sella 79 

Palermo - PALAB - Via Del Fondaco 

Parma - FIACCADORI - Strada Al Duomo 8 

Perugia - CAFFE DI PERUGIA - Via Giuseppe Mazzini 10 

Perugia - GALLERIA MIOMAO - Corso Cavour 120 

Perugia - LA LIBRERIA - Via Guglielmo Oberdan 52 

Pesaro - CENTRO ARTI VISIVE PESCHERIA - Corso XI Settembre 184 

Pescara - ECOTECA - Via Giovanni Caboto 19 

Pescara - FEZ LIVING - Via Nicola Fabrizi 190 

Pescara - PUNTO EINAUDI - Viale Guglielmo Marconi 4 

Pordenone - CAFFE LETTERARIO AL CONVENTO - P.za Della Motta 2 

Prato - CENTRO PECCI - Viale Della Repubblica 277 

Prato - SPAZIO POLISSENA - Piazza Sant'Agostino 14 

Prato - SPAZIORAZMATAZ - Piazza Mercatale 107 

Reggio Emilia - COLLEZIONE MARAMOTTI - MAX MARA - via Fratelli Cervi 66 

Reggio Emilia - LIBRERIA ALL'ARCO - Via Emilia A Santo Stefano 3d 

Reggio Emilia - LIBRERIA LA COMPAGNIA - Via Migliorati 1a 

Riccione - SIXTY HOTEL - Via Milano 54 

Rimini - VELVET FACTORY - Via S. Aquilina 21 

Roma - 26CC - Via Castruccio Castracane 26 | 28a | 30 

Roma - ACC. DI FRANCIA VILLA MEDICI - Viale Trinità dei Monti 1 

Roma - AGAVE BISTROT - Via Di San Martino Ai Monti 7a 

Roma - ALICELIBRI - Piazza Della Chiesa Nuova 21 

Roma - ALTROQUANDO - Via Del Governo Vecchio 80 

Roma - AMERICAN ACADEMY - Via Angelo Masina 5 

Roma - AMORE E PSICHE - Via Di S. Caterina Da Siena 61 

Roma - ARCH - GALLERIA DELLE COSE - Via G. Lanza, 91/a 

Roma - BACCO E DAGUERRE - Via Nicola Ricciotti 6 

Roma - BAR A BOOK - Via Dei Piceni 23 

Roma - BIBLI - Via dei Fienaroli, 28 

Roma - BOOK Á BAR presso Palaexpo - Via Nazionale 194 

Roma - BOOKSHOP presso PalaExpo - Via Nazionale 195 

Roma - BRASSERIE CO2 - Largo Del Teatro Valle 4 

Roma - CAFFE FANDANGO - Piazza Di Pietra 32 

Roma - CAFFELETTERARIO - Via Ostiense 95 

Roma - CAFFE UNIVERSALE \ ACANTO SPA - Via Delle Coppelle 16 

Roma - CASA DEL JAZZ - ZONE ATTIVE - Viale Di Porta Ardeatina 55 

Roma - CHIOSTRO DEL BRAMANTE - CAFFE - Arco Della Pace 

Roma - CIRCOLO DEGLI ARTISTI - Via Casilina Vecchia 42 

Roma - CIRCUS - Via Della Vetrina 15 

Roma - CO2 - Piazza di Spagna 9 

Roma - CONTESTA HAIR ROCK - Via Degli Zingari 9 

Roma - CRUDO - Via Degli Specchi 6 

Roma - DEGLI EFFETTI - Piazza Capranica 79 

Roma - DOM CHAMPAGNERIA - Via Degli Zingari 49 

Roma - DOP CONCEPT STORE - Via Urbana 25 

Roma - DOOZO - Via Palermo 51 

Roma - ELIO FERRARO GALLERYSTORE - Via Margutta 11 

Roma - ÈSTILE BOOKSTORE - Via Chiana 15 

Roma - ESTROBAR - Via Pellegrino Matteucci 20 

Roma - ETABLI - Vicolo Delle Vacche 9 

Roma - FABRICA - Via Girolamo Savonarola 8 

Roma - FAHRENHEIT451 - Campo De’fiori 44 

Roma - FBPROJECT - Via Giovanni Battista Tiepolo 9 

Roma - FONDAZIONE BARUCHELLO - Via Santa Cornelia, 695 

Roma - FONDAZIONE GUASTALLA - Viale Regina Margherita 262 

Roma - FONDAZIONE OLIVETTI - via Zanardelli, 34 

Roma - FRENGO'S MUSIC - via Della Lungaretta, 65 

Roma - FRENI&FRIZIONI - Via Del Politeama 4 

Roma - FUZZYBARBOTTIGLIERIA - Via Degli Aurunci 6 

Roma - GIUFA' - Via Degli Aurunci 38 

Roma - GNAM BOOKSHOP ELECTA - Via Antonio Gramsci 73 

Roma - IED - Via Alcamo 11 

Roma - ISICULT - PALAZZO TAVERNA - Via Di Monte Giordano 36 

Roma - LA CONCHIGLIA - Via Dei Pianellari 17 

Roma - LA DIAGONALE - Via Dei Chiavari 75 

Roma - LA QUADRIENNALE DI ROMA - V.la Carpegna - p.zza di V.la Carpegna 

Roma - LIBRERIA ARION VIAVENETO - Via V. Veneto 42 

Roma - LIBRERIA BORGHESE - Via Della Font. Di Borghese 64 

Roma - LIBRERIA FERRO DI CAVALLO - Via Del Governo Vecchio 7 

Roma - LIBRERIA DEL CINEMA - Via Dei Fienaroli 31d 

Roma - LIBRERIA L'AVENTURE - Via Del Vantaggio 21 

Roma - LIBRERIA NOTEBOOK - Via Pietro De Coubertin 30 

Roma - L'IMPICCIONE VIAGGIATORE - Via D. Madonna D. Monti 8 

Roma - LO YETI - Via Perugia 4 

Roma - MACRO - Via Reggio Emilia 54 

Roma - MACRO FUTURE - Piazza Orazio Giustiniani 

Roma - MASSI STUDIO D'ARTE - Via Val d'Ossola 34 

Roma - MAXXI - Via Guido Reni 6 

Roma - MEL BOOKSTORE CAFFE’ - Via Nazionale 252 

Roma - MOTAMOT - Via Giulio Rocco 37/39 

Roma - MUSEO CARLO BILOTTI - Viale Fiorello La Guardia 4 

Roma - NECCI - Via Fanfulla Da Lodi, 68 

Roma - ODRADEK LA LIBRERIA - Via Dei Banchi Vecchi 57 

Roma - OFFICINE - Via Del Pigneto 215 

Roma - OPEN COLONNA RISTORANTE - Via Nazionale 194 

Roma - PAPYRUS CAFE - Via Dei Lucchesi 28 

Roma - PARAPHERNALIA - Via Leonina 6 

Roma - PRIMO - Via Del Pigneto 46 

Roma - PUNTO EINAUDI - Via Giulia 81a 

Roma - RASHOMON - Via Degli Argonauti, 16 

Roma - RGB46 - Piazza Di Santa Maria Liberatrice, 46 

Roma - RUFA - Via Benaco 2 

Roma - SAID - Via Tiburtina 135 

Roma - SALOTTO42 - Piazza Di Pietra 42 

Roma - SCOLARO PARRUCCHIERE - Via Ruggero Sauro 63 

Roma - SCUDERIE DEL QUIRINALE - Via XXIV Maggio 16 

Roma - SCUOLA ROM. DI FOTOGRAFIA - Via Degli Ausoni 7/a 

Roma - SECONDOME - Via Pianillari 26/27 

Roma - SHAKI - Via Del Governo Vecchio 123 

Roma - SOCIETE LUTECE - Piazza Di Montevecchio 16 

Roma - S.T. FOTOLIBRERIAGALLERIA - Via Degli Ombrellari 25 

Roma - SUPER - Via Leonina 42 

Roma - SUPPERCLUB - Via De' Nari 14/15 

Roma - TAD - Via Del Babuino 155a 

Roma - TEMPORARY LOVE - Via Di San Calisto 9 

Roma - THE CRYSTAL BAR - HOTELART - Via Margutta 52 

Roma - TUMA'S BOOK - Via Dei Sabelli 17 

Roma - VIVALIBRI - Piazza Di Santa Maria Liberatrice 23 

Roma - WINE BAR CAMPONESCHI - Piazza Farnese 

Roma - WONDERFOOL - Via Dei Banchi Nuovi 39 

Rovereto (tn) - MART - BOOKSHOP - Corso Angelo Bettini 43 

Rozzano (mi) - FONDAZIONE ARNALDO POMODORO - Via Adda 15 

San Candido - KUNSTRAUM - Via Peter Paul Rainer 4 

Sarzana (sp) - DISTANZE - Via Sotto gli Uffizi 2 

Sassari - LIBRERIA DESSì - Largo Felice Cavallotti 17 

Siena - ALOE&WOLF GALLERY - Via Del Porrione 23 

Siena - PALAZZO DELLE PAPESSE - Via Di Città 126 

Siena - PUNTO EINAUDI - Via Di Pantaneto 66 

Taranto - LIBRERIA DICKENS - Via Medaglie D'Oro 129 

Terni - PLACEBO - Via Cavour 45 

Torino - AB+CLUB - Via Della Basilica 13 

Torino - ARTBOOK LINGOTTO - Via Nizza 230 

Torino - ARTEGIOVANE - Via Crescentino 25 

Torino - CASTELLO DI RIVOLI - Piazza Mafalda Di Savoia 

Torino - COMUNARDI - Via Conte Giambattista Bogino 2 

Torino - EATALY - Via Nizza 230 

Torino - FONDAZIONE MERZ - Via limone 24 

Torino - FONDAZIONE SANDRETTO - Via Modane 16 

Torino - GALLERIA CRISTIANI - Via Maria Vittoria 41/g 

Torino - GAM BOOKSHOP - Via Magenta 31 

Torino - IED - Via San Quintino 39 

Torino - ILTASTEBOOK - Corso Vittorio Emanuele II 58 

Torino - J&S VINTAGE - Via Matteo Pescatore 11b 

Torino - KM4 - Via San Domenico 14/15 

Torino - LA DROGHERIA - Piazza Vittorio Veneto 18 

Torino - LIBRERIA AGORA' - Via Santa Croce O/e 

Torino - LOV DURDEN - Via Franco Bonelli 3 

Torino - MAGO DI OZ - Via Maria Vittoria 58 

Torino - MARCO POLO - Via Sant'Agostino 28 

Torino - MOOD LIBRI&CAFFE - Via Cesare Battisti 3e 

Torino - OOLP - Via Principe Amedeo 29 

Torino - PALAZZO BRICHERASIO - Via La Grange 20 

Torino - RIVESTITEMI - Via Vittorio Andreis 18 

Torino - ROCK'N'FOLK - Via Bogino 4 

Torino - SCUOLA HOLDEN - Corso Dante 118 

Torino - TORINO ESPOSIZIONI - Corso Massimo d'Azeglio 15 

Torino - WIPE OUT - Via Bellezia 15 

Torino - YOU YOU - Piazza Vittorio Veneto 12f 

Traversetolo (pr) - FOND. MAGNANI-ROCCA - Via Fond. Magnani-Rocca 4 

Treviso - ARCI TREVISO - Via Bolzano 3 

Treviso - FABRICA - Via Ferrarezza Fraz. Catena 

Trieste - IN DER TAT - Via Diaz 22 

Trieste - KAMASWAMI - Via San Michele 13 

Trieste - KNULP - Via Madonna Del Mare 7/a 

Udine - VISIONARIO - Via Fabio Asquini 33 

Venezia - CENTRO CULT. CANDIANI - Piazzale Luigi 

Venezia - CENTRO ZITELLE - Venezia - giudecca 95 

Venezia - I LOVE TOURISM - Piazza San Marco 71c 

Venezia - PEGGY GUGGENHEIM - BOOKSHOP - Dorsoduro 701 

Venezia - IMAGINA - Campo Santa Margherita (Dorsoduro) 3126 

Venezia - IUAV Biblioteca Centrale, Tolentini - San Marco 1345 

Venezia - IUAV FACOLTA' DI DESIGN E ARTI - Dorsoduro 2206 

Venezia - LIBRERIA DEL CAMPO - Campo S. Margherita 2943 

Venezia - LIBRERIA ED. CAFOSCARINA - Calle Foscari 3259 

Venezia - LIBRERIA MONDADORI - San Marco 1345 

Venezia - NARANZARIA OSTERIA - Campo San Polo 130 

Venezia - PALAZZO GRASSI - BOOKSHOP - Campo San Samuele 3231 

Venezia - TOLETTA - Calle Della Toletta 1213 

Venezia - VINUS - Dorsoduro 3961 

Verona - GHEDUZZI - Corso Sant Anastasia 7 

Verona - PALAZZO FORTI - Volto Due Mori 4 

Vicenza - LIBRARSI - Contrà Delle Morette 4 

…in ogni spazio pubblicizzato ed in tutte le migliori gallerie private del paese! 

Hai un bar, una libreria, un ristorante di tendenza, un locale, una struttura ricettiva o turistica, una palestra, una beauty farm, un cinema, un teatro? 

Fidelizza la tua clientela distribuendo gratuitamente Exibart.onpaper. Diventa anche tu Exibart.point: http://point.exibart.com

80.calendario Exibart.onpaper 

Exibart.agenda 

Pescara 

Abruzzo 

dal 23/02/2008 al 10/05/2008 

Claudio Abate 

Una selezione di 40 fotografie, che testimoniano 

alcuni momenti della carriera di 

Claudio Abate, partendo da storiche immagini 

in bianco e nero, fino ad arrivare agli 

ultimi lavori a colori 

dal martedì al sabato 16.30/19.30 

vistamare 

largo dei frentani, 13 

+39 085694570 

www.vistamare.com 

info@vistamare.com 

Napoli 

Campania 

dal 22/02/2008 al 18/04/2008 

Alessandro Bergonzoni - 

Cardanico 

“che ciò che risulta non sia necessariamente 

il risultato ma qualcosa che non 

risultava ancora”, Alessandro vuole essere 

fomentato, per poi fomentare, con le 

sue opere, quel “chissa’” sconoscito che 

non centra solo con ciò che c’e’, c’era, o 

ci sarà. 

da lunedì a venerdì 10 -13.30 

e 14.30 -18.30 

mimmo scognamiglio 

arte contemporanea 

via mariano d'ayala, 6 

+39 081400871 

www.mimmoscognamiglio.com 

info@mimmoscognamiglio.com 

Napoli 

dal 23/02/2008 al 19/05/2008 

Alice Cattaneo 

Una selezione di video realizzati tra il 

2004 ed il 2007 e tre sculture del 2007 

negli spazi del piano terra del museo 

Madre di Napoli. 

dal lunedì al venerdì ore 10.00 – 

21.00; sabato e domenica ore 10.00 – 

24.00. martedì chiuso 

madre - 

museo d'arte donna regina 

via luigi settembrini, 79 

+39 08119313016 

www.museomadre.it 

Napoli 

dal 6/03/2008 al 6/04/2008 

Marco Tirelli 

La mostra è costituita da circa quindici 

disegni ed acquerelli di grandi dimensioni, 

come in una sorta di archivio delle 

apparenze e rappresenta un'ulteriore 

tappa del percorso dell'artista tra luce e 

ombra. 

vernissage: 6 marzo 2008. ore 19 

orario: lun-ven ore 10/13.30 - 

16/19.30, sab 10/13 

studio trisorio 

Riviera Di Chiaia 215 (80121) 

+39 081414306 

+39 081414306 

info@studiotrisorio.com 

www.studiotrisorio.com 

Napoli 

dal 15/02/2008 al 28/03/2008 

Takayuki Nakatake - 

Noriaki Yokosuka 

Due opposte concezioni della fotografia: 

l'uno aspira a rappresentare il vero, la 

realtà concreta e materiale in cui si svol- 

ge la nostra esistenza; l'altro vuole 

cogliere l'ineffabile, l'arcano, quella 

dimensione ulteriore che soggiace alla 

percezione sensibile. 

dal martedì al venerdì ore 17,30-20,00 

e su appuntamento. festivi chiuso. 

area 24 art gallery 

via ferrara, 4 

+39 0810781060 

www.adrart.it 

area24@adrart.it 

Emilia Romagna 

Bologna 

dall' 8/03/2008 al 12/04/2008 

Cristian Chironi - 

GAP 

Gap è una mostra che lavora sul complesso, 

e decisamente difficile, rapporto che viviamo 

oggi tra memoria e presente, e più in 

generale tra passato e presente. 

da martedì a domenica 

ore 11-13 e 16 -20 

nt art gallery 

via dal luzzo, 6c 

+39 051237722 

www.ntartgallery.com 

info@ntartgallery.com 

Bologna 

dall' 1/03/2008 al 10/05/2008 

Per Barclay - 

Stanze d'acqua 

Dopo la prima mostra del 2005, la OTTO 

Gallery, in collaborazione con la Galleria 

Giorgio Persano di Torino, inaugura la 

personale di Per Barclay "Stanze d’acqua" 

in cui l’installazione e le fotografie 

presentate sono incentrate sul tema dell’acqua, 

elemento portatore di sentimenti 

ed emozioni. 

da martedì a sabato ore 10:30-13 e 

16-20 domenica e lunedì su 

appuntamento 

otto gallery 

via d'azeglio, 55 

+39 0516449845 

www.otto-gallery.it 

info@otto-gallery.it 

Ferrara 

dal 16/02/2008 al 25/05/2008 

Miró: la terra 

Una mostra ampia, articolata, destinata a 

ripercorrere l’intera parabola creativa 

dell’artista catalano. Prima esposizione 

internazionale ad indagare, in modo 

sistematico, il legame dell’artista con la 

terra nello sviluppo del suo immaginario 

e della sua arte. 

aperto tutti i giorni, feriali e festivi, 

lunedì incluso, dalla domenica al 

giovedì dalle 9.00 alle 20.00, venerdì 

e sabato 9.00 alle 22.00. aperto 

anche 23 e 24 marzo, 25 aprile e 1 

maggio 

palazzo dei diamanti 

corso ercole i d'este, 21 

+39 0532209988 

www.palazzodiamanti.it 

diamanti@comune.fe.it 

Traversetolo 

dal 26/02/2008 al 9/03/2008 

Nino Migliori - 

Terra incognita 

Attraverso trentaquattro splendide fotografie 

in bianco e nero, il maestro bolognese ha 

interpretato lo Zooforo del Battistero di 

Parma, fornendo una originalissima chiave 

di lettura a lume di candela di questo insigne 

monumento romanico che reca scolpi- 

to uno straordinario bestiario medioevale la 

cui interpretazione, a tutt’oggi, non è del 

tutto scontata. 

continuato 10 – 18. lunedì chiuso 

fondazione magnani-rocca 

via fondazione magnani rocca, 4 

+39 0521848327 

www.magnanirocca.it 

info@magnanirocca.it 

Friuli-venezia Giulia 

Codroipo (UD) 


Hard Rock Walzer. Scultura 

Contemporanea Austriaca 

La mostra accoglie quattordici artisti le 

cui opere abitano la villa con le loro 

metafore che, in alcuni casi incontrano il 

passato e instaurano un dialogo con esso, 

in altri lasciano che sia l'antitesi a stimolare 

una riflessione. 

villa manin di passariano 

Piazza Manin 10 (33033) 

+39 043282121 

+39 0432821229 

www.villamanincontemporanea.it 

info@villamanincontemporanea.it 

Gorizia 

dal 14 marzo al 27 luglio 2008 

Le meraviglie di Venezia. Dipinti 

del '700 in collezioni private 

A Palazzo della Torre, 120 opere ripercorrono 

una delle stagioni più raffinate 

della storia dell'arte italiana. 

orario: 10.00 -19.00. Lun. chiuso 

biglietti: Intero 6,00 euro; Ridotto 

4,00 euro (gruppi di 15 e max 25 persone, 

visitatori oltre i 60 anni, minori 

da 6-18 anni, fino a 26 anni non compiuti 

con tessera o libretto universitario, 

forze dell'ordine non in servizio); 

Ridotto speciale scuole 2,00 euro 

cassa di risparmio 

Via Giosuè Carducci 2 

info@fondazionecarigo.it 

www.fondazionecarigo.it 

Trieste 

dal 23/02/2008 al 5/04/2008 

Laura Zicari - 

Gloria Mundi 

In mostra la nuova serie di Cardinali 

smontabili e rimontabili pensati, fra critica 

e incantamento, oscillando fra opulenza 

barocca, pop e ritratto, dall’artista 

romana. La personale consisterà in una 

graffiante installazione capace di far 

riflettere, con ironia, sul senso della vita 

e della morte. 

da lunedì a sabato ore 17-20 

studio tommaseo 

via del monte, 2/1 

+39 040639187 

www.triestecontemporanea.it 

tscont@tin.it 

Capena 

Lazio 

dal 20/02/2008 al 18/10/2008 

Friedensreich Hundertwasser - 

La raccolta dei sogni 

Raccogliendo i suoi sogni, il pittore, grafico, 

architetto, narratore ed ecologista 

Friedensreich Hundertwasser (1928- 

2000) è diventato uno dei più noti e 

discussi artisti austriaci del dopoguerra. 

lunedì - sabato 10.00 - 17.00 

art forum wurth 

viale dlla buona fortuna, 2 

+39 0690103800 

www.artforumwuerth.it 

art.forum@wuerth.it 

Rieti 

dal 23/02/2008 all' 8/03/2008 

Daniela Caciagli - 

About loneliness 

La mostra raccoglie le ultime opere 

dell’artista toscana finalista al 

Premio Arte 2007. Opere dominate 

da un profondo senso di solitudine, 

percepito nella mancanza di tratti 

somatici della figura umana, che 

porta all’annullamento della propria 

identità, ad una sorta di non esistenza 

individuale, quasi una dichiarazione 

di resa nei confronti di quel 

culto dell’immagine che ha oramai 

permeato la nostra società. 

martedì-sabato ore 16-19.30 

domenica su appuntamento 

3)5 arte contemporanea 

via dell'ospizio cerroni, 3/5 

+39 3396918072 

www.trecinque.it 

info@trecinque.it 

Roma 

dal 15/02/2008 al 27/04/2008 

AES+F 

La mostra, prevista per MACRO, 

attraverso video, fotografie e sculture, 

raggruppa progetti realizzati 

dagli AES + F nell'ultimo decennio 

(1997-2007), incentrati sui temi dell'infanzia 

e dell'adolescenza e sulle 

relazioni tra questi, la società e la 

cultura contemporanea. 

da martedì a domenica 16.00 - 24.00; 

chiuso: tutti i lunedì, 1 gennaio, 1 

maggio, 24, 25, 31 dicembre 

macro future - 

ex mattatoio 

piazza orazio giustiniani, 

+39 06671070400 

www.macro.roma.museum 

macro@comune.roma.it 

Roma 

dal 13 marzo al 13 aprile 2008 

Alessandro Ciffo - 

XXI Silico Marmirolli 

Alessandro Ciffo, fra auto-formazione e 

ricerca, basata unicamente sul silicone, è 

un autoproduttore. Essere autoproduttore 

vuol dire ideare, costruire,promuovere, 

vendere oggetti che stanno in quello spazio 

indefinito del nè arte nè design, essere 

allo stesso tempo creatore, ricercatore, 

operaio, comunicatore, commesso viaggiatore. 

10-19, dom. e lun. chiuso 

secondome - palazzo scapucci 

Via Dei Pianellari 26 (00186) 

info@secondome.eu 

www.secondome.eu 

Roma 

dal 19/02/2008 al 7/03/2008 

Angela Corti - 

Tessere frammenti di pietra 

Tessere i fili della quotidianità, riallacciando 

i nodi e districando la 

matassa per realizzare una nuova 

trama del reale è il compito che 

Angela Corti. 

dal martedì al venerdì 

dalle ore 17,00 alle 20,00 

studio arte fuori centro 

via ercole bombelli, 22 

+39 065578101 

www.artefuoricentro.it 

info@artefuoricentro.it 

Roma 

dal 29/02/2008 al 16/04/2008 

Boris Achour - 

Conatus: Timescape 

Conatus è una serie di mostre - iniziata 

nel 2006 al Palais de Tokyo e 

alla Galleria Vallois - basate sull’omonimo 

concetto tratto dalla filosofia 

di Spinoza. Con tale termine, alla 

base della sua etica, il filosofo 

descrive l’impulso fondamentale 

dell’agire umano. 

da martedì a venerdì ore 16 - 20; 

sabato ore 15,30 - 19 

galleria cesare manzo 

vicolo del governo vecchio, 8 

+39 0697606054 

www.galleriamanzo.it 

roma@galleriamanzo.it 

Roma 

dal 26/02/2008 al 15/06/2008 

Carlo Levi e Roma. 

Il respiro della città 

Una mostra che racconta il rapporto 

tra Levi e Roma attraverso il confronto 

tra le sue opere e quelle degli 

artisti della Scuola Romana. 

casino dei principi - 

villa torlonia 

via nomentana, 70 

www.museivillatorlonia.it 

villeparchistorici@comune.roma.it 

Roma 

dal 15/02/2008 al 20/03/2008 

Carola Bonfili / 

Natasha Bowdoin 

da martedì a sabato 15.30-19.30 

extraspazio 

via di san francesco di sales, 16a 

+39 0668210655 

www.extraspazio.it 

info@extraspazio.it 

Roma 

dal 19/02/2008 al 18/05/2008 

Cina contemporanea. 

Arte fra identità e 

trasformazioni 

Un incontro ravvicinato con l'arte contemporanea 

cinese, attraverso i lavori recenti di 

alcuni eccezionali artisti. 

domenica, martedì, mercoledì e 

ROMA 


CHRISTIAN MACKETANZ 

"Notte lunga" 

da martedì a sabato ore 16 - 20 e 

su appuntamento 

GALLERIA MANIERO 

Via dell'Arancio, 79 - 00186 Roma 

tel./fax +39 06 68807116 

info@galleriamaniero.it 

www.galleriamaniero.it

Exibart.onpaper calendario.81 

giovedi: dalle 10.00 alle 20.00 

venerdì e sabato: dalle 10.00 alle 

22.30 lunedì: chiuso. 

palazzo delle esposizioni 

via nazionale, 194 

+39 06489411 



Roma 

dal 20/02/2008 al 15/03/2008 

Coralla Maiuri 

Nei suoi lavori Coralla Maiuri utilizza 

oggetti che hanno dimestichezza 

con i molteplici aspetti dell’esistenza, 

forme che contengono in sé la 

memoria di una “prima” intelligenza, 

colori tenui che pacificano, 

forme sinuose e organiche, parolecomando 

che suggeriscono di abbandonarsi 

ad un’energia vitale, erotica 

e primordiale. 

mar-sab 11-13 e 15-19 

valentina bonomo 

artecontemporanea 

via del portico d'ottavia, 13 

+39 066832766 

www.galleriabonomo.com 

info@galleriabonomo.com 

Roma 

dal 23/02/2008 al 7/03/2008 

Emanuela Salti - 

il mese della fotografia 

Per un mese Emanuela Salti si è impegnata 

a scattare, nell'arco delle 24 ore, un 

rullino fotografico a colori, producendo 

quindi ogni giorno, per trenta giorni, 36 

immagini diverse. 

da martedì a sabato ore 10.30-20 

domenica 11-18 

s.t. - fotolibreriagalleria 

via degli ombrellari, 25 

+39 0664760105 

www.stsenzatitolo.it 

info@stsenzatitolo.it 

Roma 

dal 22/02/2008 al 15/03/2008 

Franco Marzilli - 

Dipinti nella materia 

Dal 22 febbraio al 15 marzo la galleria d’arte 

contemporanea Edarcom Europa ospiterà 

presso la sede di via Macedonia, 16 a 

Roma, una mostra personale del Maestro 

Franco Marzilli intitolata “Dipinti nella 

materia”. 

lun-sab: 10,30/13,00 - 15,30/19,30 

galleria d'arte contemporanea 

edarcom europa 

via macedonia, 12 

+39 067802620 

www.edarcom.it 

edarcom_europa@yahoo.it 

Roma 

ROMA 


CYBÈLE VARELA - 

AD SIDERA 

per Athanasius Kircher 

Inaugurazione 7 marzo ore 17.30 

Orari: dal mar. al gio., 9.30-13.30 

Con il patrocinio del MiBAC - 

DGBLIC e dell'Istituto Nazionale di 

Studi Romani 

Catalogo : Gangemi Editore 

BIBLIOTECA D'ARCHEOLOGIA E 

STORIA DELL'ARTE 

Sala Crociera, Palazzo del Collegio 

Romano 

Via del Collegio Romano, 27 

Info : 339 622 4757 

www.cybelevarela.com 

Immagine : Varela, Athanasius, Kircher, acrilicosutela, 

50x70, 2007 

dal 22/02/2008 al 2/03/2008 

FreeLands, 12 anni di comunicazione, 

pubblicità, fotografia 

Lo spazio espositivo Embrice inaugura con 

una mostra fotografica il programma di 

esposizioni e incontri dedicati all’arte e 

all’architettura. 

17,00 – 20,00 

embrice 

via delle sette chiese, 78 

+39 0664521396 

Roma 

dal 4/03/2008 al 5/04/2008 

Giacomo Piussi - 

Jungla 

La galleria One Piece presenta, per 

la prima personale romana di 

Giacomo Piussi, un’opera unica dal 

titolo “Jungla Roma”. Una grande 

tela, appositamente eseguita per la 

galleria di Roma, con riferimenti in 

omaggio alla città eterna. 

dal martedì al sabato 

ore 15:30-19:30 

one piece contemporary art 

via dell'orto di napoli, 13 

+39 063244575 

www.onepieceart.it 

onepieceart@libero.it 

Roma 

dal 22/02/2008 al 30/03/2008 

Giuseppe Rado - 

A.I.KO - Artificial Intelligence 

Kombat 

Giuseppe Rado ha ideato un complesso 

progetto espositivo che ruota 

attorno ad una storia fantasy con 

personaggi, ambienti e specifiche 

azioni narrative... 

da martedi a venerdi ore 16-20. sabato 

e domenica su appuntamento 

artsinergy 

via capo d'africa, 46 

+39 0645496564 

www.artsinergy.com 

asroma@artsinergy.com 

Roma 

dal 21/02/2008 al 29/03/2008 

Goldiechiari - 

Cosmic love 

lun-ven 11-19.30, sab 16.30-19.30 

vm21artecontemporanea 

via della vetrina, 21 

+39 0668891365 

www.vm21contemporanea.com 

info@vm21contemporanea.com 

Roma 

ROMA 

dal 28 febbraio al 16 marzo 2008 

F. FILINCIERI 

SANTINELLI 

Pittura in Progetto e Ispirazione n. 25 

a cura di Marzia Bistolfi 

e Giovanna Foresio 

Inaugurazione: 28 febbraio 2008. ore 

19-22, ad inviti 

orario: lun. dalle 15.30 alle 19.30, mart.ven. 

dalle 10.30 alle 13.30/ dalle 15.30 

alle 19.30; sabato dalle 11.00 alle 15.30 

catalogo: in galleria con presentazione di 

Paolo Balmas 

CAOS 

CULTURALARTISTOPENSPACE 

Via Della Conciliazione 24 

+39 0668309540 

+39 0668136436 

giovanna.foresio@tin.it 

www.caos2004.com 

dal 19/02/2008 al 18/05/2008 

Il mito della velocità. 

Arte, motori e società nell'Italia 

del '900 

La velocità è un tema declinato in 

tutte le sue forme, mediante un allestimento 

dal forte impatto scenografico, 

che ripercorre cronologicamente 

le vicende del ‘900, giungendo a 

esplorare affascinanti e suggestivi 

scenari futuri. 

domenica, martedì, mercoledì e giovedi: 

dalle 10.00 alle 20.00 venerdì e 

sabato: dalle 10.00 alle 22.30 lunedì: 

chiuso. 



+39 06489411 



Roma 

dal 29/02/2008 al 12/04/2008 

Jamie Shovlin - 

The ties that bind 

Per “The Ties that Bind” la ricerca 

di Jamie Shovlin si è concentrata 

sugli Stati Uniti d’America. 

Filtrando la propria visione sugli 

ultimi cinquant’anni di storia americana 

attraverso la musica “ereditata” 

dai propri genitori e personali canoni 

artistici, l’artista ha realizzato una 

serie di opere. 

da martedì a venerdì ore 10-20 sabato 

ore 12-20 

1/9 - unosunove 

arte contemporanea 

via degli specchi, 20 

+39 0697613696 

www.unosunove.com 

gallery@unosunove.com 

Roma 

dal 22/02/2008 al 18/05/2008 

La mia casa è la tua casa. 

Wode jia shi nide jia. Botto e 

Bruno incontrano Liu Xiaodong 

In occasione della mostra Cina XXI 

secolo. Arte fra identità e trasformazione, 

il Laboratorio d’arte ospita 

nell’atelier La mia casa è la tua casa. 

L’opera, installazione e insieme progetto 

educativo, vuole creare uno 

spazio di dialogo tra artisti lontani 

geograficamente che affrontano con 

la stessa sensibilità il tema dell’identità 

in rapporto con le nuove 

realtà urbane. 

domenica, martedì, mercoledì e giovedì: 

10-20; venerdì e sabato: 10-22.30; 

lunedì chiuso 



+39 06489411 



Roma 

dal 16/02/2008 all' 11/05/2008 

Lucio Fontana scultore 

mar-dom 8.30-19.30; lun chiuso 

gnam - galleria nazionale d'arte 

moderna 

viale delle belle arti, 131 

+39 06322981 

www.gnam.arti.beniculturali.it 

gnam@arti.beniculturali.it 

Roma 

dal 14/03/2008 al 18/05/2008 

Nahum Tevet 

Due grandi installazioni selezionate come 

tappe indicative nella ricerca dell’artista 

volta alla ridefinizione dello spazio attraverso 

complessi assemblaggi di oggetti, materiali 

e colori, che creano nuove e sorprendenti 

costruzioni. 

da martedì a domenica 9.00 - 19.00; 

chiuso: tutti i lunedì, 1 maggio 

macro - museo d'arte contemporanea 

di roma 

via reggio emilia, 54 

+39 06671070400 

www.macro.roma.museum 

macro@comune.roma.it 

Roma 

dal 28/02/2008 al 10/06/2008 

Ottocento 

La mostra è una grande sfida: è la prima 

volta che si fa un’esposizione sulla pittura 

italiana dell'Ottocento. Un'arte da rivalutare 

da domenica a giovedì 10.00-20.00; 

venerdì e sabato 10.00-22.30 

scuderie del quirinale 

via xxiv maggio, 16 

+39 0639967500 

www.scuderiequirinale.it 

info@scuderiequirinale.it 

Roma 

dal 7/03/2008 al 29/06/2008 

Pierre Auguste Renoir. 

Tradizione e innovazione 

Circa 150 opere provenienti da importanti 

musei pubblici e prestigiose collezioni 

private di tutto il mondo, documenteranno 

il percorso umano ed artistico del 

grande maestro evidenziando soprattutto 

il suo rapporto con l'Italia. 

dal lunedì al giovedì 9.30 –19.30; 

venerdì e sabato 9.30 – 23.30; domenica 

9.30 – 20.30 

complesso del vittoriano 

via di san pietro in carcere, 

museovittoriano@tiscali.it 

Roma 

dal 29/02/2008 al 30/04/2008 

Pino Pascali - 

Disegni per la pubblicità 

Nel quarantennale della morte dell'autore, 

in esposizione una ricca 

raccolta di materiali: disegni, su 

carta o acetato, i collages e i fotomontaggi 

che preparavano i filmati e 

poi i filmati stessi. 

10,30-13 e 16,30-20. chiuso il lunedì e 

nei giorni festivi 

emmeotto 

via margutta, 8 

+39 063216540 

www.emmeotto.net 

info@emmeotto.net 

Roma 

dal 29/02/2008 al 19/04/2008 

Shahryar Nashat - 

Placed High for Dramatic 

Impact 

Shahryar Nashat è nato a Ginevra nel 

1975. Vive e lavora a Berlino. Nel 2005, 

ha rappresentato la Svizzera alla 

Biennale di Venezia. Ha esposto in 

numerose mostre personali e collettive: 

Centre Pompidou, Parigi; Art Unlimited, 

Basilea; MUSAC, Leon; Centre per l’arte 

Pecci, Prato. 

da martedì a sabato ore 15.30 - 19.30 

galleria sales 

via dei querceti, 4 

+39 0677591122 

www.galleriasales.it 

info@galleriasales.it 

ROMA 

dal 15 marzo al 10 maggio 2008 

SOLOSHOW 

FABBRICATO IN ITALIA 

Claudio Spoletini 

Cameraconvista 

Why Style 

a cura di Italo Bergantini 

e Gianluca Marziani 

ROMBERG ARTE 

CONTEMPORANEA 

Piazza De' Ricci 127 

+39 0668806377 

+39 0668806377 

artecontemporanea@romberg.it 

www.romberg.it 

ROMA 


TRE ANNI DI INTERVENTI 

A TRALEVOLTE 

a cura di Francesco Pezzini, 

Cesare Sarzini 

vernissage: 

28 febbraio 2008. ore 18.00 

29 febbraio 21.30 - 24.00 

Adesione a: FREAKY FRIDAY una 

notte dedicata all'arte 

TRALEVOLTE 

Piazza Di Porta San Giovanni 10 

+39 0670491663 

+39 0677207956 

+39 0677207956 

tralevolte@yahoo.it 

www.tralevolte.org 

Roma 

dal 26/02/2008 al 19/03/2008 

Valie Export 

Video & performance 

studio stefania miscetti 

via delle mantellate, 14 

+39 0668805880 

mistef@iol.it 

Finale Ligure (SV) 

Liguria 


Attilio Antibo - 

La struttura del pensiero 

Una mostra dedicata ai lavori realizzati da 

Attilio Antibo negli ultimi cinque anni a 

documentare una fertilità e freschezza creativa 

che colloca l'artista savonese tra i maggiori 

interpreti dell'arte contemporanea con particolare 

predilezione alla pratica ceramica. 

orario: tutti i giorni, 10.00-13.00; 

16.00-19.00 

curatori: Riccardo Zelatore 

valente arte contemporanea 

via anton giulio barrili 12 

+39 019693343 

+39 019693343 

+39 019680343 

valentema@tin.it 

La Spezia 


Cittadellarte. 

Pistoletto e il Terzo paradiso 

Sarà ricreata, attraverso un allestimento originale 

ed interattivo, una "piccola" 

Cittadellarte, rappresentata dai suoi Uffizi, 

completa delle opere di Michelangelo 

Pistoletto, quali Anno Uno, uno spettacolo 

teatrale interpretato da venti abitanti di 

Corniglia e messo in scena al Teatro Quirino 

di Roma nel 1981. curatore: Bruno Corà 

camec - centro arte moderna e 

contemporanea 

Piazza Cesare Battisti 1 

+39 0187734593 

+39 0187256773 

camec@comune.sp.it 

www.comune.sp.it/citta/camec/camec.html 

Bergamo 

Lombardia 

dal 23/02/2008 al 19/04/2008 

Chiara Dynys - 

Sante subito 

Chiara Dynys rende omaggio a tutte le 

artiste donne della storia, degne di essere 

santificate per le virtù eroiche e i patimenti 

subiti in vita e anche oltre. 

galleria fumagalli 

via giorgio e guido paglia, 28 

+39 035210340 

www.galleriafumagalli.com 

info@galleriafumagalli.com 

Brescia 

BRESCIA 


GAZIRA BABELI 

Opening sabato 15 marzo ore 18,00 

Second life, locusolus, 9 am pst 

Catalogo a cura di Domenico 

Quaranta 

FABIO PARIS ART GALLERY 

Via Alessandro Monti 13 

+39 0303756139 

+39 0302907539 

fabio@fabioparisartgallery.com 

www.fabioparisartgallery.com 

dal 23/02/2008 al 3/04/2008 

Serena Gallini - 

Serena dei balocchi 

Due serie di immagini inedite di grande 

formato da: “in punta di piedi” 2006 b/n 

e “dal paese delle meraviglie” 2007 colori. 

dal martedì al sabato dalle 15.30 alle 

19.30. il museo rimarrà chiuso dal 22 

al 31 marzo 

museo ken damy 

corsetto santa agata, 22 

+39 0303758370 

www.museokendamy.com 

info@museokendamy.com

82.calendario Exibart.onpaper 

Gorgonzola 

dal 23/02/2008 al 30/04/2008 

Radomir Damnjan - Opera di 

verificato valore artistico 

Video, performances, foto e opere pittoriche 

dagli anni ’70 in poi di uno dei 

maestri internazionali dell’arte concettuale; 

elemento centrale di tutto il lavoro 

il suo timbro di garanzia e la sua scritta 

“Opera di verificato valore artistico”. 

martedì - venerdì 15.00 - 19.30 

sabato 10.30 - 19.30 

federico bianchi 

contemporary art 

via gabrio serbelloni, 15 

+39 0295109080 

www.federicobianchigallery.com 

info@federicobianchigallery.com 

Mantova 

dal 29/03/2008 al 6/07/2008 

La forza del Bello. 

L'arte greca conquista l'Italia 

Con 100 capolavori di arte greca provenienti 

da collezioni e musei di tutto il mondo la 

mostra ha l'ambizione di ricostruire la fortuna 

dell'arte ellenica in Italia a partire dall'epoca 

delle colonie (VII-II secolo a.C.) per giungere, 

passando prima per la mediazione romana, 

alla riscoperta nell'età moderna. 

9-19 (chiusura biglietteria ore 18) 

palazzo te 

viale te, 19 - +39 0376369198 

www.centropalazzote.it 

segreteria@centropalazzote.it 

Milano 

BUSTO ARSIZIO (VA) 

dal 1 marzo al 30 marzo 2008 

THE MOMENT IT CLICKS 

80 SCATTI DI JOE McNALLY 

Orari: 15-19 dal martedì al giovedì, 

10 - 12,30 / 15 - 19 dal venerdì alla 

domenica 

FONDAZIONE BANDERA 

PER L'ARTE 

Via Andrea Costa 29 

tel.0331 322311 

www.fondazionebandera.it 

info@fondazionebandera.it 

GALLARATE (VA) 

dall' 8 marzo al 25 maggio 2008 

VISIBILE INVISIBILE. 

BIANCO-VALENTE 

Opere video e ambienti 1995-2008 

Orari: 10-12.20 / 14.30-18.20 

CIVICA GALLERIA D'ARTE 

MODERNA 

Viale Milano 21 

Tel/fax. 0331.791266 

www.gam.gallarate.va.it 

dal 21/02/2008 al 21/03/2008 

Aaron Sharp Goodstone - 

Ghetto Bourgeoise 

Direttamente da NewYork arriva a 

Milano il pioniere che dagli anni Settanta 

è ambasciatore della graffiti art della cultura 

hip hop nel mondo. 

dal martedì al venerdì 11.00 -17.00; 

sabato dalle 14.00 alle 19.00 

avantgarden gallery 

via giovanni cadolini, 29 

+39 3356833247 

www.avantgardengallery.com 

davide@avantgardengallery.com 

Milano 

dal 22/02/2008 al 2/06/2008 

Canova alla corte degli Zar. 

Capolavori dall'Ermitage di San 

Pietroburgo 

Circa quaranta opere selezionate dalle raccolte 

dell’Ermitage tra cui ben sette opere 

di Canova. 

lunedì dalle 14:30 alle 19:30; martedì, 

mercoledì, venerdì, sabato e domenica 

dalle 9:30 alle 19:30; giovedì 

dalle 9:30 alle 22:30 

palazzo reale 

piazza del duomo, 12 

+39 0280509362 

www.comune.milano.it/palazzoreale/ 

Milano 

dal 23/02/2008 al 23/03/2008 

Davide Balliano - 

75 68 67 90 

75 68 67 90 è l'indicazione in quadricromia 

del colore Nero. Il Nero è assenza di colore, 

quindi assenza di Luce. Quindi Buio. 

triennale - 

palazzo dell'arte 

viale emilio alemagna, 6 

+39 02724341 

www.triennale.it 

info@triennale.it 

Milano 

dal 6/03/2008 all' 11/04/2008 

Greg Bogin - 

My Fellow Primates 

La galleria Curti/Gambuzzi & Co. è lieta 

di inaugurare la personale dell'artista 

americano Greg Bogin.I 7 quadri esposti 

in galleria possiedono un forte impatto 

visivo, sono composizioni estremamente 

rigorose, dalle tinte vivaci e contrastanti 

esaltate dalla brillantezza delle superfici. 

da lunedì a venerdì ore 11-19 sabato 

solo su appuntamento 

paolo curti / 

annamaria gambuzzi & co. 

via pontaccio, 19 

+39 0286998170 

www.paolocurti.com 

info@paolocurti.com 

Milano 

dal 27/02/2008 al 27/04/2008 

Joel Peter Witkin 

In mostra circa quaranta opere vintage e 

opere recenti, in bianco e nero, ripercorrono 

il lavoro del fotografo americano che 

affronta tematiche forti ma quotidiane. 

lun. 14.30 – 19.30 | da mar. a dom. 

09.30 – 19.30 |giovedì fino alle 22.30 

pac - padiglione d'arte contemporanea 

via palestro, 14 

+39 0276009085 

www.comune.milano.it/pac 

Milano 

MILANO 


DAN HALTER 

"never say never" 

a cura di Carla Roncato e P&P 

Orari: da martedì a sabato ore 

14.00/19.00 

DERBYLIUS LIBRERIA 

GALLERIA ARCHIVIO 

INTERNAZIONALE D'ARTE 

via P. Custodi, 16 

T/f. 02 89.408.592 

info@derbylius.it 

www.derbylius.com 

dal 15/02/2008 al 30/03/2008 

Kiefer e Mao. 

Che mille fiori fioriscano 

La mostra propone una lettura inedita per 

il pubblico italiano dell’interesse di 

Anselm Kiefer per il ruolo politico-culturale 

di Mao Zedong nella storia occidentale 

attraverso 40 opere, suddivise in 

dipinti e libri d’artista. 

dalle 11.00 a mezzanotte, chiuso il lun. 

triennale bovisa 

via raffaele lambruschini, 31 

+39 02724341 

www.triennalebovisa.it 

biglietteria.bovisa@triennale.it 

Milano 

dal 21/02/2008 al 26/04/2008 

Kimsooja - 

Video Album 

Raffaella Cortese è lieta di presentare la 

mostra di Kimsooja: Video Album, la 

seconda personale dell’artista presso la 

Galleria, in cui saranno presentati sia 

lavori fotografici che video. 

mart- ven 10-13; 15-19.30 

sabato 15-19.30 

galleria raffaella cortese 

via alessandro stradella, 7 

+39 022043555 

www.galleriaraffaellacortese.com 

rcortgal@tiscali.it 

Milano 

dal 20/02/2008 al 2/04/2008 

Luisa Lambri 

L'artista presenta alcune recenti serie di 

fotografie dedicate soprattutto agli architetti 

italiani Carlo Mollino e Carlo Scarpa. 

dal martedi al sabato 15 - 19.30, la 

mattina su appuntamento 

studio guenzani 

via bartolomeo eustachi, 10 

+39 0229409251 

www.studioguenzani.it 

luciana@studioguenzani.it 

Milano 

dal 21/02/2008 al 12/04/2008 

Maria Friberg - 

Alongside us 

Alcuni uomini scalzi e vestiti di bianco si 

abbandonano malinconicamente sui rami 

senza foglie di grandi alberi che paiono 

disegnati ad inchiostro: questa la nuova 

serie fotografica di Maria Friberg. 

galica artecontemporanea 

viale bligny, 41 

+39 0258430760 

www.galica.it 

mail@galica.it 

Milano 

dal 20/03/2008 al 19/04/2008 

Markus Schinwald 

Markus Schinwald, uno dei più interessanti 

e affermati artisti della sua generazione, 

si muove tra performance, teatro, 

cinema, moda e arti visive. 

da martedì a sabato, 10.30-12.30, 

15.30-19.00 

galleria gio' marconi 

via alessandro tadino, 15 

+39 0229404373 

www.giomarconi.com 

info@giomarconi.com 

Milano 

dall' 11/03/2008 al 18/04/2008 

Out of Nothing - 

Omaggio a Baruchello 

Tre giovani artisti chiamati a confrontarsi 

con il lavoro di Gianfranco 

Baruchello. 

da martedi a venerdì dalle 15 alle 

19,30 

annarumma404 

via felice casati, 26 

+39 3491193237 

www.annarumma404.com 

info@annarumma404.com 

Milano 

dal 23/02/2008 al 9/03/2008 

Premio Europeo di Fotografia 

Riccardo Pezza Il racconto di 

un luogo - XIII edizione 

Premiazione e inaugurazione della 

mostra. Il Premio Europeo di Fotografia 

Riccardo Pezza, giunto quest’anno alla 

sua tredicesima edizione, è stato istituito 

nel 1995 in memoria di Riccardo Pezza, 

giovane fotografo che compì i propri 

studi presso il CFP Bauer. 

triennale - 

palazzo dell'arte 

viale emilio alemagna, 6 

+39 02724341 

www.triennale.it 

info@triennale.it 

Milano 

dal 21/02/2008 al 29/03/2008 

Raffaella Crispino - 

In God We Trust 

IN GOD WE TRUST è un mixaggio 

audio video di canti e cori religiosi 

della città di New York. 

L'installazione prevede l'accostamento 

di tre video della durata complessiva 

di 14’56’’. 

dal martedì al sabato dalle 15:30 alle 

19:30 e su appuntamento 

one piece art 

via cappuccio, 3 

+39 3358487615 

www.onepieceart.com 

Milano 

dal 27/02/2008 al 31/03/2008 

Ron Arad - 

Seats... and more 

Verrà presentata un’installazione 

che prevede una selezione di sedie 

“Blo Void” e “Oh Void”, in edizioni 

limitate, in differenti versioni e 

colori. 

martedì-sabato 10-13 15-19,30 

post design galleria 

via della moscova, 27 

+39 026554731 

www.memphis-milano.com 

postdesign@tiscalinet.it 

Milano 

dal 27/02/2008 al 25/05/2008 

Sironi. 

Gli anni '40 e '50. 

Dal crollo dell’ideologia agli 

anni dell’Apocalissi 

Nella Sala del Collezionista, 50 opere 

ripercorreranno per la prima volta, l’ultima 

stagione creativa di una tra le figure 

più importanti dell’arte italiana ed europea 

del ‘900, dal crollo del Fascismo alla 

sua morte. 

martedì – domenica, 

10 – 20. chiuso il lunedì. 

fondazione stelline - 

palazzo delle stelline 

corso magenta, 61 

+39 0245462111 

www.stelline.it 

fondazione@stelline.it 

Milano 

dal 21/02/2008 al 21/03/2008 

Something Old, Something 

New. Something Borrowed. 

Something Blue. 

La mostra comprende alcuni degli artisti 

contemporanei americani afferenti alla 

temperie della Street Culture d'oltreoceano. 

martedì - sabato 11:00 18:30 

primo marella gallery 

via valtellina, 

+39 0234938090 

www.marellagallery.com 

info@marellagallery.com 

Milano 

dall' 11/03/2008 al 30/04/2008 

Tommaso Chiappa - 

Take away 

L’artista è legato al monocromo (per lo 

più blu, rosso, verde) ma utilizza sapientemente 

il colore con oli su tela, pennarelli, 

oli su carta, di recente anche acquarelli. 

15-19, chiuso lunedì e festivi 

galleria luciano inga pin 

via pontaccio, 12 

+39 02874237 

info@lucianoingapin.com 

Caraglio 

Piemonte 

dal 15/03/2008 al 15/06/2008 

Non tutti i bruchi diventano farfalle… 

Storie di fili di seta 

da martedì a sabato: 14.30 – 19.00 

domenica e festivi: 10.00 – 19.00 

chiuso il lunedì 

il filatoio 

via giacomo matteotti, 40 

+39 0171618260 

www.marcovaldo.it 

info@marcovaldo.it 

Torino 

dal 6/03/2008 al 28/03/2008 

Andrej Mussa - 

X-Files 

L'artista presenta dieci collage sequenziali 

e il video "X-files. Requiem per un 

pianeta" invitandoci a riflettere sulle problematiche 

del genere umano utilizzando 

la metafora dell'alieno. 

da martedì a venerdì dalle 16 alle 19. 

lunedì e sabato su appuntamento. 

velan 

via modena, 52 

+39 011280406 

www.velancenter.com 

info@velancenter.com 

Torino 

dal 13/03/2008 al 15/06/2008 

Canaletto e Bellotto. 

L’arte della veduta 

Dedicata al rapporto artistico tra i due 

grandi maestri, la mostra per la prima 

volta espone insieme le opere di 

Canaletto e di Bellotto permettendo un 

immediato confronto delle peculiarità e 

dei loro raggiungimenti stilistici, tecnici 

e compositivi. 

lunedì: 14.30 – 19.30, da martedì a 

domenica: 9.30 – 19.30, giovedì e 

sabato: 9,30 - 22.30 

palazzo bricherasio 

via giuseppe luigi lagrange, 20 

+39 0115711811 

www.palazzobricherasio.it 

info@palazzobricherasio.it 

Torino 

dal 26/02/2008 al 25/03/2008 

Caroline Walker - 

The sense of interior 

Galleria Glance è lieta di presentare la 

prima personale italiana dell’artista scozzese 

Caroline Walker (Dunfermline, 1982). 

da martedì a sabato 15.30-19.30 

o su appuntamento 

galleria glance 

via san massimo, 45 

+39 3489249217 

www.galleriaglance.com 

info@galleriaglance.com 

Torino 

ALESSANDRIA 

dal 29 febbraio al 13 aprile 2008 

LA CITTÀ DELL'ARTE 

a cura di Edoardo di Mauro 

Martedì, giovedì, sabato e domenica 

Ore 16/19 

PALAZZO CUTTICA 

Via Parma 1 

Ufficio cultura 131 40035 

Ufficio IAT 0131 234794 

sistemamusei@comune.alessandria.it 

autori: Bernardelli Carena Caruso 

Marsiglia Merello Scarfò 

dal 10/03/2008 al 2/06/2008 

Fabre e l'Italia. 

Un pittore neoclassico tra 

Torino, Roma e Firenze 

Per la prima volta in Italia, una grande 

retrospettiva dedicata a François-Xavier 

Fabre (1766-1837). 

martedì - domenica 10-18. 

Chiuso lunedì. 

La biglietteria chiude un’ora prima 

gam - 

galleria d'arte moderna 

e contemporanea 

via magenta, 31 

+39 0114429518 

www.gamtorino.it 

gam@fondazionetorinomusei.it 

Torino 

dal 18/03/2008 al 17/05/2008 

Francesco Clemente - 

Opere scelte 

La mostra è costituita da una selezione di 

opere realizzate dall'artista dal 1979 -

Exibart.onpaper calendario.83 

anno della nascita della 

Transavanguardia - fino ad oggi. 

dal martedì al sabato 

dalle 10 alle 12,30 e 

dalle 16 alle 19,30 

galleria in arco 

piazza vittorio veneto, 3 

+39 0118122927 

www.in-arco.com 

info@in-arco.com 

Torino 

dal 6/03/2008 al 19/04/2008 

Giuliana Cunéaz - 

The Growing Garden. 

Occulta Naturae 

Il nuovo progetto di Giuliana Cunéaz 

con una serie di opere inedite, appositamente 

realizzate per l’occasione, basate 

sul rapporto tra arte, scienza, natura e 

nuove tecnologie. 

mar - sab ore 15.00 -20.00 

gas art gallery 

corso vittorio emanuele II, 90 

+3901119700031 

www.gasart.it 

gallery@gasart.it 

Torino 

dal 19/02/2008 al 4/05/2008 

Rossa. 

Immagine e comunicazione del 

lavoro: 1848/2006 

La mostra vede impiegate tecnologie 

multimediali e interattive all’avanguardia 

in un percorso cronologico dell’immagine 

e della comunicazione prodotta 

dal movimento dei lavoratori, e dal sistema 

della comunicazione più in generale, 

tra il 1848 e il 2006. 

palafuksas 

piazza della repubblica, 25 

Torino 

dal 23/02/2008 al 23/03/2008 

Rä di Martino - 

The Night Walker 

La galleria Maze, in collaborazione 

con la galleria Monitor, è lieta di 

presentare il nuovo progetto di Rä di 

Martino. All’installazione video si 

accompagnerà un 45 giri della canzone 

prodotto in edizione limitata di 

500 copie. 

galleria maze 

via giuseppe mazzini, 40 

+39 01119715285 

www.galleriamaze.it 

mail@galleriamaze.it 

Torino 

dal 20/03/2008 al 6/07/2008 

Scoprire il design. 

La Collezione Von Vegesack 

pinacoteca 

giovanni e marella agnelli - 

lingotto 

via nizza, 230 

+39 0110062008 

www.pinacoteca-agnelli.it 

segreteria@pinacoteca-agnelli.it 

Bari 

TORINO 

dal 28 febbraio al 18 maggio 2008 

GREENWASHING 

Ambiente: pericolosi promesse 

e perplessità 

a cura di Ilaria Bonacossa e Latitudes 

(Max Andrews & 

Mariana Canepa Luna) 

FONDAZIONE SANDRETTO RE 

REBAUDENGO 

Via Modane 16 

+39 0113797600 

+39 01119831601 

info@fondsrr.org 

www.fondsrr.org 

dal 22/02/2008 al 9/03/2008 

Puglia 

Franco Scaringi 

I dati naturalistici si perdono in una 

deformazione mentale che è sicuro possesso 

della figura. Con un gesto che non 

vuole essere provocatorio ma emblematico 

della consapevolezza del gioco della 

rappresentazione, muta i tradizionali 

risultati della luce e del colore. 

lun - sab 10.00 / 13.30 - 

17.00 / 20.30 dom 17.00 / 20.30 

galleria bluorg 

via marcello celentano, 92 

+39 3402807324 

www.bluorg.it - info@bluorg.it 

Barletta (BA) 

dal primo marzo al 20 luglio 2008 

Paris 1900. 

La collezione del 

Petit Palais di Parigi 

La mostra amplifica l'indagine sull'arte 

d'Oltralpe con opere di artisti contemporanei 

a De Nittis, allargando lo sguardo 

sulla città oltre la pittura, attraverso sculture, 

oggetti d'arte, arredi, gioielli, ceramiche, 

stampe, fotografie della fine del 

XIX e l'inizio del XX secolo. 

orario: tutti i giorni 10.00 - 20.00 

ogni ven. 10.00 - 23.00 

lunedì ore 10.00 - 14.00 

ufficio stampa: ARTHEMISIA 

palazzo della marra - 

pinacoteca 

giuseppe de nittis 

Via Enrico Cialdini 

+39 0883578613 

Lecce 


Sandro Zenok 

Se la sua formazione è da rintracciarsi 

nell'ambito della Aerosol art, 

negli ultimi lavori di Zenok si nota 

una sorta di ripiegamento e di "chiusura" 

su di sé, mentre la ricerca si 

sposta dal macro-segno grafico sul 

muro al micro-segno figurativo sulla 

tela. 

caffe’ letterario 

Via Guglielmo Paladini 46 

+39 0832242351 

info@caffeletterario.org 

www.caffeletterario.org 

Cagliari 

TERLIZZI (BA) 

fino al 25 marzo 

KUNST IN DER TASCHE 

ARTE IN TASCA 

RA COMUNICAZIONETOTALE 

via Pasquale Fiore, 35 

tel. +39 338 7674491 

e-mail: paolodesantoli@admeridiem.it 

www.admeridiem.it 

IL VICOLO RISTORAZIONE 

vico 5º Garibaldi, 8 

tel. +39 080 3518825 

chiuso il mercoledì 

Sardegna 

dal 22/02/2008 al 9/03/2008 

Elisabetta Falqui - 

Obfashion 

inaugurata a firenze a la corte contemporanea 

la primavera scorsa, 

obfashion viene riproposta a cagliari 

in versione ridotta. 

da martedi alla domenica 

ore 18-22 

spazio p 

vico barcellona, 7 

+39 3488039469 

www.spaziop.it 

info@spaziop.it 

Nuoro 

fino al 15 aprile 2008 

Marc Chagall - Mostri, chimere 

e figure ibride / Temi biblici 

Il MAN apre la stagione espositiva 

del 2008 puntando l'attenzione su 

Marc Chagall con una rassegna che 

si configura come un approfondito 

percorso nell'arte del maestro russo. 

man - museo d’arte della 

provincia di nuoro 

Via Sebastiano Satta 15 

+39 0784252110 

+39 0784252110 

man.nuoro@gmail.com 

www.museoman.it 

Palermo 

Sicilia 

dal 16/02/2008 al 5/03/2008 

Canecapovolto + 

Zoltan Fazekas - 

Presente Continuo 

Egli (per comodità lo chiameremo Il 

Vecchio) poteva disporre degli 

uomini e delle loro azioni, soprattutto. 

Era come se ogni volta egli 

diventasse un'altra persona ed agisse 

e creasse attraverso questa. Quelle 

persone allora cessavano improvvisamente 

di esistere. Un giorno però 

il vecchio cadde in un sonno profondo 

e solo allora le persone tornarono 

in vita ed espressero la loro inquietudine. 

Tutto questo poteva avvenire 

nello Stato dell'Arte. 

il giovedì dalle 16.00 alle 20.00 gli 

altri giorni su appuntamento 

francesco pantaleone 

artecontemporanea 

piazzetta garraffello, 25 

+39 091332482 

www.fpac.it 

info@fpac.it 

Palermo 

dal 15/02/2008 al 15/03/2008 

Xiong Wen Yun - 

Cai Hong - 

Arcobaleno 

Seconda parte del progetto che ha 

già visto lo scorso anno la presenza 

dell'artista in città con la mostra Cai 

Hong, l'esposizione presenta in galleria 

la realizzazione del progetto 

che Xiong WenYun ha realizzato a 

Palermo, dedicata allo Spasimo. 

tutti i giorni dalle 10 alle 13 e dalle 

16,30 alle 19,30; dom. solo mattina, 

lun. solo pomeriggio 

galleria dell'arco 

via siracusa, 9 

+39 0916261234 

www.dearco.it 

info@dearco.it 

Firenze 

Toscana 

dal 19/02/2008 all' 1/03/2008 

Abitanti Ambienti 2008 

Secondo appuntamento della mostra 

Abitanti Ambienti 2008, che riunisce 

i lavori di cinque artisti toscani. 

16-19.30, chiuso lunedì e festivi 

galleria il ponte 

via di mezzo, 42/b 

+39 055240617 

www.galleriailponte.com 

info@galleriailponte.com 

Firenze 

dal 15/02/2008 al 20/03/2008 

Surasi Kusolwong - 

"Changing (I think there is 

something going on here)" 

Una riflessione sul sistema dell'arte 

e sulla situazione politica mondiale 

attuale. 

martedì a sabato 17-20 / 0-24 come 

vetrina / per appuntamenti telefonare 

base - 

progetti per l'arte 

via di san niccolò, 18r 

+39 3286927778 

www.baseitaly.org 

info@baseitaly.org 

Pistoia 

dal 16/02/2008 al 29/03/2008 

Bazzana | Uzunovski | 

Moscardini 

La galleria S p a z i o Acontemporanearte ospita 

tre installazioni site-specific realizzate per 

l’occasione da tre giovani artisti emergenti che 

hanno in comune l’avere ottenuto dei riconoscimenti 

importanti nel 2007. 

dal martedì al sabato 15.30-19.30 

spazioa contemporanearte 

via modenese, 165 

+39 0573903756 

www.spazioa.it 

info@spazioa.it 

Siena 

dal 16/02/2008 al 30/03/2008 

Erranti / Wanderers nella 

videoarte contemporanea / in 

contemporary video art 

Nei suggestivi ambienti medievali dei 

Magazzini del Sale, alcuni tra i più interessanti 

videoartisti e filmmaker a livello 

internazionale si confrontano con questo 

tema antichissimo, condiviso da tradizioni 

e letterature diverse, e paradigma per 

eccellenza della condizione umana. 

tutti i giorni 10.00-18.00 

palazzo pubblico - 

magazzini del sale 

il campo, 1 

+39 0577292226 

museocivico@comune.siena.it 

Trentino-alto Adige 

Rovereto 

dal 23/02/2008 all' 1/06/2008 

Chen Zhen - 

Il corpo come paesaggio 

mart 

corso angelo bettini, 43 

+39 0464438887 

www.mart.trento.it 

info@mart.trento.it 

Trento 

dal 7/03/2008 al 10/05/2008 

Alessandro Bazan - Golden 

Circle 

“Golden Circle" è il titolo della prima personale 

di Alessandro Bazan in Trentino. “Golden 

Circle” era il nome del celebre locale di 

Stoccolma che nel '65 aveva ospitato il concerto 

del gruppo jazz Ornette Coleman Trio. I 

dipinti esposti a Trento sono così ispirati a 

quell'indimenticabile esecuzione 

da mar.ì a sab. 10-13 e 16-19 domenica, 

lun. e festivi su appuntamento 

a.b.c. arte boccanera 

contemporanea 

via milano, 128 

+39 0461984206 

www.arteboccanera.com 

arteboccanera@gmail.com 

Trento 

dal 14/03/2008 al 15/06/2008 

Wilhelm Sasnal - Anni di lotta 

L’esposizione, sua prima personale in un’istituzione 

pubblica italiana, comprenderà 

molte serie di dipinti e filmati. Fra le opere 

pittoriche, vero cuore della produzione dell’artista, 

spiccano le serie legate alle tematiche 

dell’ebraismo (Maus, Shoah), al paese 

natale (Moscice), ai fiumi che attraversano 

la Polonia, agli edifici religiosi (Chiese) alle 

fiabe (Andersen), alla sua passione per i 

gruppi musicali (Musica), accompagnate 

da una larga serie di ritratti. 

galleria civica 

d'arte contemporanea 

via rodolfo belenzani, 46 

+39 0461985511 

www.workartonline.net 

info@galleriacivica.it 

Padova 

Veneto 

dal 22/02/2008 al 16/03/2008 

Enrico Schiavinato - Un dolore 

assorto 

10.00 - 13.00 / 15.30 - 18.30, lun. chiuso 

museo civico al santo 

piazza del santo, 12 

+39 0498751105 

cnf@comune.padova.it 

Treviso 

dal 22/02/2008 al 5/03/2008 

Franca Minardi - Non si perde 

mai nulla 

Personale di pittura 

dal lunedì al venerdì dalle 9 alle 18,30; 

sabato: dalle 9,00 alle 13,00 e dalle 16,00 

alle 19,00. domenica : dalle 10,00 alle 

12,00 e dalle 16,00 alle 19,00 

palazzo scotti 

via sant'andrea, 3 

+39 0422658313 

Venezia 

dal 15/02/2008 al 4/05/2008 

Lawrence Carroll 

Un progetto coraggioso, una mostra 

come opera d’arte totale, in nove sale e 

quaranta opere al secondo piano del 

Museo Correr. 

tutti i giorni, 10/17 fino al 21 marzo; 

dal 22 marzo 10/18 

museo correr 

san marco, 52 

+39 0412405211 

www.museiciviciveneziani.it 

Venezia 

dal 19/03/2008 al 27/04/2008 

Maja Bajevic 

L'artista opera con i mezzi più vari alternando 

performances, video, oggetti e 

fotografie, sovente coinvolgendo lavoratori 

e lavoratrici delle zone in cui imposta 

la sua opera 

da mercoledì a domenica dalle 10.30 

alle 17.30 

fondazione bevilacqua la masa 

- palazzetto tito 

dorsoduro, 2826 

+39 0415207797 

www.bevilacqualamasa.it 

info@bevilacqualamasa.it 

Venezia 

dall' 8/03/2008 all' 11/05/2008 

Stefano Arienti - Disegni 

dismessi 

L'esposizione veneziana presenta una 

varietà di disegni e di immagini che si 

nascondono, trasmigrano o sconfinano 

dai materiali che solitamente li ospitano 

per ricomparire su altre materie e oggetti. 

10 - 18. il ven. e sab. 10 - 22. chiuso 

il lun. dal 18 marzo: mar. - sab. 10- 

20; dom. 10-19. chiuso il lun. 

fondazione querini stampalia 

campo santa maria formosa, 5252 

+39 0412711411 

www.querinistampalia.it 

VERONA 


PIETRO CONSAGRA 

NECESSITÀ 

DEL COLORE 

sculture e dipinti 1964-2000 

a cura di Luca Massimo Barbero e 

Gabriella Di Milia 

Catalogo Skira, testi di Fabrizio 

D'Amico, Lia Durante, Paola Marini, 

Francesca Pola, Laura Lorenzoni, 

Rosemary Ramsey, Francesco 

Tedeschi. 

GALLERIA DELLO SCUDO 

via Scudo di Francia 2 

tel. 0039 045 590144 

fax 0039 045 8001306 

info@galleriadelloscudo.com 

orario: lunedì 15.30 - 19.30 martedìsabato 

9.30 - 13.30 / 15.30 - 19.30 

MUSEO DI CASTELVECCHIO 

corso Castelvecchio 2 

orario: lunedì 13.45 - 19.30 martedì-domenica 

8.30- 19.30 

tel. 0039 045 8062611 

fax 0039 045 8010729 

mostre.castelvecchio@comune.verona.it 

Immagine: Ferro trasparente arancio

84.rimandi Exibart.onpaper 

rimandi. 

A MONDO MIO. 

[...segue da pag. 6 di opinioni] Viceversa, con l'arte di Second Life 

siamo sempre a metà strada, con un piede in un mondo e l'altro 

in un social network, sempre in equilibrio instabile. Un atteggiamento 

che invece ha parecchi punti di contatto con il realismo 

magico, un modo di leggere la realtà sopra le righe, alzandola 

tutta di un paio di toni, che va dal Fellini di Amarcord al Tim Burton 

di Big Fish, contemplando naturalmente il grande affresco del 

Garcia Marquez di Cent'anni di solitudine, con Macondo che anticipa 

di venticinque anni il metaverso di Neal Stephenson. 

Tasferendosi nei territori dell'arte figurativa, i nostri sospetti trovano 

ulteriori conferme. I personaggi che riempiono le pagine personali 

degli utenti di Flickr dei pool di Second Life riportano curiosamente 

alle atmosfere dei maestri del realismo magico, quello 

americano e quello europeo. 

Nei paesaggi di Nephie Eerie si sente l'eco delle scenografie in formaldeide 

di Carel Willink, nei volti di Daequix Scarborough c'è un 

riflesso delle opere di Paul Cadmus e di George Tooker, nelle composizioni 

eleganti di Marya Nesiote si ritrova il gusto che rende 

grande l'arte di Michael Parkes. 

Si dipana così un filo conduttore inedito, che svela nuove associazioni 

di stile, spesso involontarie e inconsce, derivate da quella che 

la mia amica Harper Beresford definisce "risonanza culturale". In 

poche parole, queste persone che frequentano uno stesso milieu 

assorbono un sostrato di idee che appartiene a una tradizione che 

magari non hanno studiato sui libri, ma che affiora inaspettatamente, 

in virtù di una curiosa teoria dell'evoluzione dell'arte, una 

teoria che ancora aspetta il suo Darwin per essere codificata. 

mario gerosa 

giornalista, autore di "Rinascimento virtuale" (Meltemi) 

CHOPSTICK. 

[...segue da pag. 6 di opinioni] In chiusura del pamphlet, Marinetti 

chiede alle donne aiuto nella realizzazione di un programma futurista 

che vuole offrire loro: "Diritto di voto. Abolizione della autorizzazione 

maritale. Divorzio facile. Svalutazione a abolizione graduale 

del matrimonio. Svalutazione della verginità. Ridicolizzazione 

sistematica e accanita della gelosia. Libero amore." Proprio così: 

libero amore nel 1918. Ossia cinquant'anni esatti prima dell'ormai 

insostenibile 1968. 

La destra si appropria di Marinetti come icona, ma poi che fa del 

suo programma? Lo dimentica. E le signore Prestigiacomo, 

Santanché, De Albertis lottano contro i Dico ("Svalutazione a abolizione 

graduale del matrimonio" chiedeva il Poeta). Le belle dame 

cotonate di Forza Italia come Maria Goretti invocano la verginità. 

Ferrara lotta contro l'aborto. E in fondo anche Almirante era contrario 

al divorzio e ai tempi del referendum diceva in tv "non voterete 

come vorrebbero che votaste gli uomini delle Brigate Rosse" 

(Almirante, come molti politici di un tempo, era colto e non sbagliava 

i modi verbali). 

Graziano Cecchini, se davvero si ritiene erede marinettiano, 

dovrebbe tenere conto di tutta la lezione del Maestro e magari, 

tra una performance e l'altra, insegnarla ai militanti della sua 

parte politica, così antifuturisticamente scandalizzati dal futuro. 

tommaso labranca 

scrittore 

Daniele Puppi 

[... segue da pag. 58 di déjà vu] L'illusione della tridimensionalità 

è infatti percepibile soltanto grazie alla prospettiva che si ha centralmente 

fino a pochi metri dall'ingresso. Come se l'opera saturasse 

completamente lo spazio, impedendovi l'accesso. Oppure, 

come se lo rendesse luogo sacro e inviolabile, confinando lo spettatore 

in una sorta di pronao antistante. La ripetizione dei gesti è 

funzionale al rapporto di simbiosi che l'artista vuole avere con lo 

spazio, rifiutando perciò la linearità di un tempo narrativo, che 

abbia inizio e fine. Le Fatiche di Puppi danno suono e movimento 

allo spazio, ma ne vogliono mantenere l'aspetto permanente e 

immediato, fuori dal tempo della storia, come e meglio delle Music 

for Airports di Brian Eno. Pretendono modalità di percezione che 

non abbiano la linearità del racconto, ma l'aspetto puntiforme 

della visione, le possibilità di durata dell'architettura e la pienezza 

senza tempo del rito. 


Werner Herzog 

[... segue da pag. 58 di déjà vu] "Ho difficoltà a considerarmi un 

artista", ha dichiarato in conferenza stampa il regista, "e a distinguere 

tra finzione e documentario. So che ci sono differenze, ma 

queste non mi fanno sentire a mio agio". Molto utili alla comprensione 

del fenomeno Herzog anche i sei montaggi per nuclei tematici, 

schierati nel lungo corridoio della Fondazione, realizzati con 

sequenze del suo cinema più celebre. Quello interpretato dall'allucinato 

Klaus Kinski in titoli che vanno da Aguirre, furore di Dio 

(1972) a Nosferatu, il principe della notte (1979), fino al mitico 

Fitzcarraldo (1982), del quale sono in visione pure alcune scene 

dove compare Mick Jagger, poi tagliate nella versione definitiva. 

Conclude la mostra l'unico storyboard dell'intera carriera del regista 

tedesco, realizzato per la scena finale del film Grido di pietra 

(1991). Che suonerebbe un po' come l'abiura del suo credo cinematografico 

tutto genio e sregolatezza, se non fosse specificato 

nella didascalia: "Su espressa richiesta della produzione". 

[claudia giraud] 

Marco Perego 

[...segue da pag. 59 di déjà vu] Solo l'operazione artistica dota "le 

nuove icone o iconologie prodotte da Perego di una nuova aura, 

benché appartengano all'universo dei consumi né più né meno di 

un prodotto industriale", spiega Sergio Risaliti. Le opere offrono 

riferimenti essenziali per la lettura della mostra: il "sopra le righe" 

è immediatamente percepibile dall'ingresso attraverso tutte le 

altre sale del Museo. E "questa specie di bassa, orizzontale sacralità 

è riconfermata a livello formale dalla pittura sontuosa e iperrealistica", 

prosegue Risaliti. "Qui la grande tradizione figurativa 

rinascimentale, quella della mimesi idealizzatrice, è messa in 

campo a servizio del banale, del kitsch, del popolare, dell'infantile". 

In Devastated land, olio su tela di grandi dimensioni, la "fantasyland" 

è al completo: giocattoli rotti, bambole e orsacchiotti, cartoons 

e favole, il Cappellaio matto, biglie traslucide. Insomma, "un'iconografia 

neo pop che invade le sale dell'Archeologico" (Caverni). 


Olivo Barbieri 

[...segue da pag. 59 di déjà vu] Site specific per questo ed altro: 

non solo perché l'eccidio cinematografico si consuma tra le copie 

degli affreschi pompeiani di Villa dei Misteri, ma anche perché l'ibrida 

rielaborazione di questo classico di celluloide ricorda il mix tra 

cronaca nera e romanzo di Gomorra, il best seller di Roberto 

Saviano citato nell'articolo del "Guardian" che ha fatto scoprire 

all'artista questo simbolo della pacchiana megalomania camorrista, 

che si circonda di pompa nel degradato deserto dell'hinterland. 

Un meschino parossismo d'onnipotenza, ridicolizzato riprendendo 

nel titolo TWIY. The world is yours la scritta lampeggiante sulla fontana 

di Scarface. Evidente la disomogeneità fra le due tranche della 

mostra, nonostante lo stesso autore individui un nesso nella distorsione 

del concetto di committenza e tracci un parallelismo tra 

icone di ieri e miti di oggi. Tronconi, in ogni caso, entrambi sviluppo 

di un'interpretazione fedele della consegna: da una parte ciò che lo 

sguardo ha colto nel museo, dall'altra ciò che questo stesso sguardo 

è andato a cercare fuori. Strabico, ma acuto. 

[anita pepe]

Exibart.onpaper fotofinish.85 

1 

8 9 

ArteFiera è ormai una rassegna internazionale. Con tutto quello che ne consegue, però. In bene e, soprattutto, in male! Ad esempio? Ad esempio il carrello delle ostriche e dello champagne(2), in puro 

stile Art Basel & company. Evvabbé. Anche se c'è chi cerca di ricomporsi e di pensare a vendere, come Primo Marella (1), l'atmosfera gioviale suggerisce più un sano vip watching. Le vittime dei paparazzi? 

Sempre le solite. Ma le ri-osserviamo con piacere (si fa per dire). Dal buon vecchio Lucio Dalla (3) ad Aldo Busi (5) piacevolmente in posa, passando per l'immancabile Alessandro Bergonzoni (6), 

impegnatissimo a promuovere la sua personale da Mimmo Scognamiglio. Vip in azione anche al tavolo da ping pong nello stand della galleria Jablonka. (4) Li avete riconosciuti? E già, proprio loro: 

Francesco Clemente e il direttore del Madre di Napoli Edoardo Cycelin. Menomale che c'è sempre il nostro lettore feticista il quale, per allentare la tensione, ci propina come al solito alcune foto (per carità 

di patria ne pubblichiamo solo una, 7) di scarpe e calzari di bizzarra natura. Questa volta, sempre nel bailamme di Arte Fiera, ecco a voi i piedi-topo... A proposito di fiere di qua e di là per il mondo. I 

colleghi giornalisti ricorderanno la sala stampa di Arte Fiera (ma anche quella di Artissima, per non dire di quella di MiArt...): ebbene, non si superano mai i tre computer a disposizione. Vedete questa 

foto? (8) Beh, è la sala stampa della fiera Arco di Madrid... E poi non vi lamentate se i reportage dalle fiere su Exibart.com non sono tempestivi come dovrebbero! Attovagliamenti romani non mancano 

mai. Nelle foto rubate si intravedono (9) Mario Pieroni, Jimmie Durham, neo trasferitosi nella Capitale, e Danilo Eccher. Nello scatto a fianco (10) il collezionista Antonino Marino e il gallerista Pino 

Casagrande, gozzoviglianti a Villa Medici in occasione della grande mostra di Giuseppe Penone. Chiudiamo con un poker d'assi composto da artista \ teorico \ gallerista \ collezionista. Nell'ordine (11) 

Omar Galliani che presenta con Cristina Acidini le sue opere acquistate dagli Uffizi a Firenze; (12) il professor Mario Lupano che si sfama durante un buffet al MAXXI; (13) il gallerista Andrea Perugi che 

illustra al collezionista Paolo Consolandi il suo stand alla fiera Arco di Madrid. 

LE FOTO PIU' BELLE VERRANNO PUBBLICATE. INVIATECELE A > fotofinish@exibart.com 

2 

3 

4 5 6 

7 

11 12 

10 

13

86.hostravistoxte Exibart.onpaper 

crimes and misdemeanors... 

di Marco Senaldi 

�� Ormai passiamo la maggior 

parte del tempo a lamentarci. 

Ci si lamenta del virus 

parainfluenzale che resiste ai 

farmaci da banco, del percolato 

che minaccia di fuoriuscire 

dalla discarica di Ariano Irpino, 

del tendine rotuleo di Ronaldo 

che si strapapa come lo guardi, 

dei SUV che scorrazzano 

indisturbati per Ceppaloni… 

Siamo d'accordo, qui c'è poco 

da scherzare, ci sono in ballo 

malformazioni, appalti truccati, 

proteste prepagate, e una 

serie di italiche bizzarrie degne 

di una canzone di Rino 

Gaetano. Eppure, tutto ciò non 

dovrebbe farci dimenticare 

che esistono anche "crimini 

culturali" che possono arrivare 

a malformare le menti in un 

modo forse meno percettibile, 

ma sicuramente con effetti di 

lunga, a volte lunghissima, 

durata e danni difficilmente 

calcolabili. 

La circolazione delle opere 

straniere tradotte in italiano è 

per esempio, sempre inspiegabilmente 

inconsueta. Io stesso, 

come curatore di traduzioni e 

di saggi, mi sono senz'altro 

reso colpevole di qualche forzatura, 

ma qui il problema è un 

altro: sono le omissioni, gli 

errori, le autentiche perle infilate 

un po' dappertutto nel 

panorama culturale. Il mio 

amico Slavoj Zizek, uno dei filosofi 

viventi più prolifici e 

influenti del pianeta, soffre per 

esempio di storpiamenti prodigiosi: 

le cediglie sulle due z del 

cognome saltano quasi sempre, 

ma mi ha stupito constatare 

che in una recente edizione 

italiana persino il nome in 

copertina è stato sostituito da 

un ineffabile "Slavoy". In una 

traduzione di una biografia di 

Salvador Dalì viene riportata 

una frase del grande catalano 

che suona così: "C'è soltanto 

'un' quadro che continui a 

dipingere tutta la vita su differenti 

tele, simili a cornici del filmato 

vero dell'immaginazione". 

Dato che l'immagine delle "cornici 

del filmato" mi lasciava 

perplesso ho confrontato l'originale 

inglese dove si parla di 

"frames"; il senso vero della 

frase è pertanto: "…differenti 

tele, simili ai frames [fotogrammi] 

del film dell'immagi- 

nazione…". Per anni ho pensato 

che un importante saggio di 

Sartre, L'imaginaire, non fosse 

stato mai tradotto in italiano, 

salvo poi accorgermi che invece 

era stato tradotto eccome, 

però con un altro titolo, 

Immagine e coscienza, che 

con l'originale c'entra poco o 

nulla. Se si pensa che il libro è 

degli anni '40, quando 

l'Immaginario in senso lacaniano 

era di là da venire, si capisce 

che aver mis-tradotto il 

titolo originale di Sartre equivale 

a una specie di depistaggio 

culturale; sotto le spoglie 

innocenti e para-fenomenologiche 

di Immagine e coscienza, 

si nasconde in effetti uno dei 

testi potenzialmente più rivoluzionari 

del '900, solo che noi 

lettori italiani non lo sapevamo 

(tranne gli eruditi di professione, 

che però non hanno avuto i 

mezzi per mettere in relazione 

il testo di Sartre con l'idea di 

Lacan, oppure ce li hanno avuti 

e non l'hanno fatto, disgraziati). 

Einaudi ha pochi mesi fa 

riedito il saggio in questione 

col giusto titolo: un caso più 

unico che raro di ravvedimento 

operoso, anche se tardivo. E 

che dire di certi libri d'arte 

contemporanea dove i titoli 

delle opere, per eccesso di 

zelo, sono tradotti anche quelli? 

Passi per Fontana di 

Duchamp, ma se Full Fathom 

Five di Pollock - che fra l'altro è 

una citazione di Shakespeare - 

diventa Cinque leghe sotto il 

casino è assicurato. 

Ora, qualcuno potrebbe finalmente 

saltar su a dire: sì, ma 

attenzione che a noi della saggistica 

erudita non ce ne frega 

niente. Il problema è che, 

anche se in parte questa posizione 

estrema è condivisibile, 

d'altro canto non si può sottostimare 

l'impatto che il saggio 

di estetica più peregrino ha 

sulla vita di tutti i giorni; già 

oggi una griffe come Alberta 

Ferretti usa la dizione 

Philosophy per i suoi abiti, e 

non bisogna dimenticare che 

decenni fa Lacan aveva profetizzato 

che i suoi illeggibili 

Scritti sarebbero divenuti un 

fenomeno di costume (come è 

puntualmente avvenuto); con 

l'aria che tira, non ci sarebbe 

da meravigliarsi se Alain 

Badiou disegnasse la nuova 

collezione di cravatte per 

Piombo. 

Del resto considerate un ultimo 

esempio: la celebre collaborazione 

fra Dalì e Disney del 

1946. Il risultato dei mesi trascorsi 

dal grande surrealista 

negli Sudios Disney è rimasto 

tra la leggenda e il gossip per 

oltre cinquant'anni, finché nel 

2003 la Disney ha mostrato 

una versione del breve cartone 

animato Destino, su disegni di 

Dalì, al Festival di Annecy. La 

visione di questo frammento 

(reperibile su YouTube) è stata 

per molti una sorta di esperienza 

semi-epifanica: tutto ciò 

che è venuto dopo in materia 

di ibridazioni è parso di colpo 

obsoleto. Ma il fatto è che, a 

oltre cinque anni dall'anteprima, 

la Disney non ha mai 

messo in vendita il dvd ufficiale 

di Destino! 

Che sia questo il Destino dei 

misfatti culturali? � 

(scrivimi: 

hostravistoxte@exibart.com; 

illustrazione di Bianco-Valente)

contiene - Il Mattino di Bolzano

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?