Catalogo Antologia Critica di Paolo Scirpa - Sandro Bongiani Arte Contemporanea

PAOLO SCIRPA

UNIQUE SPACE RACCOLTA ANTOLOGICA TESTI CRITICI E BIOGRAFIA

2021

SANDRO BONGIANI ARTE CONTEMPORANEA

...Paolo Scirpa sa come fare per liberarci dal peso greve del corpo e proiettarci dentro il tunnel dell’’infinito, in un flusso continuo di materia lieve che s’insinua dentro il labirinto e ne fa parte attiva. Di colpo, sembra di essere risucchiati e assorbiti nel profondo e oscuro pozzo nero, non soltanto a livello percettivo ma anche interiore, ovvero della coscienza e della riflessione… Sandro Bongiani

EXIHBITION PAOLO SCIRPA 18.10.2021 – 31.10.2021 Visit https://www.sandrobongianivrspace.it/homepage

L’OPERA

Vibrazione di luce, 1991. Grafite, 50x70 cm

ANTOLOGIA CRITICA BIOGRAFIA LINK

“Il futuro non è forse un’avventura soprattutto interiore? Mi pare importante continuare ad impegnarsi a scoprire la propria vocazione e la propria coerenza opponendosi al caso”. Paolo Scirpa

PAOLO SCIRPA ANTOLOGIA CRITICA CRITICAL ANTHOLOGY STRALCI CRITICI CRITICAL EXCERPTS Mostre personali e antologiche Personal exibition Biografia Biography

In questo volume viene presentata un’antologia di scritti e saggi critici per una lettura più chiara e corretta del messaggio estetico dell’artista Paolo Scirpai.

Eng. This volume presents an anthology of critical writing and essays to faciliate a clearer and more accurate reading of the aesthetic message of the artist Paolo Scirpa

ANTOLOGIA CRITICA E BIOGRAFIA DI PAOLO SCIRPA "Nessuno, finora, è andato in fondo a questi buchi per raccontarci che cosa ha visto”. Bruno Munari, 1980

TESTO SANDRO BONGIANI, SETTEMBRE 2021 28 LUGLIO 2019

IN FORMA DI LUCE ALLA RICERCA DELL’INFINITO TRA LUDOSCOPI, IDEAZIONI PLASTICHE, PROGETTI URBANISTICI E INSTALLAZIONI. Una lunga attesa durata oltre due lustri prima di scrivere ancora un’altra riflessione critica per Paolo Scirpa. Nella sua lunga attività l’artista sicilianolombardo ha saputo coniugare l’interesse verso l’ignoto con eventi transitori del “non luogo”. Le opere dei “Ludoscopi”, nate a partire dal 1972 in poi non evidenziano il vuoto come “assenza” ma come essenza e presenza insostanziale non ancora definita e pur visibile nella dimensione intima dello spazio. Una visione insostanziale di presenze incorporee che prendono forma grazie all’utilizzo della luce reale. I contenitori virtuali delle ludoteche dalla forma primaria, grazie all’uso di luce al neon e di specchi, trasformano e alterano la

forma geometrica moltiplicando a dismisura la funzionalità in un sintetico spazio-luce. Paolo Scirpa sa come fare per liberarci dal peso del corpo e proiettarci dentro il tunnel dell’’infinito, in un flusso continuo di materia lieve che s’insinua dentro il labirinto e ne fa parte attiva. Di colpo, sembra essere risucchiati e assorbiti nel profondo e oscuro pozzo nero, non soltanto a livello percettivo ma anche interiore, ovvero della coscienza e della riflessione. Chi guarda queste insolite “macchine metascopiche” si illude di fare un ingenuo viaggio e di trovare con certezza un possibile sconfinamento spaziale. In realtà viene assorbito senza alcuna possibilità di trovare una fuga prospettica e un approdo certo, in cui la durata e la successione degli eventi che appaiono non hanno più un conseguente sviluppo logico. Una condizione, si direbbe sospesa, con una temporaneità provvisoria, frantumata e ridotta a pezzi, nata per essere “infinita”. Non semplicemente un viaggio giocoso e ludico come certamente avrà fatto qualcuno di noi ’impugnando per gioco un caleidoscopio a percepire le forme occasionali della geometria dando sfogo alla curiosità e ai sogni. Nelle opere di Scirpa la percezione ottica non è fine a se stessa, chi guarda le sue opere s’illude di intraprendere un possibile viaggio ludico, in realtà si ritrova letteralmente assorbito nell’inconsistente mondo dell’energia e del flusso indefinito. Di certo, la motivazione di questi lavori è di ordine essenzialmente morale; riflettere e prendere coscienza dai numerosi condizionamenti che noi involontariamente subiamo ogni giorno, affinché ci possa essere una presa di coscienza del nostro esistere e magari un possibile risveglio da una condizione anestetizzata e resa precaria. Ecco perché nel 1972, in contemporanea ai primi lavori dei “Ludoscopi” nasce la grande “Megalopoli consumista”, una grande installazione di un contenitore di 2x2x2 metri nata, non occasionalmente, dopo gli anni della contestazione giovanile del 68, in cui attraverso un foro a parete si può percepire una città illuminata fatta di vuoti a perdere, scatole, involucri da buttare, di oggetti d’uso quotidiano di diversa forma e dimensione assemblati gli uni a fianco agli altri a definire una caotica e “consumistica” megalopoli moderna, una sorta di strutturazione architettonica a forma di città, con simboli alienanti e un confuso accumularsi di false necessità scadute a falso concetto di benessere - come scriveva lucidamente nel 1975 in una presentazione Marco Meneguzzo - “dove il messaggio è sin troppo chiaro, e la città dell’uomo è diventata la città del consumo, e dove l’uomo stesso si identifica col consumo, anzi, col consumismo, che ne è la degenerazione”. Da una parte vi è stata la ricerca in forma di ludoscopi, e dall’altra la contestazione di un mondo dedito al facile e assuefatto consumismo.

Insomma, non solo la poetica della luce, ma anche e soprattutto, l’indagine riflessiva e pungente d’impronta morale. La sua iniziale ricerca nasce negli anni Sessanta come momento di ricerca percettivo-cinetico tra astrazione e lirismo. Nel 1965 “Composizione” è un’opera matura che anticipa già il lavoro e le ricerche svolte qualche anno più tardi. L’opera nasce da una visione in cui il paesaggio rappresentato è caratterizzato da una inconsueta dislocazione e decentramento. Così anche le opere successive del “Sole” e di “Habitat” definiti provvisoriamente tra forma e costruzione artificiale. Agli inizi degli Settanta nascono i primi Ludoscopi ormai in linea per originalità e creatività con le diverse tendenze contemporanee svolte in quel periodo in campo internazionale. Insomma, una luce non rappresentata in senso tradizionalmente pittorico o grafico ma reale, in uno spazio tridimensionale in cui il colore e la forma utilizzata dei neon si moltiplica a dismisura in una serie convergenze e divergenze, di innesti, vibrazioni e traslazioni progressive, ricreando una apparente profondità e una estensione dello spazio, restituendoci la dimensione riflessa e interiore della visione, l’apparenza provvisoria di un infinito trascorrente, simulato e percepito in un solo momento. In tutti questi anni, la luce metafisica e trascendentale è stata la compagna di viaggio privilegiata in cui Scirpa ha dovuto sempre fare i conti. Nel panorama dell’arte contemporanea degli anni Ottanta l’artista, continua a proseguire nel suo personale viaggio approntando nuovi sviluppi della sua originale e ricercata poetica visiva. In oltre 50 anni di assidua e ossessiva ricerca, l’artista ha indagato le svariate possibilità del fare ricerca con soluzioni decisamente assai concilianti e sorprendenti. Mi riferisco all’uso di diverse tecniche utilizzate, come per esempio l’incisione, la pittura, i progetti utopistici e urbani. Proprio negli anni Ottanta inizia a realizzare i progetti d’intervento nel territorio utilizzando il fotomontaggio su card di piccolo formato inserendo elementi artificiali nel tessuto consueto e metaforico del reale. Non sono da considerarsi ingenuamente delle anonime “vedute di fantasia” alla maniera settecentesca, bensì, parte di una ricerca parallela a quella dei Ludoscopi d'impronta ancora “utopistica” in cui il reale viene metaforicamente violato da segnali artificiali, interferenze e presenze al neon “dis-equilibranti”. Come nei “Ludoscopi”, anche in queste nuove ipotesi di ricerca, l’elemento visivo proposto in una dimensione più amplificata, nell’apparenza del reale, altera il normale rapporto costitutivo divenendo “interferenza ambientale” per costringerci, ancora una volta, a riflettere e a cercare qualche motivazione morale piuttosto che subirla. Con i “Progetti d’intervento nel territorio” vi è la lucida esigenza di analizzare in una nuova chiave d’indagine la propria e personale visione poetica utilizzando un diverso approccio e rapporto dimensionale a verifica della fattibilità della cosa proposta. Dall’incessante indagine dei progetti d’intervento, proprio nel 2009 nasceranno i progetti del “Teatro è il suo doppio”, modelli lignei immaginati sulla forma del teatro greco come quello di Siracusa in cui ha vissuto Paolo Scirpa per diverso tempo prima di trasferirsi a Milano, nati da un oscuro e indefinito moto dell’immaginazione tra forma, invenzione e storia. In questo senso, tutto il lavoro di Scirpa può essere

ricondotto criticamente nell’alveo di un progetto ben più ampio e maestoso ai confini delle soglie disciplinari e ancora del tutto attuale e contemporaneo. Salerno, 30 settembre 2021

TESTO MARCO MENGUZZO, LUGLIO 2019 DI MARCO MENEGUZZO 28 LUGLIO 2019

Quando nel 1972 Paolo Scirpa ha realizzato il suo primo “Ludoscopio”, mettendo in scena la luce creata e moltiplicata dal neon e non una luce dipinta, o suggerita, o rappresentata, l’attenzione degli artisti e del pubblico più smaliziato era già rivolta ad altro, era passata dall’interesse scientifico e analitico per i problemi della percezione, e di un’arte esatta, il più possibile oggettiva, ai problemi sociali, ai conflitti politici, alla lotta rivoluzionaria che allora era quotidiana e pervasiva di ogni azione e di ogni pensiero. Di fatto, a guardare anche quei primi lavori con la luce, per cui oggi è giustamente noto, (un versante di indagine artistica sul consumismo, che pure ha portato avanti, rimane tutt’ora meno conosciuto…) si potrebbe dire che la sua ricerca appartiene a quella branca ottico-cinetica dell’arte, che aveva conosciuto i maggiori fasti nazionali e internazionali tra il 1959 e il 1965/66, ed era poi lentamente declinato con la caduta di fiducia nelle possibilità di una società “percettivamente” migliore, e nell’ascesa di altre tendenze, come la Pop Art – che ne era agli antipodi – o l’Arte Povera, che sfruttava maggiormente l’aspetto di contestazione sociale globale. Ora, a prima vista il suo lavoro effettivamente apparterrebbe in toto a quella ricerca, ma non a quella stagione: un lungo apprendistato siciliano - Scirpa è nato a Siracusa nel 1934 – tra le file dell’astrazione, il trasferimento a Milano nel 1968, la prima personale milanese nel 1969, avrebbero fatto sì che l’aspetto ottico-cinetico del suo lavoro non sia coinciso col momento di sviluppo e di attenzione di cui invece artisti e gruppi dell’arte cinetica italiana – ricordiamo il Gruppo T o il gruppo Enne, o anche il gruppo MID – avevano goduto a pieno titolo. Tant’è: solitamente un artista è più condizionato dal proprio percorso mentale che da fattori contingenti, sociali, ambientali, politici, anche se naturalmente non vanno sottovalutati, almeno per quanto riguarda il consenso. Ma Scirpa con la sua ricerca sulla luce si è anche discostato dall’indagine cinetico-programmata, perché ha introdotto – o “re-introdotto” – nei suoi neon una valenza simbolica che vuole sfociare addirittura nella trascendenza: quanto di più lontano, cioè, dall’intenzione di esattezza, misurabilità, fisicità, e controllo cui l’arte cinetica ci aveva abituati nel decennio precedente. Gli ottico-cinetici per così dire di stretta osservanza, mostravano infatti scarsissima attenzione per ogni aspetto che

volesse andare oltre i problemi della percezione umana o i problemi “storicosociali” della percezione, intendendo con questi l’analisi non solo di ogni tipo di percezione fisiologica, ma anche l’analisi del linguaggio della visione, e l’analisi dei rapporti tra produzione della visione e ricezione della visione, con qualche sconfinamento, se si vuole, nel campo della sociologia (per non parlare del rapporto arte/industria o arte auratica/arte moltiplicata che ne erano corollari importanti); al contrario, Paolo Scirpa poneva, e pone, il problema addirittura trascendentale della “luce”, di cui la luce reale – ottenuta con gli strumenti che anch’egli usa – non è che un riflesso. Come a dire che ciò che gli interessa è la luce ideale, e che per affermare questo interesse, e l’importanza che quella luce ha per sé e per l’interpretazione del mondo di cui l’artista si fa tramite, è disposto a sopperire con i poveri mezzi concreti che il mondo gli mette a disposizione, fermo restando però che questi mezzi non sono che l’ombra, il rappresentato, l’imitazione, il riflesso, appunto, di quel significato più grande. Il suo, dunque, è un mondo platonico, persino religioso (in un mio testo precedente, affermavo che Scirpa è più vicino a Beato Angelico che a Lazlo Moholy-Nagy …), che si avvale di tecnologie extrartistiche per l’epoca quasi nuove , non tanto per affermare con queste una raggiunta fisicità dell’arte, la presenza oggettuale e oggettiva del reale nel linguaggio espressivo, quanto piuttosto per suggerire che anche dietro questa oggettualità, questa idea di “nuovo” , di progetto e di progresso, la questione della “luce” resta comunque inafferrabile a chi non si ponga di fronte ad essa con un animo “illuminato.

LA FORMA DELLA LUCE, LA LUCE DELLA FORMA DI MARCO MENEGUZZO, APRILE 2017 Ci sono molti motivi di tipo storico per apprezzare il lavoro di Paolo Scirpa, ma la caratteristica che rende il suo lavoro eminente – oggi come ieri - trascende ogni aspetto storico e attinge invece solo e unicamente al campo dell’arte. In altre parole, ancora oggi guardiamo al suo lavoro non tanto come “documento” importante di un momento della storia dell’arte, ma come vera e propria “opera”, anche oggi, a distanza di più di quarant’anni dal suo esordio sotto questa forma. Datano dal 1972 infatti, i primi “Ludoscopi”, coi quali l’artista siciliano si presenta al pubblico, trasformando le due dimensioni con cui aveva esordito nel decennio precedente, nelle tre dimensioni, ma soprattutto trasformando quella che era la rappresentazione della luce – fattore comune a tutti i pittori, ed elemento base di tutta l’arte – nella “presentazione” della luce, attraverso l’elemento tecnologico che più si avvicinava alla essenza del luminoso, essendo per di più accessibile a tutti, quasi povero, come il tubo al neon. Il passaggio dalla rappresentazione simbolica a una sorta di presenza ontologica della cosa, aveva costituito forse il principale nodo linguistico durante il decennio precedente, e aveva prodotto una

serie di soluzioni estremamente varie, dimostrando così come quel tabù linguistico poteva essere risolto senza erodere lo statuto tradizionale dell’arte, e anzi aumentandone le possibilità espressive. Si va dalle esperienze cinetiche – che in Italia avevano assunto la variante modernissima e teoricamente illuminante dell’Arte Programmata – alla Minimal Art, all’Arte Povera, in una gamma di esperienze dove la “cosa” rappresentata era anche la “cosa” reale. In molte di queste tendenze, e ancora durante gli anni Sessanta, si era manifestata la presenza della luce al neon – forse sarebbe meglio dire del “tubo al neon” … , per cui si potrebbe obiettare che l’uso che ne fa Scirpa, iniziando nel decennio successivo, non appare come un primato assoluto, un marchio di fabbrica esclusivo, e tuttavia il modo in cui lo usa è personalissimo, tanto da meritare un confronto diretto con quegli artisti che – anche per ragioni anagrafiche – lo hanno usato poco prima di lui. Nelle opere d’Arte Programmata il neon è molto presente, ma come puro utilizzo strumentale: deve illuminare, viene usato cioè per retro illuminare e fornire così una luce reale, uniforme – e nuova, aggiungiamo noi – alle esigenze dell’opera; al contrario, nelle opere minimaliste di Dan Flavin la presenza oggettuale del tubo al neon, come fosse l’elemento base di un assemblaggio semplice, è assolutamente manifesta, quasi assoluta, un oggetto luminoso come elemento di un alfabeto minimo, arbitrario ma essenziale; nell’Arte Povera l’uso del neon è diffuso, come forma simbolica: simboleggia – ma si potrebbe dire anche “rappresenta” – l’energia, e quando diventa parola scritta (in Mario Merz, in Pier Paolo Calzolari, per esempio) aumenta quel suo valore retoricamente simbolico; si tratta dunque di una serie di utilizzi diversi per significati e significanti diversi, magari uniti dalla presenza “tecnologicamente evidente” del neon, che in quegli anni è ancora un elemento fuori dal comune e sicuramente antitradizionale. Nel decennio successivo ci si è già abituati alla sperimentazione, e il “nuovo” diventa “tradizione” per il solo fatto di essere nuovo (succede al neon come al video, seppur su piani teoretici diversissimi…): Scirpa è tangente a questo atteggiamento, e di certo non si fa paladino di avventure sperimentali, ed proprio per questo che la sua sperimentazione è duratura: perché non è “sperimentale” ma consustanziale al lavoro. Così, prima ancora di entrare nel merito del lavoro di Scirpa, bisogna sgomberare il campo dall’equivoco del “nuovo” a tutti i costi, per concentrarsi sulla qualità, sui modi di utilizzo del nuovo, senza essere obnubilati da una categoria che è storicamente importante, ma artisticamente neutra (ciò non significa che si debba tacere in presenza di opere formalmente identiche che vengano spacciate per originali e nuove, quando non lo sono, come è accaduto proprio a Scirpa con le opere del cileno xxxxxxx, identiche alle sue ma realizzate a vent’anni di distanza! …). Si diceva poco sopra che il “nuovo” di Scirpa non cessa di essere nuovo col passare degli anni, perché semplicemente non è nato come “novità” ma come “necessità” intrinseca al lavoro: Scirpa infatti usa il neon come luce e come forma, e pur mettendo in scena una sorta di illusione percettiva e sensoriale, non nasconde assolutamente gli elementi che usa, li espone per quello che sono, e la forte carica espressiva e simbolica che assumono, non è il frutto di una dichiarazione a priori, di un atteggiamento

neoavanguardista, ma il risultato di una felice combinazione formale e concettuale che non smette di essere efficace, di rinnovarsi ad ogni sguardo. Le opere di Scirpa creano l’illusione della profondità, attraverso l’uso sapiente di specchi che moltiplicano a dismisura i neon, tanto da far sembrare pozzi profondissimi e senza fine quel che fisicamente è contenuto in un spessore moderato (e visibile), e però la costruzione è visibile, non c’è l’inganno – che consiste nel dissimulare gli elementi in gioco per ottenere un risultato fuorviante -, ma l’effetto,non c’è il trucco, ma il risultato conseguente. L’illusione che provoca in chi guarda, e che costituisce un continuo piacere percettivo perché si ripete fisiologicamente, anche una volta svelata – o semplicemente vista – la costruzione dell’opera, è pero solo una parte, e la più superficiale, del lavoro, che va considerato ancor più in profondità, a partire proprio dalla forma che prende la luce. Nel caso di Scirpa, la luce può prendere una forma precisa, grazie alla duttilità del neon, che è come un segno di luce obbediente alla volontà di forma dell’artista: una circonferenza, un quadrato, un triangolo … sono queste le forme che Scirpa dà alla luce, e viene naturale associ are la purezza delle forme e lo sfolgorio della luce all’”idea”, a quel primo motore da cui derivano tutte le cose. Non è una questione intellettuale, non occorre conoscere Platone per associare la forma alla luce, queste forme pure alla luce, e trasformare la luminosità fisica in splendore simbolico: la forma della luce, l’atto meccanico di piegare il tubicino di vetro riempito di neon sino a dargli la forma voluta, trascende questa fisicità e diventa sostanza immateriale, diventa la luce della forma, cioè la “chiarezza” universale delle forme geometriche unite alla luminosità che da loro emana. Chiarezza, luminosità, splendore sono termini solo apparentemente vaghi – oppure sono vaghi per chi tratti la luce solo come frequenza elettromagnetica -, perché di fatto parlano dell’aspetto trascendente della luce, come Platone, appunto, parlava delle idee, o come i filosofi e i teologi medievali (che allora erano la stessa cosa) parlavano di “ottica”: come e perché si vede fisicamente il mondo non è che il riflesso di come il Creato si manifesta, e nella sua manifestazione si conosce e si riconosce il Creatore. Ecco allora che l’ottica – in quel contesto – è la scienza di Dio, perché analizza l’essenza del suo primo atto nei confronti del mondo, la separazione della luce dalle tenebre … Con maggior modestia di quei filosofi, Scirpa forse non vuole arrivare a tanto, ma la componente trascendente nel suo lavoro è molto importante, benché, da artista, non possa e non voglia eliminare l’aspetto materiale dell’opera: che fare, allora?, se non tentare di conciliare i due aspetti, e suggerire la trascendenza attraverso la materia? Un tempo, questa era una pratica comune per l’artista, tanto che i codici interpretativi erano basati quasi completamente sul significato metaforico o simbolico delle cose e delle persone rappresentate, ma dopo centocinquant’anni di “realismo borghese” propinato in tutte le salse (alcune davvero meravigliose, per la verità) questo preciso scopo dell’arte è venuto meno, ed è appannaggio solo di alcuni artisti, che di fatto continuano su strade diverse da quelle antiche a parlarci di un “altrove” che fisico non è. Forse, nel caso di Scirpa, una nobile analogia può soccorrere l’interpretazione. Nel mondo cristiano ortodosso le icone erano – e sono – oggetti sacri perche non rappresentavano una “finestra”

sul divino, ma “erano” una vera e propria apertura su un mondo ulteriore. Ora, con tutte le cautele del caso, chiunque collochi in un proprio spazio – sul muro, su un piedistallo, sul pavimento – un’opera di Scirpa, “sfonda” quello spazio, lo trasforma in un’apertura, in un ponte metaforico, addirittura in un passaggio indefinito e infinito verso un mondo che ora è ignoto. Forse non è la stessa cosa, ma sicuramente funziona come similitudine, mentre dal paragone esce paradossalmente rinforzata la questione della fisicità dell’opera contemporanea – almeno, di quella di Scirpa -, rispetto ai codici di trascendenza be n radicati nell’immaginario collettivo. Perché la differenza con la tradizione delle icone – ed è la differenza tra l’arte contemporanea e l’arte antica – è proprio che oggi non ci soccorre più quell’apparato conosciuto – di santi, di simboli, di codici – che ci accompagna attraverso la soglia, e ci conforta con la sua vicinanza tranquillizzante. Oggi siamo più soli, e da quelle profondità che contempliamo, anche l’abisso potrebbe a sua volta guardarci. Milano, 5 Aprile 2017

Eng. The form of light, the light of form The are many reasons of a historical kind for appreciating the work of Paolo Scirpa, but the characteristic that makes his work eminent – today as in the past – goes beyond any historical aspect and, instead, concerns only the field of art. In other words, today we look at his work not so much as an important “document” of a particular moment in art history, but as genuine “work”, even after more than forty years since he made his debut as an artist. In fact his first “Ludoscopi” date from 1972, and with them this Sicilian artist presented himself to the public; the two-dimensional works which he had shown in the preceding decade had now been transformed into three dimensions but, above all, he had transformed what had been his way of representing light – something common to all artists and that is the basis of all art – into a “presentation” of light. He did this with the technological element that is closest to the luminous essence, one, what is more, that is available to everyone and is almost humble: fluorescent neon tubes. The passage from a symbolic representation to a kind of ontological presence of the thing itself had, perhaps, been the main linguistic problem of the preceding decade, and had led to a series of extremely varied solutions. In this way there was demonstrated how this linguistic taboo could be resolved not only without eroding the traditional statute of art but, instead, by actually increasing its expressive possibilities. Such experiences ranged from kinetic ones – which in Italy became the highly modern and theoretically illuminating variant of Arte Programmata – to Minimal Art and Arte Povera, with a range of experiences where the “thing” represented was also the real “thing”. In many of these trends, and even in the 1960s, there was the presence of neon light – though perhaps it would be better to say “neon tubes”... -, so it could be objected that the use Scirpa made of it in the following decade,

was not an absolute first, an exclusive trademark; and yet his use of it was highly personal, so much so as to merit a direct comparison with those artists who - even for reasons of age – had made use of it shortly before him. In the works of Arte Programmata neon was highly visible, but as a purely instrumental use: it had to illuminate; in other words, it was used for back-lighting and thus supplied a real and uniform light – and, I would add, a new one – according to the work’s needs. In the Minimalist works by Dan Flavin, on the contrary, the objectual presence of neon tubes as though they were the basic element of a simple assemblage is absolutely manifest, and almost absolute: a luminous object as an element of a minimal alphabet, arbitrary but essential. In Arte Povera, there was a widespread use of neon light as a symbolic form: it symbolised – though we could also say “it represented” – energy, and when a neon tube formed a written word (in the work of Mario Merz or Pier Paolo Calzolari, for example) this increased its rhetorically symbolic value. So we are dealing with a series of different usages with a different signifier and significance, perhaps even united to the “technologically evident” presence of the neon tubes that, at the time, were still an unusual element and certainly an anti-traditional one. In the following decade experimentation had become accepted and the “new” had become “tradition” only for being new (this happened with neon lights just as it did with video, even though based on very different theoretical supports...): Scirpa was tangential to this attitude, and he certainly never became a champion of experimental adventures, and it is due to this very fact that his own experimentation has lasted: because it is not “experimental” but is the very substance of the work. And so, even before discussing the merits of Scirpa’s work, it has been necessary to clear away the misinterpretation of “novelty” at all costs, and to concentrate on the quality, on his ways of using the new, without being clouded by a category that is historically important, but artistically neutral (though this does not mean that we must stay quiet in the presence of works that are formally identical and that are passed off as original and new when, in fact, they are not, as has happened with Scirpa himself with works identical to his but made some thirty-five years later!...). I said earlier that Scirpa’s “newness” does not stop being new with the passing of time, simply because it was not born as a “novelty” but as a “necessity” inherent in the work: in fact Scirpa uses neon tubes as light and form and, even though staging a kind of perceptive and sensorial illusion, in no way does he hide the elements he uses. He exhibits them for what they are, and the strong expressive and symbolic charge that they gain is not the result of an a priori declaration of a neo-avant-garde attitude but is the outcome of a successful formal and conceptual combination that never stops being effective and renews itself each time it is looked at. Scirpa’s works create the illusion of depth through a skilful use of mirrors that greatly multiply the neon tubes, so much so as to make what is physically contained in a moderate (and visible) thickness seems to be bottomless pools, but the construction is visible, there is no trick – which would consist of concealing the elements in play in order to obtain a misleading result -, though the effect is the consequent result. The illusion that is created for the viewer and that constitutes

a continuous perceptive pleasure because it is physiologically repeated, even once there is revealed – or simply seen – the construction of the work, is however only a part, and the most superficial part, of the work; this should be considered even more in depth, starting from the very form that captures the light. In Scirpa’s case, light can have a precise form thanks to the ductility of neon tubes, which are like a mark of light that obeys the artist’s desire for form: a circumference, a square, a triangle... these are the forms that Scirpa brings to light, and it is natural to associate the purity of the forms and the glare of the light to the “idea”, to that first driving force from which all things derive. This is not an intellectual question , it is not necessary to know Plato in order to associate form with light, even these forms with light, and to transform physical luminosity into a symbolic splendour: the form of light, the mechanical act of bending the glass tube filled with neon to create the wished-for form, transcends this physicality and becomes an immaterial substance, it becomes the light of form: the universal “brightness” of the geometrical forms joins with the luminosity that they emanate. Brightness, luminosity, and splendour are only apparently vague terms – or else they are vague for those who think of light only as electromagnetic frequencies – because in fact they speak of the transcendental aspect of light, just as Plato spoke of ideas or medieval philosophers and theologians (which at the time were the same thing) spoke of “optics”: how and why we physically see the world is only a reflection of how the Creation is manifested, and in its manifestation we know and recognise the Creator. And so optics – in that context – was the science of God, because it analysed the essence of His first act towards the world: the separation of darkness from light... With greater modesty than those philosophers, Scirpa does not perhaps wish to aim so high, but the transcendental component of his work is very important, even though, as an artist, he cannot and does not want to eliminate the material aspect of the work: so what to do then, unless try to reconcile the two aspects and suggest transcendence through the material? This was once a common practice for artists, so much so that interpretative codes were based almost completely on the metaphorical or symbolic meaning of the things and people represented, but after one hundred and fifty years of “bourgeois realism” proposed in every possible way (some, to tell the truth, really marvellous) this precise aim of art has lessened and is the prerogative of just a few artists who, in fact, follow paths different from those of the past to speak to us about a “beyond” that is not physical. Perhaps in Scirpa’s case a noble analogy might help this interpretation. In the Orthodox Christian world icons were – and still are – sacred objects because they did not represent a “window” onto the divine, but they “were” a genuine opening onto a further world. Now, with all the necessary caution, whoever places a work by Scirpa in their own particular space – on the wall, a pedestal, or the floor – “breaks through” that space and transforms it into an opening, a metaphorical bridge, even an indefinite and infinite passage to a world that is now unknown. Perhaps it is not the same thing, but it certainly functions as a simile, while the comparison paradoxically reinforces the question of the physicality of contemporary work – at least, that by Scirpa – with respect to the codes of transcendence that are so

deeply rooted in the collective imagination. Because the difference from the icon tradition – and the difference between contemporary art and antique art – is the very fact that today we are no longer succoured by the familiar apparatus – of saints, symbols, and codes – that accompanies us across the threshold, and comforts us with its tranquilising nearness. Today we are more alone, and from those depths that we contemplate, perhaps even the abyss might in turn look at us.

PAOLO SCIRPA – L’INFINITO POSSIBILE DI FRANCESCO TEDESCHI 01 OTTOBRE 2016

La distanza fra il reale e l’utopico cambia a seconda del cannocchiale che adoperiamo per misurarla. La politica, “arte del possibile”, secondo la nota definizione di Otto von Bismarck, sembra agire per coprirla, ma in realtà è sua implicita preoccupazione preservare quello scarto, non solo perché l’utopia in quanto tale non può essere realizzata, ma anche perché la concezione di utopia cambia a seconda della differente lettura del reale prodotta dalle posizioni che assume chi la postula. La scienza la insegue e allontana momento per momento il suo raggiungimento, che si sposta a seconda della validità degli strumenti adottati e delle ambizioni che gli uomini che ad essa ricorrono si possono dare. L’arte sola, forse, può trasferire il possibile nel reale, l’utopico nel quotidiano, con la consapevolezza che si tratta comunque di una illusione, una splendida illusione, necessaria proprio, anche se sembra una contraddizione, per alimentare il divario fra l’orizzonte immaginabile e la sua imprendibilità. Tale immagine metaforica si attaglia perfettamente al lavoro di Paolo Scirpa, che si è andato definendo come una ricerca di tecniche per produrre sensazioni e situazioni in cui reale e virtuale si ritrovano contemporaneamente nel medesimo luogo, si “rispecchiano”, per usare un termine che vale a definire concretamente, oltre che nelle opere, il modo in cui Scirpa crea una nuova realtà utopica. Utopia e atopia, figure che si pongono fuori o contro una definizione di luogo, sono parole che contengono una dose di ambiguità, se si cerca di tradurle nel linguaggio comune e nel modo di pensare e di sentire diffuso. Il qui e l’altrove si ammantano di toni di imprendibilità, oltre che di imprevedibilità, per chi cerca un dialogo con una realtà che pare essere prima di tutto tangibile, materiale, e sfugge sempre, nelle forme senza corpo, nelle ombre della memoria. Quanto di “platonico” c’è, nel lavoro di un autore che ha cercato di mostrare l’imponderabilità delle strutture del visibile, come appunto ha fatto e fa Paolo Scirpa. Gli elementi portanti della sua opera, nelle diverse forme che essa assume, sono la luce e lo spazio, in una serie di relazioni fra l’una e l’altro che possono

essere viste come consequenziali o almeno come utili a spiegare in modo speculare le direzioni della ricerca dell’artista. Per comprendere il suo modello operativo e immaginativo tipico, non si può non partire dai “Ludoscopi”, cui ha dato vita a partire dagli anni Settanta. Essi sono “fatti” di luce, in quanto la luce come strumento di colore e di forma è ad essi essenziale: una luce che concretizza le geometrie, genera figure formali in grado di attrarci e condurci in una profondità che in vario modo le voci critiche hanno interpretato come “tunnel”, come percorso nel mistero, come “pozzo” in cui lo sguardo si perde, producendo nell’osservatore l’impressione di entrare in uno spazio senza dimensioni. Oggettivamente, tali lavori creano dal nulla una distanza che allontana la percettibilità della sua fine; realizzano perciò, matematicamente, un “infinito”, o almeno una “sensazione di infinito”. Rispetto a tale percorso e a tale orizzonte non siamo passivi osservatori, ma veniamo coinvolti attivamente, fino ad essere assorbiti in una diversa dimensione di realtà. Tale è la natura dello spazio, come materia che “concrea” l’opera, da intendersi nella sua realtà concreta di oggetto, visione generante. Una visione aperta alla sensibilità dell’osservatore. Guardando altri suoi lavori, di natura pittorica, fondati sull’uso di colore fosforescente o comunque di colori che sembrano derivare da un’essenza di luce e conservarne la potenza e la capacità di manifestazione, il grado di illusione ottica assume un’altra caratteristica, producendo le condizioni di un movimento continuo e di un temporaneo disorientamento, alimentato dalle sottili fratture percettive che modificano il nucleo centrale. Si va così dalla sensazione di un tutto che si ripete senza soluzioni di continuità a un labirinto in cui, parallelamente ai “Ludoscopi”, l’ingresso sembra non ammettere una sicura via d’uscita. Se quello proiettivo è il significato immediato e prossimo di un lavoro che pare condurci in un interno imprendibile, in una condizione di vertigine virtuale, dove tutto sembra allontanarsi e confondersi, la logica del rapporto tra il centro e le geometrie ripetute delle linee di colore e di luce che definiscono i confini geometrici dello spazio non va necessariamente in un’unica direzione, ma per la sua stessa condizione fisica può essere letta in senso inverso. La bidimensionalità e la profondità possono tradursi in una tridimensionalità virtuale e in una riflessione nello spazio esterno, producendo il carattere di un volume di luce, di una quantità tangibile, di uno spazio che si rispecchia nella realtà praticabile. Tale ribaltamento virtuale è indice della possibilità di concepire l’intero lavoro di Scirpa come la manifestazione di un “qui, ora”. Come giustamente osserva, tra gli altri, Marco Meneguzzo, Scirpa sembra attingere a un infinito metafisico, cosa che è immediatamente leggibile nell’intendere le sue opere come costruzioni illusorie di uno spazio contenuto e moltiplicantesi all’infinito, per effetto anche della componente speculare che sia i “Ludoscopi”, effettivamente, che le opere pittoriche, virtualmente, introducono, ma che diventa simbolicamente uno spazio dello spirito, un “altrove” interiorizzato . Ne è motivo determinante proprio la condizione speculare, riflessiva, che produce un ribaltamento dell’immagine in una condizione attiva e quasi tangibile, prevista dall’artista nella definizione di fondo del suo lavoro,

tanto da tradursi in alcuni progetti “utopici” che ne sono parte essenziale . Questi si configurano in relazione ai luoghi dell’architettura e della città, come in siti archeologici, attraverso l’elaborazione di fotomontaggi in cui le sue sculture ambientali di luce diventano parte dell’altrove. Sono proiezioni della memoria e del futuro, elementi in grado di creare, con la luce e lo spazio, l’illusione di una apertura e di una intrusione di elementi tecnologici di natura poetica. Anziché rispondere alle regole della prospettiva, che riproduce una profondità e mette in scena una strutturazione dello spazio dove la superficie diviene la rappresentazione di una lontananza, ci possiamo trovare, tanto nel caso dei “Ludoscopi” quanto in quello delle proiezioni progettuali, per le stesse leggi della percezione ottica, fortemente sollecitate dai suoi lavori, in un “ambiente” che ha un’evidenza fisica, una presenza virtuale. In questo si può leggere la funzione di un intervento sullo spazio, che Scirpa ha sempre coltivato, sia nel produrre l’impressione di un interno, sia nel proiettare questo “interno” all’esterno. Ciò che rimane sempre scalfito, se non propriamente negato, è l’idea “pittorica” di una superficie o un velo che costituisce il diaframma del reale. Ne sono una possibile prova proprio quelle ulteriori creazioni di Scirpa, sul tema del labirinto o sui volumi virtuali di luce inserite in luoghi reali, di natura emblematica, densi di ragioni ulteriori, come quei siti archeologici (come la necropoli di Pantalica), ambienti architettonici ricchi di storia, spazi di città moderne e paesaggi emblematici, fino al progetto di un “teatro” che è contemporaneamente intro ed estroflesso. Anche in questi, in maniera immediatamente leggibile, il lavoro progettuale e virtuale di Scirpa raggiunge una qualità specificamente utopica, che ha la peculiarità, come solo l’arte può fare, di rendere quel concetto e quella definizione di “infinito”, uno spazio percettibile, praticabile, e quindi possibile.

Ludoscopio. Espansione, 2007

LUCE PIÙ LUCE: PITTURA DI GIOVANNI CUZZONI 01 OTTOBRE 2016

Sarah Gottesman ha illustrato in un recente editoriale i passi successivi che hanno portato la pittura a liberarsi dal pennello; proviamo a riassumerlo, elencando le 6 tecniche citate. SPLATTERING e DRIPPING: il padre di questa tecnica fu, negli anni 50, Jackson Pollock, che la rivista Time soprannominò “JacktheDripper”. POURING: questa tecnica di “pittura casuale”, già sperimentata da Siquerios nel corso del suo Experimental Workshop del 1936, trovò in Helen Frankenthaler il suo alfiere e, più recentemente, un continuatore in Jan Davenport. PULLING e SCRAPING: questa tecnica è principalmente associata alla figure dell’espressionista astratto olandese Willem de Kooning e del pittore contemporaneo tedesco Gerhard Richter. BODY PRINTING: campione del Body Printing fu l’artista francese Yves Klein, che produsse nel 1960 le sue Anthropometries dipingendo, di fronte a un pubblico nella Galleria Internazionale d’arte contemporanea di Parigi, tramite pennelli costituiti da modelle nude, coperte di colore. AIR BRUSHING: teorizzata nel 1970 in Art Forum da Chuck Close, consiste nell’utilizzo di uno spray ad aria che distribuisce il pigmento sul supporto. DIGITAL PAINTING: Pollock, Frankenthaler, de Kooning, Klein, Close possono avere creato tecniche di pittura senza pennello, ma l’artista pop David Hockney dipinge senza pigmenti, tramite il suo iPad e qualche App. La Gottesman conclude affermando che se Siquerios ricercò moderne tecniche di pittura per l’età industriale eliminando tela, pennello e persino i colori, gli artisti oggi continuano a ricercare nuovi metodi che espandano le nostre idee convenzionali su ciò che significa fare pittura. Se volessimo condensare all’estremo, si potrebbe dire che queste diverse tecniche, che sembrano stabilire confini invalicabili all’interno delle convenzioni sull’arte, in realtà si limitano ad enumerare i vari modi in cui si può trasferire una sostanza che chiameremo “pigmento” su una superficie, senza usare uno strumento costituito da un’asta di legno, più o meno lunga, ad un estremo del quale sono fissati dei peli, naturali o sintetici, che costituiscono un ciuffetto che da secoli sembra possedere le migliori caratteristiche fisiche per quel tipo di operazione. Si chiama “pennello”. Il “pigmento”, invece, è una sostanza, in genere fluida, che possiede caratteristiche fisico-chimiche tali da respingere solo determinate frequenze luminose. Qui le cose si complicano. Perché dobbiamo assumere che la luce

senza occhio serva solo a produrre clorofilla nelle piante. La cosa, in sé, è di fondamentale importanza per la vita sulla terra, ma l’appassionato di arte è per lo più dotato di occhi, che quando l’amateur si pone davanti ad un’opera d’arte, in un ambiente dove ci sia luce, captano le frequenze luminose e le trasmettono ad un’area del cervello che le trasforma in forme e colori. Queste forme colorate, le chiameremo “immagini”, hanno su di noi un potere enorme: generano emozioni, sensazioni, contengono simboli, racchiudono, dilatano e trasmettono significati. Il processo che porta a produrre quel tipo di immagini è in genere chiamato “arte”, e chi è in grado di produrla viene definito “artista”. Bene. Come abbiamo visto, è stato necessario un tempo lunghissimo, nella storia dell’arte, per trovare un’alternativa alla pittura costituita dallo stendere pigmenti su una superficie, tramite un pennello, per generare immagini attraverso l’interazione della luce con quei pigmenti e con il sistema sensoriale umano. Occorre arrivare agli anni cinquanta del Novecento, come ha ricordato la Gottesman, ma anche alla Poesia Visiva, all’Arte Concettuale (ci torniamo fra poco), a talune sperimentazioni dell’Arte Ottico-Cinetica, perché irrompessero massicciamente altri mezzi per fare pittura senza pennello. E la svolta più radicale arriva quando l’immagine, bidimensionale o tridimensionale, non deriva dal rimbalzare della luce fra oggetto e sistema sensoriale, ma l’oggetto/opera d’arte diviene esso stesso sorgente di luce. Tra i protagonisti di questo salto storico alcuni rappresentanti di spicco dell’Arte Concettuale. Valga per tutti un esempio: Joseph Kossuth. Ma l’utilizzo della luce sorgente quale elemento costitutivo dell’opera si limita a un contesto specifico: quello che potremmo definire della mediazione verbale. L’idea/concetto si condensa in una frase, in un asserto, e la luce la costituisce e l’enfatizza. Permane tuttavia, luce o non luce, la stessa distanza che separa per definizione il concetto dalla necessità della sua rappresentazione estetica; in altre parole, quella che separa l’Arte Concettuale dalla pittura. Una distanza sottilissima, ma incolmabile. In arte, come in natura, ogni passaggio, ogni cambio di stato è legato strettamente a ciò che lo precede. Paolo Scirpa compie il passo, estremo e forse finale, di questo processo. Non solo dipinge con la luce–luce più luce–ma dopo essersi apparentemente portato così lontano dalla pittura, così sideralmente lontano, ci riporta alle radici della pittura. Le sue forme-luce ci creano illusioni di spazi vertiginosi che si formano nella nostra mente, e le sue prospettive virtuali, ma così reali, se è reale ciò che percepiamo con l’occhio-cervello, hanno in realtà dei padri, con i quali Scirpa stabilisce una stretta parentela. Sono i padri della prospettiva, si chiamano Masaccio, si chiamano Giotto. A distanza di alcune centinaia di anni, la pittura, di fatto, si prende una straordinaria rivincita sulla tecnica: vince sulla tecnica, perché la tecnica diventa pittura. E credo che persino a Masaccio, e a Giotto, sarebbe piaciuto conoscere Paolo Scirpa, e avrebbero voluto provare a usare la luce al posto del pennello, dei pigmenti, della superficie, in una dimensione inimmaginabile della pittura.

Cubo multispaziale F1, 2006

SPAZI DI LUCE DI VITTORIA COEN 14 MAGGIO 2016

“Il futuro non è forse un’avventura soprattutto interiore? Mi pare importante continuare ad impegnarsi a scoprire la propria vocazione e la propria coerenza opponendosi al caso”. Paolo Scirpa Una delle opere che più mi hanno colpito sfogliando una importante monografia edita da Mazzotta su Paolo Scirpa è una divertente immagine in bianco e nero con un bambino che si è arrampicato su Labirinto cubico, una struttura in ferro (1998/2007) di un metro per un metro per un metro. Potrebbe sembrare strano, cioè, che la mia attenzione nei confronti di un artista che ha fatto della luce e del suo rapporto con essa con e nello spazio, si concentri prima di tutto su questo lavoro, prima ancora di parlare di neon o di fotomontaggi architettonici. Il labirinto in questione mi ha riportato alla

memoria opere e artisti che, come Scirpa, hanno abbracciato una poetica dello spazio e del tempo, a mio avviso, affine. Mi riferisco, ad esempio, al Metrocubo di infinito di Pistoletto, e al Metrocubo di terra di Pino Pascali, due opere profondamente concettuali che si inverano attraverso l’utilizzo della geometria simbolica, il quadrato, che insieme con il cerchio e il triangolo, hanno dato vita nell’arte alle sperimentazioni più diverse, da secoli, se pensiamo, per esempio, a un potentissimo Altare della Buona Fortuna di Goethe. Tutto il lavoro di Scirpa è una continua ricerca della spiritualità. E’ un epos fatto di tappe, di serie, di avventure plastiche e non, di proiezioni e immagini, di segni e interventi di luce che danno una particolare vitalità all’intero percorso dell’artista, che nella sua carriera è stato accostato ad altri poeti della luce come il minimalista Dan Flavin. Mi torna alla mente un importantissimo lavoro come Ludoscopio praticabile a raccordi di spazi-luce illusori n. 138. Percorsi comunicanti (a+b), 1989, (c+d) 1999, un’opera che permette l’interazione attiva del pubblico, che ci porta a fare una momentanea considerazione sul concetto di luce nella storia dell’arte. La luce è uno dei cardini dello studio, anche nell’arte del passato; la luce analizzata e studiata dai maggiori artisti che ne furono interpreti inequivocabili. Pensiamo ai fiumi di inchiostro della critica sulla luce in Caravaggio, che fa emergere i soggetti da un buio assoluto, dando loro una profondità che, se possiede un’apparente naturalezza, racchiude in sé il sapiente artificio di un’analisi meticolosissima, degli effetti di luce ed ombre, costruiti come in uno studio cinematografico. Penso alla luce di alcuni autoritratti di Rembrandt da giovane, che insiste su particolari apparentemente irrilevanti, come ciocche di capelli, il lobo di un orecchio, e lascia velato lo sguardo, e anche alla luce divina che irrompe dall’alto spaventando Baltassar e i suoi commensali, mentre illumina gioielli e abiti preziosi denunciandone lo sfarzo. Penso alle mille versioni della Cattedrale di Rouen di Monet con le mille sfumature della giornata, dall’alba al tramonto, in un’ossessiva ricerca di quell’”aria che sta in mezzo” di leonardesca memoria. Mi viene in mente anche la luce simbolico-esoterica-millenarista di William Blake, ne La scala di Giacobbe, illuminata a giorno. E potremmo andare avanti ancora fino a ritrovarci oggi di fronte ad una scelta radicale, tipica soprattutto di certa arte concettuale. L’idea di racchiudere, imprigionare, per così dire, la luce, che non è più lo sforzo, la pulsione verso la sua rappresentazione, ma diventa linguaggio esso stesso della sua costruzione “aniconica”. Ciò appare in alcuni lavori di Joseph Kosuth, come in quelli del già citato Flavin. Dalle prime Composizioni astratte degli Anni Sessanta, ai Ludoscopi e ai Tabelloni consumistici fino ai vari Progetti d’intervento e ai fotomontaggi spettacolari (uno fra tutti Lo specchio ustorio, 1987/2004), nel lavoro di Scirpa reinventare lo spazio diventa una missione, poetica, a tratti, politica e fondamentalmente spirituale.

In queste sue parole vedo, in un certo senso, la summa del suo fare:…"Da un punto di vista problematico, ho sempre pensato di condurre la mia ricerca indagando la realtà estetica della nostra società tecnologica e consumistica; con ciò si è delineata in me una tendenza sperimentale che mi ha portato a compiere un itinerario denso di scelte rigorose"... Paolo Scirpa: l’artista che alla fine degli Anni Sessanta condivide con altri artisti (uno fra tutti Fabro) a Milano la vita e la ricerca di quegli anni di fermento culturale, Optical Art, Arte Cinetica, sperimentazione sui materiali, studio delle percezioni visive, rimane al tempo stesso legato idealmente anche alle sue origini siciliane, e, simultaneamente, è cittadino del mondo, con importanti esperienze all’estero e riconoscimenti internazionali. Anche in questa sua personale a Padova Scirpa conferma la freschezza e l’originalità di un lavoro sempre coerente e ricco di stimoli. Un’opera quale Sfere in espansione, del 1974, attrae la mia attenzione per la suggestione ottica che produce. Le sfere di plastica si moltiplicano per l’effetto degli specchi in un caleidoscopio cromatico di luce come se si diffondesse energia nell’aria. Mi colpisce in particolare modo anche l’opera Ludoscopio ottagonale del 1989, realizzata con legno, neon bianco e specchi, per la profondità che suggerisce, per quell’idea di spazio visivo, architettonico, infine cosmico che genera nello spettatore: un invito alla riflessione, ma che determina una forma di straniamento percettivo, un lasciarsi andare per pensare, un invito alla libertà dello spirito. Nella serie degli Equilaterali, infine, la didascalia spiega la poetica: componibili modulari cromopercettivi a geometrie variabili. Architetture, spazi cosmici, e geometrie variabili, in cui la parola “variabile” racconta già il percorso, le sensazioni, le “vibrazioni”, dei colori, dei segni, con un’intensità del tutto personale. In queste opere vi è una incredibile convergenza, come se i singoli elementi, messi insieme, fossero attratti da un’unica energia che li muove, li aggrega, li fa convergere verso un unico scopo. I tanti aspetti, le forme, i materiali usati nel lavoro di Paolo Scirpa, sono come parte di un DNA della mente, oltre che degli occhi, spirito vitale nel serissimo gioco dell’arte, della creazione, ma anche dell’uomo e delle sue scelte responsabili, proprio in opposizione a quel caso di cui ci parla l’artista stesso, così come “dell’infinito nello spazio simulato”, in una tensione poetica e culturale che ha da sempre attraversato quella ricerca incessante. Forse le combinazioni sono infinite, ed è per questo che l’impegno di Scirpa è instancabile, ricco di progetti, interventi in luoghi naturali così come nelle rovine antiche, o nei paesaggi delle metropoli contemporanee.

Fotomontaggi, progetti e proiezioni plastiche si alternano in questa mostra invitandoci a guardare l’opera e noi stessi.

LA LUCE NEL POZZO DI MARCO MENEGUZZO 11 DICEMBRE 2015

E' evidente che il titolo “La luce nel pozzo” allude alla “luna nel pozzo” di proverbiale memoria: nella parabola laica si vede la luna nel pozzo, e si pensa che la luna si possa afferrare, prendere semplicemente calando il secchio e tirandola su, e analogamente, nelle opere di Paolo Scirpa, non solo si vede la luce potenzialmente infinita dentro il pozzo, ma non ci si accorge che anche il pozzo è creato percettivamente da luce e specchio. In entrambi i casi pensiamo di vedere quel che di fatto non esiste se non come immagine, e anche se nelle opere di Scirpa non esiste quell’intenzione moralistica che c’è nel racconto della Luna nel pozzo (credere di poter possedere facilmente qualcosa che è invece incommensurabilmente difficile, se non impossibile…) il tema dell’”illusione” è centrale in entrambi i casi. Tuttavia, “essere illusi” su un’azione volontaria – catturare la luna nel pozzo – comporta un senso di frustrazione, di impotenza e un ridimensionamento della propria autostima, mentre “essere illusi” dai propri sensi, cioè fisiologicamente, produce un senso di meraviglia che è sostanzialmente positivo, pur nascendo da un errore di base, da un cortocircuito nella percezione della realtà fisica. Questa “frustrazione positiva” innesca infatti un meccanismo di consapevolezza elementare che è ben lontano dal senso di consapevolezza della propria inadeguatezza nel giudicare e nell’agire, risultato ultimo della “luna nel pozzo”: nell’illusione percettiva non c’è colpa, nell’illusione volitiva invece sì. Di più, lo stupore dell’illusione percettiva impone l’abitudine a un controllo, a una verifica automatica dei propri sensi a valle della prima impressione, che stabilisce una sorta di disciplina volta ad acuire la proprie capacità sensoriali, e non a diminuirle o a ritenerle fallaci: l’inganno serve a non essere più ingannati o, meglio, serve a sapere di essere ingannati. In effetti, attraverso questa disciplina di controllo sensoriale, cioè avendo acquisito la consapevolezza che l’occhio e la mente possono essere ingannati, non accade che non si veda più il pozzo creato dagli specchi e dai neon di Scirpa, perché noi continuiamo a vedere quel pozzo, ma godiamo nell’essere ingannati, invece di irritarci. E’ la quintessenza di ogni linguaggio che abbia nel suo statuto l’artificio e la finzione, come l’arte, o il teatro, e Scirpa – così come altri che utilizzano gli stessi strumenti di indagine, e si focalizzano sugli aspetti percettivi della visione – accentua questa centralità proprio perché non racconta nulla, ma semplicemente “mette in scena” la finzione nel suo stato più puro.

Ecco allora che l’utilizzo di materiali eterodossi, tecnologici, o presunti tali (in fondo, la tecnologia di Scirpa è tutt’altro che nuova, e anzi sta diventando rapidamente obsoleta, foriera addirittura di qualche nostalgia degli anni Settanta, se si considera per esempio l’illuminazione a led: solo il mondo dell’arte , che è tradizionalmente conservatore, pensa ancora al neon – o al video, o persino alla fotografia – come a uno strumento “nuovo” …) produce un ulteriore straniamento, rispetto a quella sensazione iniziale, perché dalla tecnologia non ci attendiamo finzioni, ma semmai un supplemento di realtà, un incremento delle nostre facoltà sensoriali, una maggiore acutezza nella percezione del reale. Con le sue opere Scirpa ci dice che è possibile, ma solo attraverso la finzione, solo attraverso una sorta di “passaggio iniziatico” che – come in quasi tutti i passaggi esperienziali – propone inizialmente il falso come vero e, viceversa, il vero come falso: una volta scoperto l’inganno, siamo più forti nei confronti del mondo, perché abbiamo compreso qualcosa di più di noi, di come vediamo il mondo. Anche per questo motivo l’artista vuole che l’inganno si scopra, ed è per questo che tutto è molto semplice, visibile, quasi elementare: nel cubo ideale e reale delle sue opere cinque pareti di specchio e la sesta aperta, come il boccascena di un teatro, destinata al nostro sguardo che penetra nello spazio fittizio. In quel momento si è soli con se stessi, ed è un confronto interiore quello che si innesca in quegli attimi in cui il rapporto senso/intelletto/senso cambia radicalmente il nostro modo di vedere: è infatti un viaggio di andata e ritorno in cui i dati comunicati dai sensi vengono elaborati dall’intelletto, corretti e restituiti ai sensi con quel grado di consapevolezza della finzione percettiva che ci consente di godere dell’inganno. A riprova di questo, sembra che Scirpa abbia costruito i suoi montaggi architettonici – un ciclo di lavori di fotomontaggio che porta avanti parallelamente a quelli tridimensionali - per rendere ancor più visibile questo cortocircuito virtuoso della percezione: luoghi famosi come il secentesco Gabinetto anatomico di Galileo a Padova o il Ponte dei Sospiri a Venezia “proseguono” nel loro andamento e fanno sprofondare lo spazio reale in un “buco” senza fine, in questo caso più vicino a un passaggio temporale alla Star Trek che a un semplice esperimento di percezione visiva distorta. L’applicazione paradossale dello spazio “in vitro” solitamente proposto dall’artista, cioè, con una realtà famosa, da cartolina, impone alla spettatore un’ibridazione visiva drastica, degna dei più avveniristici progetti architettonici anni Settanta, che costringe a pensare al paradosso che ci si trova davanti, con uno straniamento dell’intelletto per molti versi analogo allo straniamento dei sensi appena provato di fronte alle sue opere luminose: è una sorta di “upgrade” dell’inganno percettivo? Probabilmente sì, solo che in questo caso Scirpa si sta avventurando in un terreno che non è più fisiologico né sensoriale, ma culturale, e quindi cambia in un certo senso categoria di linguaggio: al contrario di quanto avviene per quasi tutti i suoi spettatori, è quello, per lui, il territorio incognito da esplorare.

PAOLO SCIRPA: LA MIA OMBRA SOSPESA DENTRO UN LUDOSCOPIO DI GIOVANNI BONANNO 2010

Con. gli occhi rimango sospeso a scrutare incantato l’ombra del nulla, avido attraverso spazi insostanziali a me ignoti, cerco nel non luogo di aggrapparmi a brandelli di luce. Il viaggio tra incertezza e transitorietà si fa ora insostenibile. Come una dinamo la mia essenza volubile si frantuma e si compenetra nel vuoto. Ormai sono solo luce e accadimento incessante, frammento in volo e anche energia sospesa. Nel silenzio più assorto

e inquieto scopro stupito di esserci anche ora.

L’UTOPIA PRATICABILE DI GIOVANNI BONANNO 16 LUGLIO 2010

L’arte, da sempre, vive la dimensione conoscitiva di diverse ricerche e scoperte che vengono “filtrate” dall’artista, confrontate e sublimate in una cosa che chiamiamo “creatività”. L’artista è essenzialmente un produttore di immagini che vengono fuori dalle nuove scoperte della fisica e di tutte le scienze in genere; deve per forza leggere in profondità, dentro una complessità del sistema socioculturale. La produzione creativa, pertanto, risente di questi fattori a tal punto che n’è altamente condizionata, per cui, produrre al di fuori di queste coordinate non ha alcun senso. Sono sempre più convinto che l’artista di oggi ha bisogno di indagini sempre più di tipo sociologico e scientifico se vuole approdare a rilevamenti di una certa consistenza e sostanza culturale. Questo modo di procedere è stato compreso da subito da Paolo Scirpa. Tra il Settanta e gli anni Ottanta, il lavoro dell’artista siciliano si collocava già in linea con diverse ricerche e tendenze contemporanee internazionali e la sua posizione risultava autonoma e singolare rispetto alle proposte formulate in Italia da diversi personaggi dell’arte che si sono avventurati verso ipotesi altamente condizionate dal mercato, dal facile e provvisorio riscontro del momento a fini meramente speculativi. Oggi, come allora, si continua a propugnare siffatto pretesto per lanciare movimenti e gruppi a volte del tutto monotoni e omologati con la velleità di far conoscere giovani artisti che anche per una sola stagione di futile successo vengono sacrificati prima di essere definitivamente “oscurati” dal tempo e dalla storia, come è il caso del giovane e “ingenuo” Ivan Navarro (Cile 1972), che ha ripetuto esattamente la ricerca sulla luce svolta in tanti anni da P. Scirpa, con la presunzione di farla passare per sua e presentandola in un grosso contenitore culturale come quello della 53° Biennale di Venezia del 2009

(padiglione cileno), ben sapendo che tali proposte creative erano già state formulate e documentate da Scirpa oltre trent’anni prima. Infatti, l’artista cileno in questa occasione ha esposto opere chiaramente “identiche” alle opere di Scirpa, ripetendo quanto formulato dall’artista siciliano nei primissimi anni 70 con i suoi originali Ludoscopi e adottando la stessa forma estetica in una similitudine di intenti che ha fatto pensare persino ad un “omaggio” all’artista italiano, piuttosto che di una nuova e seria proposta poetica. Ci sembra, a questo punto, doveroso e necessario analizzare tutto il lavoro svolto fino a oggi dall’artista siculo-lombardo allo scopo di mettere in chiaro la portata innovativa della sua ricerca. Nato a Siracusa nel 1934, vissuto i primi anni nella sua amata città, e poi, nel 68, anno del terremoto nel Belice ma anche momento di presa di coscienza e di critica operata dai giovani, decide di colpo di trasferirsi a Milano. I suoi primi lavori nascono nel 1964 con una visione chiaramente aniconica di tipo lirico. Da subito si distingue per qualità e originalità; penso alle litografie a un solo colore del 66. Partito da un iniziale interesse futurista e dada, si ritrova negli anni Sessanta ad approfondire le ricerche più significative di quel periodo; dai “primitivi” concetti spaziali di Fontana alle ricerche percettive di Albers e da qui al Cinetismo. E’ durante gli anni Settanta che Paolo Scirpa mette a fuoco una sua personale ricerca poetica che ormai da diversi decenni porta avanti in modo lucido e coerente. Tra il 70 e il 72 nascono una serie di lavori, le composizioni percettive bidimensionali caratterizzate da un rigoroso geometrismo e contemporaneamente le simulazioni modulari sul consumismo, utilizzando semplici involucri vuoti di confezioni commerciali, incentrate nell’accumulo oggettuale al fine di evidenziare la condizione dell’impotenza dell’uomo contemporaneo di oggi. Da un lato, quindi, la ricerca scientifica e percettiva e dall’altro la nuova poetica del Nouveau Réalisme di Pierre Restany e l’ironia di stampo Dada. Il lavoro di Scirpa risulta alquanto complesso, ecco perché è stato considerato in ritardo e frainteso come semplice continuazione di un linguaggio meramente percettivo e ottico avviato negli anni 60. Ogni qualvolta osservo un lavoro “anaspaziale” di Scirpa i miei pensieri vanno subito a Friedrich Dürrenmatt che ha riflettuto a lungo sul significato più vero e autentico di ciò che siamo, sulla condizione umana, sull’assenza e la morte. Secondo il letterato svizzero, l’uomo contemporaneo è prigioniero del proprio esistere; ormai non è più in grado di fare dei progetti a lunga scadenza, vive la sofferta e triste condizione del labirinto. Il labirinto è essenzialmente una condizione esistenziale dove la perdita e il nulla coesistono tragicamente, con un uomo scisso e depresso che vaga fino a perdersi. Tutta la nostra cultura è una specie di immenso edificio che si oppone al vuoto, alla morte e al nulla. Qualcuno potrà chiedersi perché il riferimento a tali concetti; semplicemente perché la ricerca di Scirpa, apparentemente solo percettiva, incarna motivazioni di ordine etico e soprattutto spirituale. Ma che cos’è il vuoto, lo spazio, il nulla, l’infinito? In arte il nulla è complementare del visibile, del pieno; sono due entità che per svelarsi hanno bisogno di integrarsi reciprocamente, di identificarsi e

completarsi l’uno nell’altro. Se, però, viene meno uno di questi elementi non ci può essere rivelazione. Quindi, per conoscere il visibile c’è bisogno di comprendere l’invisibile, l’ignoto, l’infinito, così come per conoscere qualsiasi forma c’è bisogno dello spazio. Per noi europei, “la presenza della cosa” esiste solo come forma autonoma, assoluta che esclude un rapporto diretto con lo spazio, mentre per la cultura orientale e la filosofia Zen ogni elemento per “significare” deve integrarsi compiutamente con il suo doppio. Insomma, lo spazio ha la stessa valenza e importanza della forma, una sorta di tridimensionalità tutta interna, un volume in negativo; in fondo, l’utilità di un vaso non sta nella sua forma esteriore, ma nello spazio che noi chiamiamo vuoto, un vuoto che può contenere una forma e quindi, tradursi in un pieno. Solo nel vuoto, può esserci un’altra forma capace di incantarci e farci riflettere. Le opere dell’artista siciliano non evidenziano il vuoto come “assenza” ma come presenza insostanziale non ancora definita e provvisoriamente visibile in un’altra dimensione, ovvero quella dello spazio-luce. E’ la visione immateriale di essenze tangibili, di presenze ormai dissolte e rese ormai incorporee. Nell’anno 1972, dopo aver trasferito il suo interesse dalla composizione visiva bidimensionale a quella più tridimensionale, crea rispettivamente, la grande “Megalopoli consumista” e anche una serie di opere che l’artista ha chiamato “Ludoscopi”, nati dall’utilizzo di contenitori dalla forma primaria, dall’uso di luce al neon e di specchi che trasformano e alterano la forma geometrica moltiplicando a dismisura la funzionalità in un sintetico evento spazio-luce. Praticamente si devono intendere come eventi transitori del “non luogo”. In queste opere, l’artista siciliano sa come liberarci dal peso del nostro inutile corpo e proiettarci nell’infinito più oscuro, in un flusso in movimento continuo di materia impalpabile. E’ come se guardando questi raffinati contenitori dal Design assai accattivante e giocoso, di colpo, il nostro essere venisse ingoiato nel profondo buio del buco nero dell’infinito, risucchiato non solo a livello percettivo, ma anche interiore, della coscienza. Chi guarda queste “macchine ludiche”, si illude di fare un viaggio virtuale e di trovare uno sconfinamento spaziale o una via d’uscita certa. In realtà viene assorbito letteralmente senza alcuna possibilità di trovare un riscatto, una fuga prospettica di un possibile approdo. Il fruitore in tale situazione, si ritrova provvisoriamente dentro un flusso caotico, in un viaggio dove la durata e la successione degli eventi non hanno più senso e sviluppo logico. Viviamo così, la condizione sospesa di un tempo alterato e fatto a pezzi, provvisorio e indefinito o meglio ancora “infinito”. Anche in queste opere la percezione ottica non è fine a se stessa. Si potrebbe dire, “che il gioco dell’illusione non vale la candela”, proprio così, si cerca in tutti i modi di invogliare chi guarda a intraprendere un possibile viaggio ludico; ecco perché li chiama Ludoscopi, per poi ritrovarsi, alla fine, solo nel desolato, inconsistente e illogico flusso infinito. La motivazione sono prettamente morali, di sicuro ci vuol fare riflettere da una serie di condizionamenti che noi subiamo, affinché ci sia una presa di coscienza del nostro precario esistere; almeno un ultimo riscatto per un possibile risveglio da una condizione anestetizzata e di profonda apatia.

Nel panorama dell’arte contemporanea degli anni 80 l’artista siciliano è ancora una figura insolita rispetto alle proposte collettive e uniformate. Scirpa, sia per carattere che per convinzioni personali, in quegli anni continua a proseguire nel suo personale viaggio approntando nuovi sviluppi della sua ricercata poetica visiva; il rigore e la costanza sono stati sempre i fattori primari che hanno determinato importanti scelte successive di lavoro di questo interessante artista. In più di 40 anni di ricerca, l’artista siciliano non si è mai limitato a proporci una sua visione monotona, anzi, ha indagato ad ampio raggio le diverse possibilità del fare con soluzioni decisamente assai concilianti e sorprendenti. Mi riferisco all’uso di diverse tecniche come l’incisione, la pittura geometrica di impronta ottica, la pittura al fosforo giocata sul doppio modo di percepirla, fino ai progetti utopistici nel territorio. Infatti, dopo i “Ludoscopi”, negli anni Ottanta inizia a realizzare anche una serie di progetti d’intervento nel territorio utilizzando il fotomontaggio con inserimenti di elementi artificiali nel tessuto consueto del reale. Ipotesi chiara, questa, di una ricerca “d'impronta utopistica” in cui il reale viene metaforicamente violato da segnali, interferenze e presenze al neon “disequilibranti”. Anche in queste nuove opere, come i “Ludoscopi”, l’elemento visivo “destabilizzante”, proposto ora in una dimensione più amplificata, altera il normale rapporto costitutivo; nasce la sorpresa, la meraviglia, lo stupore. In definitiva, non sono altro che “interferenze eversive” per costringerci a riflettere, elementi provvisori che tentano di “destabilizzare” un ordine consueto e accettato per normale. In tal senso, questi accadimenti ripropongono l’esigenza di una presa di coscienza; ancora una volta l’osservatore è costretto a darsi una motivazione logica. In tutte le sue proposte di lavoro, l’artista ha immesso, sempre, questi suggerimenti di riflessione critica e di volontà morale, suggerendoci, altresì, la via più congeniale da ricercare e da percorrere senza subirla totalmente. Con i “Progetti d’intervento nel territorio” vi è la lucida esigenza di analizzare in una nuova chiave d’indagine la propria e personale visione poetica utilizzando un diverso rapporto e un’altra scala dimensionale a verifica della fattibilità della cosa proposta. Tutto il lavoro di Scirpa può ascriversi nell’ambito di un progetto più ampio che potremmo chiamare “dell’utopia praticabile”, di quell’area d’indagine “impossibile” ai confini delle soglie disciplinari, in una sorta di fertile e felice contaminazione poetica incentrata sul dato progettuale e utopistico avviato sorprendentemente a Como da artisti di grande interesse come il grande futurista Antonio Sant’Elia, Francesco Somaini e Ico Parisi, che hanno indagato in diverso modo questa pratica ancora del tutto attuale e contemporanea. Unico appunto che sentiamo di fare ad una certa critica militante è quello di aver sottaciuto su un’altra questione di lavoro contemporanea e parallela ai progetti d’intervento; mi riferisco all’utilizzo per lungo tempo della Mail Art, che inizia almeno dal 1983 fino a tutto il 2007, che ha visto Scirpa presente ad una lunga serie di mostre internazionali, (tutto ciò è verificabile consultando i dati della monografia di M. Meneguzzo, Ed. Mazzotta), proponendo i suoi Ludoscopi e i fotomontaggi. La Mail Art è essenzialmente libertà creativa e invenzione allo stato puro, senza alcun condizionamento, senza nessuna costrizione. La Mail

Art è anche contaminazione di idee, confronto e condivisione di nuove proposte, ma soprattutto grande e indefinito laboratorio sperimentale e concettuale di ricerca planetaria. Per Scirpa, questa pratica della Mail Art è stata necessaria per sperimentare particolari modalità della sua originale ricerca; c'è il momento della libera sperimentazione delle tematiche affrontate a confronto con altre realtà del pianeta (Il laboratorio globale del Network) e anche il momento della messa in atto d'interventi sperimentati e sperimentabili di ricerca personale nel circuito dell’arte cosiddetta ufficiale. Ancora oggi, si ha il pregiudizio a considerare gli interventi nell’ambito della Mail Art come pratica del tutto secondaria o inutile, mentre noi, crediamo che per comprendere la portata reale e completa di questo artista, anche tale aspetto del suo lavoro ha bisogno di essere indagato e analizzato ampiamente. Non so se Scirpa a distanza di diversi decenni di ricerca si considera più un pittore, o uno scultore, oppure semplicemente un artista Cromoplastico o Videocromoplastico, come lo intendeva l’amico Carlo Belloli, tuttavia, dobbiamo notare che con le ultime opere - mi riferisco ad esempio all’opera “Teatro è il suo doppio” del 2009, dopo l’incessante verifica a larga scala con i progetti d’intervento e l’attività planetaria svolta nell’ambito della Mail Art - crediamo abbia anche il desiderio a sviluppare le sue utopie praticabili non soltanto in una dimensione virtuale e metaforica, ma anche più naturale, come interventi reali nel paesaggio. Chissà se le istituzioni o qualche attento e intelligente committente vorrà concedere la possibilità a Scirpa di realizzare alcune opere di grande dimensione nel territorio. Questo, potrebbe essere il modo più adeguato per “riappacificarsi” totalmente con il lavoro di questo nostro interessante artista italiano e soprattutto con la storia dell’arte contemporanea internazionale.

LUCE STELLARE. PER UNA RISEMANTIZZAZIONE URBANA IN PIAZZA S. LUCIA A SIRACUSA DI ORNELLA FAZZINA 2010

Negli anni settanta la riflessione critica e storica sulla definizione di scultura ha posto questa su un piano di radicale discussione, ed è dal dopoguerra che si è registrato un cambiamento dello statuto estetico e artistico che la connotava in precedenza. Si assiste, infatti, con l'inizio della modernità, a slittamenti semantici e a metodologie e criteri di analisi differenti rispetto a quelli del passato che rivendicano distanza formale e autonomia, caratterizzanti anche la situazione contemporanea, quale conseguenza delle esperienze dei post-minimalisti i quali sperimentando un modello alternativo che affrontava i prodotti delle varie arti

con uno spirito di apertura e di confronto, contribuiranno all'apporto teorico delle tante riflessioni sul tema. I risvolti inediti nella scultura, così come in altri ambiti artistici, hanno permesso oggi di modificare i principi base di unicità, originalità, totale coscienza del processo di creazione e di espressione, ampliando il campo della scultura grazie alla pratica individuale dell'artista e del mezzo che egli utilizza. I lavori di Paolo Scirpa rientrano in questa logica "allargata" che fa propria la teoria filosofica post-strutturalista di lacaniana memoria che evita la fissità della forma nel suo manifestarsi, dando vita in “Luce stellare” a un movimento continuo di convergenze e divergenze delle strutture specchianti, chiusura e apertura, pulsazioni ed espansioni, consentendo all'occhio di indugiare su superfìci lucide che riflettono lo sguardo, lo spazio circostante, in una amplificazione visiva dove la luce, protagonista assoluta, plasma le forme rallentando o accellerando il ritmo visivo. Percezioni varie dovute alla plasticità della luce offrono la possibilità di guardare oltre, di sviluppare maggiori capacità sensoriali e di tracciare linee pluridirezionali in un contesto di alta valenza storica, ridisegnando un nuovo percorso visivo e mentale: una risemantizzazione di un brano urbano, di una piazza dal forte carattere segnato dal passaggio della storia. Una nuova lettura che lega questa idea di progetto con elementi e architetture del passato, in un itinerario religioso che si snoda tra le catacombe del II e III secolo d.C., la chiesa di epoca bizantina e rifatta nel XIII secolo (la quale ospita il “Seppellimento di S.Lucia” del Caravaggio) e la cappella del Sepolcro del 1627 dove venne sepolta la vergine siracusana dopo il martirio, così come vuole la tradizione popolare. Conoscenza, abilità e pieno controllo della tecnica sono peculiarità di Scirpa che riduce e piega il materiale a una sua precisa e complessa idea che tende a una semplicità volumetrica, animata da una luce vibrante, frammentata, che dispiega i corpi nello spazio. Geometrie di luce generano un dialogo intriso di sacralità con il luogo e ridisegnano al fruitore uno spazio in cui l’opera interagisce con l’ambiente che viene reinterpretato da diverse prospettive. Pulizia e calcolo sono atti del pensiero inteso come possibilità di esplorare la materia inerte che improvvisamente si anima di vitalità, come se le superfici possedessero una vita propria, divenendo immagini della trasformazione e della variazione non appena si sposta, di volta in volta, il punto di vista. Superata l'opposizione tra arte del tempo e arte dello spazio, divenuta negli anni '30 uno dei principali criteri per valutare la scultura, e stabilito che i corpi esistono non solo nello spazio ma anche nel tempo, uno degli aspetti più interessanti della scultura moderna e contemporanea risiede nel fatto che una forma contiene l'esperienza del suo opposto ponendosi tra l'immobilità e il movimento, tra un tempo bloccato e un tempo che scorre. Tale punto di congiunzione provoca una tensione dalla quale scaturisce tutta la sensibilità di un'epoca che Scirpa traduce in rigore e sintesi formale portando avanti, nel contempo, una problematica indagine e critica sull’esistente. Siracusa, luglio 2010

[] DI GINEVRA BRIA 06 SETTEMBRE 2009

Nei lavori di Paolo Scirpa (Siracusa 1934) il multiplo è il principio che regola la dilatazione e la riproduzione della luce. Nei suoi ludoscopi il buio appare come un nuovo supporto, un segno che sarà sempre e comunque un inedito. Un elemento mai sicuro, un segnale da mantenere acceso e da continuare ad estendere, oltre il nero della superficie. Nella pratica artistica di Scirpa non esistono gesti acidi, né scatti maldestri. Esistono solo piccole detonazioni utili ad attivare la materia geometrica. Materiale da lui pazientemente assemblato e poi de-strutturato. Il neon infatti propaga la luce seguendo due tempi diversi. Dapprima la luce viene scissa e poi, infine, viene inviata. Le sue propagazioni luminose oscillano univocamente dal piano retrostante degli specchi al volume di base dei solidi. La fine forse non esiste. L'effetto è quello di far arrivare il fascio di luce fino al bordo estremo della sua corsa luminosa. Ovunque questo possa andare. La continuità del riverbero, infatti, conferisce ai monoliti geometrici di Scirpa il dono di moltiplicare lo splendore. É in questo modo che ogni tubo al neon prende l'avvio. Riflessi giallo fluorescente, gironi color ghiaccio, spirali rosa pallido ed enormi pannelli ipnotici color azzurro restituiscono all'occhio un fluido espanso per gradazione luminosa. Nella pratica artistica, ogni riquadro, ogni teca, ogni cornice è una partizione di colori, di scene astratte o di evoluzioni geometriche che vengono accese per puro piacere gestuale, affinché il colore si incida e di disperda, come essenza dilatata. Il punto di fuga, nei pozzi verticali e orizzontali dell'artista siciliano, prolungano un ritorno al dato primo del dipingere. Qui non è in gioco la costruzione di un dipinto o la sua formulazione in termini grammaticali, ma l’azione mossa, il canto tattile del semplice esserci del gesto. E’ tempo che la scultura, attraverso l'utilizzo della luce da parte di Scirpa, torni al suo futuro anteriore. La tecnologia, per lui, è un modo di velocizzare quello che è già in potenza, non la simulazione di ciò che lento, inesorabile gesto pittorico,che poi viene solo mimato, attraverso filtri scuri, come il cristallo dello specchio. Quando la tecnologia imita ciò che è naturale, essa fallisce e questo Scirpa lo conosce bene. La tecnica del rappresentare la velocità estensiva, amplifica ciò che è atto naturale, ingrandendolo come fiore da germoglio. La tecnologia del neon e della rifrazione è coestesa all’atto del creare, senza precederlo. La luce si serve dell’estensione figurale come la pittura fa con la dilatazione e lo sviamento dell’immagine, del suo essere colore, segno e forma, come campionamento aumentato in sé. Nel gesto dell’estensione, dell’incisione della luce, della sua partizione c’è la scaturigine del fare, il suo giorno di nascita. L’atto, non può essere imitato da nessuna macchina ludoscopica, ma essa può

portarlo dove il corpo non può andare, dove non deve neanche affacciarsi, per trasformarsi in vettore. Lo schermo di ogni meccanismo rappresenta il limite dell’attuazione. Il supporto esterno, scelto, è la sua ultima definitiva collocazione. Sul supporto non serve colore aggiunto, per lo meno non secondo la pedissequa moda dell’eterno ritorno cromatico. La geometria, come un pigmento, come un atto addizionale, arriva all'occhio altera, mostrando la novità del suo preciso percorso, divinità insostituibile. Nei lavori di Scirpa quel che conta è vedere attraverso ancora prima che qualsiasi griglia organizzi la mente, ancora prima che la ratio o la morale, nel senso più deleterio del suo essere negazione, oltre che affermazione di se medesima, si faccia viva a dire di sè. Le mani di Paolo Scirpa possiedono una vivacità tecnica che consente di fare l’epifania dello specchio, oltre la sua faccia liscia e buia. Partizioni di spazio, segmenti, molecole e luci, ogni cosa resta immagine, definitivamente incisa e quindi stampo conclusivo. Non c’è più tempo chiuso, solo scorrevolezze estese di luce in caduta. L’entropia è vinta dalla sua stessa essenza di griglia segreta, non inaccessibile. Quando mai un disordine nega il suo essere partito da luogo limpido, disposto secondo un criterio che già è passibile di verifica? All'interno dei ludoscopi spaventa la frenesia che si riesce a vedere, nella verticalità della caduta, possibile disordine dell’arrivo. Lo sfaldamento cromatico dei neon va assecondato attraverso agli occhi, aperti al punto d\'essere nuovo ordine, reticolo possibile, carne per un’immagine che è risultato di composizioni successive, di montaggi selettivi, non di filtraggi ricreati. Niente precisionismo, niente compiacimento, nulla da dimostrare, nei ludoscopi. Propagazioni luminose paraboliche. Puri gesti moltiplicati, pura luce propagata, puro esserci come livello riprodotto dell’immagine estesa ed incisa, allungata asintotticamente. Realismo plastico, fatto estetico e manuale, visualità tattile agita come durezza da violare, rabdomantico funambolico essere sulle forme e sulla loro inconsistenza entropica, sulla curva accettata del loro mutamento di forma fino alla radice ulteriore del senso, luce estendibile delle identità. Nessun ritorno dopo l’affondamento dell’identità lineare di partenza. Dall’identità al nonidentico, qui, i corpi rianimati dello spazio restano levigati, perfetti. Milano, settembre, 2009

L’OTTICA DELL’INFINITO DI MARCO MENEGUZZO 28 MAGGIO 2009

Può apparire strano che un artista come Paolo Scirpa, così rigoroso nella scelta del proprio campo d’indagine, così attivo nel cuore di uno dei centri riconosciuti

del sistema artistico, e così in linea con alcune tra le maggiori tendenze dell’arte contemporanea, abbia di fatto voluto condurre la sua vita creativa da posizioni assolutamente autonome e indipendenti In tutto ha giocato, ovviamente, una componente individuale che perviene al carattere schivo e al contempo forte dell’artista, e chi conosce Scirpa sa che questa ha svolto effettivamente un ruolo non secondario nel suo operoso isolamento (che pure ha conosciuto tutti gli aspetti sociali e socializzanti, ad esempio, dell’insegnamento in un’accademia prestigiosa come quella di Brera), ma d’altro canto non si può neppure attribuire l’immagine solitaria della sua ricerca a pure questioni personali, visto che comunque Scirpa ha avuto il coraggio e la lungimiranza di lasciare la natia Sicilia per trasferirsi a Milano, dove la ricerca artistica risultava essere più viva e più aderente a quanto andava accadendo nel mondo. Ancora, non si può neppure dire che la critica non si sia accorta di lui, se solo si scorre il numero davvero alto di studiosi – e non secondari – che si è occupato del suo lavoro nel corso degli anni…. Ciò che invece è apparso maggiormente distratto è piuttosto l’elemento del mercato, della diffusione del lavoro attraverso il canale delle gallerie, che allora hanno rischiato meno di quanto avrebbero potuto e dovuto per il solo fatto che, all’epoca della sua maturità – agli inizi degli Settanta del XX secolo – questo tipo di lavoro poteva apparire isolato rispetto al trend del momento. A questo punto, qualcuno potrebbe ricordare che poco sopra si è detto che il lavoro di Scirpa era in linea con alcune delle maggiori tendenze contemporanee, e che quindi ciò che si sta affermando ora – vale a dire un sostanziale isolamento del lavoro - è in contraddizione con quanto detto poc’anzi, ma non è così : il mercato ha bisogno del momento, non si concede dilazioni né temporali né culturali, e spesso il metodo di “cogliere l’attimo” è in aperta contraddizione con ricerche che al contrario necessitano di tempi propri, e che spesso mutuano da necessità interiori. Queste necessità, talvolta si incontrano con necessità collettive, con quello “Zeitgeist”, quello “spirito del tempo” che fa sì che una ricerca sia condotta contemporaneamente da più artisti – o scienziati, o filosofi… - o da gruppi formatisi attorno a quel nucleo problematico, e che in tal modo viene portato alla luce e alla ribalta proprio dalla forza del numero, dalla capacità collettiva di evidenziare un problema e di porre/imporre le proprie soluzioni; tuttavia, è anche possibile – e ciò avviene nella maggioranza dei casi – che singole individualità scelgano di agire in qualche territorio espressivo per necessità interiori, per pulsioni irrinunciabili, contribuendo a definire e ad arricchire ulteriormente linguaggi già individuati, ma non pienamente formulati, senza tenere assolutamente conto degli andamenti tendenziali o di moda. Così, a guardare anche quei primi lavori con la luce di Paolo Scirpa – e con essi tutti quelli per cui lo conosciamo come artista “della” luce – si potrebbe dire che la sua ricerca appartiene a quella branca ottico-cinetica dell’arte, che aveva conosciuto i maggiori fasti nazionali e internazionali tra il 1959 e il 1965/66, ed era poi lentamente declinata con la caduta di fiducia nella possibilità di una società “percettivamente” migliore, e nell’ascesa di altre tendenze, come la Pop Art – che ne era agli antipodi – o l’Arte Povera, che sfruttava maggiormente

l’aspetto di contestazione sociale globale. Ora, a prima vista il lavoro di Scirpa effettivamente apparterrebbe in toto a quella ricerca, ma non a quella stagione: in altre parole, l’aspetto ottico-cinetico del suo lavoro non avrebbe coinciso col momento di sviluppo e di attenzione di cui invece artisti e gruppi dell’arte cinetica italiana – ricordiamo il gruppo T o il gruppo Enne, o anche il gruppo MID – avevano goduto a pieno titolo, avendo loro stessi portato l’attenzione sugli aspetti percettivi del mondo e sul metodo di percezione del mondo stesso da parte dell’osservatore. In effetti, il lavoro di Scirpa in questa direzione giunge con appena qualche anno di ritardo: è il 1972 quando Scirpa, ormai trasferitosi a Milano, abbandonata quasi definitivamente la sua iniziale componente astrattogeometrica che aveva caratterizzato il suo lungo apprendistato siciliano, pensa di utilizzare non tanto la rappresentazione della luce quanto la luce stessa nelle sue opere. Un breve passo indietro consente di seguire i momenti di formazione dell’artista siciliano, la cui prima partecipazione a una collettiva risale nientemeno che al 1953, quando era appena diciannovenne. Tuttavia, si tratta sempre di mostre relativamente locali per quanto allora importanti – il percorso di un giovane artista era scandito da tappe più precise e più lente di quanto non accada oggi -, almeno sino alla sua partecipazione alla IX Quadriennale Nazionale d’Arte di Roma, al Palazzo delle Esposizioni nel 1965: qui il suo linguaggio astratto, rafforzato anche da una robusta pratica di incisione, appare già maturo, se non del tutto autonomo. L’artista oscilla tra lirismo vicino all’informale e un’astrazione più definita, non immemore neppure di certe reminiscenze naturalistiche: l’incisione – allora il suo strumento preferito – lo costringe in un certo senso a disegnare e quindi a delineare, a segnare forme e perimetri, ed è qui che appare quell’idea di segno circolare – un “sole”, un “habitat” ? – che racchiude il magma della vita, rappresentata allora con la metafora di una specie di incontro fra forma naturale e costruzioni artificiali umane. Quell’habitat circolare, quel sole Scirpa lo porta con sé anche quando, trasferitosi a Milano, dove insegna all’Accademia di Belle Arti di Brera insieme a Luciano Fabro - vi terrà una delle cattedre di Pittura dal 1992 sino al 2001 - comincerà ad esporre regolarmente (la sua prima personale in assoluto è del 1967, la prima milanese del 1969) e a precisare sempre più il suo linguaggio. In questi anni, immediatamente precedenti l’autentica “svolta” che Scirpa attuerà coi “ludoscopi”, la sua ricerca viaggia su doppio binario, che testimonia di un interesse a vasto raggio: da un lato, l’analisi sempre più stringente del linguaggio della percezione, attuato secondo forme sempre più rarefatte e minimali, dall’altro, la constatazione di un mondo sempre più in preda ad ansie produttivistiche, a bisogni indotti, a deliri consumistici. E’ l’attenzione a questa condizione sociale che fa produrre a Scirpa le prime vere opere totalmente “sue” (non che le precedenti non lo fossero, ma queste costituiscono una “cifra” personalissima, inequivocabile): sono i grandi “oggetti”, quasi dei caleidoscopi che moltiplicano su superfici specchianti una miriade di scatole di prodotti, di involucri vuoti, assemblati insieme a costituire una sorta di città in miniatura, di skyline contemporaneo – non a caso, il primo di questi lavori si chiama “Megalopoli consumistica”, del 1972 -, dove il messaggio è sin troppo chiaro, e la città dell’uomo è diventata la

città del consumo, e dove l’uomo stesso si identifica col consumo, anzi, col consumismo, che ne è la degenerazione. Di questo soggetto Scirpa si occuperà sempre, anche a distanza di molto tempo, con poche e mirate opere che, a partire dai primi anni Novanta, prenderanno l’aspetto di vere e proprie installazioni, assumendo cioè dimensioni tali da occupare fisicamente e idealmente uno spazio importante. Tuttavia, è la genesi di questi lavori, anzi la loro primissima intenzione che svela la personalità di Paolo Scirpa: certamente si può ricordare che gli anni della prima realizzazione anticonsumistica del nostro artista coincidevano con gli anni della contestazione più dura e radicale della società capitalistica in Occidente, ma le sue motivazioni sono più profonde, vengono da molto più lontano. In tutto il suo lavoro, infatti, Scirpa immette una forte tensione etica, un “dover essere” delle cose di matrice addirittura religiosa. E’ lui stesso che ricorda di aver incontrato giovanissimo Chiara Lubich, la fondatrice del movimento ecumenico dei Focolari, ascetica ed energica propugnatrice dell’idea dell’ “unità” della spiritualità umana, che ritroviamo più tardi, trasfigurata e metaforizzata, nella “poetica della luce” dell’artista, ma anche nella percezione dell’errore dell’uomo quando si abbandona all’ingiusta voracità del consumo. Anzi, a ben vedere questa accezione morale è molto più diretta e dichiarata in questo ciclo di opere che non nell’altro, dove l’aspetto dell’analisi del linguaggio sembra prevalere, ma con tutta probabilità – è anche la nostra tesi - è nei “ludoscopi” e in tutte le opere ad essi collegate che la tensione etica immessa nel lavoro da Scirpa riesce a trasformarsi meglio in forma. I “ludoscopi” sono opere tridimensionali, illuminate da elementi geometrici di neon, realizzate a partire dal 1972, - contemporaneamente, cioè alle indagini sul consumismo- e nel corso degli anni successivi sono stati accompagnati da una serie di lavori – oli e acrilici su tela – che ne sembrano essere il ritratto, la rappresentazione bidimensionale. Sin dai primi “ludoscopi” l’artista ha ridotto sostanzialmente a tre forme geometriche – il quadrato, il cerchio e il triangolo – tutto il suo alfabeto, e fa muovere queste forme, ripetendole all’infinito nello specchio, nello spazio: è uno spazio reale, perché l’opera è tridimensionale, le luce è generata da uno strumento luminoso, ma continua ad essere, anche, uno spazio mimetico, rappresentato, quasi bidimensionale. E, sostanzialmente, illusorio. Proprio Scirpa mi ha fatto notare recentemente, stupendosi di questo riconoscimento (conoscere di nuovo, vedere ciò che si era già visto) come nei cerchi concentrici di neon si ritrovi la forma della scalea, della gradinata del teatro antico, del teatro greco, quel teatro che lui stesso aveva visto, anzi vissuto, nella natia Siracusa, quasi fosse un imprinting indelebile, una cultura trasformata in biologia, in dna...La forma prescelta si moltiplica in una serie di traslazioni e di incroci che suggeriscono un proseguimento potenzialmente infinito nello spazio, ben oltre la reale dimensione fisica dell’opera. In questo senso, la scelta di utilizzare uno strumento luminoso vero e proprio come il tubo al neon appare naturale, perché sostenuta da una necessità interiore e ideale: si tratta infatti di una vera e propria adesione ai motivi più profondi di una ricerca che, per Paolo Scirpa, è quella della luce come elemento unificante della realtà (se fossimo un po’ più religiosi potremmo dire “del creato”, come forse direbbe

lui). Eppure è sintomatico che l’artista non abbandoni la tecnica della pittura, una volta adottato lo strumento “reale” del neon luminoso: egli infatti continua a dipingere, soprattutto negli anni Ottanta sino ad oggi, opere che sembrano di fatto i “ritratti” pittorici e luministici dei “ludoscopi”. Quel che per alcuni è un percorso irreversibile – dall’oggetto rappresentato al materiale usato di per sé, con le sue proprie caratteristiche -, in Scirpa non solo è reversibile, ma coesiste tranquillamente: in altre parole – e qui sta la sua peculiarità –il problema di Scirpa non è tanto quello della rappresentazione o, al contrario, della “presentazione” dell’oggetto, quanto quello più generale, più universale e , se vogliamo, più tradizionale della luce. Forse è anche per questo motivo, e non solo per una banale questione cronologica, che la sua appartenenza all’ambito ottico-cinetico, se da una parte è inequivocabile, dall’altra parte è anche anomala. Inequivocabile per l’uso degli strumenti, il modo, l’esito voluto e ottenuto, elementi che rientrano a pieno titolo in quella tendenza: anomala, d’altro canto, perché l’intenzione di Scirpa è tutta metaforica, e per nulla riducibile alla realtà effettuale della percezione. Gli otticocinetici per così dire di stretta osservanza, mostravano infatti scarsissime attenzioni per ogni aspetto che trascendesse i problemi della percezione umana o, al massimo, i problemi “storico-sociali” della percezione, intendendo con questi l’analisi non solo di ogni tipo di percezione fisiologica, ma anche l’analisi dei rapporti tra produzione della visione e ricezione della visione, con qualche sconfinamento, se si vuole, nel campo della sociologia (per non parlare del rapporto arte/industria o arte auratica/arte moltiplicata che ne erano corollari importanti); al contrario, Paolo Scirpa poneva, e pone, il problema addirittura trascendentale della “luce”, di cui la luce reale – ottenuta con gli strumenti che anch’egli usa – non è che un riflesso. Come a dire che ciò che gli interessa è la luce ideale, e che per affermare questo interesse, e l’importanza che quella luce ha per sé e per l’interpretazione del mondo di cui l’artista si fa tramite, è disposto a sopperire con i poveri mezzi concreti che il mondo gli mette a disposizione, fermo restando però che questi mezzi non sono che l’ombra, il rappresentato, l’imitazione, il riflesso, appunto, di quel significato più grande. In questo senso, dunque, Scirpa appartiene in toto alla tradizione, addirittura a una tradizione medievale, quella, per intenderci, che aveva fatto della luce non tanto un’esperienza ottico-percettiva, ma mistica: si potrebbe dire allora che Scirpa è molto più vicino a Beato Angelico che non a Lazlo Moholy-Nagy! Assumendo questo punto di vista, tutta la sua attività si ricompone in un continuum (tra l’altro, non si dimentichi l’adesione dell’artista a quel concetto di “unità” scoperto per la prima volta nel contatto con la Lubich) che giustifica appieno, ad esempio, la coesistenza pacifica tra pittura e neon: non si tratta più, infatti, di sostituire la “cosa rappresentata” – cioè la pittura che imita la luce – con la “cosa reale”cioè con il neon che sarebbe invece la luce vera e propria - , perché entrambe queste situazioni non fanno altro che ricordare quella luce trascendente di cui ci vuole parlare Scirpa, e di cui entrambi gli strumenti, quello della pittura e quello tecnologico del gas surriscaldato che produce una luce fisica, non sono altro che il fantasma visibile, rappresentabile.

Di più, si potrebbe forse ribaltare ancor più l’ipotesi di ricerca di Scirpa suggerendo che neppure la luce è il suo fine ultimo, ma che questo si nasconde “dietro” la luce, ed è l’idea dell’infinito. In questo modo si spiegherebbe, ad esempio, la naturalezza con cui l’artista usa la superficie specchiante, sia nel ciclo del cosiddetto “consumismo”, sia nella lunga serie dei “ludoscopi”, sia in alcuni esperimenti precedenti, dei primissimi anni Settanta, in cui dipinge su lastre d’acciaio lucidissime: del resto, lui stesso suggerisce questa lettura in più occasioni, quando ad esempio afferma, proprio in un breve testo di spiegazione dei “ludoscopi” che “l’infinito nello spazio simulato è un’idea che ha nutrito a lungo i miei pensieri e la mia dimensione interiore”. Certo, il nostro occhio e la nostra mente sono maggiormente attratti dai modi con cui si attinge all’infinito, ed è per questa ragione che il pensiero si sofferma e spesso si ferma al momento immediatamente precedente, che è quello della luce, anche se la moltiplicazione delle forme luminose, ottenuta grazie all’uso degli specchi – che purtroppo non possono far altro che moltiplicare solo poche volte le forme originarie, prima che la luce fisica si perda in un fondo inevitabilmente scuro – non è altro che la rappresentazione povera, perché umana, di un infinito che non si può che simulare, che suggerire. Così, se i Bizantini usavano il “fondo oro” come infinita luce trascendente, se l’Umanesimo ha trasformato questa metafora in qualcosa di più vicino a noi, cioè di più fisico, sostituendo a quell’oro il blu dei cieli di Giotto, la nostra epoca, volendo rendere ancora un po’ più vicino, più umano, meno assoluto questo concetto ha dovuto fare di più, ha dovuto cercare questa infinità nella tecnologia. Da artista, Paolo Scirpa si adeguato, ma non ha dimenticato il punto di partenza che, nel caso dell’infinito, può anche essere il punto d’arrivo. Infine, qualche considerazione va fatta a proposito di una numerosa e costante serie di lavori che Scirpa cataloga sotto il nome generico di “progetti”. Si tratta in realtà di “fantasie” (anche se oggi qualche magnate o qualche istituzione in vena di spettacolarismi potrebbe realizzarle, sfidando alcune leggi della fisica, e molte leggi sul patrimonio antico...), quasi di “capricci” alla maniera settecentesca – quelle vedute di fantasia dove il pittore avvicinava scorci riconoscibili a paesaggi che non gli erano propri, come rovine romane sulla laguna veneta… - che costruiscono paesaggi urbani o naturali in cui sono inserite, in una scala che nella realtà sarebbe gigantesca, “ludoscopi” luminosi. Scirpa sceglie i luoghi che gli sono cari, oppure siti famosi, come chiese rinascimentali, necropoli arcaiche, piazze famose: nel cuore di questi luoghi colloca le geometrie sprofondanti dei suoi triangoli, quadrati, cerchi. L’effetto, singolarmente straniante, è ottenuto con la tecnica “moderna” del fotomontaggio, cosa che conferisce a ciascuno di questi progetti quel sapore assolutamente artificiale che hanno tutti i fotomontaggi, da quelli dadaisti a quelli surrealisti, dove è ben visibile persino il “ritaglio” e il fuori scala delle singole componenti (non si ottiene lo stesso risultato con le raffinate elaborazioni elettroniche, con Photoshop, che paradossalmente sono più “naturali”): straniante per l’evidente artificio dell’inserimento di un oggetto visibilmente piccolo in una scala gigante, ma straniante anche per una più alta e diversa artificialità, quale poteva essere, ad esempio, l’architettura “estrema” di un

Étienne – Louis Boullée e della sua Biblioteca del re, o ancora più del suo famosissimo Cenotafio di Newton. A questo punto, una breve digressione sull’ultimissimo lavoro dell’artista potrebbe completare la comprensione del suo intero modello di pensiero e di sentimento: si tratta di un grande modello ligneo costruito sulla forma raddoppiata del teatro geco, con tanto di gradinata e di cavea, dove però le gradinate sono rivolte all’interno, verso la scena, ma anche ribaltate all’esterno, verso il mondo. Il risultato è una strana forma geometrica ad anello, una sorta di cratere vulcanico regolare ed umano, dove l’interno e l’esterno hanno lo stesso identico peso e valore. A parte la chiara evocazione del teatro greco che riporta a memorie arcaiche e fondanti di una cultura e di una persona (come non ricordare le origini siracusane di Scirpa?), l’effetto dell’opera oscilla tra l’aspetto formale geometrico e perfetto e il significato metaforico del “guardare” dentro e fuori, verso il sé e verso il mondo, col risultato di un benefico straniamento addirittura sottilmente accentuato rispetto ai suoi progetti appena citati. Lo straniamento è dovuto, cioè, non tanto all’artificiosità del procedimento, ma all’artificialità e duplicità del risultato, che mette a confronto la purezza delle forme con l’accidentalità del mondo: quando si incontrano le forme pure della geometria con la storia dei luoghi, vale a dire l’infinito in questo caso rappresentato dalle forme geometricamente perfette, o di luce, dell’artista e tutte le stratificazioni formali, temporali, occasionali che si sedimentano in un luogo vissuto, ecco che avviene quello scontro dialettico tra idea delle cose e realtà delle cose. Platone lo aveva capito, e Scirpa lo ha messo in scena.

SULL’UNITÀ DI MISURA DI ALBERTO VECA 2007

Il vuoto illusorio all’infinito, e il pieno effettivamente percepito, anche tangibile: questi i due apparentemente antitetici percorsi che Paolo Scirpa conduce da anni; solo all’apparenza inconciliabili perché il primo è conseguenza, effetto del secondo: il vuoto realizzato come “apertura”, come via d’uscita possibile rispetto a una chiusura soffocante, a volte anche claustrofobia. Lavorare su piani contrastanti vuol dire attribuire un senso “forte” all’opera plastica, non episodica registrazione di un sentimento o uno stato d’animo quanto la funzione di segnale linguisticamente pregnante. Così possono coesistere nel corso del tempo il ludoscopio – una scatola con le pareti nere e il coperchio trasparente all’interno della quale figure della geometria elementare realizzate in neon si propongono in successione e si specchiano, non importa se realizzato a parete o a pavimento, in grandi quanto

in ridotte dimensioni – e, all’opposto, il tabellone consumistico e le sue molteplici varianti, da quella ambientale a quella strettamente oggettuale, un’opera in continuo accrescere realizzata attraverso l’assemblaggio di involucri di merce oggi in produzione e consumo. Non si tratta di stagioni successive, in cui l’interesse si è diversamente orientato, ma di una apertura costante, in continuo progresso ed arricchimento. Scrivo sul lavoro dell’artista a distanza di un certo lasso di tempo da una precedente riflessione partendo dalla constatazione che la parola, almeno la mia,conosce un’usura che le opere plastiche per fortuna non hanno. Forse perché scrivere è in qualche modo una mediazione fra un lavoro plastico, indubbiamente e certamente influenzato dalla contingenza ma certo meno di un testo, e un eterogeneo, anche ipotetico pubblico che legge. Allora – era il1980 – ero interessato al rapporto tra oggetto reale, nella sua fisicità, e la sua traducibilità nella bidimensione della carta, un esercizio e una riflessione intriganti per chi si interroga sul rapporto tra percezione dell’oggetto e illusione visiva sulle tracce di Semiologia del messaggio oggettuale di Corrado Maltese che costituisce ancora un punto di partenza inevitabile. Mi sembra che l’urgenza del problema rimanga tale ancor oggi, forse perché in questo rimando si gioca una parte non insignificante del lavoro dell’artista fra “presentazione” e “rappresentazione”, un interrogativo fondamentale per l’esperienza del secolo scorso, almeno per quella più avvertita e interessata agli interrogativi dell’agire plastico. Vi sono altre evidenti e felici contraddizioni nel lavoro a partire dalla constatazione, ovvia ma di un certo interesse, che gli strumenti adottati sono assolutamente eterogenei, dal materiale tecnologico al disegno, all’incisione e alla pittura declinata con un ventaglio significativo di soluzioni plastiche, all’assemblaggio: una ampiezza operativa dovuta probabilmente anche dall’intenzione di sperimentare materiali e operatività diverse alla ricerca di una padronanza, di un a gestione sostanzialmente affine, per valutare se, a dispetto dei cambiamenti, il ragionamento mantiene una sua coerenza. E una chiave possibile credo sia quella della ricerca di una “unità di misura” con cui mettersi in relazione con ciò che ci circonda, sfruttando alternativamente le regole dell’ordine geometrico come quelle dello stoccaggio della merce, una standardizzazione che viene riproposta straniata dalla sua funzione originale. L’impegnativa letteratura critica che in questi anni ha confortato il lavoro dell’artista, cui occorre dare una lettura non frettolosa per la pluralità dei punti di vista, ha di volta in volta sottolineato questo o quell’aspetto del lavoro: a me sembra importante, come sottolineato in esordio, ripetere quel nesso di causa/effetto, fra una percezione quale effettivamente è e quale potrebbe essere, visto che il vuoto e la profondità sono allusi, moltiplicati all’abisso. Emergono prepotentemente le due radici storiche cui Scirpa fa dichiarato riferimento: da una parte l’esperienza del nuovo immaginario proposto dall’esperienza futurista e delle Avanguardie dei primi del secolo scorso; dall’altra l’esperienza Dada. Ma entrambe le radici sono, per così dire, rinnovate e rilette con una riflessione e una sperimentazione che esclude la semplice

citazione o la dipendenza estetica, costituendo eventualmente un sostrato da cui emanciparsi ma non può essere cancellato. Ne può essere un segnale evidente la serie di progetti di “interventi ambientali” che Scirpa ha negli anni collezionato, spesso partendo dall’immagine architettonica più ovvia, quella della cartolina illustrata, quindi uno stereotipo comunicativo che non viene dissacrato come potrebbe ma reinterpretato togliendo e sostituendo un “pieno” dalla fisionomia conosciuta o immaginabile, con lo sfondamento suggestivo del ludoscopio in questa fase divenuto “finestra” rispetto a una cornice che assume il ruolo di acquisito stereotipo quando il gioco sembra essere proprio quello di mettere in dubbio, di ribaltare la visione comune, frettolosa, per inserire qualche interrogativo dove tutto sembra essere acquisito e scontato. Si vuol dire che l’intervento non ha alcunché di dissacrante, di ironicamente sostitutivo del monumento, ma vuol diventare centro di attenzione perché anche ciò che è alla periferia, oltre la cornice possa essere di nuovo letto con attenzione. Questo ruolo di “cattura interesse” si può tradurre in progetti e figure che, partendo dalle immagini doppie e ambigue del ludoscopio, indubbia matrice di una serie diversificata di lavori e di esperienze, possono assumere l’aspetto dell’intervento ambientale architettonicamente praticabile dall’uomo, come il “labirinto” o il “teatro”, due figure anche queste fra loro in antitesi fra vocazione all’infinito dell’una e qualità centripeta dell’altra, che l’artista anche recentemente progetta in attesa di una possibile realizzazione non virtuale o cartacea ma fisicamente e materialmente percepibile. Nell’intervallo di questa esperienza Scirpa sottolinea con la pittura e il disegno alcuni aspetti possibili: la dimensione dello spazio e del tempo diventano allora variabili punti di vista e distanze da cui il sistema delle figure messe in azione acquista una temporanea immagine complessiva: sono “istanti”, quasi fotogrammi di una esplorazione continuamente cangiante al variare del nostro modo di percepire l’oggetto. Vi è un’opera che mi piace citare in questo percorrere forzatamente sintetico, anche per episodi, il complesso lavoro dell’artista, una litografia a un colore del 1965 intitolata L’industria e pubblicata nell’antologica alla Galleria Civica d’Arte Moderna di Gallarate al numero 2 delle “Tavole introduttive”: in essa vi sono alcune suggestioni di figura nell’illusione di uno spazio profondo che diventeranno consueta frequentazione nel lavoro successivo. Paradossalmente, per misurare l’infinito, occorre individuare un modulo che possa essere iterabile, può essere anche il catalogo “infinito” delle confezioni con cui si possono costruire i muri: il primo per la fantasia, il secondo per la memoria. Milano, gennaio 2007

IL SOLE DI SIRACUSA. PROGETTO PER UNA SCULTURA DEDICATA AD ARCHIMEDE DI MARCO MENEGUZZO 05 DICEMBRE 2006

Perché ogni qualvolta si ricorda l’episodio degli “specchi ustori” di Archimede all’assedio di Siracusa, la mente prova un sussulto di piacere, e spesso sulle labbra compare un sorriso? Perché quell’episodio – non importa se inventato o reale, è talmente ben congegnato… – riesce a sintetizzare una serie di elementi concomitanti e tutti positivi. Nessuno infatti ricorda che Siracusa alla fine dovette arrendersi ai romani, e che lo stesso Archimede perì per mano di un rozzo soldato, nessuno cioè ricorda i particolari “storici” dell’avvenimento, perché sono superati, travalicati da quegli elementi “senza tempo”, la cui eccitazione ci procura piacere. Essi sono l’insieme indissolubile del genio, del luogo e della memoria. Il genio ha a che fare con la semplicità, almeno nella vulgata, e lo specchio di Archimede è l’incarnazione di questo concetto di genialità: semplice tanto da diventare gioco di bambini (povere formiche!...), appare tuttavia sempre modernissimo, sempre attuale, come attuale (universale) è l’energia che sfrutta a proprio vantaggio, e che di fatto non è “posseduta”da nessuno, ma a disposizione di tutti, di tutti coloro abbastanza intelligenti da usarla… Perché il sole è il secondo elemento di questa storia, il secondo elemento del piacere che essa ci procura: in questo caso il sole è anche il Mediterraneo, come “luogo” dove appunto il sole è più forte, ma anche come metafora della nascita se non della vita, certo della cultura. E’ il sole infatti che accomuna e accompagna la nascita della cosiddetta civiltà greco-giudaica, che non ci immagineremmo mai, figurandocela nella nostra mente, sotto una pioggia battente… E infine c’è la memoria della grandezza, del genio, dell’intelletto, che unifica tutti gli elementi nell’oggi, ed è per questo che ricordare con un monumento – secondo la tradizione, un monumento è un invito al ricordo, a venerare le memorie – il genio che non è solo di un uomo, ma di una civiltà, è necessario rimembrare l’oggetto indiscusso della genialità, più che il soggetto, cioè quello specchio la cui forma astratta e di per sé perfetta è diventata in quel momento strumento della storia, cioè delle passioni e delle pulsioni umane. In questo senso Paolo Scirpa ha ideato una forma che ricorda quello dello specchio concavo (almeno, pensiamo che fosse tale… ), con elementi metallici mobili, di una lucentezza abbacinante che restituisce per prima cosa la luce, poi la sensazione remota di una forma/idea perfetta, tanto perfetta da catturare il sole, e piegarlo alle esigenze della città, quasi che la scienza fosse una virtù civile. Gli archi di cerchio, gli “spicchi” mobili della scultura,fanno di quest’opera qualcosa di continuamente mutevole. Di fronte a una forma iniziale percepibile e conchiusa, archetipa – il cerchio concavo, così simile a quel cerchio del sole di cui deve catturare “l’anima” …-, l’artista propone una scomposizione fisica potenzialmente infinita – ogni spicchio è autonomo nel suo posizionamento

variabile -, che comunque prevede e precede la ricomposizione ideale e mentale del lavoro: lo sguardo cioè, ricostruisce lo stato iniziale dell’opera anche quando questa si trovi nella posizione più fratta, più mossa, più “esplosa”, perché quella forma riconduce inequivocabilmente all’ unità, unità della natura – il sole – e della cultura – il cerchio. L’artista ne ha anche proposto due collocazioni fortemente simboliche: una, rivolta verso il mare (come doveva essere in origine, ovviamente), non certo come minaccia, ma come testimonianza di una antica eccellenza per chi giunge a Siracusa dal mare, per chi percepisce quel mare come un tutt’uno con la città; l’altra, quasi ad esergo del teatro greco, il luogo per eccellenza della rappresentazione, dove l’arte e la memoria diventavano realtà e proiezione nel futuro della forza catartica della narrazione. Come a dire che oggi la città è difesa dalla consapevolezza della propria cultura, passata e presente. Milano, 5 dicembre, 2006

PAOLO SCIRPA E IL SUO TEMPO…DI SICILIA DI ORNELLA FAZZINA 2006

In Europa e in Italia alla fine degli anni cinquanta una nuova situazione di ricerche in ambito artistico si contrappone al movimento informale allora dominante ed è proprio a partire da quel periodo che l’Italia conquista una posizione centrale sulla scena internazionale. A Milano, alla fine del 1959, nasce la tendenza verso un tipo di ricerca oggettiva che mira ad operazioni dove il movimento reale o virtuale provocato da effetti percettivi assume fondamentale importanza. I materiali utilizzati per la realizzazione di queste opere sono di natura industriale, determinati anche dalla presenza di fonti luminose e movimenti meccanici. Le ricerche visuali programmate si collocano, quindi, tra esiti da astrazione geometrica, concretista, meccanismi azionati elettricamente e immagini che impongono una interazione fra loro e chi guarda, il cui scopo è quello di servirsi della tecnologia per dimostrare la complessità e l’imprevedibilità della percezione visiva. Le ricerche degli anni sessanta condotte sullo spazio riflettono una tensione ideologica e una dedizione alla ricerca protesa ad un rinnovamento disciplinare che vuole riflettere un più ampio rinnovamento culturale. Si tratta di un periodo in cui l’ideologia gioca un ruolo determinante e i diversi linguaggi visivi indicano la pluridirezionalità di ricerca; periodo che paragonato ad oggi mette in luce l’attuale povertà di forti idee e di rigore concettuale che non deve, comunque, essere letta quale vincolo alla libertà ritrovata di un certo eclettismo sperimentale ma piuttosto indirizzata alla rivisitazione del tutto in termini critici. Intorno agli anni sessanta Paolo Scirpa realizza delle incisioni, L’industria del '65

e del '66, dove la tensione si evince dai segni nervosi e attivi, fatti di intrecci e sovrastrutture a formare quasi delle planimetrie dentro le quali la realtà sembra scorrere; un movimento interno di linee-forza simmetriche che rimandano al Futurismo e che farà dire all’artista qualche anno dopo che scopo del suo lavoro è “tentare di esprimere...il fenomeno tecnologico che coinvolge l’intera società” sottolineando un preciso rapporto socio-ambientale trasferito nelle immagini con riferimenti e con una strutturazione di tipo urbanistico, architettonico e geometrico. Questo modo razionale di procedere riflette l’armonia con il moderno mondo tecnologico e industriale che già a metà degli anni cinquanta stava affiorando a Siracusa con il polo petrolchimico, il quale se in un primo momento è stato accolto e guardato con diffidenza, subito dopo ha significato la coronazione di un sogno in nome del progresso e inteso come la fine della disoccupazione che per il sud ha sempre rappresentato una delle maggiori piaghe che hanno afflitto questa parte del Paese. Ma l’entusiasmo è durato fino agli anni settanta, momento in cui viene meno questa positiva prospettiva a causa del disimpegno dell’industria. Sul tema dell’industria Scirpa si è molto adoperato realizzando anche delle opere a mosaico, una ad Ostuni con interventi dal sapore pop, l’altra nel ‘63/65 a Grottaferrata di natura religiosa dove i soggetti da apostoli assumono sembianze di pescatori con la tipica coppola siciliana mentre sulla destra del quadro si staglia un agglomerato industriale e delle barche, sottolineando il binomio operaio-pescatore e quindi il mutamento sociale che stava avvenendo; dunque, un riferimento esplicito alla Sicilia in bilico fra tradizione e innovazione. Nel ’67 l’artista indaga sulla tematica dei “Soli” con tecniche che vanno dalla litografia al collage e tempera o collage e olio, e accostandosi a un linguaggio essenziale abbandona forme che conservano una memoria di irrazionalità e dà alla sua ricerca un taglio progettuale che gli suggerisce l’uso del disegno architettonico e urbanistico. Tale percorso lo porterà successivamente a concepire gli “Habitat” in olio su tela e nitro su acciaio inox. L’utilizzo che egli fa dei vari generi espressivi come anche della pittura, che costituisce il leit motiv del suo iter artistico, lo condurrà a intendere questa come riflesso di una realtà industriale e superamento della dimensione della natura, analizzando le strutture dinamiche della visione ricondotte a un campo di pulsazioni e vibrazioni cromatiche e luminose. Il mutuare forme d’espressione dal contesto circostante non è però solo un modo di osservare e di adeguarsi all’avanzare tecnologico che quasi invade e sommerge la nostra quotidianità; è anche e soprattutto un modo per riflettere criticamente sull’esistente e Scirpa lo fa attraverso anche i suoi tubi al neon che, nel dare valenza simbolica alla confusione della nostra esistenza, aspirano a raggiungere una nuova possibilità di rinnovare e di verificare lo spazio vitale di nostra appartenenza. Il suo linguaggio richiama i valori formali del costruttivismo, e in questo continuo rapporto tra macchina e natura, sentimento e tecnologia Scirpa sembra ricordarci di fuggire il pericolo di una meccanizzazione dell’uomo tramite nuove entità culturali che stimolano e aprono ad una sensibilità percettiva che ci fa acquisire consapevolezza ponendoci davanti dati oggettivi che sollecitano il nostro essere soggettivo. Quanto detto fa

assumere al suo lavoro, fatto di rigore sperimentativo e freddezza esecutiva, superfici astratte e bidimensionali prima e tridimensionali dopo, un carattere poetico e spirituale che fa fronte alla pericolosità della macchina, quale moto accelerato di un divenire sempre più minaccioso dentro al quale ci si può perdere. Quindi Scirpa nel proporre immagini evocative di una mitologia industrializzata e consumistica, interpreta sì lo spirito del suo tempo ma con accenti ora ludici, ora più graffianti, e nelle sue indagini geometriche, attente al numero e alla misurazione, le forme di matrice pitagorica sembrano richiamare geometrie architettoniche di ascendenza classico-greca, che se per un verso lo pongono nell’ambito dell’arte optical o cinetica, dall’altro sono il risultato delle sue origini le quali hanno sempre avuto una forte influenza sui lavori, memori di un antico e glorioso nonché imponente passato. Egli stesso afferma di aver vissuto una “condizione socio-culturale in uno spirito di ricerca con forti legami alle radici della mia terra e alle grandi tradizioni dei miei antenati. Ciò ha suscitato in me una grande forza interiore, una spinta a conoscere e vivere la contemporaneità delle avanguardie, a battermi di persona nella crescita di una cultura allargata, sempre più europea ed universale. Anche se oggi i grandi mezzi di comunicazione facilitano tutto questo, in quegli anni giovanili per me fu una scelta coraggiosa di amore e di passione e, paradossalmente, provocò un maggiore attaccamento alle mie origini. Erano tempi particolari, tempi di radicali trasformazioni, di sviluppo industriale tecnologico”. In questa sua intensa e toccante riflessione del 2004 affiora tutto l’ardore e il coraggio di aver fatto scelte non facili, in un momento di passaggio drastico che ha inciso profondamente sugli animi. Emblematiche a questo punto sono le parole scritte nel 1967 di Antonino Uccello nel constatare come l’artista abbia avuto in sorte la vicenda della sua città combattuta tra rivolgimenti e contraddizioni, e nel soffermarsi a descrivere il cambiamento tecnicocontenutistico avvenuto in Scirpa, cioè dell’industria che prende il sopravvento sulla vegetazione, Uccello continua dicendo che “ l’agile segno delle “pale” dei fichidindia, così arioso nel suo nitore naturalistico, cede via via il passo a un tratto più secco, di nervoso risentimento, la composizione delle sue lastre incise s’infittisce nel disegno delle “cattedrali” d’acciaio sulla solitudine della campagna, o di certe assurde topografie di città morte: un caos edilizio – proprio sul corpo della Magna Grecia – in cui tuttavia s’inseriscono, forse con valore emblematico, precise celle alveari, quasi un messaggio per un ritorno al razionale, all’uomo... ”Oltre alle litografie realizzate, compresa Piazza S.Lucia del ‘62/63 ed altri lavori, sono molti i progetti di intervento pensati per diverse città siciliane così come per Siracusa e per i luoghi più rappresentativi, quali La cripta del Santuario Madonna delle lacrime nell’80, La grotta dei cordari nell’82, Lo scoglio dei due fratelli, il Teatro greco e il Castello Eurialo nell’83, l’Anfiteatro romano nell’85, l’interno della Cattedrale nell’86, una scenografia per “Le Fenicie” di Euripide al Teatro greco, il cortile interno di Palazzo Beneventano del Bosco nell’87, il Colombario greco-romano inclusa la cosiddetta Tomba di Archimede nell’88, il sasso lavico a Buccheri (Sr) e il Tempio di Minerva nel ’97, la Fontana Aretusa nel ’98. Ed ancora Luce stellare (scultura dedicata a S. Lucia) dell’87-’04 ed altri progetti di installazione di un’opera archetipo del Teatro

greco del 2004 e sempre dello stesso anno Specchi ustori (scultura dedicata ad Archimede). Infine un’altra scultura da realizzare in marmo bianco sempre ispirata al Teatro greco del 2006. I progetti di intervento si fondano su immagini plastico-spaziali a profondità fittizie definiti “ludoscopi” con schemi orientati verso le problematiche oggettualicinetiche, nell’intenzione di riproporre un nuovo umanesimo supportato da una cultura tecnologica, mentre le sculture in acciaio inox specchiante sono pensate per evocare personaggi o fatti storici e sono sempre legate ad esperienze ed ai valori del costruttivismo e del neoplasticismo fino alle più recenti opere tecnologiche. Entrambe le ideazioni sono la testimonianza di una continuità col rigore geometrico strutturale che cela l’ordine delle cose; un pensiero di appartenenza a una cultura greca presa come esempio più alto della ragione e della poesia. Dagli anni settanta la sua tendenza a passare da una scala piccola ad una urbana, dove il procedimento operativo risulta essere lo stesso ma le intenzioni diverse, gli permette di andare oltre l’effetto illusionistico e di entrare in questa dimensione illusoria che schiude altre illusioni spaziali, e per mezzo di uno slittamento simbolico fa immaginare altre profondità visive ed esistenziali. Con l’ausilio della fotografia ha quindi creato un effetto di straniamento offrendo una abituale veduta di città sotto una diversa luce e angolazione, cioè chiudendo luoghi dell’immaginario collettivo in configurazioni geometriche che a volte aprono prospettive insondabili solo in punti determinati, depistando l’osservatore che deve affrancarsi da convenzioni visive poiché il meccanismo in atto impone un gioco di contrapposizione tra forme quadrate e circolari. Un esperimento progettuale effettuato su un altro sito archeologico della Sicilia, la necropoli protostorica di Pantalica (Siracusa), pone i ludoscopi in rapporto tra loro, suggerendo un dialogo con l’ambiente, mentre la moltiplicazione di vedute, grazie a un processo armonioso e osmotico di adattamento al luogo, fa percepire come concreta e reale l’azione nello spazio, sì da rendere ancora più perturbante il senso d’infinito. Da qui l’ambiguità, la doppia valenza del lavoro di Scirpa che lungi dall’essere rassicurante per l’uso che fa di strutture matematico-geometriche, ci introduce in una dimensione imperscrutabile e di alto spessore intellettuale, facendoci constatare come la luce porta inesorabilmente al buio spostando la nostra riflessione su un campo metafisico e trascendentale. Capace di stimolare ulteriori meccanismi mentali Scirpa crea turbamenti ed inquietudini da ricercare nel connubio ambivalente tra pieno e vuoto, tra luce e ombra, tra ragione ed emozione, superando le regole precostituite che introducono ad instabili e multidirezionali prospettive sensoriali. E per concludere questa parentesi, mai chiusa vista la prolifica attività, riguardante l’omaggio reso alla sua città natia, è doveroso ricordare come l’artista interrogandosi sulla natura della propria identità culturale abbia trovato risposta nello spazio segnico dell’Annunciazione di Antonello da Messina di Palazzo Bellomo, un’opera che si identifica con il mistero, tema tanto affascinante per Scirpa che, in questo caso, lo affronta mettendo in stridente rapporto l’antico col presente. La sgranatura dell’immagine pittorica ripresa in bianco/nero si è trasformata in un mosaico, dando dimostrazione che la

modernità non è avvezza solo a processi destrutturanti, piuttosto ad amplificare ed arricchire il senso di un’immagine già in sé portatrice di alti significati. Questa rivisitazione dell’arte del passato usando strumenti del presente, senza sminuirne la straordinaria forza espressiva, diventa un valore aggiunto di una interpretazione più prosaica e ludica che rilancia un dipinto famoso sotto una diversa veste visiva ed estetica, dando il proprio contributo ad una grammatica che nel recuperare la tradizione, nel contempo manipolandola e smontandola, ne reinventa un nuovo codice critico. Siracusa, ottobre 2006

LO SGUARDO VIRTUALE SUL MONDO. UNA INSTALLAZIONE DI PAOLO SCIRPA DI GIORGIO SEVESO 20 NOVEMBRE 2004

Le varie fasi e simboli delle nostre alienazioni, le false necessità del consumismo, i deserti tecnologici di una architettura degli ambienti e dei panorami urbani massificati e spersonalizzati…questi e altri d’analoga portata sono gli obbiettivi che Scirpa ha da anni nel mirino del proprio lavoro. Obbiettivi e temi, come si capisce, di natura prettamente etica, cioè di contenuto e di giudizio morale, che l’artista riesce a modulare all’interno di forme apparentemente incongrue rispetto all’assunto, ma che in questa accezione acquistano una loro compiutezza assoluta, una loro immanenza oggettuale pronta a coinvolgere noi spettatori in un forte gioco di osservazione/interpretazione, in suggestive ipotesi di decifrazioni aperte con sostanziale leggerezza ludica, in una lievità di gioco e di progetto tutto implicito nella loro dimensione virtuale. E’evidente che mi riferisco qui alle più famose e più caratteristiche forme dell’opera di Scirpa, cioè a quegli spazi potenziali che l’artista crea mediante combinazioni di tubi luminosi al neon, campi geometrici di una topografia allusiva in sé compiuta e conclusa,dove lo sguardo viene attirato e si perde in un infinito tutto mentale, connotato da giustificazioni filosofiche e metafisiche piuttosto che da ragioni di riconoscibilità oggettiva. Si tratta dell’aspetto diciamo così più cinetico della sua creatività, che costituisce tra l’altro un durevole contributo a quella ormai quasi “storica” tendenza. Ma la citazione della stagione del cinetismo, se pur definisce alcuni fondamenti nell’invenzione segnica dell’artista siracusano, non ne esaurisce certo il repertorio linguistico e, soprattutto, le forme che di volta in volta assumono nel suo immaginario il turbamento e l’indignazione per i meccanismi più alienanti della società contemporanea.

In questa installazione più recente, per esempio, dove Scirpa se la prende ancora una volta con lo sfrenato ed invadente consumismo che permea ogni panorama del nostro quotidiano, sono appunto presenti e insieme rinnovate alcune delle strutture linguistiche di quegli anni. Con in più, tuttavia, l’identificazione di una concretezza oggettiva che in qualche modo è ben lontana dalla virtualità delle cose di prima. Il “testo” dell’installazione è peraltro ben chiaro in questa direzione: tutto l’ universo-mondo è evocato da un globo terracqueo ricoperto, anzi del tutto costituito da citazioni consumistiche esplicite, etichette, confezioni, involucri, marche e loghi di prodotti (imageries del resto già abituali nei repertori di opere recenti). La realtà, insomma, è letteralmente fondata sul mercato; l’apparenza delle cose è definita dai colori e dalle forme dei rituali visivi cui gli attuali meccanismi della società consumistica ci hanno abituati. Il senso di costrizione, l’alienazione da altre possibili scelte di vita o di realtà è inoltre marcata dalla presenza di una gabbia carceraria che sostiene e contemporaneamente imprigiona il mondo nella griglia tecnologica delle sue strutture. Pur mimando il geometrismo sempre presente nel gusto compositivo di Scirpa (per esempio il rigore dei tubi fluorescenti dei suoi ludoscopi o le strisce di colore delle sue cromopercezioni) questa inferriata introduce la novità di un elemento di brutalità tecnologica, un’inedita asprezza che rende ancora più significativa l’efficacia dell’installazione. Come si vede il messaggio dell’opera è tutt’altro che ermetico o criptico. E’ anzi anche esplicito, perfino brutale nella sua didascalicità. Scirpa ha trovato, per l’occasione, un mezzo d’espressione diretto e forte, di indiscutibile valenza plastica, che concilia l’ironia verso un concetto di forma bloccato e tradizionale con la capacità di suggestione di un linguaggio denso, risentito, polemico ma anche percorso dal calore di un certo humor. Milano, 20 novembre, 2004

LA PITTURA E L’OGGETTO CINETICO. VIBRAZIONI DI LUCE NELL’ARTE DI PAOLO SCIRPA DI CLAUDIO CERRITELLI 2003

A metà degli anni Sessanta Paolo Scirpa è immerso nella pittura come risonanza della realtà industriale, decostruzione dell’oggetto meccanico, nello stesso tempo si rivolge alla civiltà dei rifiuti, crea composizioni consumistiche con involucri di cartone di vari prodotti. Sono la pittura e la grafica i linguaggi che gli servono per superare la dimensione della natura e per analizzare le strutture dinamiche della dimensione

della visione, non a caso le sue prime significative intuizioni prospettiche guardano alle forme dinamiche del futurismo. In queste prove formative del suo percorso l’artista è impegnato a stratificare frammenti, a fissare elementi simultanei che attraversano lo spazio, a selezionare il mondo come un campo di pulsazioni cromatiche. Un ciclo di “collage+pittura” realizzato tra il 1966 e il 1967 è dedicato al “sole”, figura geometrica entro cui si condensano visioni in divenire, sovrapposizioni di colori che hanno il miraggio della trasparenza, tensioni spaziali che si dilatano in relazioni sempre diverse. La pittura è sentita come strumento di conoscenza di un territorio ottico in cui si accumulano informazioni ed emozioni che Scirpa filtra razionalmente alla ricerca di processi percettivi, iniziando un viaggio programmato all’interno di molteplici energie luminose che si sprigionano dalla figura circolare del sole, icona persistente e simbolo dell’universo. L’universo non è un’immagine impalpabile, è sogno concreto, è habitat costruito a misura d’uomo, è dialettica spaziale tra pittura e ambiente, luogo di trasformazione di dati razionali in impulsi immaginativi. Nelle operazioni degli anni Settanta l’artista prende atto fino in fondo del ruolo emergente della tecnologia, non rinuncia completamente all’atto pittorico ma ritiene necessaria la sua proiezione oltre il perimetro dell’opera. Sostituisce la tela con la superficie d’acciaio inox, adotta moduli rigorosi di tipo costruttivo che danno ordine all’immagine, ne affidano il destino a sovrapposizione di elementi in contrasto dinamico. Parallelamente, Scirpa torna a lavorare intorno alle simulazioni prospettiche e alle strutture modulari di involucri di cartone, esercizi che lo proiettano verso forme virtuali elaborate al computer, immagini che hanno come riferimento l’idea di megalopoli consumistica. Nell’affrontare la suggestione di queste esperienze l’interesse dell’artista conferma le ragioni di fondo: vale a dire la necessità di giocare sull’opposto versante della pittura e dell’oggetto, oscillando dalla superficie all’ambiente, dal colore dipinto all’involucro colorato, dalla luce del pigmento a quella del neon, dalla vibrazione statica a quella dotata di intermittenze reali. Non che la pittura abbia mai perso la sua funzione nell’immaginario di Scirpa , il fatto è che – durante gli anni Ottanta e Novanta – l’artista è totalmente affascinato dai percorsi luminosi dei “ludoscopi” costruiti con neon (bianchi o colorati) e con specchi che prolungano l’effetto dinamico. L’entusiasmo verso questa sperimentazione di luci cinetiche è tale che le combinazioni si moltiplicano coinvolgendo ogni tipo di ambiente, attraverso percorsi prospettici di luce tecnologica che modificano lo spazio reale con l’illusione di un altro spazio, che cresce virtualmente su se stesso. La seduzione del gioco ottico diventa nelle mani dell’artista un linguaggio provocatorio e persuasivo, uno strumento di fascinazione che incanta e, nel contempo, inganna le attese percettive dello spettatore, rendendolo incapace di resistere alle ripetute vibrazioni che creano il senso dell’infinito, il vuoto simulato in cui l’occhio cade, inevitabilmente. Il meccanismo di smarrimento è dunque avviato: l’evocazione luminosa del colore dipinto cede il passo alla luce del neon, materiale di rara efficacia che

l’artista adotta per catturare con le sue linee avvolgenti il corpo del vuoto e le dilatazioni che si producono attraverso gli specchi. Con questo linguaggio tecnologico Scirpa costruisce lo spazio plastico come luogo generatore di energie luminose che determinano effetti basati sulla sorpresa immaginativa e sullo straniamento fisico. Non a caso, nel ciclo dei “ludoscopi cinetici” (l’operazione indubbiamente più “originale” della sua ricerca) lo sguardo viene attirato in un vortice di inquietudine ma anche di godimento visivo: uno stato d’animo dove l’effetto “a spirale” permette di confrontare la soglia del reale e quella del fittizio, il processo conoscitivo delle opposte sensazioni. L’artista è un “percettologo” libero di passare dai procedimenti tecnici a quelli fantastici, non escludendo mai l’aspetto ironico che i fenomeni ottici sollecitano, in quanto carichi di conseguenze visive che talvolta sfiorano la condizione dell’ipnosi sensoriale. Tuttavia, l’illusione ottica non è mai fine a se stessa, comporta invece una coscienza critica dei meccanismi percettivi che stimolano l’attenzione di chi guarda verso le ignote profondità dello spazio, verso le estreme regioni dello sguardo. In questo senso, Scirpa assottiglia il limite tra il reale e l’illusorio, trasforma il meccanismo della visione in una voragine costruita attraverso l’avvolgimento progressivo delle linee luminose che spingono l’osservatore verso la luce e il buio come momenti complementari, non separabili, comunicanti. Questa compresenza di valori visivi legati alla dialettica positivo – negativo si rafforza nel momento in cui l’artista immagina di intervenire con l’uso del fotomontaggio sulle immagini urbane, modificandole attraverso “un sistema concentrico di perimetri dallo spessore degradante verso il centro e dagli angoli smussati”, per usare la terminologia di Alberto Veca applicata specificamente alle figure del quadrato e del triangolo. Si tratta di progetti d’intervento su luoghi mitici che appartengono alle esperienze dell’artista, Parigi o Milano, Roma o Venezia, il palazzo di Brera o i siti archeologici della Sicilia, l’identità delle grandi città e dei paesaggi reali e immaginari. Il fascino elementare di questi interventi si basa sull’effetto di straniamento di strutture ambientali antiche e moderne, immagini concepite come incursioni fantastiche di strutture espansive che modificano – anche solo per gioco – l’identità delle convenzioni visive. “Calligrafo della luce elettrica” - così lo ha definito Pierre Restany. Scirpa non ha tuttavia mai rinunciato alla pittura, l’ha considerata sempre un pensiero parallelo alle molteplici esperienze che lo hanno portato a sperimentare intersecazioni, traslazioni ed espansioni capaci di stimolare i meccanismi della mente. La pittura non si è mai sottratta al piacere di esprimere le infinite relazioni tra scienza e tecnologia, all’impulso di stabilire sempre nuove idee da realizzare, alla certezza che ciò che conta è il metodo che si persegue, più che il singolo risultato. Eppure, nonostante questo slancio totale verso le voragini dello sguardo e gli stravolgimenti della percezione, la necessità di esprimersi con gli strumenti

tradizionali della pittura ha resistito nel tempo, come un respiro naturale che segue da vicino le tensioni della sperimentazione tecnologica. E per un semplice motivo: in quanto la pittura è stata il luogo originario della genesi immaginativa di Scirpa e, dunque, ad essa si riconducono spontaneamente le molteplici direzioni del suo cammino, anche quelle che apparentemente si allontanano dalle sue tracce. Questa convinzione consente di non considerare marginale questo recente gruppo di tele ma di riconoscervi un preciso legame con la varietà dei temi e delle verifiche che hanno nutrito da oltre quarant’anni il gioco polisensoriale della luce, attraverso ogni materia idonea ad esprimerlo. In questa mostra, appunto, le superfici dipinte ad olio, o ad acrilico con interventi di pastello, dialogano con alcune sculture metalliche, strutture d’acciaio in cui le vibrazioni luminose sono animate da un moto perpetuo che corrisponde alle dinamiche ambientali e ai movimenti dello spettatore. Le tele evocano le sovrapposizioni dei neon in movimento. I colori si dilatano come bagliori luminescenti. Le linee – luce si intersecano abolendo il loro reciproco confine. I piani acquistano peso in relazione alla capacità dell’occhio di andare oltre l’intreccio stabilito. Le strutture si moltiplicano all’infinito con la sensazione di una simulazione spaziale della profondità. Partendo da “composizioni modulari cromo-percettive” Scirpa costruisce sulla superficie inquiete geometrie visuali, turbamenti spaziali che vanno cercati nel rapporto tra pieno e vuoto, tra luce e ombra, tra ritmi percettivi ambivalenti, misurati sui percorsi della ragione e dell’emozione. Per quanto possa essere progettata e disegnata, la pittura non si adegua alle regole che ne presiedono l’idea preliminare, essa insegue prospettive sensoriali instabili che lo spettatore deve saper usare, memorizzare, manipolare per vivere in modo sempre diverso il rapporto con il mondo. Quello che Scirpa indica è un modello di comportamento qualificante, insostituibile per una dimensione della vita sorretta dalla funzione critica dell’arte. È il comportamento umano ed etico di chi rifiuta l’opera come appagamento delle conquiste acquisite e la considera - invece – come base per progetti futuri. È per questo che – nell’attuale lavoro di Scirpa – mente e corpo, ragione e immaginazione, memoria e progetto garantiscono una costante mobilità creativa in cui la pittura e l’oggetto cinetico si sviluppano in modo aperto e avvolgente, e le strutture del colore non sono apparenze fluttuanti della luce ma la loro più profonda rivelazione. Milano, dicembre 2003

I SENTIERI DEL COLORE: LE NUOVE CARTE DI PAOLO SCIRPA DI ANTONIO MUSIARI 2003

Dopo le ricerche sulle strutture seriali, dopo la vertigine dell’illusione cinetica, Paolo Scirpa ha virato i suoi esperimenti verso il piacere del tratto guidato dalla mano proponendo ora una serie di pastelli ad olio, pur non smentendo l’esperienza accumulata studiando sistemi e strutture che combinavano la forma-luce con la forma-spazio. Le composizioni astratte dell’inizio degli anni Sessanta avevano lasciato via via posto alle accumulazioni, agli Habitat e ai primi Ludoscopi del decennio successivo. Fino ai lavori attuali, Paolo Scirpa ha mantenuto tale predilezione per il momento, per la scansione in sequenza dell’elemento spazio-temporale. Con i Ludoscopi, Scirpa si era appropriato di un territorio definito: un segmento di parete, un cubo da porre in verticale o in piano. All’interno, costruiva strutture di tubi al neon; per ogni elemento stabiliva un’inclinazione e, con il mutare delle angolazioni degli specchi entro cui racchiude l’assemblaggio, chiedeva allo spettatore di coinvolgersi nel gioco annunciato. La luce diveniva così, insieme, fattore costruttivo e percorso da indagare. Intanto, il piano del cubo (o dell’oggetto ludoscopico) che la visione incontrava era a sua volta finestra dove i rapporti trasparenza/opacità, ombra/riflesso, scavo/emergenza mostravano complesse ed impensate dinamiche. Il vetro freddo condensava l’euritmia calda del neon aprendo orizzonti e punti di fuga singoli e innumerevoli, precisi ed evanescenti. Le strutture tubolari così organizzate possono infatti essere seguite ad ogni intersezione e riflessione dapprima con lo sguardo e quindi mentalmente, oltre i limiti oggettivi dell’opera stessa: parabole e rotazioni proseguono fino alla vertigine; il risultato è il fascino estatico dell’illusione di ciò che è visibile ma non percorribile fisicamente, di ordini armonici e proporzioni altre. Coinvolto lo sguardo nello spazio intensificato, regrediente verso il nulla, è suscitato il desiderio di percorrere nuove dimensioni, ma la superficie, come stagno increspato da un sasso, rimanda ulteriori geometrie di una terza dimensione, tra la sensibile verificata dall’occhio e la mentale. Uno spazio non ancora metafisico (semmai iperfisico), anch’esso delineato con esattezza di rapporti, misure tensioni. Il rigore e l’equilibrio perseguiti da Scirpa nel delineare questo luogo al termine della percezione si contrappone alla banalità e all’incongruenza del mondo apparente. A sua volta, la ripetizione ossessiva così individuata si dimostra peculiare di una quotidianità sempre più compressa in disumani tempi e luoghi. Individuato il dilemma, l’artista lo analizza in base alle possibilità aperte dalla tecnologia al linguaggio espressivo. Avendo sempre volutamente mantenuto l’autonomia del manipolare, scomponendo e decostruendo i feticci elettromeccanici del nostro tempo e ricombinandone gli elementi costitutivi, Paolo Scirpa ritorna senza strappi alla narrazione su percorsi bidimensionali. La produzione grafica ha sempre accompagnato l’evoluzione della ricerca formale di Paolo Scirpa: le acquetinte, le linoleumgrafie, le litografie, le serigrafie, gli esperimenti di lastre progettate al computer (a cui, in particolare, si è dedicato dal 1970) e, ora, i pastelli ad olio su carta, prospettano una gamma di prove della validità del metodo costruttivo già sotteso alle geometrie dei Ludoscopi, oltre la dimensione del gioco combinatorio. Dallo spazio ripartito e

moltiplicato sceglie una porzione di sequenza regolare e ne estrae una parte, evidenziandola sul foglio. Anche sul piano ripropone comunque il problema nodale dell’ambiguità percettiva fra immagine bidimensionale e visione tridimensionale. La sensazione di trovarsi di fronte ad una porta aperta su un mondo ulteriore permane davanti ad ogni foglio: uno spazio prelude sempre ad un altro, il tracciato dei segni si fa codice del percorso, non diretto ma per scarti. Come nella nostra percezione del mondo esterno, questi sentieri si intrecciano e si annodano, procedono per strappi, per impennate, suggerendo continuità e rivelando ulteriori labirinti. All’interno di tanto elaborate tracce, ossessivamente strutturate e sovrapposte, appunto la ripetizione diviene ridondanza percettiva fino alla saturazione per chiusura ai dati esterni. Proiezioni su due dimensioni, dunque, che coniugano, il ductus simbolico della scrittura con architetture pulsanti: il colore, onnipresente, da confronto mnemonico con la realtà sensibile della luce s’intensifica in ritmo caleidoscopico di segni. Con le prove grafiche, il senso più autentico della ricerca di Paolo Scirpa si pone su un piano dichiaratamente concettuale. L’opera non si risolve in se stessa, non si propone alla mera fruizione ottica, anzi pretende un tipo di attenzione che, a partire dalla decifrazione dell’implicita logica costruttiva, approdi, tra poetico e fantastico, ad un’intuizione spaziale di là dalla forma. La ricerca di reazione da parte dell’occhio tende a liberare quest’ultimo dalle consuetudini, dai vizi dell’assuefazione allo spazio fisico. Rompere l’ordine dei riscontri troppo familiari significa però anche suscitare l’insondabile desiderio di un cammino iniziatico che rimandi dall’esterno della comunicazione al segreto dell’interiorità. Come un mandala tibetano, i fogli tracciati da Paolo Scirpa, con la loro mutevole leggerezza, diventano sguardi sull’altrove e ci avvertono che nella nostra era tecnologica non tutte le valenze dello spirito sono ancora consumate. Intorno sanno coesistere, a ricordarcelo, ordini virtuali diversi, infinitamente estesi e potenzialmente eterni. Parma, dicembre, 2003

STORIE DI LUCE DI FLAMINIO GUALDONI 06 SETTEMBRE 2000

Paolo Scirpa va perseguendo negli anni, con serena ma inflessibile determinazione, una posizione affatto singolare nell’ambito della ricerca artistica. Evidenti, e peraltro non occultate, sono le sue poggiature storiche. Da un lato è la cultura del responsive eye,ovvero l’esplorazione e lo sfruttamento delle possibilità della teoria della Gestalt, nel capitolo soprattutto della percezione

ambigua, che dalla fine degli anni Cinquanta è stata uno dei filoni più cospicui dell’arte europea. Ciò significa, anche, l’apertura radiante all’impiego paritetico e non ideologico degli strumenti tecnologicamente non tradizionali così come di quelli che l’identità storica delle arti ci ha consegnato: che in Scirpa si ammanta più del valore della meraviglia del senso – che Fontana indicava nel retaggio barocco – più che dello scientismo e del macchinismo che pure tanto peso hanno avuto nei decenni trascorsi. Altra poggiatura è la nozione di virtualità. Qui la posizione di Scirpa si fa più sottile, essendo la sua attitudine maturata sul confine fervidamente ambiguo che esperienze di forte impronta concettuale – penso a casi come Fred Sandback o Nigel Hall, ad esempio – hanno tracciato rispetto a quelle più fisicamente illusionistiche. Lo spazio è, si fa, in lui, una sorta di continua alterità, una topologia nomade e deviante, della quale il gioco di svecchiamenti implica i valori mentali più ancora che ottici : in una condizione ambientale che è, in sé, a priori separata e altra, nutrendosi di filigrane teatrali, e in una condizione d’esperienza che ha tutta la straordinaria lieve serietà del gioco. Ludoscopi, un termine che molto sarebbe piaciuto a Jarry, si chiamano le sue macchine di visibilità: così rigorosamente tecnologiche, precise, scientificamente congruenti, da trascolorare infine nella bellezza perfettamente inutile di questa intelligenza dell’effetto. Il Ludoscopio a raccordi seminterrati-Percorsi comunicanti,che Scirpa ha presentato alla recente Quadriennale, è esemplare ultimo e compiuto del suo modo di concepire questa sua “arte della visione”. Dei praticabili in pianta cruciforme collocano lo spettatore, nonché nel cuore stesso dell’opera, in una situazione ambientale che non è più quella dell’esperienza ordinaria, ma neppure comporta una modificazione fisica complessiva degli statuti percettivi. Camminando sopra/nell’opera, lo spettatore avverte le proprie condizioni corporee fondative – lo stare verticale, il rapporto tra la propria verticalità e l’orizzontalità dell’appoggio – modificate, e verrebbe da dire minacciate, dall’affondare dello sguardo in queste vertiginose prospettive. Esse arretrano ad infinitum, in un’illusione di convergenza delle quattro machinae luminose che di fatto sottraggono allo spettatore ogni certezza statica e topica: ma, insieme, egli sa che è una finzione – finzione doppia, e doppia illusione – ed è indotto a vivere questa straniata esperienza corporea e visiva come porzione emotivamente padroneggiabile di esperienza: e come gioco, appunto. Anche in questo caso Scirpa fa mostra di intendere la propria operazione come una messa in collisione esplicita, ed esplicitamente avvertita, tra lo spazio ordinario e quello straordinario attivato dal suo congegno visivo. Non gli importa “ingannare” lo spettatore: gli importa , anzi, attivare e porre in tensione proprio la consapevolezza dello spettatore che di un gioco di inganni si tratta. E’ una consapevolezza che – questa la speranza di Scirpa, l’implicazione etica necessaria – il suo interlocutore possa travasare in consapevolezza critica generale: applicabile e applicata, cioè, non tanto ai giochi ironici dell’artista, ma agli ambiti ben meno innocenti in cui l’inganno visivo e concettuale tenta ogni giorno di imprigionarci. Milano, settembre, 2000

DA STORIA DELL’ARTE ITALIANA DEL ‘900 GENERAZIONE ANNI ’30 (VOL. 5°) CAPITOLO X DI GIORGIO DI GENOVA 2000

Scirpa, che aveva alle spalle le serie Sole (1966-68) e Habitat (1969-72), nelle quali erano già ottemperati risultati di vertigine visiva e di sprofondamenti prospettici, giocati sulla iterazione e/o sull’accumulazione anche giustapposta di elementi meccanoformi o geometrici, talora oggettuali, è subito, dopo l’utilizzo di composizioni in vitro di sfere plastiche metallizzate (serie Espansione e traslazione bifrontale,1973), con le quali già tentava di ottenere forme immateriali di colore e disegnare geometrie di luce nello spazio, che raggiunge appieno il suo scopo con la serie dei Ludoscopi in cui il neon è coniugato con specchi per l’ottenimento di iperspazi. Naturalmente queste insolite soluzioni non potevano lasciare indifferente un artista della luce e dell’ambiente come Gianni Colombo, che infatti Scirpa frequenta, come pure altri esponenti del gruppo T di Milano. L’immaterialità della luce attizza nel siracusano curiosità elettroniche, attirando l’attenzione nel ’77 del cibernetico Silvio Ceccato. Ed è da esse che nascono le esperienze computerizzate dove Scirpa ha modo di approfondire le problematiche dell’immaterialità e dello spazio virtuale. Probabilmente è per reazione a tale personale sprofondamento nell’immaterialità e nello spazio virtuale che, collateralmente a proliferazioni di “tracciati” multicolorati al neon (Ludoscopio: Convergenza e divergenza cromospaziale,1982), l’artista negli anni Ottanta avvia un recupero dello spazio reale con i fotomontaggi di interventi progettuali su architetture (serie Progetto d’intervento,che già nel 1983 superarono il centinaio), dal Forum des Halles di Parigi al Madison Square Garden di New York, dal cortile di Brera al Grande Arco del Tempio Helan di Kyoto, dalla vera da pozzo del Cortile del Palazzo Ducale di Venezia all’interno del teatro anatomico dell’Università di Padova. Ormai le direttrici della ricerca di Scirpa sono definite, così i fotomontaggi interessano zone archeologiche, come il Teatro Greco e la Tomba di Archimede di Siracusa, l’Arco di Tito di Roma, ed ancora monumenti quali la Galleria Vittorio Emanuele di Milano (Progetto d’intervento n. 246, 1992), l’Arco della Pace di Milano (Progetto d’intervento n. 251, 19942), il Monumento a Sandro Pertini di Milano, per “rispazializzarlo” (Progetto d’intervento n. 249, n. 250, 1995), e persino opere d’arte, mentre la serie dei Ludoscopi si avventura in creazioni di luminose interferenze visivo-spaziali a struttura circolare, quadrangolare, radiale, a combinazioni prismatiche, a profondità metastabile, fino a particolari reinvenzioni di trame (Reinventare uno spazio virtuale, 1995) con una ricchezza di soluzioni che si ribaltano sulla superficie nei dipinti ad

acrilico di suggestivi effetti optical, attinenti anche a modularità componibili e si sviluppano nei praticabili (Ludoscopio Praticabile a Raccordo seminterrato, 1989) che hanno un pendant nei Percorsi comunicanti. Bologna, 2000

PAOLO SCIRPA E LA MONUMENTALITÀ PLASTICA DELLA LUCE DI ANDREA DEL GUERCIO 1999

La conoscenza che ho dell’opera di Paolo Scirpa si caratterizza particolarmente per il ciclo dei “pozzi luminosi”, raccolti con sottoindicazioni nel titolo-definizione di “Ludoscopio”; il percorso verso lo sprofondamento del piano e quindi di un processo di disorientamento emblematico delle certezze spaziali sono fattori estetici ricavabili lungo l’intero percorso espressivo di Scirpa e nitidamente documentati dal catalogo antologico 1966/86 edito dalla Galleria Civica di Gallarate e confermati nel decennio successivo dalla monografia del ’96 realizzata per l’esposizione alla Galleria San Fedele di Milano. Il più recente lavoro titolato “Labirinto cubico” introduce, pur tra segnali di anticipazione riscontrabili all’interno del sistema espressivo, una sintomatica svolta verso situazioni e configurazioni plastico-costruttive; alle radici di questa svolta si colloca un diverso sistema di percezione attraverso il quale Scirpa giunge ad una nuova azione espressiva dell’opera d’arte. All’azione “concava” di tutto un percorso percettivo, al dilatare “magico” dello spazio, al movimento della luce verso le profondità dell’ “antimateria” , si contrappone oggi una realtà “convessa” , un’azione fisica estroflessa ancora attraverso la luce, un dato la cui incidenza tangibile si impone con forza nella definizione di un nuovo spazio. La concretezza plastica del “labirinto cubico”, presentato nella soluzione di modello, ma con chiaro riferimento alla possibilità di una sua realizzazione nelle dimensioni della funzione diretta dell’uomo, se per un verso si pone in rapporto di continuità con i “Progetti d’intervento” destinati a siti storico-urbani, dalla Galleria Vittorio Emanuele a Milano a Piazza San Marco a Venezia, quindi sul piano comune della ricerca estetica e delle funzioni pubbliche, da questi si distacca significativamente attraverso la definizione oggettiva dell’opera come auto-architettura, quale tracciato di un sito agibile in se stesso, forte del proprio valore estetico. Le intenzioni espressive del “Labirinto cubico” rivelano l’orientamento di Scirpa verso una neo-monumentalità plastica al cui interno si riversa il patrimonio di esperienze dell’intera sua ricerca trentennale; pervenendo alla scultura come “architettura del luogo”; è ancora attraverso l’incidenza della luce che Scirpa produce sperimentalmente un’avvolgente massa plastica-visiva, dove nel

sistema formale di un cubo si articola un tracciato, che da diverso punto di osservazione si propone ora rigoroso ora labirintico. Di fronte a questi dati espressivi assume una particolare importanza la qualità dell’azione di documentazione fotografica condotta da Giovanni Ricci e Annalisa Guidetti; intendo doveroso sottolineare che il presente catalogo è il frutto tangibile di una rigorosa sintonia tra la scultura di Scirpa e la lettura per immagini di Ricci, si tratta cioè di un momento culturale aggiunto, al pari di un saggio critico, al quale il lettore può fare direttamente riferimento per aggiungere il suo personale contributo di riflessione; il ciclo di foto non risulta soltanto un atto di semplice documentazione ma è da ritenere una significativa valutazione personale redatta per immagini e di cui condivido il suo muoversi tra spazio ed architettura, fra l’intersecarsi ed il moltiplicarsi dei frammenti nella superficie effimera dello specchio attraverso l’intelligente interpretazione di Ricci cui riportiamo di nuovo all’origine di questa riflessione ed alla storia espressiva di Paolo Scirpa, al suo articolato sperimentalismo tecnologico ed oggi a quella che appare frutto interessante di una svolta linguistica. Milano, 1999

PAOLO SCIRPA: REINVENZIONE DI UNA CITTÀ DI FRANCESCO POLI 25 GIUGNO 1997

Paolo Scirpa vive dal 1968 a Milano, dove, tra l’altro insegna all’Accademia di Brera e dove ha esposto con maggiore frequenza. E’ qui, soprattutto, che la sua ricerca artistica è maturata, dagli anni Sessanta fino agli anni Ottanta, in modo singolarmente originale, con riferimenti all’incrocio fra pop. Nouveau Réalisme e arte programmata e, in particolare, con una forte determinazione a uscire dai limiti ristretti dell’opera-oggetto, per avviare un coinvolgimento dell’ambiente, dello spazio espositivo al contesto urbano monumentale. La sua volontà è quella di far interagire le sue strutture geometriche di neon luminosi multicromatici, che creano suggestive realtà spaziali virtuali, ed effetti ottici di “sprofondamento” con le strutture della città, e cioè con gli spazi concreti dell’esistenza sociale. Progetti, per lo più utopici, ma forse proprio per questo più affascinanti. Con tecniche di fotomontaggio, ha progettato interventi di trasformazione e vitalizzazione percettiva e spaziale, relativi a vari monumenti in diverse città italiane, da Milano a Roma, da Bologna a Venezia, ma anche all’estero (a Caen ha effettivamente realizzato il suo lavoro). Ora è la volta di Siracusa, che per l’artista ha un significato del tutto speciale, essendo la sua città natale. Siracusa è una delle città più affascinanti del

Mediterraneo. Fondata dai Greci, fu il centro più importante della Magna Grecia e la patria di Archimede. Più che in ogni altro intervento urbano, il progetto operativo di Scirpa risulta in questo caso efficace perchè è allo stesso tempo radicalmente straniante e capace di penetrare in profondità nell’antica identità della città, la sua città. Qui, più che mai, il corto circuito estetico fra straordinari monumenti e luoghi storici, e geometriche spazialità costruite con nuove tecnologie, riesce a realizzare una vitale dialettica fra dimensioni spazio temporali agli estremi opposti. Di grande spettacolarità sono, in particolare, gli interventi ideati per le necropoli di Pantalica e Grotticelle, e per il teatro greco. L’effetto che produce l’inserimento, in ognuna delle aperture delle centinaia di tombe della necropoli, di strutture quadrate e circolari al neon, non è solo di enfatizzazione percettiva, ma anche, in un certo senso, simbolico. Infatti l’immagine di sprofondamento, di risucchio visivo, nel nero del fondo del pozzo virtuale è in questo caso collegabile all’idea di buio che avvolge la morte e i suoi grandi misteri. Il progetto per il teatro greco ha invece l’obiettivo di sottolineare la purezza formale della sequenza di semicerchi che si collegano progressivamente, a partire dalla scena, o che viceversa si “concentrano”. Scirpa ha posto anche al centro della scena una sua struttura circolare, in modo da proseguire, sul piano virtuale, lo sviluppo della forma ad imbuto. E’ un lavoro questo che sembra voler sottolineare, in modo quasi tautologico, che al di là degli infiniti spettacoli che sono stati lì rappresentati e di quelli che saranno fatti in futuro, lo spettacolo resta sempre lo stesso. Riguardo al teatro greco è stato anche realizzato un progetto in scala 1/10 come opera indipendente rispetto al contesto ambientale. In questi progetti, come in quelli dedicati ad altri luoghi mitici come le catacombe o le latomie, viene sfruttato al meglio il rapporto di contrapposizione e connessione fra due materiali assolutamente differenti fra loro: da un lato la roccia tufacea scavata in ogni modo e utilizzata anche per le costruzioni stesse della città, e dall’altro le fredde e geometriche costruzioni di tubi al neon. Che l’artista ci tenga anche a mettere specificamente a fuoco nel suo lavoro l’espressività primaria di questi materiali, facendoli reagire tra loro, è dimostrato molto bene attraverso delle sculture da realizzare con blocchi di tufo grezzo “penetrati” da strutture circolari al neon. Il risultato singolare sono opere che sembrano sospese fra preistoria e fantascienza. Oltre a questi interventi, bisogna ricordare anche quelli proposti per il contesto più specificamente urbano. Tutti i principali luoghi che caratterizzano la città vengono coinvolti nell’operazione fantastica utopica di Scirpa: dalla mitica fonte Arethusa alla cattedrale, sui cui lati spuntano ancora antiche colonne greche; dal Palazzo Montalto di Piazza Archimede al nuovo santuario della città; dal piazzale antistante il porto al faro. Forse qualcuno di questi interventi potrà essere realizzato veramente, ma anche se così non fosse, sono sufficienti i progetti (che potrebbero essere ulteriormente elaborati al computer) a dar conto dell’energia e dell’entusiasmo della visione artistica dell’artista.

Milano, 25 giugno, 1997

PERCORSI COMUNICANTI DI MARINA DE STASIO 10 DICEMBRE 1995

Affacciarsi per la prima volta sul pozzo luminoso e infinitamente profondo di una creazione di Paolo Scirpa è un’esperienza sorprendente: quell’abisso sconfinato potrebbe provocare angoscia oppure esercitare un’attrazione inquietante, invece si prova soprattutto una sensazione di piacere, quasi di sollievo. Questo è un primo dato su cui riflettere: con la sua opera, con i suoi giochi illusionistici di specchi e luci colorate, Scirpa vuole gettare uno sguardo sull’abisso, aprire una finestra sul mistero. D’altra parte, per lui la dimensione del mistero non è qualcosa di cupo, di ostile: è la vertigine di potere, almeno con la fantasia e con l’arte, superare tutti i limiti, spezzare i vincoli della normalità, dell’ovvio e del risaputo. Nel video che illustra la mostra antologica che l’artista ha tenuto qualche anno fa alla Galleria civica di Gallarate, Rossana Boscaglia ha colto con grande precisione il nocciolo della sua opera: una ricerca di rigore, di misura, che non esclude né limita la fantasia, anzi la alimenta; una codificazione di forma e di stile che è il tramite per raggiungere una libertà più grande. Proprio attraverso un uso estremo della logica si arriva a un superamento della logica banale, costrittiva, del buon senso quotidiano, per scoprire qualcosa di più vivo, di fresco, che può essere in noi e intorno a noi. “In Scirpa – afferma Rossana Bossaglia nel commento sonoro al video – c’è una sorta di passione matematica che però, lungi dal ridurre la realtà a elementi che possiamo possedere, stringere con le mani, è proprio il mezzo attraverso cui noi spingiamo lo sguardo verso le voragini dell’imperscrutabile”. Questi oggetti si chiamano “Ludoscopi”, si tratta quindi di un gioco, e del resto il gioco è proprio quell’attività dove il rispetto rigoroso delle regole impone dei limiti, ma al tempo stesso offre stimoli alla creatività. Mi riferisco, sia chiaro, non al gioco televisivo oggi tanto caro ai più, ma al gioco infantile, attività seria, momento di studio e conquista di conoscenza, come è serio il gioco di Scirpa: il rigore geometrico, la progettazione basata su calcoli precisi, l’uso di materiali moderni, antiaccademici, come il tubo al neon, confluiscono in una ricerca che tende a trasformare lo spazio fisico in spazio spirituale, a portare nella realtà l’irreale. Che una piccola scatola possa contenere una dimensione infinita, che la luce possa gradualmente convertirsi in oscurità sono i miracoli dell’illusione, giochi ottici che ci inducono a dubitare di tutto ciò che vediamo, a sospettare che la nostra visione del mondo non sia altro che inganno e illusione.

Ma torniamo alla domanda iniziale: come mai queste installazioni al neon non comunicano la sensazione di freddo, di noia polverosa che a volte danno creazioni di questo genere, e perché questa meditazione sul mistero, sull’oltre non provoca angoscia? Perché queste realizzazioni comunicano un senso di allegria, volentieri ci si accosta a loro, volentieri si cammina sopra questo abisso? La ragione penso sia nel piacere del creare, del costruire con cui l’artista affronta il suo lavoro, ma ancora più nella sua visione esistenziale; nel video di cui parlavamo prima, egli afferma di avere fede: “Non come uno che sa – precisa – ma come uno che cerca”. Ma, aggiungiamo noi, è un cercare con la fiducia di trovare, e di trovare qualcosa di infinitamente meraviglioso. Questo tono di gioco serio e questo atteggiamento positivo si accentuano nelle opere più recenti, dove i tubi fluorescenti non sono più verticali, non affondano a precipizio verso il centro della terra, ma sono obliqui, tendono a convergere, e quindi suggeriscono la possibilità di una comunicazione. L’artista sembra volerci suggerire, regalare la speranza che le barriere che separano gli esseri umani rendendoli tra loro estranei e ostili possano essere, se non abbattute, aggirate; che, paradossalmente, proprio per sfuggire alla dilagante, eccessiva superficialità e assurdità delle chiacchiere possa nascere una comunicazione profonda, autentica; forse proprio la nostra epoca così delirante troverà la via per uscire dall’incomunicabilità che – da Cechov a Pirandello ad Antonioni – ha segnato il rapporto umano, permetterà che s’incontrino e si fondano le verità più intime e profonde dell’anima; una speranza o un auspicio, comunque un bel sogno. Negli ultimi anni Scirpa è tornato a lavorare su un tema che lo aveva molto coinvolto nei primi anni Settanta: la riflessione sul rifiuto e sul consumismo: “La civiltà del rifiuto” o “Composizione consumistica” erano alcuni dei titoli delle opere di allora , in cui, con singolare preveggenza, l’artista aveva intuito che la civiltà del consumismo avrebbe finito per essere soffocata dagli stessi rifiuti che produceva. E’ tipico della nostra civiltà produrre con grande cura quantità enormi di oggetti privi di utilità, destinati solo a diventare rifiuti: l’imballaggio, il packaging, è uno specchietto per allodole, un oggetto nato solo per catturare l’attenzione e indurre all’acquisto, poi, esaurita la sua funzione, diventa ingombrante e devastante rifiuto. Con le scatolette di cartone che racchiudono tanti prodotti utili e inutili, Scirpa realizza installazioni di varie forme, si lascia affascinare dai bei colori che gli psicologi della pubblicità hanno studiato apposta per indurre in noi la fiducia, per conquistare direttamente la nostra psiche senza passare per la fastidiosa ragione, e costruisce oggetti divertenti, allegri, eppure, questi sì, sottilmente inquietanti: anche da qui viene un senso di vertigine, che nasce dalla mancanza di senso, da una forma che è pura esteriorità. Il gioco della manipolazione degli oggetti diventa trasformazione e insieme presa di coscienza di un problema. Qui, per concludere, possiamo trovare l’aspetto più interessante dell’attività di questo artista. Scirpa ama sperimentare, lavorare con gli oggetti e con le idee, ma la sua ricerca non è fine a se stessa, della pop art non gli interessa la capacità di inghiottire e rivomitare gli oggetti con variazioni del tutto esteriori e

superficiali; per lui la sperimentazione è un mezzo per esprimere dei contenuti, per fare una riflessione o una denuncia, per sottolineare un aspetto del mondo circostante o per tentare un sondaggio nelle profondità dello spirito. Per questo una mostra di Scirpa non è l’incontro con una operazione intelletualistica e astratta, ma un mondo vivo, uno spettacolo dinamico e festoso da cui con piacere ci si lascia coinvolgere. Milano, dicembre, 1995

PAOLO SCIRPA - UNA POETICA DI FONDO UNITARIA DI FRANCESCO POLI 1995

Ci sono artisti che sfuggono a classificazioni precise, quelle per intenderci che fanno capo alle coordinate definite di una sola tendenza dominante. Paolo Scirpa è uno di questi: ma lo è in modo singolare. In effetti, il suo lavoro ha caratteristiche molto chiare, con sviluppi estremamente coerenti, ma allo stesso tempo complessi perchè non riducibili a un percorso unico, lineare, dal punto di vista dei metodi e delle tecniche utilizzate. Scirpa è un artista che rientra nell’area della cosiddetta arte programmata? Oppure può essere considerato un esponente di quelle ricerche all’incrocio fra pop art e Nouveau Réalisme? Oppure ancora è situabile nel contesto di quegli operatori che affrontano problematiche legate agli spazi ambientali e urbani? La prima risposta può essere la seguente: Scirpa è tutto questo insieme, e lo è in termini non contraddittori, grazie a una libertà creativa senza condizionamenti aprioristici e, soprattutto, a una poetica di fondo unitaria. Nel suo lavoro entrano in gioco tutti i temi e le questioni fondamentali che hanno caratterizzato gli aspetti più vivi della stagione artistica degli anni Sessanta e Settanta. Innanzitutto la messa in questione radicale dei limiti tradizionali dell’operare artistico e la volontà di aprirsi ad esperienze estetiche che coinvolgono direttamente la realtà esterna sia dal punto di vista spazio-temporale, sia da quello politico e sociale, nel senso di un’analisi critica della società dei consumi e della civiltà urbana. Scirpa è affascinato dalla possibilità di costruire, attraverso le sue opere realizzate con mezzi tecnologici elaborati, inedite condizioni di fruizione dello spazio reale in rapporto alla dimensione virtuale. Con le sue originali strutture geometriche di neon luminosi, anche multicromatici, ha aperto la strada alla percezione di visioni prospettiche virtuali all’infinito: spazi di una geometria fantastica e razionale che sfondano le barriere architettoniche, muri o pavimenti, degli ambienti dei luoghi espositivi. Ci si trova davanti a dei “pozzi” o “tunnel” virtuali che da un lato creano suggestioni inquietanti, ma dall’altro hanno un carattere vitalistico e ludico. E, per la verità, quest’ultimo aspetto è quello do

minante: non a caso l’artista ha intitolato questi lavori “ludoscopi”. Ma Scirpa non si è limitato a lavorare all’interno degli spazi espositivi canonici. La volontà di andare al di là dei confini ristretti delle gallerie, ha messo in moto un processo di coinvolgimento degli ambienti urbani e in particolare dei monumenti architettonici più noti delle nostre città. Con tecniche di fotomontaggio, ha progettato interventi di trasformazione e vitalizzazione percettiva e spaziale, a volte anche intenzionalmente provocatori, per esempio del Colosseo, di San Petronio a Bologna, di Piazza San Marco a Venezia e a Milano della Galleria Vittorio Emanuele. Naturalmente si tratta di progetti utopici di intervento che intendono sollecitare una nuova dimensione del rapporto con la città e con i suoi monumenti più rappresentativi, un rapporto attivo e fantasioso, ludico e creativo, che cancelli il grigiore della passività dell’abitudine quotidiana. In qualche occasione, ovviamente in contesti meno intoccabili, l’artista è riuscito a realizzare veramente questi interventi. Un altro aspetto molto interessante della sua ricerca è quello relativo alla critica della civiltà dei consumi. Mantenendosi fedele alla sua vocazione di costruttore di nuovi spazi e di dinamiche fughe prospettiche, Scirpa ha realizzato con metodi neocostruttivisti ma con spirito neodada dei lavori e delle vere e proprie installazioni a muro con scatole di confezioni di ogni tipo di prodotto. Un’accumulazione ipertrofica che si pone come denuncia, ironica ma seria, di una condizione di totale alienazione dell’uomo diventato solo più passivo consumatore. Tra i lavori più efficaci di questo tipo c’è quello che presenta una grande accumulazione di scatole di prodotti che fa sfondo a una greppia di paglia con un Bambin Gesù. Una chiara denuncia della trasformazione dei valori spirituali in valori commerciali che ormai contraddistingue i nostri Natali. In molte di queste accumulazioni entrano in gioco, in modo visualmente iterattivo, le strutture dei “ludoscopi”, in modo tale da creare una divertente situazione di spaesamento linguistico. Per Scirpa la creatività ludica è una cosa seria: attraverso la tensione dinamica delle sue costruzioni reali e virtuali cerca sempre di lavorare per la salvaguardia dei veri valori umani, quelli che sono veramente essenziali nella vita. Milano, dicembre, 1995

Alternativa ludovisiva. Progetto d’intervento n. 251, 1994. Fotomontaggio. Arco della pace, Milano

PAOLO SCIRPA DI MAURIZIO VITTA 1995

Il percorso della ricerca di Paolo Scirpa sembra snodarsi con un andamento tortuoso, che tuttavia mantiene saldamente costanti il suo senso e la sua direzione. Scirpa ha sempre lavorato a partire da una concezione dello spazio che si è resa a volte virtuale ( ìi suoi piani di luce che scandagliano una profondità concettuale, prima ancora che percettiva), a volte oggettuale (le grandi composizioni realizzate con migliaia di involucri dei più svariati prodotti di consumo), a volte critica (i suoi interventi nell’ambiente architettonico, tesi a spiazzarne, ma in pari tempo ad arricchirne, il sistema dei significati) e a volte addirittura analitica (le sue riduzioni di antichi capolavori a un’immagine computerizzata, nella quale la struttura pittorica si esalta nella scomposizione elettronica e trova il suo contrappunto nel segno della “spirale” che riconduce l’intera operazione alla matrice razionale dell’intera operazione). Questa centralità dello spazio non è però, nel lavoro di Scirpa, né di natura estetica né di carattere scientifico. La sua “razionalità” – o, se si preferisce, la sua “concettualità” – hanno obiettivi più ardui e lontani di quelli che si sono posti, vanamente, il “razionalismo” e il “concettualismo” del XX secolo. Per intenderne i fondamenti, bisogna rifarsi alla struttura intrinsecamente architettonica delle opere di questo artista, a partire dagli Habitat realizzati fra gli anni Sessanta e i Settanta, con le successive Simulazioni consumistiche , fino alle ricerche ottiche dei Ludoscopi, che si sono infine aperte alle Composizioni modulari e ai grandi progetti di interventi urbani. In che cosa consiste la qualità architettonica di questi lavori? Per l’appunto nella loro tensione verso un’organizzazione dello spazio capace di segnare i luoghi del pensiero, i nodi percettivi intorno ai quali l’analisi visiva può proporsi di diventare atto critico, invito alla riflessione sulla nostra situazione (intesa in senso fisico non meno che in quello culturale). Ma l’attitudine all’analisi critica, implicita nelle opere di Scirpa, non risiede tanto nella indicazione di un ordine architettonico diverso, quanto nel tentativo sempre ripetuto di spiazzare l’osservatore con l’indicazione di altre possibilità. Le sue immagini virtuali, i suoi panorami di scatoline, le voragini geometriche disegnate nelle piazze urbane, l’arte ridotta a un’aggregazione di pixel elettronici, sono dunque altrettanti “messaggi in una bottiglia” lanciati nel mare incognito del nostro futuro: messaggi che fanno appello a una ragione più salda e profonda di quella storica che ci siamo lasciati alle spalle, e alla cui nuova architettura concettuale dobbiamo dedicarci per dare al mondo non la sua nuova immagine, bensì il suo nuovo senso. Milano, dicembre, 1995

LAVORI RECENTI DI PAOLO SCIRPA DI CESARE CHIRICI 28 NOVEMBRE 1995

L’operazione “pittorica” di Paolo Scirpa si misura da tempo con una strumentazione tecnico-operativa perfettamente in linea con la sensibilità odierna e coi mezzi tecnologici più idonei a esprimere i bisogni e le potenzialità dell’attuale universo dell’estetico. Scirpa ha già avuto modo di sfruttare le virtualità dell’immagine visiva nel tentativo di contribuire a una cultura del progetto memore delle risorse di un’arte che sia capace di “correggere” a suo modo le storture di una vita appiattente e prosaica. Nell’occuparsi, da non molto tempo, di grandi artisti del passato (Antonello, Raffaello, Caravaggio) egli sottolinea intanto implicitamente una cosa: non è possibile comprendere (nel senso di implicare , far propria) l’attualità e la “forza” di grandi opere senza le nuove condizioni imposte alla fruizione dagli attuali mezzi di comunicazione, la loro ubiquità spaziale o estensione simultanea dei contenuti dell’informazione ( che sacrificano la profondità del loro senso alla dislocazione diffusa e planetaria del loro messaggio). Le regole dell’attuale recezione delle immagini dipendono in gran parte dalla registrazione fotografica e dall’elaborazione elettronica, da un processo di democratizzazione del significato del testo che assume un ruolo decisivo per la stessa comprensione. Col suo lavoro di smontaggio di dipinti famosi, Scirpa non intende porre una sorta di opzione interpretativa che serva a legittimare modalità recettive che possano difendere le buone ragioni di una cultura alta rispetto alle regole della società di massa. Le condizioni del “transito” delle testimonianze artistiche di rango nella nostra civiltà sono imposte da un universo tecnico-scientifico e sociale così cogente nelle sue richieste e nella sua perentorietà da relegare ogni pretesa “aulica” a un ruolo marginale. Tre sono, come si accennava dianzi, i richiami testuali di Scirpa nel suo tentativo di aggiornare in qualche modo l’arte del passato, per consentirne una lettura “prosaica “ ed ironica, non priva di effetti estetici stimolanti. L’approccio iniziale è destinato all’Annunciazione di Antonello da Messina nel museo di Siracusa, che occupa una posizione primaria soprattutto per il richiamo a una sorta di genius loci che ha accompagnato i primi passi di Scirpa come operatore visivo. Antonello viene interpretato a partire dallo status quo ante dell’opera originale pervenutaci com’è noto assai lacunosa, con le vistose integrazioni che ne assicurano il passaggio all’attuale lettura. Scirpa aggiunge, allo “sfondo” delle lacune eseguite a suo tempo dal restauratore con la tinta neutra ( che appiattisce l’insieme, annullando la profondità del quadro), due autentici “fuochi” percettivi che bucano il dipinto e richiamano l’attenzione nel momento in cui, con l’elaborazione elettronica, si ottiene un’immagine sfocata che ne cambia il senso e produce un effetto bidimensionale. In pratica, con lo spostamento elettronico del fuoco visivo si ottiene un nuovo assetto spaziale su cui avanzano le “aperture” degli inserti di Scirpa, le sue ormai note spirali, che

esaltano le potenzialità del dipinto e offrono anche nuove dominanti cromatiche; ne deriva una fruizione più gioiosa e ludica, in cui le forme originarie si muovono quasi sullo sfondo in una sorta di immagine rovesciata non priva di suggestioni. Nel caso della celebre Trasfigurazione di Raffaello l’effetto è ancor più rilevante, visto che l’opera originale viene “ritagliata” e il rapporto tra l’immagine raffaellesca e la “spirale” è assai più stretto. Il ritaglio del Cristo risorgente rispetto all’insieme del dipinto produce un esito volutamente “riduttivo”, accentuato dall’appiattimento retinico dell’immagine fotografica che insiste assai sulla dimensione agiografica ed edificante del “contenuto”, a discapito degli elementi formali. Qui Scirpa è già consapevole del cambiamento di senso che la riproduzione impone a ogni “originale”, in un processo irreversibile che è vano stigmatizzare romanticamente in nome di un pathos purista. Rispetto all’originale, la trascrizione produce il primo effetto spiazzante; allora diviene legittimo produrne un secondo, che sposta il baricentro visivo a opera della spirale, per rilanciare un’immagine ormai priva del suo significato tradizionale ed esaltata nelle sue virtualità grafo-pittoriche. Gioca qui un ruolo importante la serie delle dominanti scandite dal computer, quasi a sottolineare che la deriva di senso implica un potenziamento del senso stesso, quasi una disponibilità verso significati imprevisti che risultino dall’ampia apertura prodotta dal medium elettronico. La virtualizzazione operata dalla spirale rende possibile più ipotesi fruitive, senza che lo sfondo ne venga sacrificato in quanto giace su un sedimento culturale che appartiene a ogni singolo recettore e risponde a diverse sollecitazioni. L’esempio finale del Caravaggio (Sepoltura di Santa Lucia) si muove tra i due precedenti. La figura della Santa che è oggetto di compianto da parte degli astanti viene sostituita dalla “foratura” della spirale che attrae i personaggi in un vuoto percettivo nel momento in cui ne attenua il pathos con lo scarto bidimensionale. La forzatura serve a sfocare le figure e a risucchiarle in una spazialità diversa, con gli effetti di luce che si stemperano e si disperdono nella nuova dinamicità dell’immagine. Si tratta di provocatorie e ludiche proposte di “rilancio” visivo che contribuiscono a una sorta di smontaggio critico della tradizione dell’arte. Una tradizione che appare, peraltro, sempre meno scontata ed acquietante, per assumere aspetti imprevedibili e pieni di continue sorprese. Milano, novembre, 1995

PER PAOLO SCIRPA, DENTRO L'ATTESA DI ROBERTO SANESI 1995

Si è detto ragionevolmente di planimetrie, di oggettualità tecnologica, di riflessione sociale, di deliberate frammentazioni ritmiche, di processi costruttivi astratti, di constatazione comunicativa, di coincidentia fra metodo, strumento e oggetto – certo seguendo le corrette definizioni di poetica rilasciate dall’artista, le sue titolazioni, dall’intenzione prima allusiva a un contesto (“Megalopoli consumistica” per esempio) e poi più liberamente riferibile alle strutture modulari, nelle quali il riferimento pop (per così dire) con il proseguire della ricerca si azzera, per lo meno si fa sempre meno funzionale al congegno “ottico”per il quale i risultati si distinguono. Questo, per lo meno l’iter degli anni ’70. Che fino ad allora una preoccupazione di tipo costruttivo e cinetico fosse presente nell’opera di Scirpa è perfino ovvio. A volte per espansione (di chiamata), ma anche per approfondimento che forse non trovava un’immediata giustificazione teorica – non in direzione “simbolica”. Predominava, nella lettura, la disposizione urbanistico – sociologica, l’effetto di accumulo. Io stesso – mi sto rileggendo ( 1975) – pur nel sospetto di una sostituzione, se non di un abbandono, delle precedenti “allusività di tipo più o meno sociologico con elementi del tutto estranei ad una possibile interpretazione in chiave di denuncia, non vado oltre una dinamica “astratta”, da considerare tuttavia autonoma da quelle interferenze. Silvio Ceccato, nel 1978, supera l’impasse parlando di terza dimensione che si impone con effetti di immobilità attenzionale, ed è questo aspetto, con le sue conseguenze, che ora più mi interessa. Mi interessa la tridimensionalità illusionistica, il suo gioco ottico “praticabile”, “percorribile”, “articolabile” come sprofondamento virtuale di un piano per moltiplicazione di un segnale semplice e identico. In un virtuosismo non innocente se una superficie apparirà insondabile, se l’esattezza e “freddezza” geometrica si darà come mezzo di una suggestione in qualche modo misterica. Il dato ovvero oggetto provocatorio di questa esperienza è naturalmente il ludoscopio, il Grande Ambiguo di cui dirà Maltese (1984), e cioè quel congegno della visibile inesistente abissalità, punto di fuga di inafferrabile immediatezza del tangibile nulla-tutto o vuoto-pieno che funzionando come metafora finisce col denunciare come sua figura una spirale – e immette in una condizione percettiva di tutt’altro rispetto all’optical tecnologico di partenza. Abisso, voragine, sprofondamento prevalgono ormai con forza sulle primitive intenzioni. Contenitori delfici, questi ludoscopi: e Rossana Bossaglia avverte di misteri e profezie. Pozzo e spirale perché non c’è che rimando a un’immobilità stupefacente nella dichiarazione di una distanza e di un movimento che non sussistono. Ma anche una specie di sonda (con ironia, credo, per l’inganno) dentro l’attesa di una risposta – essendo “porta del regno sotterraneo, passaggio per gli spiriti che discendono al Tartaro e ne risalgono per nascere al mondo”. Scirpa non si affiderebbe mai a parole di tale rischio retorico; la loro citazione vuole essere qui solo un’indicazione di altre e segrete (ermetiche) suggestioni compresenti alla provocazione analogica che si intuisce nel fondo di questa pratica estetica che ha cambiato segno critico rispetto a più lontane interpretazioni e che varrebbe la pena indagare con più attenzione. Tutti i progetti d’intervento sembrano rilasciare segnali di questo tipo – di

“espansione a profondità metastabile”. Accade alla ragione di farsi sibilla, di insidiare le immagini che essa stessa emette con alcuni dei caratteri di ciò che diciamo genericamente “poetico”. Milano, novembre, 1995

TABELLONE CONSUMISTICO: OLTRE L’ACCUMULAZIONE DI CARMELO STRANO 1992

I periodi eclettici, come l’attuale, consentono i cosiddetti fenomeni di rivisitazione. Ciò vuol dire offrire, di una poetica passata un volto nuovo o diverso: Paolo Scirpa, che diversi lustri fa ha imposto una sua iconografia (ludoscopi, ecc) per mezzo di un originale segno di tipo cinetico, per la prima volta presenta un’installazione di impegno pop. Per quanto letto in premessa , l’artista siculo lombardo non si tuffa in quella corrente: l’attraversa, la controlla, la piega al suo punto di vista comunicazionale ed espressivo. In sostanza, non fa della Pop Art tout court. In altre occasioni ho avuto modo di sottolineare la differenza tra Pop Art e Nuovo Realismo. Nella sua rivisitazione Scirpa non si cala in nessuna delle due correnti. Professando coerenza con i suoi assunti e modi ottico percettivi, l’artista insiste sul versante della comunicazione. Lo fa assemblando con principio di “horror vacui”, scatolette relative a prodotti di largo consumo: medicinali, profumi, ecc. Gli effetti non sono solo pittorici. Si impone anche un risultato plastico dipendente dal differente grado di fuoriuscita di questi elementi in rapporto al piano supporto. L’opera non è un quadro grande, è un’installazione progettata ad hoc per la sala dello Spazio ’92. E’ una messinscena solenne, imponente, dinamica, provocatoria. Provocatrice proprio in rapporto al problema della comunicazione. Il dito è puntato sui prodotti di largo consumo e sul loro uso esagerato e acritico, non c’è dunque l’esaltazione dei segnali e simboli della comunicazione massificata, bensì l’intento, appunto provocatore, di stimolare la coscienza critica nel bel mezzo di questa fittissima rete di messaggi capziosi mossi, alla base, da coloro che tempo fa venivano chiamati i persuasori occulti. Con quali modi espressivi ottiene ciò Paolo Scirpa? Interrompendo la comunicazione. Invocando, credo involontariamente, il principio di Jacques Monod per il quale l’eccesso di comunicazione si tramuta in assenza di essa. E così ammassa questa grande quantità di scatolette. Non casualmente, ma ritmando la narrazione da superbo musicista del pentagramma visivo. E’ il caso,allora, di tirare le somme della sua rivisitazione, una volta indicato l’approdo e l’opera per ciò che essa è. Il dialogo con la Pop patrocina la

partenza sul terreno del prodotto consumistico. Sembrerebbe riflettersi anche nell’aspetto quantitativo dell’operazione. Ma quest’ultimo è da collegare più esattamente al Nuovo Realismo. Infatti mentre il movimento americano si muove totalmente nella dimensione quantitativa, quello italo-francese passa presto dalla quantità alla qualità. La quantità nei nuovi realisti è nel gesto appropriativi circa i materiali urbani e della tecnologia e nella loro riduzione ad ammassamento (accumulazione, compressione, ecc). Ma tale processo, differentemente dalla Pop, è fatto con piglio testualmente-casuale risalente da una parte a Dada e, dall’altra all’Informale contro il quale Pierre Restany pur si rivoltava. Scirpa non si comporta da pop per via che, come si è rilevato, ritma la narrazione con principi che non attengono più alla quantità, ma a una “volontà d’arte” assolutamente autonoma e libera. Ma ciò gli fa solamente sfiorare il Nuovo Realismo. La sua installazione è priva di influenza Dada o Informale, Fontana è vicino. La sua “qualità” appartiene a un immaginario legato a una dimensione ideologico esistenziale di progettualità docile. La frequentazione di talune mie posizioni teoriche da parte di Paolo Scirpa ha circa dodici anni e quindi tale suo atteggiamento non può meravigliare. La sorpresa per me è nel modo in cui l’artista realizza la propria tensione a rinnovarsi. Se non fossi stato sufficientemente chiaro, si consideri che questa mostra è una novità e un punto fermo nella ricerca di Paolo Scirpa. La sorpresa è quindi nel fatto che c’è ancora qualche artista che pur agendo tra rivisitazione di sé e di altre situazioni passate, ponga il critico e il fruitore in generale dinanzi a esperienze inedite su cui riflettere: a livello artistico e sociale tra etica ed estetica. Senza lotta di classe, senza i boomerang di certa poesia visiva, ma con determinatezza e fascino attuali. Milano, aprile, 1992

PAOLO SCIRPA: VERSO UNA NUOVA IGIENE DELLA VISIONE DI PIERRE RESTANY 24 SETTEMBRE 1986

Paolo Scirpa è il protagonista di un’avventura del tutto singolare: l’innesto fra una struttura luminosa costruita e concepita come una cosa mentale e d’altra parte l’ambiente naturale, l’ambiente monumentale, la cornice della nostra vita quotidiana. Il linguaggio di Scirpa è il linguaggio del rigore geometrico proiettato sulla luce, la luce del neon, un fenomeno basato sulla linearità della struttura e sull’effetto di prospettiva corrispondente. Scirpa è capace di crearci delle prospettive senza fine e questa illusione ottica che è la matrice di tutti i nostri sogni; realista però lo

è l’artista sapendo che una struttura autonoma limita il linguaggio a un fenomeno di perfezione narcisista. Per non invitarci a un narcisismo passivo della contemplazione, Scirpa ha cercato d’inserire le sue strutture linguistiche in ambiente preesistente, ambienti di alto prestigio ed anche di fortissima presenza oggettiva. L’artista ha cercato di affrontare le più spericolate difficoltà ambientali confrontandosi con il Colosseo di Roma, la Piazza San Marco a Venezia, il Ponte dei Sospiri, la Galleria Vittorio Emanuele a Milano, il teatro anatomico dell’Università di Padova. Ogni riferimento ambientale crea un fatto oggettivo di struttura. Adeguandosi ai dati fisici dell’ambiente, Scirpa crea come un supplemento di animo, una situazione poetica nella poesia stessa del luogo, del monumento, della natura. Il fatto di adoperare questo linguaggio della complementarietà strutturale, ha dato a Scirpa come una seconda sensibilità, una sensibilità di tipo sintetico ambientale. L’uso quotidiano crea una neutralità percettiva soprattutto quando si tratta di ambienti celeberrimi, di siti prestigiosi, già predigeriti dal nostro apparato sensitivo. Il modo in cui Scirpa sottolinea questi elementi quadrati, rettangolari, spiraloidi, circolari, è come un linguaggio della poesia nella ragione. Poter creare questo discorso a doppia voce, è come ammaestrare il sentimento e la bellezza di una composizione musicale. Il discorso di Scirpa non si limita a questa bellezza trascendentale del momento; penso ad esempio alla bellezza folgorante del suo intervento sul Ponte dei Sospiri di Venezia, un respiro di altissima qualità nel sospiro dell’architettura tradizionale. No, il discorso così bello può anche allargarsi e diventare un fenomeno di effusione naturalista. Nel sito famoso della tomba di Archimede, in Sicilia, Scirpa afferma una proposta d’intervento quasi sintetica: il mirino di un bersaglio che s’inserisce nella roccia creando come un cuore, un polmone, una visione trascendentale della realtà oggettiva. La prospettiva quadrata (si tratta di una sovrapposizione di tubi, lineare, di fori, di spazi) s’inserisce sotto il frontone del monumento tagliato come un’incisione in rilievo sulla roccia e facendo parte di essa stessa. La posizione della struttura di Scirpa è letteralmente spostata dall’asse verticale del frontone. Questo spostamento crea come un monumento di vita, come un elemento dinamico che corrisponde a un fenomeno esistenziale. La bellezza di quest’intervento sul sito naturale già elaborato dagli uomini tanti secoli fa , risiede nella continuità del discorso strutturale. Il rigore geometrico del discorso di Scirpa, s’inserisce nella perfetta continuità del discorso greco, del discorso dei suoi antenati della Magna Grecia. E’ un discorso di fedeltà ad una cultura, ad un mito diventato parametro operativo della ragione e della poesia e qui siamo proprio in media res, cioè nel cuore dell’argomento, ragione e poesia. Questa è la vera dimensione del talento di Scirpa, la sua nutrizione culturale nel pensiero. Gli schemi operativi di Scirpa sono legati a questa visione strutturante della natura che fa parte della nostra eredità umanistica. Ricreare un umanismo quotidiano e contemporaneo, non è certo cosa facile.L’argomento per Paolo Scirpa è uno stimolo e anche una fine in sé. Il suo intervento razionale diventa poesia nella misura in cui con la giustezza e la precisione della scelta operativa non è mai un attentato contro la natura,il sito, il monumento. Certo che il

discorso di Scirpa può sembrare enfatico ma questo tipo di enfasi è un segnale d’allarme e di coscienza. Siamo con lui sull’erta, la cosa bella deve essere considerata e concepita come tale. Scirpa calligrafo della luce elettrica, è anche un uomo di dovere e di alta moralità. Scirpa ci dà da vedere il bello come più bello e lo fa con tutte le energie della sua sensibilità e della sua cultura. Mi domando, ogni tanto, vedendo le sue stupende vedute, le sue stupende fotografie che cosa potrebbe essere il sito dell’intervento senza l’aiuto di una cultura tecnologica e sensibile. Infatti dopo aver visto i progetti visivi di Paolo Scirpa, ho l’impressione di non poter vedere le cose da me già vedute Venezia, Milano, ecc. con lo stesso occhio e la stessa emozione. Se devo, dopo Scirpa, rivedere la Piazza San Marco, la rivedrò come una cosa nuova e mi rendo conto che al di là della meccanica poetica dell’artista, al di là del rigore del suo metodo, al di là dell’intelligenza dei meccanismi dell’azione dell’intervento, Paolo Scirpa, mi offre una opportunità unica, quella di pulire la mia visione blasé esaurita dalla ripetizione e dall’abitudine. Paolo Scirpa mi fa rivedere il quotidiano con la sorpresa come una lettura percettiva e in questo senso mi aiuta a vivere, a vivere meglio, a sentire più profondo, a essere più coscienti di noi stessi. Milano, 24 settembre, 1986

PAOLO SCIRPA: LA FORMA DELL’IMMATERIALE DI DANIELA PALAZZOLI 30 LUGLIO 1986

Tante volte mi son chiesta che cosa resterà ai posteri di questa nostra epoca di tecnologie immateriali. Penso ad esempio alle strutture di Fuller, ai gonfiabili, a tante architetture, ambienti e sculture, in cui la luce artificiale è elemento costitutivo e formativo. Penso al cinema e alla televisione, apparizioni più che immagini, che ci abituano ad un’esperienza estetica priva di un corrispettivo fisico, di una forma solida, toccabile, oltre che visibile. I materiali di Scirpa sono lo specchio e la luce al neon, due immateriali, che egli gioca in squisiti artifici spaziali. Il neon, spento, praticamente non esiste. Il neon, acceso, ha una forma: è un disegno, una linea, ma è anche uno spazio, perché questa linea esce da sé, perché questa linea in quanto luce irradia e invade lo spazio circostante. Anche lo specchio evidentemente è un oggetto ma è soprattutto un depositario e un moltiplicatore di oggetti . Un produttore di immagini. Nelle sue labirintiche ambientazioni degli ultimi anni, Scirpa gioca con la sua tavolozza per dilatare i suoi spazi e disorientare l’osservatore-visitatore. Il termine astrazione assume, in queste opere, una connotazione speciale. Infatti

esse non solo prescindono da ogni rapporto con le forme della natura ma formulano delle strutture “contro natura”, nel senso che ci immergono in uno dei passatempi prediletti dalla mente umana. Quello appunto di prendersi una vacanza dalla realtà. Passeggiare dentro uno dei labirinti di Scirpa significa trovarsi come immersi in un vuoto, un vuoto luminoso, senza sapere valutare le dimensioni esatte di questo spazio, quanto è grande e dove conduce. Questi labirinti sono fatti montando in sequenza delle forme primarie: cerchi, triangoli, quadrati, associate a dei colori primari: il giallo, il rosso, il blu. Il giallo-triangolo, il rosso-quadrato, il blu -cerchio, nella connotazione fredda del neon, sono invenzioni, punti - colore, da inserire nell’ambito delle moderne ricerche di nuove variazioni cromatiche. Ora Scirpa presenta una nuova serie di opere fotografiche in cui le sue strutture vengono strategicamente inserite in diversi contesti architettonico-monumentali. L’architettura come struttura materiale, fisica, generatrice di spazio, ma anche ostruitrice dello spazio, viene drammaticamente confrontata con l’aerea immaterialità dei suoi campi concentrici. Queste forme fatte di vuoto aprono voragini, scavano gallerie, forano, bucano l’edificato, il costruito, l’ostruente. E così facendo minacciano da vicino la logica costitutiva del monumento, dell’imperituro, del maestoso perché grande, imponente, fisicamente incombente. Questi progetti fotografici sono dei piccoli monumenti alla non invadenza, hanno un’esistenza operativa e creativa in cui il visibile ha una sua concretezza senza ingombro. Parlando delle opere di Scirpa a Bruno Munari viene in mente una bellissima immagine: “ che forme disegnano dei sassi quadrati cadendo nell’acqua? “. Lievità e ambiguità delle immagini di Scirpa. Esse propongono d’altra parte una contro logica e sono paragonabili al varco attraverso cui passa Alice per entrare nel paese delle meraviglie. Ora se noi consideriamo questo varco non un elemento di passaggio, ma come condizione permanente dell’esistenza, come un metodo operativo, allora le strutture di Scirpa non sono più dei fori, delle perforazioni. Come procedimento mentale e fisico le paragonerei piuttosto a delle ombre che vivono di una realtà sdoppiata, quella della forma che l’ombra assume e quella dell’oggetto che la genera. Come le ombre cinesi, proiettate sui muri della lanterna magica, la loro esistenza formale e il loro senso vivono anche in un luogo diverso dalla consistenza figurativa che le genera. I suoi campi concentrici hanno sostenuto le forme primarie digradanti prospetticamente, ma il colore è andato perduto. Le forme sono ora del colore neutrale della luce, così come l’ombra è il colore neutrale del buio. Questi tunnel prospettici sono dei percorsi, degli itinerari per collegare passato e presente, monumento edificato e monumento immateriale eretto dalla luce. Ma sono anche dei processi mentali che, grazie alla loro evanescenza, si rivolgono direttamente all’immaginazione, più che alla sensazione. Esse dialogano direttamente coi nostri processi mentali e fantastici, e ci invitano ad un viaggio interiore ben al di là del puro discorso ottico. Milano, 30 luglio, 1986

PAOLO SCIRPA PROFETA DEL MISTERO DI ROSSANA BOSSAGLIA 01 LUGLIO 1986

Quando un artista ha una fisionomia forte e caratteristica, ben riconoscibile nelle sviluppo della sua opera nel tempo, è specialmente interessante metterlo a confronto ogni volta con il tipo di ricerca verso cui la situazione storica lo ha indirizzato, con i compagni di strada che agivano dentro la medesima condizione sperimentale: proprio perché la dialettica fra il suo discorso e “lo spirito del tempo” è molto rivelatrice, ci aiuta a cogliere il punto focale dell’intera operazione, la sintesi che l’artista stesso persegue. Scirpa è, per esprimerci, un artista astratto ( le convenzioni aiutano ); se si vuole, di lata radice kandinskjana, nel senso diretto che, soprattutto all’origine, le sue sperimentazioni si basavano sul rapporto dei colori e nel senso ampio che alla base e alla conclusione – provvisoria, s’intende: all’oggi di tutto il suo lavoro riconosciamo una volontà simbolica , un’inclinazione esoterica, l’indicazione della chiave misteriosa e sublime del conoscere. Ma là dove le suggestioni magiche portavano verso l’improvvisata indeterminatezza degli effetti, Scirpa si è sempre ritirato di colpo, puntando sull’analisi geometrica delle forme e sulle composizioni d’insieme di effetto geometrico immediato, virando, se vogliamo restare nei termini dei grandi filoni simbolici, verso un pitagorismo perenne; né lo si dice per caso, giacché fra le sue ultime opere ricorre spesso l’immagine di una geometria architettonica, di ascendenza classico-greca. E certo, ancora, quest’artisticità è legata al numero, alla misurazione ( degli spazi o della bellezza, di ciò che possediamo o di ciò cui aspiriamo, del noto o dell’ignoto) : con tale spirito, mi pare, Scirpa si è situato in una posizione speciale, rigorosa, nell’ambito dell’arte optical e cinetica, assai poco disposto e disponibile a un’utilizzazione ludica degli strumenti della sua ricerca, insieme scientifica e fantastica; e tutto inteso a identificare quel punto di ritmo dove disegn e colore – secondo le antiche partizioni accademiche – si identificano, costruendo un ordine di ideale verità. Mi pare sia questa la chiave di letture giusta anche per la produzione di Scirpa che, tra gli anni Sessanta e Settanta, si è interessata all’universo pop – artistico, al problema del consumismo, dell’arte fatta di e per i mass – media, e così via: l’oggetto banale, assunto nella sua iterazione asettica che gli toglieva ogni decifrabilità come individuo, non mai non più “unicum”, si faceva ingranaggio e tassello di una composizione ritmica, ritornante su se stessa, misteriosa nella propria ripetitività ma consolatoria e rassicurante nella fulgida geometria. E’ per questa strada che Scirpa, arrivato alla fase delle composizioni illuminate al neon, cioè costituite da elementi percorsi totalmente, o con studiate pause, da fredde luci colorate, si è inoltrato con energica originalità, con sperimentale passione e con vertiginosa inventiva nella ricerca di modulazioni – e moduli –

dove l’ordine simmetrico appaia di per sé turbinoso e inconoscibile, le forme, quanto più regolari tanto più insondabili; e dove una sorta di trompe l‘ oeil, ma tutt’altro che mimetico del vero, bensì capace di condurre verso sconosciuti abissi, ci consente di affacciare lo sguardo sull’ermetico punto d’incontro tra il pensiero e il reale, sull’inganno della verità. Nell’ultima produzione Scirpa ha lavorato soprattutto con la fotografia, sia inserendo le sue strutture a soffietto (il soffietto della macchina fotografica è diventato poco a poco la sua misura e il suo emblema) entro grandi vedute urbane; sia direttamente misurandole, come ipotesi interpretativa della realtà, con le grandi soluzioni prospettiche del passato, sia infine rifotografando da vari punti di vista oggetti e situazioni che ogni volta hanno in tal modo moltiplicato la propria identità. Il tema sembra essere, ancora e sempre, quello dell’apparenza, specie negli incastri di strutture dimensionalmente assai diverse: si veda l’incombere nella Galleria di Milano, o il proiettarsi in Piazza San Marco di Venezia, del tipico vortice ad imbuto che conosciamo in varie realizzazioni di Scirpa e che siamo abituati a valutare in un suo preciso ingombro spaziale. Ma il discorso non è questo, a mio vedere: poiché tutto è apparenza, e tanto più lo sa l’artista abituato a manovrare gli effetti ottici, le suggestioni prospettiche e così via, l’operazione è quella che conferisce all’apparenza la dignità di rivelazione, all’espediente suggestivo la forza di semplificare le forme e ricondurle al loro nocciolo mentale; di stabilire insomma la comune matrice dell’informe e del formato, che l’artista evoca dal profondo di leggi immutabili. Così, il Ponte dei Sospiri si trasforma nell’imboccatura del soffietto prospettico, l’anima del Colosseo è un lucido invaso di cerchi concentrici, l’aspra e rocciosa apertura della grotta della cosiddetta tomba di Archimede lascia affiorare la quadrata logica del suo contorno. L’artista avrebbe dunque identificato questa legge geometrica che testimonia e sintetizza l’ordine segreto delle cose, la corrispondenza tra natura e architettura, i segreti passaggi da una struttura all’altra attraverso profondi canali che sembrano collegarsi nelle viscere della realtà: capace non di ridurre la realtà, ma di mostrarcela nella sua nitida semplificata filigrana. E tuttavia non è così: giacché ogni volta le strutture di Scirpa, proprio nel loro prospettarsi in forme convergenti al centro, conducono lo sguardo verso l’imperscrutabilità della voragine che esse inquadrano; la regola come tale non è rassicurante, anzi, quanto più è rigorosa, tanto più ci ricorda che al di sotto, al di dentro, nel cuore delle immagini dove si conduce la nostra vita e si compie la nostra esperienza storica, il buio si sprofonda come una illimitata burella dantesca. Così lo sperimentatore intellettuale, l’artista di formazione “programmata", denuncia il suo ruolo di profeta del mistero. Milano, 1 luglio, 1986

PAOLO SCIRPA: IL SENSO DELL’AVVIO DI CARLO BELLOLI 1986

spirali situano spazi suggeriti profondità virtuali invitano all’infinito luci fredde aurore boreali tunnel realtà che diviene il moto la ragione di ogni cosa specchi del sembrare non dell’essere fons et origo il principiare delle cose la continuità dell’energia luminosa dal neon pulsante all’itinerario visivo depistante proposito di spettacolo ipotesi metavisuali cromoplasie ludoscopiche telespaziali l’ininterrotto scirpa suscita situazioni sorprendenti

milano, 1986

PAOLO SCIRPA, OPERATORE NELL’AMBITO DELL’ARTE PROGRAMMATA DI RICCARDO BARLETTA 1985

Fin dal 1973 Paolo Scirpa ha creato, con un sistema di specchi e di luci al neon, uno strumento di notevole importanza percettiva nonché psichica. Si tratta di una specie di “pozzo”, entro il quale lo spettatore vede, in fuga infinita, sfuggirgli prospetticamente delle linee parallele. Sta di fatto che questo “buco” non ha fondo. E’ come una perforazione infinita nelle viscere della terra, ma è anche una caverna o un ambulacro, oscuro quanto misterioso. La luce fredda del neon, talvolta brillantemente colorata, non fa altro che potenziare la sensazione di spazio; non uno spazio aereo, bensì uno spazio notturno, viscerale; uno spazio che dà l’angoscia per la vertigine che gli è propria, essendo costituito dalla provocazione di una scolarità che conduce al nulla. In termini formali, è l’esatto opposto della ziggurat (edificio scalare che conduce, mediante una fuga spaziale, all’infinito del cielo). Paolo Scirpa ha costruito molte di queste sue “ziggurat negative”; le fa funzionare sia sul pavimento sia sulle pareti; alcune di esse hanno un percorso o buco semicircolare. Antropologicamente, il buco nero di Scirpa è un simbolo sia della caverna ancestrale, sia dell’horror vacui che ne promana per noi civilizzati. Siamo dunque dinnanzi a una provocazione profonda, che si serve delle tecniche dell’arte artificializzante del settore cinetico-programmato. Ma c’è un di più. Scirpa ha introdotto questa sua “ziggurat negativa” su foto di centinaia di architetture soprattutto storiche. Facciate di templi, cupole, fiancate in bugnato e via dicendo. Ne è nato così una panorama di rivitalizzazione del materiale architettonico ed urbanistico. In particolari, l’impatto provocato, genera, per l’angosciosità implicita all’archetipo di Scirpa, una drammatizzazione del monumento; o meglio, una introduzione di un “inconscio” nella sua apparenza stereometrica o stilistica. Per finire un parallelo col lavoro di Panseca. Mentre là vige il complesso paterno e la tensione è alla sublimazione della sfera, qui vige il complesso materno e la tensione è alla regressione dell’architettura verso un vuoto primordiale. Milano, aprile, 1985

I BUI SPECCHI DI SCIRPA DI CORRADO MALTESE 19 MAGGIO 1984

Può un’immagine prodotta da uno specchio essere spazio e dunque cosa? Può la luce essere buio? Anzi: può una luce infinita essere buio infinito? Anni fa dovetti affrontare la questione per comprendere ciò che Paolo Scirpa chiamava allora “macro-oggetti” ed erano già i suoi vetri semiriflettenti a separare lo spettatore da un insieme di micro-oggetti che da soli erano tali ma che insieme costituivano quell’unico, grande oggetto che è lo spazio materiale, codificato dal nostro cervello e dalla nostra storia biologica come il campo vitale, immenso e ineliminabile della nostra percezione delle cose e di noi stessi, del nostro agire e del nostro esistere. Scirpa scoprì allora che un vetro semiriflettente e semitrasmittente permetteva di approssimarsi all’impossibile situazione di uno specchio che specchia se stesso all’infinito;situazione impossibile - s’intende – non da realizzare, ma da vedere e controllare umanamente: cioè in virtù della percezione, che infinita non è, ma è per definizione finitezza. Così Scirpa costruì i suoi tunnel di luce, perduti all’infinito, nel buio, laddove la finita e chiusa camera dell’occhio cessa di registrare i sempre più tenui riverberi del vertice piramidale dell’immagine, diminuiti quadraticamente d’intensità in ragione di una loro reale e al tempo stesso immaginaria moltiplicazione. Come non coinvolgere in questa dialettica della luce e del buio la dialettica del vero e del falso, del reale e dell’irreale? Scrissi, infatti : “ Cosa sono le scatole specchianti di Scirpa se non un Oggetto dove si pratica l’abolizione del limite tra il reale e l’illusorio? Cosa, se non un Oggetto dove in perpetuo e senza remissione si apre la voragine di Dürrenmatt, l’abisso senza fondo, dove infiniti micro-oggetti, scatole, scatoline, barattoli, “cose” tipiche e proprie della nostra mitologia industrializzata, urbanizzata, consumistica precipitano in un ordine perfetto come in una via lattea perfettamente squadrata e scandita senza principio né fine? Stesso discorso per le superfici “double-face”: due voragini invece di una e persino reversibili e magicamente coincidenti; la trasparenza unidirezionale torna a diventare bidirezionale, ma con un effetto doppiamente ambiguo, doppiamente abissale. La proiezione nel vuoto come proiezione infinita nel nulla: l’Essere come essere del Nulla. Stesso discorso ancora per i cerchi-luce, i rettangoli-luce, i quadrati-luce: sono anche questi “micro-oggetti”? Certo, questa volta il micro-oggetto si avvicina all’Oggetto, tocca i suoi confini, lo attacca e lo comprime dall’interno (una “compressione” alla rovescia!) mettendolo in crisi e, forse, si identifica con esso: è la luce che disegna il buio o è il buio che disegna la luce? La voragine è una sottrazione dal pieno-luce o è un pieno-luce che sottrae vuoto buio e lo definisce, lo circoscrive, lo fa essere? Forse, ecco il Grande Oggetto si identifica con la Grande Luce, è il grande Ambiguo. Come il Nulla dell’Essere o l’Essere del Nulla. Ma se lo spazio-luce simula se stesso prolungandosi in una auto-immagine infinita la simulazione è, proprio per questo, totale e irreversibile.

Scirpa ha continuato a verificare questa vanificazione del reale, una vanificazione senza pause e senza fondo: ha applicato i suoi non-spazi, nonluce alle cupole delle cattedrali e alle strutture urbane, ai profili del cielo e ai profili della terra; come tanti “buchi neri” dove l’essere consuma se stesso totalmente ad ogni istante, per ogni istante in cui si rinnova, così semplicemente rispecchiandosi come Narciso. Un Narciso, s’intende, microcosmico e cosmico al tempo stesso, dove si compie il destino vero e al tempo stesso illusorio del più umile e del più eccelso degli esseri: uno spazio-luce come forma simbolica del bios. Roma, 19 maggio, 1984

ARTE E LUCE A CAEN: SCIRPA DI ANNETTE MALOCHET 31 OTTOBRE 1982

Luce – colore – spazio: intorno a questi termini – elementi fondamentali – si svolge il “gioco” dei segni/luce che Scirpa fa muovere nella scultura collocata nella hall della Biblioteca Comunale della città normanna di Caen. Segni/luce che formano geometrie elementari mediante tubi al neon colorati con colori primari: blu, giallo, rosso. Comunicano all’osservatore un’ambiguità percettiva che, facendo leva sui tempi ed intervalli di percezione, resta tutta vincolata al “concetto” di spazio/luce. E’ quindi quanto mai inerente all’opera di Scirpa quell’immersione nello spazio reale di un’architettura del suo spazio “virtuale” che, da una parte ci riporta ad esperienze di timbro costruttivista (o avanguardistico anni venti) e dall’altra se ne affranca per tendere all’uso di strumenti elaborati di una più avanzata tecnologia che gli permettono di approfondire scientificamente il suo discorso. Trasformazione vertiginosa non solo di immagini ma dello spazio reale. E’ in questo senso che il linguaggio di Scirpa, dapprima artigianale, va ad addentrarsi nel campo della scienza della percezione nella esasperata ricerca di “costruire” un vuoto infinito per via di contenitori fisicamente consistenti, nei quali quei segni, quei colori, quelle luci, riflettendosi negli specchi perdono i loro limiti e divengono suggerimenti, illusioni di profondità. E’ significativo, d’altra parte, che l’attenzione di Scirpa si fermi sugli elementi di certa architettura rinascimentale barocca per intrecciarvisi e trasformare il senso dell’infinito; vedi per es. l’intervento fotografico sull’immagine dell’interno della Basilica di San Pietro a Roma; vedi soprattutto i progetti – per ora solo fotomontaggi di interventi sulle architetture della città di Caen. Les clochers de Martainville di fragile equilibrio potrebbero essere sostenuti dalla luce? La luce come materiale privilegiato dell’architettura normanna? Parigi, 1982

PAOLO SCIRPA DI LUCIANO CARAMEL 1981

La novità saliente, nell’ultima attività di Paolo Scirpa, è l’attenzione per una dimensione urbana, che si concreta in progetti di intervento in scala appunto urbana, fuori delle circoscrizioni della tela, o dell’oggetto. Data la prospettiva latamente “costruttivistica” in cui da tempo va svolgendosi il lavoro dell’artista, potrebbe apparire legittimo chiedersi se ci si trovi di fronte ad una riedizione del majakovskiano “le strade sono i nostri pennelli, le piazze le nostre tavolozze”, nell’adesione ad una sorta di imperativo sociale riecheggiante il noto decreto rivoluzionario sovietico del 1918 secondo il quale “ artisti e scrittori sono tenuti a prendere senza indugio pentole di colori e a illuminare, a dipingere con i pennelli della propria maestria, le anche, la fronte e il petto delle città, delle stazioni e delle mandrie di vagoni ferroviari eternamente in fuga”. Ma la risposta non può che essere assolutamente negativa. E non perché Scirpa non aspiri ad operazioni tese ad agire attivamente sul sociale. Anzi, proprio per il peso di siffatta determinante intenzionalità, da lui coscientemente perseguita. Piuttosto perché egli crede con Marcuse che l’arte, “ nella misura in cui si fa parte della vita reale, perde la trascendenza che la oppone al valore costituito: resta immanente in quest’ordine, unidimensionale, e perciò soccombe ad esso” : che, cioè, la diretta compromissione con quel “reale” sul quale si vuol agire finisce col vanificare i propositi critici. Per Scirpa, ancora come per Marcuse, “ la relazione tra arte e rivoluzione è un’unità di opposti, un’unità antagonistica”, giacché “l’arte obbedisce a una necessità e ha una libertà che sono tutte sue: non quelle della rivoluzione”, e può di conseguenza “esprimere il suo potenziale radicale solo in quanto arte, nel linguaggio e nell’immagine propri,che invalidano il linguaggio ordinario, la “prose du monde”. ”Ecco, quindi, i caratteri strettamente specifici degli interventi di Scirpa, mai toccati dagli equivoci di molta “arte sociale”. L’alternativa contestativa è cercata nel ricorso a codici che contrastano la comunicazione urbana consueta, che le si oppongono. L’accattivante proporsi “in avanti” della veduta urbana viene contraddetto dall’intrusione di voragini inquietanti, che ne disturbano lo stesso ordinato disporsi secondo rassicuranti assi prospettici. L’immagine consueta viene coartata, provocando uno piazzamento percettivo, cui sostanzialmente concorre anche la geometricità degli innesti., di una assolutezza che alla franta articolazione del panorama della città si oppone, con esiti ancora una volta inquietanti, perché non riducibili a proposte di pur radicale riorganizzazione urbanistica e quindi ad operazioni cui il fruitore è preparato. Effetti accentuati, se possibile, là dove l’intromissione affonda in un contesto altamente formalizzato, costituito da edifici storici che ancor meno sopportano modificazioni. Tanto più che Scirpa colloca i suoi sfondamenti proprio nei punti nodali, spesso con una sorta di perentoria amplificazione delle strutture date, dei loro ingombri e punti di fuga.

Ne risulta un potenziamento di quegli effetti di programmatica costruttiva ambiguità che negli anni passati, e ancor oggi, l’artista ricerca nei suoi oggetti cinetico-visuali, per i quali Maltese ha efficacemente parlato di “Tunnel, Forno magico, o Crogiuolo o Abisso, dove si fonde l’immaginario col reale, il serio col giuocato, il vero con l’illusorio.” Ciò anche grazie al costante ricorso ad elementi archetipi, richiamo a qualcosa che il contingente travalica: però in un contesto di flagrante fenomenicità, dove lo spazio è sempre al tempo sostanzialmente correlato: e perciò un intenso dialettico rapporto tra essenza ed evento, matrici ancestrali e storia, persistenze e divenire, che consente la fertile coesistenza di ragione e fantasia, progettualità ed inventiva, calcolo e libertà. Con esiti di notevole rilievo e di stringente attualità. Milano, 1981

UN TUNNEL VERSO L’IGNOTO DI BRUNO MUNARI 1980

Operando sui perimetri delle tre forme basilari: il triangolo equilatero, il quadrato e il cerchio e applicando le due più semplici regole della simmetria: la traslazione e l’espansione, Scirpa progetta degli oggetti tridimensionali e delle pitture dove la luce (per gli oggetti tridimensionali) e il colore, danno effetti particolari. Un esempio di espansione di una forma si ha quando si getta un sasso nell’acqua: tutti i cerchi concentrici che essi formano sono l’immagine dell’espansione. Non è certamente che se noi buttiamo nell’acqua un sasso quadrato nascono tanti quadrati concentrici in espansione, ma Scirpa ce li fa vedere, a colori, nelle sue pitture,dove i colori assumono un valore ritmico e danno vari tipi di letture all’insieme dipinto. Negli oggetti tridimensionali Scirpa compone delle traslazioni di perimetri di forme visualizzati con luce al neon. In queste scatole nere l’ordine delle traslazioni di questi perimetri luminosi inizia subito dentro la scatola e si moltiplica fino all’infinito. Nasce così un effetto prospettico come un tunnel di cui non si vede la fine, fatto di tanti segmenti uguali a distanze uguali. Questa suggestiva prospettiva sveglia nell’osservatore sensazioni di varia natura con una prima percezione di cose note ma un finale ignoto. Sono come dei buchi verso l’ignoto, come un terminale video orientato non si sa dove, sono delle perforazioni dello spazio ottico. Una penetrazione nello spazio dove puoi partire seguendo le prime tracce ma poi ti perdi nel buio dove c’è assenza di gravità e di forme.

Nessuno, finora, è andato in fondo a questi buchi per raccontarci che cosa ha visto. Milano, 1980

PAOLO SCIRPA DI ALBERTO VECA 1980

Gli esiti grafici, o comunque bidimensionali, a cui è recentemente giunto il lavoro di Paolo Scirpa discendono o comunque nascono in stretta connessione con le sperimentazioni tridimensionali che per anni hanno costituito l’interesse principale d’azione. Dipendenza ma non traduzione, o trascrizione di una dimensione oggettuale oltretutto ai limiti della sua affermazione, come ha esattamente rilevato nel 1976 Corrado Maltese (Gala International, n. 76) quando definisce le scatole specchianti come “oggetti dove si pratica l’abolizione del limite fra il reale e l’illusorio”: la dipendenza fra tridimensione e bidimensione ha allora caratteristiche diverse dalla constatazione di una resa bidimensionale di un evento tridimensionale. E la relazione si può forse trovare nella presenza, negli esiti oggettuali e grafici, di un costante ancoraggio dell’opera di Paolo Scirpa alla memoria che contemporaneamente coinvolge la figura vera e propria, o il sistema di figure utilizzate e il modo, lo strumento, attraverso cui la figura viene comunicata. Memoria della figura: triangolo, cerchio e quadrato con i loro colori che una tradizione ormai acquisita ha fatto corrispondere (rispettivamente giallo, blu, rosso) sono le figure di base da cui Scirpa parte per una rotazione e combinazione in alcuni esiti, per una analisi elementare in cui viene variata la successione cromatica in altri esiti. Ma si tratta di figure che evocano o rimandano a quanto si costituisce come icona di riferimento: il quadrato, il cerchio e il triangolo vengono infatti indicati attraverso un sistema concentrico di perimetri dallo spessore degradante verso il centro e dagli angoli smussati (nel caso del quadrato e del triangolo evidentemente). Lo scarto fra la figura esatta, quella cioè a cui facciamo riferimento per interpretare l’artefatto, e l’artefatto stesso si risolve nell’acquisizione della radice imitativa del grafo rispetto all’oggetto reale, alla successione di tubi di neon che costituiscono appunto la memoria, per così dire, personale di Scirpa. Non sono quindi figure idealizzate, immateriali, quelle da cui discendono le ripetizioni e le sovrapposizioni grafiche, ma figure dotate di circostanze materiali e anche di leggibilità precise, individuabili. Da questa dipendenza mi sembra discenda il secondo carattere della memoria figurale: i perimetri concentrici sono oggetto nei confronti di uno sfondo, eppure

l’accostamento successivo della rotazione, della sovrapposizione, o della stessa variazione cromatica dei segni producono un trauma fra la costanza, la ripetizione della figura e la figura, la forma e il colore risultante. La memoria allora gioca come possibilità di ripercorrere a ritroso uno sviluppo apparentemente o operativamente sistematico, ma nei suoi esiti estremamente non omogeneo: grado di leggibilità e variazione risultante sono allora le intelligenze che vengono messe in atto da chi guarda la successione delle immagini, le sue aberrazioni formali o le diverse illusioni di profondità, di tridimensionalità in aggetto che la variazione comporta. Da questa attività di verifica e di sorpresa del riguardante mi sembra discenda una ulteriore verifica della memoria che Scirpa sollecita, la memoria dello strumento di riproduzione. Risulta evidente come solo astrattamente si possono fare distinzioni fra figura e strumento, e che spesso su questa differenza teorica si è equivocato non poco: è certo però che nel caso di Scirpa l’adozione o l’adesione a una tecnica di riproduzione costituisce la motivazione stessa dell’operare. E’ quindi nella storicità dell’espressione, nell’espansione e nei diversi esiti che un mezzo ha avuto, al di fuori, e all’interno del linguaggio artistico, che occorre cogliere l’intenzione comunicativa di queste immagini,la loro volontà di constatazione, di presentarsi nella loro integrità richiedendo una corrispondente lettura da parte dell’osservatore. Milano, maggio, 1980

MEGALOPOLI CONSUMISTICA DI GILLO DORFLES 1980

L’artista ha reso qui l’effetto di accumulo oggettuale e di perdita intervallare rispecchiante la condizione del moderno panorama urbano, attraverso un abile gioco dovuto alla specularità dell’immagine. Milano, 1980

TOPOCRONOPLASTICI ANASPAZIALI + GRAFEMI A COMBINATORIETÀ COMPUTATA: PAOLO SCIRPA DI CARLO BELLOLI 1979

Mentre l’ingegneria genetica è notevolmente progredita nello studio dei segnali che identificano l’inizio e il termine dei geni sul nastro del materiale genetico, permettendo nuove ipotesi sui fenomeni di regolazione della funzione dei geni, almeno nei microrganismi, il cinevisualismo plastico di tendenza minimalecromosegnaletica sembrava essersi assestato su posizioni di stasi operativa. quasi una accademia della visualità strutturata per una corrente della plasticità inoggettiva che aveva preteso di realizzare la sintesi di arte-scienza-tecnica. in questi ultimi anni l’operatività plastica di ricerca, nell’ambito del dinamismo inoggettivo, reale o virtuale, ha segnato il passo oppure effettuato evoluzioni apparenti per non aver compiutamente assimilato, traducendole in termini deestetici, tecnologie avanzate utilizzate senza approfondirne le possibilità: computatore elettronico, laser, colori fluido-incoerenti, sistemi catottrici. i recenti lavori di paolo scirpa ci permettono di accertare un valido contributo italiano al rinnovamento delle problematiche cinevisuali internazionali. bisogna essere attenti a scoprire tutte le nuove proprietà dei materiali prima di introdurli nel consumismo culturale e determinare quale potrebbe essere il rapporto tra effetto ed evento che il nuovo organismo plastico assumerà nel contesto delle condizioni estetiche preesistenti. scirpa ha individuato possibilità nuove in tecniche recenti e ha effettuato questo controllo. con la dovuta attenzione non vi è, quindi, ragione per non considerare di grande beneficio l’utilizzo di materiale e di tecniche più efficienti per la genesi di idee nuove della comunicazione luciplastica inoggettiva, della sperimentalità estetica anaspaziale pionieri di tale metodica, come prassi e teoria della luce al neon in funzione applicata e della videoplasticità totale, furono due futuristi: giovanni jacopozzi, cantato da paolo buzzi ancora nel 1914 e il teatrante-pittore luigi de amicis che nel 1926, sulle pagine dei quaderni torinesi di “vetrina futurista I”, scriveva: “ … noi dobbiamo creare una architettura luminosa colle incandescenze delle lampade, coi colori brillanti dei tubi luminosi, coi fasci penetranti dei proiettori….”. né la pratica di jacopozzi, misconosciuto pioniere della progettazione grafico – pubblicitaria al neon di pertinenza strutturalista, né le praticabili teorie di de amicis avevano, però, offerto contributi analizzabili a livello di linguaggio compiutamente ideato, come invece è stato possibile, oggi, a paolo scirpa di proporci. vogliamo, invece, del tutto trascurare i dozzinali tentativi del paracostruttivista argentino – oriundo ungherese gyula kosice, attorno al 1955 ancora a buenos ayres, del tutto irrilevanti e morfologicamente opposti ai propositi di totale sintesi visiva realizzati da scirpa. i topocronoplastici anaspaziali che scirpa ha ideato in questi ultimi tre anni inverano quello che i vorticisti inglesi, istigati da ezra pound, avrebbero dovuto fare ma che non ebbero intuizione di tentare almeno progettualisticamente. in questi corpi a ipotesi percettiva della profondità, la luce al neon emette flussi luminosi in tempi programmati. il sistema visivo resta in alternativa senza potersi decidere per una soluzione. la profondità apparente risulta da una giustapposizione di specchi coassiali che

permette una percettività anaspaziale a decorso ottico cubico, cilindrico, prismatico, parallelepipedo. pseudoscopi che evidenziano il ruolo della convergenza e della disparità nella percezione della profondità e raggiungono un grado di informazione ottimale dell’aleatorio instabile. come falaises visuelles questi oggetti ludoplastici di paolo scirpa mettono in discussione l’attitudine del cervello a percepire il vacuum irriducibile. gli oggetti anaspaziali ideati da scirpa provocano perturbazioni visive ma non disturbano psicologicamente, né si potrà parlare di sintomatologia provocata, di espressionismo cinevisuale alla frank malina. eventi nuovi della metaplasticità inoggettiva, dove la catottrica è componente tecnica al servizio di una idea che ne riinventa esteticamente i fenomeni. quello che il labirinto a stele di specchi costruito da luc peire in una ormai lontana biennale veneziana non era riuscito a darci non depassando l’esercitazione di ottica fisiologica, né trovando soluzioni formali di trasferibilità oggettuale. i raccordatori di profondità onirica, spazioestensiva, di paolo scirpa dovranno estendersi, domani, all’itinerario ludovisivo nell’ambito di coinvolgimento totale dello spazio – ambiente interno. dopodomani scirpa si impegnerà nella correlazione urbana per città liberate dal vizio della statuaria orpellante, pur infigurata: compendiatore di spettacoli visivi totali di pertinenza metaplastica cinevisuale. come la struttura chimica del neon risulta un reticolo cristallino cubico a facce centrate, gas inerte, così i topocronoplastici anaspaziali di scirpa introducono a virtuali tornados di viscosa fluidità videostrutturale decostruita. parallelamente a queste ricerche anaspaziali, paolo scirpa indaga la bidimensionalità attraverso costruzioni virtualmente dinamiche, interottiche e plurivoche, realizzate con l’elaboratore elettronico. alcune tecniche, con molti avvenimenti oggi, diventano miti prima di farsi storia. il calcolatore, o elaboratore, elettronico era stato utilizzato per la prima volta da operatori visivi nel 1962 a new york, e, nel novembre 1965, vedemmo esposti a stoccarda i primi risultati di interesse deestetico ottenuti da frieder nake a georg nees. in italia operarono abbastanza puntuali selezioni grafostrutturali con il calcolatore, franco grignani, dandoci quei suoi poemi decostruiti che “affermazione-negazione” ben esemplificano e, anche, edward zajec. paolo scirpa ha individuato solo recentemente le possibilità dell’elaboratore ottenendo risultati singolari, anche determinanti. da una combinatorietà grafolineare a radiazione epicentrica, scirpa estrae un tracciato continuo di grande precisione che non potrebbe sostenere confronto con nessuna abilità manuale. al fascino desueto della manualità meticolosa e ossessiva per stabilire rapporti lineari di graduata distanziazione atti a determinare labirinti visivi vibratili e virtualmente espansivi, scirpa sostituisce l’oggettività della precisione elaboratoriale. la scelta delle immagini strutturali che scirpa introduce nella memoria

dell’elaboratore è la prima fase della sua ideatività segnico-elementaristica autoregolata. le fasi successive sono dei passaggi : conta il risultato. Repertoriali labirintici a combinatorietà computata, tracciati a rottura di monotonia visiva, cibernazioni grafointensive strutturalmente neutrali, continuum lineare a percorribilità ottica riassorbibile: paolo scirpa. l’elaboratore può costruire forme inedite modificandole secondo regole programmate dall’uomo oppure offerte dal caso, così da sostituire all’esecuzione manuale una più perfetta operatività, ma non l’ideazione-concettualità umana. l’uso dell’elaboratore sarà, pertanto, consentaneo a quegli operatori plastici che abbiano già potuto maturare i concetti di quantità – qualità, accertando la loro interdipendenza nel sistema creativo, la loro parallelità nel processo costruttivo dell’evento cromoformale. i lavori di paolo scirpa hanno particolarmente contribuito al chiarimento di questi concetti. in questo nostro paese dove si parla solo di diritti mai di doveri, scirpa ha sentito urgente la necessità di proporci alternative nuove. alcuni facitori che, perdendo l’innocenza dell’ignoranza, si sono dedicati a risolvere marchingegni pseudoplastici potrebbero essere genericamente associati alle ricerche di scirpa. non saranno però, i più attenti lettori di questi lavori, di accertata elementarità cromovisuale dell’avvenimento iperspaziale, a lasciarsi distrarre da riferimenti inconsentanei. paolo scirpa è, oggi, autonomo da suggestioni extraplastiche, pur istigando alla comprensione di un concetto diverso di oggettualità intervisiva. confermiamogli fiducia attendendo i più complessi sviluppi che la sua ricerca sottende. Basilea, marzo, 1979

Pozzo-Espansione curva+traslazione, 1985/2008. Legno+neon bianco e rosa+specchi, 44x107x107 cm

IL PITTORE DI SILVIO CECCATO 1978

Come dipingevi? Perché lavoravi così? Ed ora perché operi così? Chi, come me, non faccia professione di critico d’arte e di critico in generale, è poco propenso a formulare giudizi di valore. In particolare, dopo le analisi sulla vita mentale, riuscirei forse a veder come bella o brutta qualsiasi cosa, vederla o poetica, lirica, drammatica, tragica, eroica, comica, ecc.. In ogni caso riuscirei a promuoverla ad opera d’arte. Un giudizio che varrebbe dunque così poco… Mi interessa piuttosto il modo come lavora l’artista, come crede di lavorare, perché si ritiene un artista, perché ha avute, se le ha avute, le sue “maniere”. In altre parole, prima, dopo e durante il suo lavoro, quali pensieri svolga. In questo caso, perché chi adopera tele, legno, colori e pennelli,ad un certo momento si rivolge a luci e specchi. Butto là un’ interpretazione. Perché la luce e lo specchio mi tirano dentro, mi generano un momento di fissità, quasi di ipnosi, l’inseguimento di una immagine. Qualcosa che, credo, richiami la celebre “Einfühlung” degli estetologi tedeschi. Mi sento attratto, il pensiero rallenta o si ferma. Il suo modulo sostitutivo, dei frammenti di circa mezzo secondo che si susseguono lasciando l’uno il posto all’altra, viene sostituito da quello sommativo, in cui invece i precedenti vengono trasferiti sui successivi, proprio del ritmo ( si pensi alla rima ) con frammenti più lunghi, circa otto ogni cinque secondi. Questa frammentazione ritmica, comunque, può venire sollecitata fortemente, violentemente, irresistibilmente, per esempio dal valzer viennese, da un galoppo, e talvolta anche da certe strutture segnatamente geometriche che sottostanno agli edifici architettonici od anche ai dipinti, si pensi all’affresco La Maestà in Trono, di Simone Martini ( partenza dal gruppo di angeli sulla sinistra, passaggio a quelli di destra, salita al volto della Madonna, discesa al piedestallo, salita sulla sinistra del baldacchino, passaggio alla destra, ridiscesa sul piedestallo, gioco fra i due triangoli così costituiti, etc. ). Ma può anche essere impressa nella più semplice delle figure, un segmento, un suono, una parola (si pensi a “meràvigliòsamènte” pronunciato in un certo modo, appunto con scansione ritmica), sì, anche su una liscia superficie di specchio. Il problema che allora si pone di fronte ai lavori di Paolo Scirpa è il grado di sollecitazione che ne sprigioni, quanto cioè dipenda dall’opera e quanto dal trovarla in una galleria, studio, comunque ambiente, o semplicemente dal sapere che chi la presenta è considerato un artista. La stessa domanda si pone, ovviamente ed a maggior ragione, per molte opere, in particolare certe strutture informali, certi prodotti monocromatici, oggetti di uso pratico che per l’ambiente in cui sono posti, o perché tecnicamente superati, non svolgono più funzioni pratiche, come il vecchio arcolaio, la carriola, la pala, una scarpa incollata su una tela, e simili, posate raccolte in un sacchetto di plastica, e simili.

Scherzando si racconta dei due commercianti che parlano di un loro amico che acquista pitture informali, astratte. “Sì, lo capisco – ammette uno dei due – i gusti sono gusti. Ma ciò che non capisco è perché non se le faccia lui”. Ma la situazione, al di fuori dello scherzo, non è così semplice. Fra un atteggiamento ed un oggetto fisico i rapporti sono estremamente vari, fluidi, di stile e di moda, discorsi che precedono, accompagnano, seguono. Tornando alla domanda di apertura. Scirpa dipingeva e continua a dipingere; che cosa lo ha spinto ad aggiungere alla pittura gli specchi, le lampadine, l’immagine che si riflette e ripete, il lampeggiare? Di quale rinuncia e di quale conquista è il frutto? Azzardo una mia ipotesi. Dovremmo essere in presenza di una frammentazione ritmica intensa ma breve, destinata a perdersi nel gioco lungo, ma in grado di operare in quello breve, nello stato aurorale del progetto. Conseguenze per il fruitore? Un soffermarsi altrettanto breve, una sollecitazione corta. Sennonché subentra l’attrazione del meccanismo riflettente e lampeggiante, di una terza dimensione che si impone con effetti di immobilità attenzionale. Ed è su questa che la deliberata frammentazione ritmica continua. Così, dopo la visita ad una esposizione delle opere scirpiane un ricordo rimane. Sì, lui, quelle. Ed è già qualcosa. Milano, ottobre 1978

PAOLO SCIRPA DI DEMETRIO PAPARONI 1977

L’arte di Paolo Scirpa, razionale ed in armonia con il moderno mondo tecnologico, ci offre un rapporto. Inizia con il verificare il nostro comportamento nel vederci restituita la nostra immagine speculare arricchita del contesto del “tutto” tecnologico che ormai invade la nostra quotidianità. Ingarbugliata tra tubi de neon, essa vive desiderio di rinnovare, o per lo meno verificare, lo spazio vitale che ci rimane. Il gioco degli specchi proietta nell’infinito del rapporto costitutivo spazio/tempo, un razionale ma armonico movimento di neon luminosi, che convergono in un unico punto, che sta al fruitore identificare quale il tutto o il nulla. Il richiamo ai valori del costruttivismo sono espliciti. “ Spazio e tempo sono le uniche forme su cui la vita è costruita e su ciò deve quindi essere edificata l’arte” (Naum Gabo – Antoine Pevsner dal manifesto del realismo 1920). Quindi rifacendosi direttamente a tale lezione Scirpa non misura il suo lavoro “con il metro della bellezza” e non lo valuta “con il peso della tenerezza e dei sentimenti”. Il colore scompare quale “impressione esteriore e superficiale, accidente che non ha niente in comune con l’essenza più intima dell’oggetto”.

Scompare la linea in quanto valore descrittivo perché “ la descrizione è un segno umano accidentale sulle cose…”. La finzione non ha più motivo di esistere perché la vita non conosce finzioni. E se provassimo ad entrarci dentro ai macro-tunnel di Scirpa? Dove ci porterebbero questi segni proiettati nell’iperspazio e dove flash della memoria e riflessioni, analisi e sensazioni, si accavallano, bisticciano, si fondono? Una prima conclusione, forse scontata e banale: le molteplici sensazioni provate, offerteci da Scirpa con carica di espressionista istintivo, testimoniano che siamo. Poi ancora, il rapporto macchina – natura, sentimento – tecnologia. E comportamento e riflessione si fondono in un’unica globale sensazione, la cui ultima ci avverte che basterà un attimo per dimenticare (nuovamente). Fagocitati dalla quotidianità continueremo a vivere tra le macchine, rischiando di meccanizzarci anche noi. Eppure le scatole meccaniche, contenenti specchi e neon, ci avvertono, provando la nostra potenziale disponibilità ricettiva. Vi è chiaramente intenzione didattica nel presentare l’opera quale dato contemporaneo. Il fruitore viene messo dinnanzi a nuove entità culturali che tentano di offrire una consapevolezza tramite i nuovi dati che toccano la percezione visiva. L’intendere estetico non si lega più alla prassi della interpretazione, ma a visualizzazioni legate prima solo alle discipline scientifiche. Nonostante i dati offerti al fruitore siano “oggettivi” (in quanto costituiscono la realtà tecnologica), essi stimolano il nostro essere “soggettivo”, invitandoci a delle riflessioni. In questo senso le macro-scatole di Scirpa hanno funzione didattica, il fruitore diventa co-autore, in quanto la lettura di questi lavori ne crea una parte. Nel contempo, “oggettivo” e “soggettivo” non hanno valore per Scirpa, che rifacendosi direttamente a Kazimir Malevic (quindi anche al suprematismo), crede principalmente nella “sensibilità” quale tramite per la rappresentazione artistica. L’uso di oggetti e della rappresentazione di essi è quindi superfluo. Il dato principale è dunque la sensibilità, che diventa dunque la chiave fondamentale per una corretta lettura di questi lavori, che non vanno analizzati “ sulla base della virtuosità della rappresentazione oggettiva, cioè della vivacità dell’illusione”, altrimenti “ non si potrà mai arrivare al piacere di fondersi col vero contenuto di un’opera d’arte” (Malevic) Perché Paolo Scirpa non usa i mezzi tradizionali dell’arte? La risposta ce la forniscono le stesse scatole d’acciaio, cartine al tornasole della nostra era, che fornisce nuovi mezzi. Non è la legge del più forte, bensì quella del più pratico. Invece di urlare si usa il megafono. La fotografia poi, costituisce da tempo un nuovo mezzo fondamentale per ottenere immagini che non necessitano più di tele e pennelli. Questo artista esprime il suo tempo. Tramite i neon ci offre il segno-luce tipico della civiltà tecnologica e consumistica, che li adopera per colpire la nostra memoria con piatte e fredde insegne pubblicitarie. Eppure, se i neon hanno tanta influenza sulla nostra psiche non è solo perché validi persuasori occulti, anch’essi frutto del nostro progresso, ne dispongono particolari combinazioni, bensì perché il neon, nonostante la propria freddezza tecnica, contiene in sé una potenzialità poetica notevole. Basta saper vedere.

La sensibilità di Paolo Scirpa è toccata dal problema del domani. Cosa avverrà Riusciremo a controllare ed eventualmente correggere l’iter delle evoluzioni/involuzioni che operiamo/subiamo? Le costruzioni meccaniche in cui sbizzarrisce notevole creatività usate quale stimolo, ripropongono al fruitore questa sua problematica, ben lontano però dal voler offrire un’etica che porti alla salvezza. La macchina quale accelerazione del divenire (in senso futurista) è valida, ma pericolosa. Rischiamo di perderci in essa, disintegrando la nostra essenza materiale e spirituale. Scirpa crede nell’anima e la difende. Siracusa, dicembre 1977

Espansione+traslazione a luci intermittenti, 1980. Legno+acciaio inox+neon colorati+specchi, 35x35x35 cm+base. Civica Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Ferrara

PAOLO SCIRPA DI MIKLOS N. VARGA 1976

Nel giro di sei-sette anni, Paolo Scirpa ha elaborato una “strategia dell’attenzione” incentrata su tre filoni: la città, colta a volo aereo e ridotta a essenziale planimetria di percorsi intrecciati; l’oggetto moltiplicato nell’accumulo di contenitori a perdere secondo la logica della società dei consumi; le ricerche di semiologia ottica, programmate seguendo la combinatoria strutturale delle forme primarie, realizzate in contenitori con luci al neon. Parallelamente egli ha tradotto queste ricerche in una serie di opere grafiche, dai “collages” polimaterici alla stampa (serigrafia, litografia, xilografia). La tesi “sociologica” di Scirpa, riguarda, passando dalle planimetrie cittadine al “processo di ricerca” attinente agli oggetti di consumo, l’ingombro alienante e tautologicamente irreversibile delle sovrastrutture che interferiscono nella realtà del vivere, mutuando prospettive e orientamenti a livello di incidenza “macrostrutturale”. Di qui l’oggetto prende connotazioni “altre”, ossessive, al punto di configurarsi alla nostra attenzione quale “macro-oggetto” dotato di autosufficienza comunicativa. Ora se esiste una retorica dell’oggetto, intrinseca alla prassi consumistica, ciò risiede nell’appropriazione feticistica del suo “valore” d’uso, in quanto merce scambievole dalla domanda all’offerta o viceversa. Ma il quadro non sarebbe completo se non venisse attribuita all’oggetto-feticcio un’altra proprietà: quella di rappresentare se stesso, assumendo un “ruolo semantico” contestuale alla retorica della comunicazione massiva. Sulla scorta di dati tecnologici e consumistici, Scirpa ha decontestualizzato l’oggetto-feticcio dall’area referenziale cui appartiene al fine di appropriarsene liberamente (anche ironicamente, attraverso la promozione a “macro-oggetto”) nell’ambito di un nuovo assetto strutturale (nel contenitore illuminato che moltiplica la specularità del contenuto). Così assistiamo alla messa in scena di oggetti risemantizzati: il movimentismo interno richiama al Futurismo (linee-forza simmetriche), mentre l’assemblaggio aggancia l’enfasi mercificatoria della Pop Art e del Nouveau Réalisme alla programmaticità delle ricerche cinetico-visuali. Però bisogna aggiungere che Scirpa non vuole affatto “ricuperare” per innovare; semmai il suo “programma iconografico” consiste nel fare esperienza per capire, individuando nell’accumulazione degli oggetti il senso di un’operazione alternativa, cioè di rifondazione metaforica degli elementi strutturali , come il ciclo “Semiologia ottica” (1975-76) evidenzia costruttivamente nel segno-luce che viene esemplificandosi nell’alternanza geometrica delle forme (cerchio, quadrato, rombo) e dei colori fondamentali (rosso, azzurro, giallo). Ed è appunto nella trascrizione grafica di questa “semiologia ottica” che Scirpa, come ha fatto

nei cicli precedenti, consegue sullo spazio-superficie del foglio le varianti otticopercettive della sua recente “Dialettica d’una idea”. Milano, maggio, 1976

IL GRANDE OGGETTO DI SCIRPA DI CORRADO MALTESE 23 GENNAIO 1976

Scirpa parla di macro-oggetti e mostra immagini; ancora: parla di immagini e mostra oggetti. Ha ragione in entrambi i casi, ma occorre precisare un punto: qual è il limite di un macro – oggetto? Cioè dove comincia una grandezza sufficiente a far sì che non si parli più di oggetti né di “micro-oggetti”, ma di “macro-oggetti” ? Per conto mio mi son data una risposta che sta a Scirpa e all’osservatore verificare: sono micro – oggetti quelli che entrano nell’ “oggetto” che Scirpa fabbrica e che chiama “macro”, ma che – Scirpa lo voglia o non - è l’Oggetto con la O maiuscola, è il Tunnel, è il Forno magico, o Crogiuolo o Abisso, dove si fonde l’immaginario col reale, il serio col giocato, il vero con l’illusorio, e l’Ambiguo trionfa sovrano non come “discorso”, ma come meccanismo immobile, eterno, senza tempo. Cosa sono infatti le scatole specchianti di Scirpa se non un Oggetto dove si pratica l’abolizione del limite tra il reale e l’illusorio? Cosa sono se non un Oggetto dove in perpetuo e senza remissione si apre la voragine di Dürrenmatt, l’abisso senza fondo, dove infiniti micro-oggetti, scatole, scatoline, barattoli, “cose” tipiche e proprie della nostra mitologia industrializzata, urbanizzata, consumistica precipitano in un ordine perfetto come in una via lattea perfettamente squadrata e scandita senza principio né fine? Stesso discorso per le superfici “double face”: due voragini invece di una e persino reversibili e magicamente coincidenti: la trasparenza unidirezionale torna a diventare bidirezionale, ma con un effetto doppiamente ambiguo, doppiamente abissale. La proiezione nel vuoto come proiezione infinita nel nulla: l’Essere come essere del Nulla. Stesso discorso - ancora – per i cerchi-luce, i rettangoli-luce, i quadrati-luce: sono anche questi “micro-oggetti ? Certo, questa volta il micro-oggetto si avvicina all’ “Oggetto”, tocca i suoi confini lo attacca e lo comprime dall’interno (una “compressione” alla rovescia!) mettendolo in crisi, e, forse, si identifica con esso: è la luce che disegna il buio o è il buio che disegna la luce? La Voragine è una sottrazione dal pieno-luce o è un pieno – luce che sottrae vuoto – buio e lo definisce, lo circoscrive, lo fa essere? Forse, ecco, il Grande Oggetto si

identifica con la Grande Luce, è il grande Ambiguo. Come il Nulla dell’Essere o l’essere del Nulla. Ma se lo spazio-luce simula se stesso prolungandosi in una auto- immagine infinita, la simulazione è, proprio per questo, totale ed irreversibile. Mi è capitato di sostenere un mese fa a Varsavia, al XXVII Congresso dell’AICA, che il carattere dominante e futuribile oscilla tra creazione pura come metafora microcosmica dell’avventura dell’Essere e iconismo ipericonico. Anche il Grande Oggetto di Scirpa può essere visto come la sede di un iconismo ipericonico, come la metafora di un auto- rispecchiamento infinito dell’Immagine. Ho posto solo un’ipotesi semantica: a Scirpa verificarla, come ho già detto, e ancora svilupparla e articolarla tra l’Essere- senza- tempo e il Futuribile. Roma, 23 gennaio, 1976

ACCUMULAZIONE ASTRATTIZZANTE E DINAMICA VISIVA DI PAOLO SCIRPA DI ROBERTO SANESI 1975

Presentando se stesso, nel 1972, alla Galleria San Fedele di Milano, Paolo Scirpa dichiarava, fra l’altro, che scopo del proprio lavoro era “tentare di esprimere… il fenomeno tecnologico che coinvolge l’intera società” – un’intenzione tanto chiara, diretta, quanto decisamente generica, essendo raro che un artista (della natura di Scirpa, almeno) possa rinunciare, nonché evitare d’affermarlo, a un rapporto socio-ambientale, sia pure di riflesso. E chiunque si sia occupato del suo lavoro (Fagone, Fiori, ecc.) ha accettato questa prospettiva di base elaborandone criticamente i risultati con riferimento a una strutturazione urbanistica, architettonica, geometrica, ecc., delle immagini poste in gioco. Immagini che, per un certo periodo, se assunte a referenti di società consumistica, simboli alienanti di un confuso accumularsi di false necessità, reperti iconografici di un tecnologico scaduto a mezzi di benessere assai marginali per quanto ben confezionati (e in effetti non è mai il “cosa” ma il “come” che viene evidenziato), dovrebbero ricadere nell’ambito, già usurato della pop. Diciamo, per lo meno, che l’armamentario è apparentemente questo, ma tutto esterno, relativo non al prodotto ma alla sua presentazione, dalla scatola all’impostazione grafica, dal colore alla scelta dei caratteri – e si tratta già, a mio parere, di un segno piuttosto significativo di una certa distinzione dall’atteggiamento pop canonico, tanto che appunto anche a livello compositivo o pittorico viene evitata qualsiasi deformazione o gestualità o impazienza di lontana suggestione espressionistica a favore di una dizione fredda, rigorosa caso mai più attinente a una sorta di optical oggettualmente risolto.

La prima caratterizzazione del lavoro di Scirpa è dunque in un uso inatteso di materiali pop – in un uso che li depriva di ogni aggressività simbolica pur non negandone affatto il senso, in un uso che li sposta, visivamente, in un’area del tutto diversa, e che, in ultima analisi, tende ad astrattizzare. Al punto che i risultati più convincenti, fra il 1973 e il 1974, non solo dipendono in modo coerente dal notevole esercizio grafico perseguito da Scirpa in anni precedenti e su immagini estranee alla tematica prima evidenziata, ma ne conducono avanti l’esperienza denotando un passaggio (essenziale per la sua comprensione) da composizioni impostate su moduli di strutturazione astratta a composizioni in cui acquista peso e ragione il tentativo costruttivo o, secondo la definizione dell’artista, poli-oggettuale. Nulla cambia, in realtà nella strutturazione di un’opera – se nelle opere grafiche lo sconfinamento circolare, con il convergere al centro di linee e masse di forza, accentuava la volontà dinamica, ora a tale volontà dinamica si aggrega una volontà costruttivista, e il centro, punto focale dell’immagine, è dato da un approfondimento prospettico. Da cui, di conseguenza, gli accenti posti dalla critica sull’idea di architettura, e quelli posti sull’idea di architettura, e quelli posti sull’idea di urbanistica – idea che proviene, certamente, anche dalla suggestione offerta dal materiale pop, con i suoi rimandi consumistici e tecnologici. E’ a questo punto che le due tendenze in gioco, prima organizzate in modo equilibrato, sembrano entrare in conflitto. Se da un lato Scirpa è spinto ad accentuare il senso dell’accumulazione disponendo le sue composizioni su una superficie riflettente in modo da ottenere una moltiplicazione centralizzata (è qui che si chiarisce l’intuizione “urbanistica” rilevata dalla critica) , quasi punto di fuga che avvalora a livello simbolico una lettura “contenutistica”, dall’altro comincia a sostituire i materiali più carichi di allusività di tipo più o meno sociologico con elementi del tutto estranei ad una possibile interpretazione in chiave di denuncia, per altro ambigui e già in precedenza privati, per la rigorosa disposizione grafica, di una violenza diretta. Ciò che interessa l’artista, sulla base delle esperienze tentate, è certamente ancora un aspetto definibile come tecnologico – non più, però, come metafora di una condizione, ma come mezzo espressivo diretto ed autonomo, in grado di ottenere e riferire un meccanismo delle immagini, una serie di mutazioni di figure geometriche elementari (il cerchio,il quadrato, il rombo) e una loro moltiplicazione prospettica. Giunto così al recupero, per vie diverse se non traverse, di un’arte cinetica, Scirpa sa di aver toccato e di sperimentare una fase probabilmente transitoria del proprio lavoro – il che non significa che si tratti, come potrebbe apparire, di un “ricominciare da capo”. Se è vero che non esistono punti d’arrivo soddisfacenti nella ricerca di nuovi mezzi e di nuove finalità, nella ricerca estetica, il lavoro attuale di Scirpa è da considerare un momento di riflessione e di prova, più che una verifica. E non è poco. Milano, aprile 1975

PAOLO SCIRPA: RIQUALIFICAZIONE DEL MODULO PUBBLICITARIO DI DOMENICO CARA 1974

L’anatomia dell’oggetto come verifica dello stile pubblicitario di un contenitore, ha trovato in Paolo Scirpa un nuovo ideografo estremamente razionale, antiromantico, che si porta sulle attitudini di un dadaismo il quale – attraverso i relitti del consumo pubblico e privato - rimette in causa le cose collettive, un approssimativo ottimismo della sopravvivenza dell’immagine nella sua postuma inutilità. Egli si serve di scatolette svuotate dai rollini fotografici, di flaconi e contenitori farmaceutici, prodotti dalle più strane sigle pubblicitarie e dalle più fantastiche e ordinate colorazioni, con alfabeti del marchio di fabbrica, usati, la cui assuefazione pubblica in effetti non potrebbe riuscire a promuovere delle categorie a-posteriori della bellezza della forma e dell’invenzione marketing. Il meccanismo del consumo (è ciò che Scirpa vuol dimostrare con le ambientazioni di minicontenitori) può diventare un avvenimento estetico organizzato in una dimensione di realtà diversa, riassunta a elemento di immagine geometrica, rivivente nella serialità produttiva e intanto continuità di cubi e di parallelepipedi, variabili per cromie e segni di manualità grafica e pubblicitaria, ma coordinati in un accogliente modulo di operazione inventiva, capace di diventare la cospicua tentazione euritmica per una realtà figurativa e ottica inedita, la forma di un linguaggio umano senza equivoci o enigmi mentali. Di tutta una serie omogenea di flaconcini egli ne coglie l’aspetto analitico, il messaggio sommario, organizzato in discorso continuo, obbiettivizzante, non fraintendibile. Un medium contemporaneo e visualistico, la cui destituita funzione di piena naturalità, è riportata come schema superstite di esistenza comune ai fasti dell’arte e dell’immaginazione grafica, con una ricchezza di vibrazioni, un’indagine non solo linguistica ma di coscienza dell’uomo, il cui rigorismo non è mai abbastanza negativo per riscoprire l’emblematicità degli eventi speculativi in atto e la possibile comunicazione dell’ambiguità quando essa si ambienta nell’area della rappresentazione simbologica, in quella fase rivelativa che da oggetto inutile e svuotato delle proprie morfologie interne, diventa geometria dei fatti tecnologici e dell’industria, della programmazione di un’epoca, la quale riscopre i limiti medesimi dell’obsolescenza di un oggetto, la sua felice scacchiera dalla quale emergono inesorabilmente le forme collegate a un emblema pubblicitario, pronte per un gioco orgiastico o una divertita e imparziale utopia. Paolo Scirpa fonda così una tensione descritta a larga istituzione esecutiva, verifica la ricostruzione di valori corrispondenti sia alla gamma delle colorazioni, sia al documento malizioso e prospettato nella misura di una ristrutturata soluzione plastica (non statica dell’universo industriale).

Poiché il mondo prolifera di emozioni disumanizzate e di essenze semiotiche nell’elaborazione d’immagini, di maschere, di superfici straordinarie, questo aspetto di una ossessione ludica e direttamente organizzata al di là dei problemi di consumo, promuove la dinamica di una integralità variata o ripetitiva, con un’originale stratificazione di sezioni espressive, gli stereotipi di un mondo moderno che progetta, produce e infine annulla. Scirpa – già promotore di interessi costruttivi e grafici a livelli urbani e di proporzionali habitat – richiama questa possibilità di rapporto estetico con una suggestione psicologica o indicativa, cui potremo accostare i tessuti musicali di Luciano Berio (Sequenze per flauto e Scambi musicali di Henry Pousseur come formulazioni estetiche di campo di possibilità della forma di uno spazio). C’entra la banalità, la presenza dei segni e delle forniture quotidiane, non deteriorati per fare del new-réalisme a buon mercato, rimitizzando ironicamente gli elementi del destino civile e l’alienazione della bellezza diventata lusinga per via di persuasori occulti. La mitologia di tale spettacolo è reinserita attraverso un’acquisizione consumistica e un processo intellettuale, quasi metafisico, indeformabile, legato all’evocazione che ancora ispira il senso della realtà e la purezza della denuncia moltiplicata, brulicante tuttavia di eventi minimi e integrati in un tessuto poetico di armonia visiva e di corrispondenti trasparenze singolari. Un’idolatria non convenzionale di certo, i cui effetti non permettono un uso soltanto demistificatorio o interrotto. Milano, febbraio, 1974

PAOLO SCIRPA DI CARLO MUNARI 1972

La disposizione all’environnement di Paolo Scirpa è sollecitata da una precisa istanza sociologica, dalla volontà cioè di smascherare l’ “ordine” assurdo che irretisce l’uomo contemporaneo, mutilandolo della sua stessa qualità, riducendolo anzi, per usare il titolo del famoso saggio di Marcuse, a una dimensione. Perché è giusta prerogativa della civiltà d’oggi quella di camuffarsi in una divisa all’apparenza razionale, alla quale è assegnato l’ufficio di estremo alibi. Scirpa vi reagisce lucidamente, quasi elevando un appello per la salvazione della superstite humanitas, e lo fa da artista consapevole della efficacia che rivestono, ai fini della comunicazione di massa, non soltanto i

media e i materiali di largo consumo ma anche la loro disposizione nel campo spaziale urbano. Va da sé che egli si è impegnato per lungo tempo in una ricerca orientata sulle possibilità espressive degli elementi geometrici elementari e delle loro combinazioni, ricerca tuttavia che ha fornito esiti degni di nota in quanto non isteriliti nei limiti di una esercitazione alla fine accademica – com’è accaduto a non pochi esponenti della Nuova Tendenza – ma riscattati bensì da un esprit de géométrie che rivelava dell’artista una partecipazione emotiva per repentini scatti emozionali, per interventi segnici o cromatici attestanti l’insorgenza di una inquietudine, di una insofferenza o comunque d’una volontà di fare echeggiare una propria voce interiore. Ma è al culmine di tale ricerca che Scirpa ha potuto portare a compimento quei macro-oggetti nei quali può esercitare la sua critica sociologica: una denuncia raggelante nella sua ironia, come nel caso di quell’organismo realizzato con le scatole per confezioni dei prodotti di massa, il quale risuona a mio giudizio come metafora della megalopoli consumistica, là dove, appunto, si attua il trionfo della falsificazione del razionale. Una denuncia, è da aggiungere, che accresce la propria facoltà d’incidenza a livello collettivo in relazione all’intonazione demistificatoria di cui è nutrita. Levigatezze plastiche, splendori di acciai, specchi ossessivi di smalti e di acrilici, luminescenze improvvise: tutti questi elementi emblematici di un cosmo dominato dalla tecnologia incontrollata e dallo spurio suo figlio, il consumismo, vengono da Scirpa adottati per “costruire” i suoi congegni, cadenzati anche essi nel rigore geometrico che esige la “galera del benessere”. Si tratta di un ordito preciso sino all’ossessione, di un ordine calcolato fino all’esasperazione. E poi? (Anche Ruskin, dopo un’ampia diagnosi della situazione urbanistico-architettonico-sociologica del suo tempo, in “Le Sette Lampade dell’Architettura” si chiedeva: Che avverrà dopo?) Scirpa non può dare una risposta: a lui è concesso soltanto di far risuonare un allarme a monito degli uomini civili e perciò pensosi del proprio e dell’altrui destino. E tuttavia questa risposta egli l’adombra nel momento in cui inserisce nel parco due eleganti, lievitanti, quasi aerei congegni di plastica, l’un verde e l’altro rosso, in un gesto che conserva un margine di ottimismo, o di speranza, volendo indicare nell’armonia fra la tecnica e la natura – fra natura naturalis e natura artificialis – l’unico approdo possibile, l’unica mèta da perseguire. Un gesto sul quale occorre invitare alla meditazione. So bene che l’opera di Paolo Scirpa meriterebbe un vaglio ulteriore, soprattutto per quanto concerne la sua capacità di identificare i materiali in relazione alle loro intrinseche facoltà evocative e di idearne le forme in conseguenza mai trascurando la logicità della proposizione e, si dica pure, l’eleganza formale della sintassi. Ma premeva, in questa sede, piuttosto, dar conto della significazione complessiva dell’opera. Mi limiterò quindi, in conclusione, ad osservare che il discorso di Scirpa è attuale. E che è anche discorso complesso, articolato in una pluralità di ipotesi operative. Ma che è soprattutto un discorso obbligante, nel quale la maturità linguistica dell’artista coincide colla sua qualità etica.

Milano, novembre 1972

PAOLO SCIRPA: PROCESSO DI RICERCA DI PEDRO FIORI 1972

La dinamica del “processo di ricerca” che Paolo Scirpa presenta in questa personale implica alla base della sua immagine –l’ “Habitat” – una unità di convergenze che include componenti strutturali e percettive, disposte geometricamente in centri visuali alternanti. Ciò investe da alcuni anni la sua intenzionalità operativa. L’origine di tale continuità semantica si può infatti far risalire in lui ai “Soli” del 1966 in cui è possibile trovare già, ancora però a livello di proposta elementare, le qualità fondamentali del suo “Habitat”, cioè quel “modulare” di strutture-segni che Scirpa è venuto totalizzando da allora. Operazione la sua, che ha riguardato l’approfondimento problematico e informazionale dell’immagine e al tempo stesso le esperienze compiute in tal senso su diversi materiali. Un ordine di comunicazione quindi che è passato da una sintesi astratto-visiva sul piano (l’Habitat) alle “Strutture intercambiabili”in legno, alla funzionalità ambientale del macro-oggetto (la “Scatola-struttura polioggettuale” esposta nel gennaio scorso alla Galleria San Fedele nella mostra “L’oggetto posseduto”, proposta che documentava le contaminazioni condizionanti, ma storicamente valide, della nostra civiltà tecnologica e consumistica ), al concettualismo (Dialettica d’una idea). Bisogna dire che questa concezione situazionale dell’indagine era già presente in Scirpa quando ampliava il suo dialogo nel campo della grafica – in cui egli ha lavorato a lungo, mettendo in risalto creatività e perizia – ed è stata infine enucleata attorno a categorie indispensabili alla sua comunicazione. Dalla grafica deriva appunto la costante di ricerche interattive che Scirpa ha sviluppato in seguito come strumento di aperture e significatività totalizzanti. Scirpa ha riunito qui una serie di opere concernente quasi tutte le fasi della sua ricerca. Dai dipinti, connotati in prevalenza sul cerchio e talvolta sul quadrato, ai lavori su metallo (acciaio inossidabile) dove utilizza anche lo sfondo della superficie riflettente. In tutti d’altra parte, si manifesta con evidenza il rigore di una materia timbrica, piatta (blu,verde,rosso,nero, grigio). Dalle opere in alluminio, rapportate a una interazione tra il segno inciso e la virtualità speculare dell’immagine, alle impressioni a secco, al “progettualismo” concettuale della “Dialettica d’una idea”. Penso che le interferenze strutturali di questo “Habitat”, di questa sua, direi,

“topologia metamorfica ed emblematica”, hanno condotto Scirpa a visualizzare una sorta di iconografia dell’urbanistica e dell’architettura, iconografia che la sua immaginazione ha portato dal livello di verifica a quello artistico di metafora poetico-visiva. In fondo, quella di Scirpa, è una volontà di partecipazione ai problemi e alle conseguenze che affronta l’uomo all’interno del gigantismo di certe città oggi. Una comunicazione dunque rispondente ai fatti di una storia vivente. Milano, marzo, 1972

PAOLO SCIRPA DI VITTORIO FAGONE 1969

Sono ormai alcuni anni che Paolo Scirpa centra, quasi in maniera elusiva, il suo interesse sul mondo della grafica preoccupandosi più di raggiungere una vitale e progressiva determinazione espressiva che di misurarne estensioni di relazione (o efficacia). A questa prima personale a Milano l’artista arriva così maturo di una esperienza di circa duecento incisioni e l’esposizione, per quanto sommaria ed esemplificativa, vale come verifica di una direzione di lavoro, di una scelta – di mezzo e di poetica - non fortuita né ovvia. Evidente, e dominante, in questi fogli è una viva tensione verso una immagine attiva: Scirpa si vale di temi compositivi classici, come l’iscrizione e il confronto di cerchio e quadrato, non in una prospettiva ottica, non per una “conservazione” dell’immagine ma per una dinamizzata “costruzione”. Il “modulo” è sviluppato e potenziato dall’accumulo di materiali (il linoleum è impiegato per un trasporto singolare di elementi formativi misurati nello spazio sperimentale di un’unica tiratura) e l’immagine risultante appare riconoscibile non per una particolare sopravvivenza o disposizione ripetitiva ma per lo stabilirsi di un nuovo centro d’attenzione. L’uso di campi geometrici disuguali e concentrici, l’ambiguo sparpagliamento di un campo di visione dichiarato da elementi concorrenti ma non identici seguono il senso di quelle variazioni con le quali l’occhio vede – ma piuttosto trasforma, legge – superfici, spessori, ordini, relazioni di un ambiente dal quale un’individuale realtà non è separabile. Scirpa appare così legato al mezzo che adopera come a un “tramite dell’immaginazione”, un percorso nel quale cerca di approfondire conoscenza del mondo, movimenti e motivazioni di un’interna, accesa creatività. Milano, ottobre 1969

GLI ATTIMI DEL TEMPO DI GABRIEL MANDEL 1969

L’angoscia del tempo va distruggendo ogni sapore di vita che il tempo ci ha dato controvoglia quando la civiltà contemporanea ha inventato la velocità. Oggi il far presto consuma; ma questa corsa la si può cristallizzare franando l’angoscia stessa in un’opera che non ne sia turbata. La calma compositiva, la costruzione ferma e monumentale e il senso immanente del nostro volgere precipitoso mi vengono d’un subito suggeriti dalle silografie pluripolicrome di Paolo Scirpa. Suggeriti a quell’esame fugace che il tempo mi concede, ma il loro discorso mi fa trovare il volgare del giorno necessario per goderne più profondamente. Ne traggo allora conoscenza di un universo esterno, reale di là dal nostro orizzonte, e di un universo intimo creato. L’andamento cosmico, universale, delle pittografie diagrafiche può venir sottoposto semanticamente dall’insistenza del cerchio espanso al quadrato della periferia totale, cifra cara e ricorrente per Paolo Scirpa. L’idea del caos può venir desunta dal formicolio dei grafemi a una prima occhiata, subito corretta dalla più attenta visione nello scoprimento della coordinazione segnica, della partizione dei colori e dei valori. Queste considerazioni possono risultare, ad una analisi più voluta, troppo semplicistiche; si potrebbero dire “romantiche”. Ciò non va scartato. Se un complesso non figurativo dà immediate sensazioni spirituali, mostra di racchiudere in sé valori d’arte effettivi, transuperando calcolo e tecnica. Infatti le opere di Scirpa si presentando complete: hanno evidente questa loro qualità, sottolineata dal variare dei temi e delle situazioni, dalla ricchezza del concetto e dal mutarsi in sé che tempera l’apparente uniformità dell’impostazione circoloquadratica. La maturità qualitativa e l’onestà delle ricerche sono evidenti se si pone ancora attenzione alla strutturazione tecnica di queste immagini: silografie a più tavole, di perfetto registro e perciò di esecuzione accurata, in cui la tiratura sussegue alla tiratura con un sovrapporsi di colori studiato, difficile ma pienamente dominato, corretto a prima stesura, senza risentimenti. Architettura formale che conclude una ben più lunga formazione pratica lunga, laboriosa, fatta di ricerca nel difficile, senza concessioni al banale, all’artificio, all’effetto immediato. Ne risulta che nelle sue formulazioni Scirpa è completo, valido. E’ testimone del suo tempo quel tanto che gli consente d’essere collocato in un tempo definito, di rappresentare, non di sopravvivere nell’ambiguo. Ha un mondo ricco di colori

prismatici, di strutturazione perfettamente inventata e rinnovata di continuo: un caleidoscopio di universi fantastici. Traccia queste ideazioni sue, le conduce dal proprio intimo alla vita esteriore del mondo, arricchendoci dei suoi concetti e proponendoci di continuo l’aggiornamento della nostra conoscenza con l’evoluzione della sua natura fantastica eppur coordinatamente concreta. Milano, settembre, 1969

LE PAGINE INCISE DI PAOLO SCIRPA DI ANTONINO UCCELLO 1967

Certo c'è ancora chi ricorda la serena quiete della riviera ionica, tra Augusta e Siracusa, di rocce a picco e di coltri di sabbia e larghe braccia di mare su scogli e tonnare, tra distese di aranci e pale di fichidindia, come nell'alone di certe stampe settecentesche, in cui i "pastori aretusei" tra ruderi di templi fischiano nei loro zufoli di canna come personaggi di un Idillio di Teocrito. Poi, d'un tratto - sono pochi anni - il paesaggio cedette come sotto la furia di un cataclisma: le trivelle affondarono le zanne nel sottosuolo e rapinarono le fresche polle agli aranceti, i fichidindia crollarono dai loro confini e si levarono al cielo gotiche nervature di acciaio, torce e roghi perenni di gas come in una apocalisse. Quale potrebbe essere la condizione di un pittore, vissuto alla periferia di Siracusa, quando sotto i suoi occhi ha visto torcersi e schiantarsi alberi, muri, erbe, luci e fantasmi che da anni è andato inseguendo e segnando nel suo taccuino di artista? Pare che Paolo Scirpa abbia avuto in sorte la stessa vicenda della sua città, coi suoi rivolgimenti, contraddizioni, barlumi, foschie. Basta guardare i primi disegni del pittore siracusano: l'agile segno delle "pale" dei fichidindia, così arioso nel suo nitore naturalistico, cede via via il passo a un tratto più secco, di nervoso risentimento. La composizione delle sue lastre incise s'infittisce nel disegno delle "cattedrali" d'acciaio sulla solitudine della campagna, o di certe assurde topografie di città morte: un caos edilizio - proprio sul corpo della Magna Grecia - in cui tuttavia s'inseriscono, forse con valore emblematico, precise celle alveari, quasi un messaggio per un ritorno al razionale, all'uomo. Spesso la pagina incisa di Scirpa è chiusa in una circonferenza che sembra roteare come un sole, ma a vuoto, un sole spento o un magma di ferro e zolfo, come se in questi astri si fosse scatenata una di quelle tempeste che sconvolgono l'equilibrio dell'ago magnetico e delle maree. A volte è un sole pietrificato, di cui appena s'individua l'intersecarsi dei bronchi consunti - stonate tastiere di un clavicembalo in rovina. Eppure dalle trame torbide di queste

incisioni, da questi labirinti, Paolo Scirpa cerca di venire a capo. E contro l'irrazionale torre di Babele, l'artista siracusano pensa forse al lavoro, alla casa, alla polis dell'uomo, dell'humanitas, dentro la primigenia luce dell'Ionio. Palazzolo Acreide, 1967

 Paolo Scirpa / Biografia

http://www.paoloscirpa.it/index.php?disp=home

Paolo Scirpa nasce a Siracusa nel l934; dopo gli studi artistici in Sicilia, frequenta l’Accademia di belle arti di Salzburg, animata culturalmente da Oscar Kokoschka e lo studio di J. Friedlaender a Parigi. Nel 1965 e, successivamente, nel 2000 partecipa alle edizioni IX e XIII (Proiezioni 2000) della Quadriennale Nazionale di Roma. Nel 1968 si trasferisce a Milano, dove collaborerà con Luciano Fabro all’Accademia di Belle Arti di Brera e dove sarà, più tardi, titolare di una Cattedra di Pittura; nel 1969 tiene la sua prima

personale alla galleria L’Agrifoglio, presentato da Vittorio Fagone; nel 1972 espone, alla Galleria S. Fedele, Megalopoli consumistica, un’opera di denuncia sociale. Negli anni ’70 avvia la realizzazione di opere che vengono definite Ludoscopi: attraverso un sistema di specchi e tubi fluorescenti e il gioco combinatorio di elementi minimali, essi propongono la percezione di profondità infinite, in cui “si pratica l’abolizione del limite tra il reale e l’illusorio” (Maltese, 1976). In alcuni ludoscopi egli realizza raccordi illusori che creano uno spazio plastico curvo; in altri il raccordo seminterrato è praticabile; altri ancora sono di struttura cubica. Scirpa trae spunto anche dal Manifesto tecnico della Scultura Futurista di Boccioni, che aveva teorizzato la possibilità di impiego della luce elettrica nell’opera d’arte e si proietta a sperimentazioni in cui il colore non è più dipinto, i volumi non sono più scolpiti e la luce diventa opera essa stessa. Conosce esponenti del MAC, tra cui Bruno Munari ed entra in contatto con i gruppi dell’Arte cinetica, come il GRAV a Parigi o il Gruppo T a Milano. Sollecita l’attenzione anche di studiosi come il cibernetico Silvio Ceccato. Dal 1977 opere di Scirpa sono presenti annualmente fino al 1991 nella sezione cinetica del Salon “Grands et Jeunes d’aujourd’hui” al Grand Palais des Champs-Elysées di Parigi. Negli anni ’80 sviluppa i suoi primi interventi progettuali sul territorio che saranno presentati nel 2004 alla mostra Utopie della città presso la biblioteca dell’Accademia di Brera. Nel 1982 il Symposium de Sculture di Caen (Francia) sceglie il progetto di un suo ludoscopio per la Bibliothèque Municipale. Tiene diverse mostre personali, tra le quali, alle gallerie Arte Struktura, Vismara Arte di Milano, al Palazzo dei Diamanti di Ferrara, alla Galleria Civica d’Arte Moderna di Gallarate ed allo Studio d’Arte Valmore di Vicenza. Nel 1985 è presente a Roma alla mostra di Palazzo Venezia Artisti oggi tra scienza e tecnologia e ad altre manifestazioni sullo stesso tema in Italia ed all’estero, tra le quali, nel 1990, al Politecnico di Milano, nel 1995 al Futur Show di Bologna, nel 1996 all’Accademia di Brera a Milano Convegno Arte, Scienza e Tecnologia; inoltre partecipa a rassegne sulla Patafisica, alla Triennale di Pittura di Osaka e nel 2003 al Museo Bargellini a Pieve di Cento (Bo) Luce vero sole dell’arte, nel 2006 alla galleria del Credito Siciliano di Acireale Sicilia!, nel 2008 allo ZKM di Karlsruhe (Germania) You ser: Das Jahrhundert des Kosumenten ed al Landesmuseum Joanneum di Graz (Austria) Viaggio in Italia, nel 2009 a Berlino presso la Rappresentanza del Baden-Württemberg alla mostra del Museum Ritter ed a Cordoba (Argentina) presso il Museo Jenero Perez alla mostra Echi futuristi ed allo ZKM di Karlsruhe, mostra Collectors’ Choice II. Nel 2012 è presente alla mostra Arte programmata e cinetica presso la Galleria d’Arte Moderna di Roma dove è installata in permanenza una sua opera luminosa. Dal 2013 sue opere pittoriche fanno parte della Collezione Farnesina, raccolta d’arte contemporanea del Ministero degli Affari Esteri. (Roma). Nello stesso anno partecipa alla mostra Percezione e illusione presso il MACBA di Buenos Aires. Nel 2014 completa due nuove opere La porta stretta, la cui prima versione risale al 1999, l’una con fondo oro, l’altra su un tabellone consumistico, ambedue con l’inserzione di una struttura di luce triangolare a profondità ascensionale. Nel 2015 partecipa alla mostra Moderna Magna Graecia a cura di Francesco Tedeschi e Giorgio Bonomi presso FerrarinArte di Legnago. L’INDA Istituto Nazionale del Dramma Antico di Siracusa gli affida la realizzazione del nuovo manifesto degli spettacoli classici del 2015. È presente a Missoni - L’Arte - Il Colore al MAGA di Gallarate.Nel 2016 partecipa alla mostra itinerante The moving eye presso il Muo Musej di Zagabria, e Centri e Istituti Culturali di San Paolo, Brasilia e Panama. In occasione del 25° Festival della Musica di Milano, dedicato a Gérad Grisey Intonare la luce, immagini di sue opere luminose vengono utilizzate per illustrare il libro di sala e per lo spot pubblicitario su SKY classica. Il Museo del Novecento espone un Ludoscopio – Pozzo, 1979 facente parte della sua collezione. Partecipa alla mostra itinerante The moving eye presso il Muo Musej di Zagabria, e Centri e Istituti Culturali di San Paolo, Brasilia e Panama . E’ presente alla mostra Interrogare lo spazio a cura di Luigi Meneghelli presso Ferrarin Arte a Legnago (Vr). Tiene mostre

personali allo Studio Arena di Verona La luce nel pozzo, a cura di Marco Meneguzzo per cui, nel pozzo che noi vediamo creato dagli specchi e dai neon, Scirpa “…mette in scena la finzione nello stato più puro” ; a Rosso Vermiglio di Padova, Labirinti di luce a cura di Vittoria Coen che vede nel Ludoscopio “…un invito alla riflessione, … un lasciarsi andare per pensare, …”, ed a ArteAGallery di Milano, L’infinito possibile a cura di Francesco Tedeschi che afferma: “…Gli elementi portanti della sua opera, nelle diverse forme che essa assume, sono la luce e lo spazio,.. la luce come strumento di colore e di forma è ad essi essenziale: una luce che concretizza le geometrie, genera figure formali in grado di attrarci e condurci in una profondità,…in uno spazio senza dimensioni..” Nel 2017 RossoVermiglioArte di Padova presenta una sua personale alla ArteFiera di Bologna. Alle Fabbriche Chiaramontane di Agrigento si inaugura una sua personale “La forma della luce–La luce della forma” a cura di Marco Meneguzzo che sottolinea come “la forma della luce…trascende questa fisicità e diventa sostanza immateriale, diventa la luce della forma….,” Successivamente al MACA di Acri partecipa alla mostra “Arte interattiva” a cura di Monica Bonollo e nel 2018 a Torino, Museo Ettore Fico, “100% ITALIA”, Cent’Anni di Capolavori. Nel 2019 realizza una mostra personale a Milano, Gaggenau hub, “Sconfinamento” a cura di Sabino M. Frassà che sottolinea come “l’artista ha indagato, sperimentato e simulato l'assenza di limiti, lo “sconfinamento” appunto”. Partecipa a Senigallia alla mostra “Materie Prime – Dalla terra alla luce”, a Waldenbuch, Museum Ritter “1919-2019” e a Pontedera “Arcadia e Apocalisse”. Nel 2020 è presente alla Biennale Light di Mantova, Elogio della luce. Negli ultimi anni Scirpa realizza, con rigore geometrico e spirito innovativo, due opere scultoree in marmo bianco di Carrara ed in legno laccato bianco che evocano il Teatro greco di Siracusa: in esse le gradinate della cavea si raddoppiano, diventando circolari e sono rivolte anche all’esterno. Recentemente ha realizzato una struttura al neon che ricorda il Teatro greco, il cui progetto risale all’anno 2000. In un momento storico come il nostro in cui si manifesta la convivenza di vari linguaggi e l’artista può rivisitare esperienze passate, egli recupera il suo linguaggio delle prime denunce consumistische o quello sperimentale del mezzo elettronico e, nel proporre i suoi percorsi prospettici di spazi-luce, offre oggi nuove possibilità espressive su cui riflettere. Sue opere sono in collezioni e musei tra i quali MAGA (Gallarate), Museo del Novecento (Milano), Civiche Raccolte Bertarelli - Castello Sforzesco (Milano), Biblioteca di Brera (Milano), MACTE Museo d’Arte Contemporanea (Termoli), MART- VAF-Stiftung (Trento e Rovereto), Museo MAGI ‘900 (Pieve di Cento), MAPP Museo d’Arte Paolo Pini (Milano), Musée des Beaux-Arts (Caen), Museum Ritter (Waldenbuch), Museo Civico d'Arte Contemporanea (Gibellina), Museum (Bagheria), Fabbriche Chiaramontane (Agrigento), Galleria Nazionale d’Arte Moderna (Roma), Gallerie d’Italia (Milano). Ha realizzato opere per spazi pubblici e chiese: nel 1965, un grande mosaico al Centro Internazionale del Movimento dei Focolari a Rocca di Papa (Roma) e uno all’Auditorium del Centro Internazionale di Loppiano (Fi) e dei dipinti nella Chiesa del D. P. a Cernusco sul Naviglio (Milano) dove sono stati installati anche suoi Ludoscopi sopra l’altare e il Battistero.

Sono stati pubblicati cataloghi e riviste specializzate, con testi di noti critici che hanno dedicato saggi e annotazioni critiche:

Riccardo Barletta, Pietro Baj, Carlo Belloli, Luigi Bianco, Sandro Bongiani Guglielmo Boselli, Giorgio Bonomi, Rossana Bossaglia, Ginevra Bria, Domenico Cara, Luciano Caramel, Silvio Ceccato, Jacqueline Ceresoli, Claudio Cerritelli, Cesare Chirici, Vittoria Coen, Andrea Del Guercio, Mario De Micheli, Marina De Stasio, Giorgio Di Genova, Gillo Dorfles, Vittorio Fagone, Ornella Fazzina, Pedro Fiori, Carlo Franza, Sabino Frassà, Carmelo Genovese, Flaminio Gualdoni, Sara Liuzzi, Annette Malochet, Corrado Maltese, Gabriel Mandel, Giorgio Mascherpa, Luigi Meneghelli, Marco Meneguzzo, Marta Michelacci, Bruno Munari, Carlo Munari, Antonio Musiari, Daniela Palazzoli, Demetrio Paparoni, Francesco Poli, Pierre Restany, Roberto Sanesi, Giorgio Segato, Carmelo Strano, Luigi Tallarico, Francesco Tedeschi, Carlo Terrosi, Maria Torrente, Antonino Uccello, Miklos N. Varga, Alberto Veca, Francesco Vincitorio, Maurizio Vitta, Emanuele Zucchini. É stato docente all’Accademia di Belle Arti di Brera. Vive ed opera a Milano.

L'INTERVISTA DI GIOVANNI BONANNO, 2010 PAOLO SCIRPA: ALLA RICERCA DELL’INFINITO

G.B. Come nasce P. Scirpa artista, quali sono le origini della sua ricerca? P.S. Ho iniziato a studiare pittura fin dall’adolescenza. Dopo aver completato gli studi artistici, ho soggiornato negli anni Sessanta in diverse città europee, approfondendo la conoscenza delle Avanguardie storiche e frequentando per molti anni le officine grafiche di Salzburg. È in questo ambiente culturale che incontrai Oscar Kokoschka che mi evidenziò l’importanza fondamentale dello spazio e della luce nell’opera d’arte. Da giovane ho frequentato studi di artisti e architetti, visitato mostre, musei e ambienti artistici. L’idea che ha animato i miei dipinti e le ideazioni plastiche è stata sempre quella di una centralità ideale da cui tutto converge e diverge. Attraverso la conoscenza storico-artistica (per es. Il Manifesto di Boccioni e il Cinevisualismo) e scientifica sono passato gradualmente a tradurre questa mia esigenza, utilizzando la luce autogena quale il tubo al neon e, con l’ausilio della specularità, realizzando spazi-luce simulati all’infinito.

G.B. Per qualsiasi lavoro creativo di ricerca basta affidarsi alla sola tecnica o si deve necessariamente indagare a tutto campo prendendo in considerazione le diverse ipotesi di lavoro ? P.S. Bisogna indagare e prendere in considerazione tutte le ipotesi che maturano in noi e intorno a noi. Sono stato da sempre affascinato ed attratto da una coscienza sperimentale, attento alle invenzioni, alle nuove tecniche. Ritengo necessario filtrare con coscienza

critica ogni idea per saper cogliere nel proprio intimo quelle spinte che, tradotte in segni o immagini, determinano una propria identità.

G.B. Agli inizi qual era la situazione artistica negli anni sessanta in Sicilia? P.S. Agli inizi degli anni Sessanta, la situazione in Sicilia, anche se considerata di buon livello, non era semplice per me. Il clima che si respirava nell’ambiente sembrava che non permettesse di veder oltre, per cui diventò necessario tenere contatti con ambienti e artisti di altre estrazioni culturali che mi portarono alla decisione di trasferirmi a Milano, città più adatta per dei contatti soprattutto europei. Oggi considero questa scelta importante e positiva, nonostante le difficoltà incontrate.

G.B. Che atmosfera culturale si respirava a Milano negli anni 70 e 80 rispetto a oggi? P.S. Non era una situazione facile: erano anni di trasformazione sociale in virtù della contestazione in atto che si protrasse a lungo negli anni Settanta. Tutto era messo in crisi e in discussione. Si sentiva un vivo fermento culturale che permetteva il contatto con artisti considerati storici. Si avvertiva la presenza di Lucio Fontana, mancato poco tempo prima del mio arrivo a Milano; la forza del suo operare era ben presente in moltissimi artisti che l’avevano conosciuto. La sua concezione spaziale mi dava una forte spinta nel guardare fiduciosamente in avanti. Oggi il clima mi sembra alquanto diverso. Tutto è tornato ad una serenità apparente, dove lo spirito libero e laborioso nel suo silenzio non trova facile inserimento e gli spazi culturali sono strutturati, a me sembra, in aree di potere e di mercato. Le idee delle nuove generazioni con mezzi straordinari mi sembrano spesso vivaci e sorprendenti.

G.B. Il Futurismo e l’esperienza Dadaista sono stati i due momenti essenziali del suo percorso poetico che le ha permesso di approdare negli anni settanta a importanti risultati in sintonia con tutte le indagini di ricerca internazionale. Mi dice come nasce la serie dei “Ludoscopi” e la proposta della “Megalopoli consumistica”. P.S. Già da parecchi anni la mia pittura tendeva ad una astrazione strutturata sulla planimetria della città (la serie degli Habitat); la mia esperienza, sul terreno tracciato dal Manifesto di Boccioni, dal Dadaismo, dalla Pop Art, dal Nouveau Réalisme e perché no dalla Patafisica è andata progressivamente orientandosi verso un’attivazione dell’immagine con la creazione di composizioni visivo - polioggettuali e con l’uso di vari materiali. Nel ’72, servendomi di scatole in disuso di vari prodotti della nostra civiltà, presentai la Megalopoliconsumistica, come denuncia sociale. Essendo la mia ricerca motivata da una forte spinta ideale ed avendo l’esigenza di esprimere nelle mie opere dei valori, sentii la necessità di rielaborare la Megalopoli consumistica,spogliando questa artificiosa città del suo significato ironico. Le strutture primarie, già esistenti al suo interno, diventarono segni - luce al neon, una geometria di forme primarie che elaboro ancor oggi.

Nelle mie ideazioni plastiche, la luce diventa un vero strumento di scrittura spaziale dove lo spazio è la somma di diverse propagazioni luminose. Ho sperimentato varie soluzioni delle volumetrie ottiche: dal cubo al parallelepipedo, al cilindro. Ho realizzato spazi curvi che si raccordano, pozzi in cui i tubi luminosi degradano vero un abisso illusorio, strutture cubiche praticabili. Inoltre la mia ipotetica idea di illuminare con luci al neon la scalinata della cavea del Teatro Greco di Siracusa si ritrova nei cerchi concentrici dei Ludoscopi.

G.B. Contemporanei ai “Progetti d’intervento nel territorio” vi è la partecipazione a diversi progetti internazionali di Mail Art all’interno del circuito planetario, altro modo, parallelo e convergente, di fare ricerca a 360 °. Come nasce in quegli anni l’interesse per la Mail Art , e se tale esperienza, ancora in atto, è da considerarsi solo marginale rispetto ai lavori realizzati nel circuito dell’arte cosiddetta “ufficiale”. P.S. Negli anni ’80 Ray Johnson e le operazioni di Mail Art che ritengo importanti laboratori in progress di ricerca internazionale e di idee spesso sorprendentemente originali, hanno suscitato in me un interesse tuttora vivo. Le tematiche che mi venivano proposte da varie parti del mondo erano stimolanti e le sentivo come sprone a una nuova dimensione. Avevo già l’esigenza di rapportare le mie opere di luce con l’ambiente. Il mezzo postale permetteva di comunicare con ogni parte del mondo, così nacque in me la felice idea di trasferire con il collage su semplici cartoline di architetture, panorami urbanistici, ecc, le immagini delle mie opere di luce, come messaggio di pace. Successivamente presi in considerazione l’idea d’ingrandire tali collage, leggendoli quindi come vari progetti d’intervento nel preesistente, cosa che naturalmente ho elaborato con delle foto da me stesso realizzate.

G.B. In qualche occasione, la sua poetica di lavoro è stata letta, a sproposito, come mera e semplice ricerca percettiva disgiunta da una motivazione morale e spirituale, che secondo noi, è la componente essenziale per capire veramente tutto il lavoro svolto da lei in diversi anni. Cosa intende per infinito? P.S. E’ vero. Il mio lavoro è anche ricerca percettiva, che, di per sè, mi sembra importante, ma la considero come un supporto fondamentale che mi consente di dare dei contenuti alle espansioni di luce. L’idea dell’infinito mi ha fatto sempre riflettere ed è stato il movente del mio operare. Quindi le profondità fittizie dei ludoscopi diventano mezzo e messaggio nello stesso tempo, come tentativo di rincorrere una bellezza ideale e l’infinito che è dentro di noi.

G.B. E’ corretto pensare che dopo la pratica dei “contenitori di luce”, “i progetti d’intervento nel territorio” e la pratica della Mail Art, con gli ultimi lavori, come per esempio, “Il teatro e il suo doppio del 2009", lei ha un urgente bisogno di confrontarsi con lo spazio del paesaggio reale e non soltanto virtuale e metafisico. Cosa ne pensa?

P.S. Per la loro stessa natura i Ludoscopi dovrebbero dialettizzarsi con uno spazio più ampio e caratterizzato, dando un respiro più profondo all’ambiente preesistente e al mondo il suo nuovo senso con una nuova architettura concettuale.Con gli ultimi lavori, come ad esempio Il Teatro e il suo doppio, ho avvertito la necessità di utilizzare nuovi materiali, marmo, legno e la realizzazione programmata al computer: una stupefacente sorpresa per me nel vedere l’eccellente risultato. Tutto questo rimane come archetipo, ma sarebbe auspicabile per me superare l’utopia per realizzare un’opera simile, dove l’idea del Ludoscopio rimane integra alla base, un nuovo monumento forse per lo spettacolo di domani, , concepito per il teatro al suo interno e contemporaneamente anche all’esterno immaginando rappresentazioni con coreografie di vaste dimensioni.

G.B. La ricerca artistica dei giovani, oggi, risulta alquanto monotona e uniformata a indicazioni collettive pre-imposte, vedi il caso eclatante del giovane cileno Ivan Navarro (Cile 1972), che ha ripetuto esattamente la ricerca sulla luce svolta in tanti anni da lei, con la presunzione di farla passare anche per sua e presentandola in un grosso contenitore culturale come quello della 53° Biennale di Venezia del 2009 (padiglione cileno), ben sapendo che tali proposte creative erano già state formulate e documentate oltre trent’anni prima. Una similitudine di intenti che ha fatto pensare, persino, ad un “omaggio” alla sua interessante ricerca piuttosto che di una nuova e seria proposta poetica. Cosa consiglierebbe ad un giovane artista che decide oggi di approdare al mondo dell’arte? P.S. Consiglierei di praticare la manualità artistica, di approfondire la conoscenza storica e di essere a contatto diretto con altri artisti, sperimentando a costo di sbagliare, pronti a ricominciare. Vorrei raccomandare di saper cogliere nel proprio intimo quelle sollecitazioni che, tradotte in segni, determinano una propria identità e, con etica professionale, di non essere mai epigoni.

L'OPERA DI PAOLO SCIRPA Link interattivi:

SANDRO BONGIANI VRSPACE https://www.sandrobongianivrspace.it/

BONGIANI ART MUSEUM http://www.collezionebongianiartmuseum.it/sala.php?id=42

GALLERIA SANDRO BONGIANI VRSPACE https://www.sandrobongianivrspace.it/sandrobongianivrspace/in-forma-di-luce-traludoscopi-e-opere-pittoriche-opere-1965-2010

GALLERIA OPHENVIRTUALART http://www.ophenvirtualart.it/mostra_artista.php?id=99&pag=mostre.php

BIOGRAFIA http://www.ophenvirtualart.it/bio_artista.php?id=99

SANDRO BONGIANI ARTE CONTEMPORANEA LE QUATTRO GALLERIE VISIBILI SOLO IN PUNTA DI MOUSE

Tutto nasce da una piattaforma evoluta come SECOND LIFE nel 2003 che da l’avvio a questa nostra avventura con una prima galleria virtuale che potesse essere vista “in modo democratico” da numerosi utenti del web. Dopo 5 anni da Second Life, nasce la galleria virtuale “Ophenvirtualart”, ideata nel 2008 ma attiva dall’ 11 settembre del 2009 con una mostra collettiva di tre artisti contemporanei. In questo spazio virtuale, tra il 2009 e il 2015, sono state realizzate, 16 mostre dedicate a artisti importanti come Ruggero Maggi, Clemente Padin, Marcello Diotallevi, Paolo Scirpa, Giuliano Mauri, Anna Boschi, Mauro Molinari, Christine Anne Tarantino, Guglielmo Achille Cavellini, Ryosuke Cohen, collettive e progetti internazionali. Successivamente a questa prima galleria, nel 2012 si aggiunge la seconda startup, la “Collezione Bongiani Art Museum” con lo “Spazio Ophen Virtual Art Gallery“ aggiornata in modo più interattivo nel 2015. Tra il 2015 e il 2021 sono state realizzate, 22 mostre dedicate a progetti internazionali di arte partecipativa e mostre personali e retrospettive dedicate ad artisti come Shozo Shimamoto, Ryosuke Cohen, Ben Vautier, Joseph Beuys, Alessandra Angelini, John M. Bennett, Kurt Schwitters, Marcel Duchamp, Guglielmo Achille Cavellini, Marcello Diotallevi, Ernesto Terlizzi, Coco Gordon, Carl T Chew, RCBz, Reid Wood, Ruggero Maggi, Mauro Molinari e Giulia Napoleone. La terza piattaforma virtuale è la “Sandro Bongiani Vrspace” nata nel 2021 con la presenza di importanti artisti del panorama artistico contemporaneo internazionale, con biografie aggiornate, opere in visione e nuove mostre virtuali. Attualmente, questa nuova realtà sperimentale italiana risulta una delle più importanti promesse interattive no profit” internazionali che operano con impegno on-line con un programma concreto e continuativo di serie proposte culturali. Dopo aver inaugurato a giugno il nuovo spazio virtuale “Sandro Bongiani Vrspace” nasce il 16 ottobre 2021 la nuova galleria virtuale "Unique Space" con la presentazione di un lavoro di Paolo Scirpa. Un’unica vetrina visibile situata in un ipotetico edificio virtuale da visitare, soltanto da fuori, per 15 giorni da remoto. Attualmente queste nuove realtà sperimentali italiane risultano tra le più importanti promesse interattive no profit” internazionali che operano con impegno on-line con un programma concreto e continuativo di serie proposte culturali.

Movement: Contemporary Art | Art Moderne | Photography |Mail Art. www.sandrobongianivrspace.it www.collezionebongianiartmuseum.it Contact- e-mail:bongianimuseum@gmail.com

SANDRO BONGIANI VRSPACE UNIQUE SPACE

ANTOLOGIA CRITICA PAOLO SCIRPA a cura di Sandro Bongiani La sua iniziale ricerca nasce negli anni Sessanta come momento di ricerca percettivo-cinetico tra astrazione e lirismo. Nel 1965 “Composizione” è un’opera matura che anticipa già il lavoro e le ricerche svolte qualche anno più tardi. L’opera nasce da una visione in cui il paesaggio rappresentato è caratterizzato da una inconsueta dislocazione e decentramento. Così anche le opere successive del “Sole” e di “Habitat” definiti provvisoriamente tra forma e costruzione artificiale. Agli inizi degli Settanta nascono i primi Ludoscopi ormai in linea per originalità e creatività con le diverse tendenze contemporanee svolte in quel periodo in campo internazionale. Negli anni Ottanta l’artista, continua a proseguire nel suo personale viaggio approntando nuovi sviluppi della sua originale e ricercata poetica visiva. In oltre 50 anni di assidua e ossessiva ricerca, l’artista ha indagato le svariate possibilità del fare ricerca con soluzioni decisamente assai concilianti e sorprendenti. Proprio negli anni Ottanta inizia a realizzare i progetti d’intervento nel territorio utilizzando il fotomontaggio su card di piccolo formato inserendo elementi artificiali nel tessuto consueto e metaforico del reale. Con i “Progetti d’intervento nel territorio” vi è la lucida esigenza di analizzare in una nuova chiave d’indagine la propria e personale visione poetica utilizzando un diverso approccio e rapporto dimensionale a verifica della fattibilità della cosa proposta. Dall’incessante indagine dei progetti d’intervento, proprio nel 2009, nasceranno i progetti del “Teatro è il suo doppio”, modelli lignei immaginati sulla forma del teatro greco come quello di Siracusa in cui ha vissuto Paolo Scirpa per diverso tempo prima di trasferirsi a Milano, nati da un oscuro e indefinito moto dell’immaginazione tra forma, invenzione e storia. In questo senso, tutto il lavoro di Scirpa può essere ricondotto criticamente nell’alveo di un progetto ben più ampio e maestoso ai confini delle soglie disciplinari e ancora del tutto attuale e percorribile

SANDRO BONGIANI ARTE CONTEMPORANEA Catalogo on line n° 25 - 21 ottobre 2021