Musica 2021: singoli e nuovi album in uscita da ascoltare

Con l'inizio dell'emergenza Covid-19, lo scorso marzo, per il mondo della musica si è profilato uno scenario apocalittico: locali chiusi, tour degli artisti annullati, festival e uscite discografiche rinviati. Fortunatamente, mentre noi eravamo rintanati in casa per evitare la crescita esponenziale dei contagi, gli artisti si sono chiusi nei propri studi discografici e hanno prodotto della musica fantastica, proprio nel momento in cui ne avevamo più bisogno. L'immediato futuro di concerti, club e festival è quanto mai incerto: è impossibile prevedere quando potremmo rivedere dal vivo le performance dei nostri beniamini. Ecco perché, come nello scorso anno, vi è la necessità di ospitare sulle pagine di Vogue.it uno spazio dedicato alle nostre release preferite. In attesa di poterle ballare di nuovo abbracciati.

Let you sarà incluso nel tuo prossimo album, in uscita il prossimo 21 gennaio. Puoi dirci di più su questo nuovo progetto? Cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Il progetto si chiama On To Better Things,che penso che riveli molto sul significato del progetto. On To Better Things riflette il mio passaggio in una nuova era di vita e a una nuova wave, dopo molti anni difficili. Volevo che questo album mettesse in luce i progressi che ho fatto: non solo come artista, ma come persona, attraverso le esperienze che ho vissuto.

Come descriveresti il ​​nuovo album, dal punto di vista musicale? 
C'è qualcosa per tutti nel nuovo album. Ci sono alcune canzoni classiche di iann e un sacco di nuovi stili con cui sono stato entusiasta di confrontarmi: c’è del rock e anche più roba pop. 

Per il singolo, con chi hai lavorato? Puoi darci anche qualche indizio in più sull'album?
Ho lavorato con alcune persone fantastiche in Let You. Cirkut, Omer Fedi, Andrew Luce, Sean Foreman, e poi KBeaZy e Nick Long. Adoro lavorare con questi ragazzi e ce ne saranno altri in arrivo! Ci sono alcuni volti noti, altri invece sono nuovi: il progetto sarà una bomba e sorprenderà tutti. 

Puoi raccontarci qualcosa del fantastico video di Let You e della sua estetica?
Volevo che il video riflettesse come sarebbe un circo creato da Tim Burton. Mia madre mi portava al circo da bambino e ho sempre voluto farne parte, e in un certo senso l'idea mi è venuta mentre ero in tour. È stato davvero bello vedere tutto ciò che immaginavo prendere vita. Le persone nel video erano in realtà in un vero e proprio circo, dove abbiamo girato il video. È stato fantastico farne parte e immergermi in un tutt’uno con quell’ambiente. Questo video è stato l'inizio del tema per il resto dei video dell'album, ma non posso parlare molto di più! Ancora un po’ di pazienza e ne rimarrete sorpresi! 

C'è qualcuno a cui dedicheresti Let You? 
Direi che non voglio dedicare Let You a una persona o un'esperienza in particolare. La canzone è molto coerente con il nome del progetto - On To Better Things - perché parla di lasciar andare una brutta situazione in cui si viene facilmente risucchiati. Il che si può riferire a molte cose nella mia vita, dalle relazioni alle esperienze personali. Spero che la canzone faccia sentire le persone in grado di relazionarsi con i sentimenti, e sentirsi come se non fossero da sole!

Come è nata Made of Gold, e cosa significa per voi e per il vostro percorso artistico? 
(Naomi) Made of gold è nata in studio, il che è diverso dal nostro normale processo di scrittura. Di solito, Lisa viene sempre in studio con le canzoni e le produciamo quando ci riuniamo tutti insieme con Richard Russell, il nostro fantastico produttore. Ma questa volta, quando Lisa è arrivata nel Dorset, dove abbiamo iniziato a registrare, Richard e io avevamo già creato dei ritmi e le canzoni che Lisa aveva scritto dovevano adattarsi e trasformarsi per diventare le canzoni di Ibeyi. 
(LK) Made of Gold è stata la prima canzone che abbiamo prodotto in studio. Ma tutto è cambiato quando Richard ha indicato il libro egiziano dei morti che era sul pavimento e mi ha detto di aprirlo e leggere. Era il 31° Incantesimo, quello che Naomi recita alla fine della canzone  "oh you with a spine who would work your mouth against this magic of mine, it has been handed down in an unbroken line, the sky encloses the stars and I enclose magic”. Quando abbiamo riascoltato la canzone con le parole pronunciate da Naomi alla fine, sapevamo che ora eravamo pronti per tuffarci in questa nuova era di Ibeyi. Ci siamo sentite protette e collegate ai nostri avi, vicendevolmente. 

Come descriveresti Made of Gold, dal punto di vista musicale? 
(LK) Made of Gold suona Ibeyi, è un mix di beat hip hop, musica soul e pop. I ritornelli sono una chiamata per tutti voi ,e Naomi canta la maggior parte della canzone, cosa che ora è un nuovo elemento del nostro sound. 

Puoi dirci qualcosa su questo fantastico video?
(Naomi) Lisa ci ha detto che voleva basare il video musicale di Made of Gold su un dipinto di Frida Kahlo titolato The Love Embrace of the Universe, the Earth, Myself, Diego e Señor Xolotl, 1949.In quel dipinto l'universo racchiude Madre Natura che tiene in braccio Frida Kahlo che tiene in braccio Diego Rivera. Lisa sentiva che per il video musicale di Made of Gold avremmo dovuto essere tenuti dall'universo. Entrambi rendono omaggio alla nostra Orisha Yemaya la Dea del Mare e Shango il Dio del Tuono. Girare questo video musicale è stato per noi un vero momento cerimoniale e l'inizio di una nuova identità visiva. Avere Daniel Sannwald come regista, Pa Salieu che recita in pista e i fratelli Ebinum che ballano con noi lo hanno reso davvero speciale. 

In Made of Gold, collaborate con un altro dei nostri artisti preferiti, Pa Salieu. Come è nato questo featuring? 
Era il piano dell'Universo. Richard, il nostro produttore, è uscito dallo studio per una pausa e si è imbattuto nel manager di Pa e gli ha detto che stava lavorando con noi in questo momento. Il giorno dopo Pa era in studio: ha ascoltato Made of Gold e l'ha capita subito. Era destinato ad esserci: c’è un legame speciale tra di noi. 

C'è qualcuno a cui dedichereste Made of Gold? 
È dedicato a tutti voi! Sta a noi riconnetterci con il nostro potere ancestrale, la nostra forza interiore. La magia è davvero dentro di noi tutti.

Come è stato creato il remix di Cult of Personality, e cosa aggiunge al progetto originale?
 (Regal) Il remix è totalmente diverso dall'originale ed è esattamente quello che volevamo. L'idea originale era più vicina a una canzone trap strumentale, mentre con Sita volevamo andare più verso una direzione elettronica.    

Questa è la tua prima uscita discografica. Cosa significa per te iniziare a produrre la tua musica? 
(Sita) Da molto tempo volevo essere in grado di creare e lanciare la mia musica. Come DJ ho sempre sentito il bisogno di mostrare qualcos'altro di me stessa. Del mio cuore. Negli ultimi anni ho lavorato sulle mie tracce e ho imparato a produrre: ho ancora molto da imparare, ma è un percorso fantastico, il viaggio è la vera meta. Ho molte tracce che non ho mai pubblicato, ma presto ne rilascerò alcune.    

Come descriveresti il ​​tuo Remix, dal punto di vista musicale? 
(Sita) Penso che sia molto da festa. Un po' punk per come canto, e allo stesso tempo sexy. Allo stesso tempo è anche un po' pazza, cosa che adoro.    

Puoi parlarci della realizzazione del brano con Regal? 
(Sita) È stato un processo molto semplice. Amavo - e amo - la musica di Regal da molto tempo, poi siamo diventati amici: è stato tutto molto organico. Ci abbiamo lavorato a distanza ma è stato molto divertente!  

C'è qualcuno a cui dedicheresti Cult of Personality Remix? 
(Regal) A tutti: come dice il nome stesso, ognuno dovrebbe essere orgoglioso della propria personalità, non importa quello che pensano gli altri. Essere te stesso è bellissimo! D'altra parte i testi sono una sorta di mantra di relazioni velenose.

Bruise sarà incluso in TOO, il vostro LP in uscita il prossimo 8 aprile. Puoi dirci di più su questo nuovo progetto? Cosa significa per voi e per il vostro percorso artistico ? 
(Anna) TOO è un racconto arrabbiato e al contempo tenero, vulnerabile e determinato della ricerca della vita di una generazione. Volevamo esplorare gli estremi nel concetto, nel contenuto e nel suono. Bruise è stata a prima traccia dell'album ad essere pubblicata, mentre proprio oggi è uscita Capture Casa. Con TOO prendiamo una nuova direzione: rompiamo la tradizione di pubblicare l'intero album dopo l'uscita anticipata di un certo numero di singoli. Le otto tracce di TOO verranno pubblicate singolarmente e sporadicamente. Così facendo, l’album prenderà forma in un tutt’uno, nell’arco di un periodo di sei mesi. 

Come descriveresti l’LP, musicalmente parlando? 
Ad oggi, TOO è il nostro album più duro e più soft allo stesso tempo. In termini di suono, volevamo esplorare uno spazio di estremi tra partenza e ritiro, tra determinazione e insicurezza. TOO è dedicato allo stato d'animo della nostra ricerca di appartenenza interiore ed esteriore. L'album cattura una vita nella dicotomia delle aspettative proprie e altrui, nella sensazione di non essere all'altezza di queste aspettative, e nei rinnovati tentativi di liberarsi da suddette aspettative. 

Per questa release, con chi (e come) avete collaborato?
Siamo sempre io e Paul. Scriviamo e produciamo la musica, la misceliamo e facciamo tante altre piccole cose che fanno parte del processo. In questo modo non dobbiamo compromettere la nostra arte. È l'unico modo logico per noi. 

Ci puoi raccontare qualcosa del fantastico video di Bruise? 
Abbiamo chiesto a 12 persone di ballare le loro preoccupazioni, bisogni, paure. E per superare la propria vergogna, per darsi la libertà - anche davanti alla telecamera, davanti al pubblico. Il risultato è così gratificante perché nessuno è migliore o peggiore dell'altro: ognuno è diverso, ognuno ha la libertà di essere se stesso. Abbiamo lavorato insieme al regista viennese Nicola von Leffern per realizzare la nostra idea. Ci fidiamo davvero di lei e del suo dono di catturare istanti “crudi”. Equipaggiata con la sua vecchia Mini DV Camcorder ha creato esattamente quello che stavamo cercando: persone vere ed emozioni vere. 

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare TOO?
Vogliamo dedicare TOO a tutti coloro che sono ancora mai stati alla ricerca di un senso di appartenenza.

Come è nata Rocky e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico? 
Rocky è nata nelle ultime session dell’ultimo disco, AGARTHI. Abbiamo lavorato sulla produzione e aspettato l’intuizione giusta prima di iniziare a scriverci su. L’intuizione è arrivata quando abbiamo deciso di coinvolgere Mudimbi. Volevamo che il pezzo diventasse ancora più scuro e più urban. Quando abbiamo sentito la sua strofa sul sesso anale abbiamo detto: ok, questo pezzo sta superando le nostre aspettative. 

Dal punto di vista musicale, come descrivereste la traccia? 
È una scopata post allenamento, è un’incontro tra rap ed elettronica con i bpm da rave. È il frutto delle nostre notti da dj a suonare Brooke Candy e Charli XCX. Sexy, dura, ma c’è anche un po’ di drama. 

Ci raccontate qualcosa in più di questo bellissimo video? 
Questo video ha una storia pazzesca, oltre a lavorare con un team perfetto, da sogno, abbiamo trovato una location fantastica, la Palestra Popolare Antirazzista di Brescia. Siamo sta ti accolti con molto entusiasmo e ci siamo allenati qualche giorno prima per arrivare un minimo preparati sulla boxe. Ci siamo innamorati di Christian - il vero boxer del video - gli abbiamo chiesto di partecipare ma era un po’ timido. Quando è arrivato sul set gli abbiamo detto di togliersi la maglietta e di farsi riempire di olio da Luca, il make up artist. Dopo due minuti era già nella parte. 

Nella traccia collaborate con Mudimbi. Come è nato questo featuring e come è stato collaborare con lui? 
Un giorno ci siamo videochiamati e gli abbiamo mandato la bozza di Rocky. Ha creato l’incipit del pezzo e il resto è fluito naturalmente. Veniamo da mondo diversi, abbiamo visioni opposte sotto molti aspetti ma Rocky è la prova che se sei predisposto creare musica non conosce limiti. È stato anche per noi un esperimento in questo senso: collaborare con qualcuno di impensabile prima. 

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Rocky? 
A tutti i lottatori in senso figurato, a chi non ha proprio tutto facile, ai pugili che si baciano prima di lottare, a chi con giusta ragione crede che il dolore sia una via che conduce al piacere.

Come è nato Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Quem sabe isso quer dizer amor è stato il modo in cui ho scoperto di essere vicina al tempo, all'omaggio che potevo e dovevo fare agli anni da che faccio e ascolto musica. Sono 23 anni che sono una musicista professionista, imparando e diventando una specialista. E tanti altri anni che sono una appassionata di musica: il disco nasce dall'esigenza di scoprire la propria musicalità attraverso le canzoni che amo. 

Come descriveresti l'album, dal punto di vista musicale? 
È un album molto vivido. Onestamente, è collegato a tutto ciò che so oggi. C’è un grande rispetto per le cose che mi collegano dal passato al futuro. Poter produrre e suonare gli strumenti significa guadagnare la libertà in un ambiente sessista, dove vediamo pochissime donne che suonano strumenti musicali. 

C’è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Tutti i brani scelti per essere presenti nell'album hanno una storia bella e personale. Da Marisa Monte - che mi accompagna fin dalla solitudine dell'infanzia - alla mia amica contemporanea Moska. Ma soprattutto il brano che dà il nome all'album, scritto dai fantastici Lô Borges e Márcio Borges, cantato da Milton Nascimento. La canzone mi è venuta in mente nel bel mezzo della sessione di registrazione, quando la mia madrina, che mi ha cresciuto, si è ammalata. Rimasi con lei in ospedale, prendendomi cura di lei e godendomi ogni piccolo secondo della sua presenza. Quando è morta, anche una parte di me se n'era andata. L'album è nato il giorno del suo compleanno: il 3 dicembre, celebrando il fatto che la vita è qualcosa di eterno, se si prova affetto.

 Da Caetano Veloso a Marisa Monte, hai coperto un'ampia e variegata gamma di classici d'artista. Qual è il leitmotiv dei brani (e degli artisti) che hai scelto? 
Dopo tanti anni facendo musica, sarebbe stato impossibile fare un unico piano chiaro delle cose che mi toccano il cuore. Ho pensato a canzoni che toccano molte situazioni diverse. A me ricordi il mare è stata la prima canzone che ho sentito, imparato a memoria e capito quando sono arrivata in Italia, quindici anni fa per fare la busker. Era nell'album Il latitante di Daniele Silvestri e mi è arrivata dritto al cuore. Non la dimenticherò mai! Ha avuto un grande impatto su di me e ho deciso di registrarla come una forma di gratitudine. Tutto in questo album parla di gratitudine. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor? A tutte le donne che si dedicano alla musica, insegnanti, cantanti, suonatrici di strumenti musicali, appassionate di musica, artisti di strada, tecnici del suono...; a ogni conoscenza che ho avuto, alla mia madrina Cirley, e a Marisa Monte.

Com'è nato The Serve Of The Abnormal, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? In realtà l'idea alla base dell'album era di fare qualcosa di diverso da quello per cui sono conosciuto di solito: la pandemia ha interrotto bruscamente la nostra vita e i dancefloor erano vuoti. Così ho pensato di mettermi alla prova con altri stili. In generale, mi piace giocare con generi diversi e il mio amore per il love design è infinito.  

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
Faccio fatica a descrivere la musica in questi giorni. Ci sono così tanti generi e sottogeneri e praticamente tutto suona allo stesso modo. Ho cercato di essere artistico senza essere troppo astratto e noioso, anche se ci sono alcuni momenti malinconici e drammatici. Per fare una descrizione precisa e una maglietta, direi che è un LP d'ascolto :) 

C'è una traccia che ha un bella storia da raccontare? 
Non proprio. Tutte le tracce sono venute dall'intuizione. Durante la pandemia non c'era molto da fare, quindi immagino che ci fossero molte cose che passavano per la mia mente, quando ero seduto a casa e riflettevo sulla situazione pre-pandemica.  

Per la realizzazione dell'album, con chi (e come) hai collaborato?
Non era mia intenzione fare un album fin dall'inizio, ma dal momento che ho realizzato un sacco di tracce durante la pandemia, ho pensato di fare qualcosa di speciale con la mia etichetta, che ho lanciato nel febbraio 2020. E l’idea che c’è alla base dell'etichetta è di pubblicare ciò che mi piace, senza alcuna regola. Ecco perché l'album era una cosa perfetta da fare, specialmente in questi tempi strani. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare The Serve Of The Abnormal? 
L'album è dedicato ai miei amici, fan e follower. Non voglio scavare troppo in profondità con queste cose: è musica, tutto qui. 

Come è nato Meridies, e cosa significa per te a questo punto del tuo percorso artistico?
Già da diversi anni baso la mia ricerca sul concetto di viaggio. Ho sempre amato viaggiare e ho sempre cercato stimoli e ispirazioni dalle diversità culturali di ogni paese del mondo approfondendo tradizioni, musicali e non, dei posti che visitavo. Ho realizzato, in un momento del mio percorso artistico, che risale a circa quattro o cinque anni fa, che sapevo ben poco delle tradizioni musicali del mio paese, soprattutto di quelle della mia terra d’origine, la Puglia - sono nato a Taranto dove ho trascorso tutta la mia infanzia e parte dell’adolescenza - e ho deciso di andare a fondo su ciò che più mi affascina, ovvero l’aspetto più magico e esoterico che è possibile ritrovare nelle credenze e nei rituali popolari. È così che mi sono avvicinato al fenomeno del tarantismo e alle terapie coreo-musicali associate ad esso, per poi, di conseguenza, provare a rielaborarne ritmiche e suoni per un primo lavoro più autobiografico - TRNT, un ep di 4 tracce ispirato a Taranto uscito nel 2019 - e uno più sperimentale perchè più contaminato come quello appena uscito, Meridies.

Come descriveresti il disco dal punto di vista musicale?
Meridies è fondamentalmente un disco di musica psichedelica mischiata alla
musica folk delle campagne del sud Italia: vedi, ad esempio le ritmiche della pizzica pugliese o della tammurriata napoletana. Mi piace scherzare e dire che Meridies suona come una “jam session di 30 lavoratori della terra in acido”. Ho sempre trovato una sorta di connessione tra il concetto di trance indotta dalla musica e dalla danza nel tarantismo e alcuni degli aspetti più terapeutici del consumo di sostanze psichedeliche. Sono appassionato di psichedelia che è diventata col tempo e in maniera molto naturale un po’ il collante tra tutti i miei dischi, seppur molto diversi uno dall’altro. Meridies è il perfetto punto di incontro tra due mondi, la psichedelia e
il sud magico. Per la composizione dei brani ho usato tanto il tamburello e altri strumenti tradizionali come zampogne, fisarmoniche, flauti, ma anche organi elettrici, sintetizzatori, chitarre e space echo. Ho usato anche diversi strumenti di fortuna come pentolame vario da percuotere o qualsiasi strumento o suono che rimandasse in qualche modo alla vita rurale.

C’è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Ogni traccia ha la sua storia e il suo film. Anzi spesso il mio approccio è proprio quello di realizzare una colonna sonora a una serie di immagini. Per esempio, scrivendo Randagio - in collaborazione con Mai Mai Mai - ho immaginato un cane vagante per le campagne brulle del sud Italia, tra incompiuti architettonici e vecchie masserie crollate, oppure nella foschia di una spiaggia deserta dello Ionio di inverno alla ricerca di cibo o del proprio branco. Mi ricorda quando vivevo a Taranto in un complesso residenziale di nuova costruzione, appena fuori città. Nei dintorni c’era solo campagna dove branchi di cani randagi la facevano da padrone e con il loro abbaiare rendevano le mie notti insonni. Sempre meglio dell’essere svegliati dalle bombe in città: in quegli anni credo ci fossero molti regolamenti di conti che poi finivano così. Randagio è stato il singolo che ha preannunciato l’uscita dell’album e per il video ci siamo affidati a Giacomo Laser. Avendo già collaborato con Mai Mai Mai per il video della cover de Il Secondo Coro Delle Lavandaie, la mia idea iniziale era quella di realizzare una sorta di seguito, essendo anche Randagio ispirata alle ritmiche della tammurriata. Ho provato a spiegare a Giacomo quale fosse la mia idea ma ha realizzato una cosa completamente diversa, secondo la sua ispirazione. D’altra parte lo avevo messo in conto fin dal primo momento che mi sono rivolto a lui e anzi, forse l’ho scelto anche un po’ apposta e devo dire che non ha deluso per niente le aspettative.

Con chi (e come) hai collaborato per la realizzazione dell’album?
Una delle collaborazioni di cui vado più fiero è quella con Alfio Antico, leggenda della musica folk italiana e del tamburo. Abbiamo registrato tamburo e voce nel salotto di casa sua a Ferrara, dopo un buonissimo pranzo preparato da lui stesso mentre noi allestivamo tutto il set up. Alfio ha un’energia potentissima e passare una giornata assieme è stato davvero emozionante.
Ricky Cardelli (Funk Rimini, Capofortuna) è un amico e un bravissimo polistrumentista. Abbiamo passato qualche giorno assieme nel suo studio a Rimini e abbiamo realizzato Corna di Serpente e registrato molte parti anche su altri brani, come il flauto in Pan; Ricky viene da una famiglia di musicisti e in quei giorni ho avuto l’occasione di conoscere meglio suo padre, Claudio Cardelli, che ha suonato il sitar in Mercato Nero, che vede anche la collaborazione dell’hammondista piacentino Apollo Negri. Mai Mai Mai è un caro amico, abbiamo già collaborato in passato e ultimamente credo che la nostra abbinata funzioni molto bene in quanto abbiamo in comune il campo di ricerca (anche i suoi ultimi lavori riguardano il sud e il Mediterraneo ma ci esprimiamo con linguaggi diversi che se fusi possono far nascere qualcosa di davvero interessante e unico. Da pelle d’oca è anche la tromba de La Montagna Sacra suonata da Francesco Fratini. Lui è l’unico che non ho mai incontrato perché siamo entrati in contatto nel pieno della pandemia e abbiamo fatto le cose a distanza.

C’è qualcuno a cui vorresti dedicare Meridies?
A chi ha creduto fin dall’inizio in questo progetto, vedi Raffaele Costantino e Sergio Marchionni di Hyperjazz: con Raffaele c’è stato sempre un confronto molto costruttivo che mi ha portato a crescere e a spingermi a fare sempre meglio. A mio fratello Mace che se non mi avesse prestato il suo studio per mixare i brani del disco non ne sarei mai venuto a capo; all’altro mio fratello e manager Marcello Farno che è il mio “risolvi-problemi” da ormai più di dieci anni. E infine a Enrico Molteni de La Tempesta, per tutta la presa bene e il prezioso supporto.

Come è nata Nike V2 e cosa rappresenta per  te e per il tuo percorso artistico? 
Nike V2 rappresenta per me una rottura da tutti gli stereotipi materialisti di questa società moderna e della mia generazione. Il pezzo nasce in un momento di solitudine in cui mi sono ritrovato a fare da spettatore rispetto all'ambiente e alle persone che mi giravano attorno, per poi scegliere la mia strada. Musicalmente rappresenta la nuova wave dello “smart working musicale”: abbiamo, infatti, creato un pezzo unendo Cryptic e Ossée dalla Germania, Namiondas e Teddi Jones dagli USA. Tutto questo dal mio B&B a Milano e nel giro di poche ore. Per il mio percorso artistico rappresenta un nuovo inizio, una sorta di maturazione a livello artistico e di pensiero, un punto di rottura nella mia vita, che si è trasformato in una nuova carica positiva e creativa. Con questo progetto, infatti, sono riuscito a dare spazio alle mie idee cercando di esprimermi in maniera diversa rispetto al passato. 

Dal punto di vista musicale, come descriveresti la traccia? 
Dal punto di vista musicale, il singolo rappresenta un’influenza di vari generi: sicuramenti ci sono influenze Hip Hop e Rnb; a livello di sound anche Trap. In generale, io ascolto tutti i generi musicali e quindi mi piace prendere spunto da ciò che ascolto e ho ascoltato nella mia vita. Magari mi sveglio ascoltando soul e vado a letto ascoltando trap o musica elettronica e questo ritorna in quello che faccio. Descriverei la traccia come il perfetto biglietto da visita rispetto a quello che sarà il progetto musicale che voglio sviluppare in futuro.  

Ci racconti qualcosa in più sul video?  
Nel video ho voluto unire la parte musicale a quella visiva. Artisticamente parlando, essendo cresciuto nell’ambiente della moda ho subito diverse influenze e quindi ho cercato di voler dare al progetto un’estetica che ritenevo mia. È stata questa la parte più divertente: solitamente nella moda sono altre professionalità a gestire il concept creativo, mentre io mi trovo davanti ad una macchina. In questo caso, ho avuto la possibilità di lavorare in entrambi i ruoli ed è stato davvero stimolante. In generale, mi piace curare tutto personalmente e in questa occasione è stato davvero bello seguire l’intero concept creativo insieme al mio team. Un lavoro di squadra che ci ha permesso di unire le nostre idee. All’inizio, quando ho proposto il progetto, temevo che molti non volessero collaborare con me. Invece brand come Monlcer, GCDS, JW Anderson hanno sposato con entusiasmo il progetto, mandandoci pezzi di collezioni nuove, non ancora usciti. 

Nella traccia collabori con Ossée!. Come è nato questo featuring e come è stato collaborare con lui? 
Considero Ossée! uno dei miei migliori amici. Ci siamo conosciuti online durante il periodo di emergenza Covid. Io cercavo dei beat su YouTube e, casualmente, mi sono imbattuto in alcuni dei suoi progetti, così gli ho scritto su Instagram, mandandogli a mia volta qualcosa di mio. Lui si è gasato moltissimo e da lì abbiamo iniziato a collaborare. Abbiamo sviluppato circa 20 pezzi insieme, non so se usciranno mai, ma il lavoro è stato davvero interessante. Ognuno ha il suo percorso, ma l’influenza musicale reciproca è stata tale da voler far uscire come mio primo singolo il featuring con lui. La cosa curiosa è che la prima volta che ci siamo conosciuti, dopo 2 anni di collaborazione, è stata sul set del video perché, per via del Covid e delle restrizioni, non ci siamo mai potuti incontrare prima. La collaborazione è nata in maniera naturale, in poche ore. Eravamo in contatto da mesi, quindi tutto è stato una conseguenza naturale. - 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Nike V2? 
Vorrei dedicare Nike V2 a tutti i ragazzi e le ragazze della mia generazione, che possono aver affrontato problemi dal punto di vista mentale o affettivo, soprattutto in questi ultimi anni nel periodo storico particolare che stiamo vivendo. La nostra generazione si muove ed evolve velocemente e stare al passo con ciò che ci circonda è difficile. La musica per me è molto importante perché mi ha impegnato, dandomi energia e forza in un periodo in cui ho sofferto dal punto di vista emotivo e psicologico. Quando ho scritto il pezzo stavo vivendo un momento complicato. Credo che attraverso l’arte, la musica o qualsiasi attività creativa che possa interessare ognuno di noi, sia possibile trovare la forza di attraversare i momenti difficili e ricaricarsi di una nuova energia. Per me è stato così. Se ci si impegna si può arrivare a raggiungere obiettivi grandi. La dedica, quindi, è a tutti coloro che si sentono spesso persi o soli, per trasmettere il messaggio che non si è mai soli, perché tutti stiamo combattendo la nostra battaglia. Ultima dedica, ma non meno importante, va alle persone che hanno creduto in me dal momento zero e che continueranno a farlo, e a tutti coloro che arriveranno in futuro.

Come Back Around sarà incluso in Found in the Wil (Remixed), in uscita il 14 dicembre per l'etichetta londinese Anjunadeep. Cosa significa per voi questa uscita e cosa aggiunge al progetto originale?
Per celebrare quello che è stato un anno fantastico per noi, pubblicheremo nove incredibili remix delle nostre tracce. Abbiamo selezionato personalmente un elenco di produttori che ci piacciono e che ammiriamo dal punto di vista sonoro per rielaborare il nostro album di debutto Found In The Wild: ognuno di questi remix è davvero speciale per noi a modo suo. Gli artisti in primo piano includono Maya Jane Coles, Themba, Fur Coat e Francesca Lombardo, oltre a Ben Yang e altri produttori di grande talento emergenti, la cui musica è stata pubblicata in passato con la NYX, la nostra etichetta. Ci sono tutti gli ingredienti nell'album per far ballare tutti fino al nuovo anno, e faremo sicuramente sentire alcuni dei remix nel nostro set all’MDLBeast.

Come descrivereste musicalmente il vostro album Found In The Wild?
Eli & Fur è sempre stato un viaggio musicale, aperto e illimitato. L'ispirazione dietro il nostro album è il viaggio alla ricerca del suono che sentiamo che ci definisce veramente. Abbiamo attinto da quel viaggio per arrivare dove siamo sia musicalmente sia emotivamente, al fine di mettere insieme una raccolta di tracce che mostrino davvero i due lati di Eli & Fur. Non solo la nostra musica ha due facce, ma anche noi e volevamo portare l'ascoltatore in quei mondi.

C'è una traccia di Found In The Wild (Remixed) che ha una bella storia da raccontare? 
Nel disco c’è il nostro remix di Come Back Around. I fan lo riconosceranno dal nostro film dal vivo Found In the Wild (Live). È più essenziale, profondo e oscuro, ma comunque emozionante, perfetto per perdersi nei momenti notturni della dancefloor.

La prossima settimana sarete ospiti a MDLBeast, un festival con una lineup pazzesca. Potete dirci qualcosa di più di questo fantastico festival e che show ci aspetta?
Siamo davvero entusiaste di partire e andare a fare un giro a MDLBeast. La produzione del festival sembra incredibile: c’è una lineup enorme e siamo elettrizzate dal suonare al fianco di alcuni dei nostri idoli come Carl Cox e Black Coffee, oltre a scoprire i talenti locali presenti in cartellone.

Quali sono stati per voi gli altri momenti salienti di questo 2021?
Quest'anno è stato davvero speciale, considerando le circostanze. Il nostro primo spettacolo dal vivo, BBC Radio 1 Essential Mix, e anche una residenza a Las Vegas... in più abbiamo continuato a esplorare la collaborazione creativa con i marchi di moda. La moda, insieme alla musica, è una grande passione di entrambe e un modo in cui ci esprimiamo in modo creativo. Quest'anno siamo stati coinvolti in alcune campagne fantastiche per Stella McCartney e The Kooples, due marchi che adoriamo moltissimo!

Homes sarà incluso nel tuo prossimo EP, About Life. Puoi dirci di più su questo
nuovo progetto e di cosa significa per te?
About Life è il mio primo EP e significa davvero tanto per me poter finalmente realizzare un
corpus di lavori coeso. Ho sempre pubblicato singoli, perché come artista indipendente ho sempre pensato che fosse più facile promuovere e concentrare tutta l'attenzione su un singolo brano. Mi sembra un buon momento per pubblicare un EP completo con cinque tracce. Sono tutte e cinque molto speciali per me, perché sono state tutte ispirate da diversi momenti, ricordi e stati d'animo della mia vita: dai ricordi felici della mia città natale, ai grandi cambiamenti come trasferirmi dall'Egitto al Canada per i miei studi. E poi le amicizie, le decisioni difficili da prendere, il perdersi e non sapere cosa fare nella vita, la tristezza, la perdita e la rabbia. Riguarda tutto quello che mi è successo, crescendo al Cairo e vivendo a Montreal e Parigi. Fondamentalmente, è sulla mia vita!

Come descriveresti l'EP, dal punto di vista musicale?
È un mix della mia vecchia musica con nuovi suoni, più esperimenti con generi diversi e
molte delle mie recenti influenze musicali. Ascolto molti generi diversi ed è per questo che, nella mia musica, non mi attengo mai a un solo gene In questo EP, ho voluto sperimentare più suoni elettronici di quelli che producevo in passato. Avevo raggiunto un punto in cui usavo principalmente suoni orchestrali e poca elettronica. Per questo, volevo concentrarmi di più sul lato elettronico, mantenendo ovviamente molti degli elementi orchestrali che ho sempre usato. Mi piace ancora avere il pianoforte, il sax o la chitarra per le melodie principali e gli assoli, con sul fondo gli archi dell’orchestra: solo che questa volta ci sono molti più elementi elettronici e suoni di synth creati usando il mio Prophet.

Per questa release, con chi (e come) hai lavorato?
Musicalmente, ho lavorato da solo per questa pubblicazione: l'ho prodotta e mixata come faccio con tutte le altre mie tracce. È principalmente così che ho imparato a usare gli strumenti che suono oggi. Ogni volta che volevo aggiungere uno strumento specifico, decidevo semplicemente di imparare a suonarlo. Ma è molto importante per me fare ascoltare sempre i demo e ricevere l'input dei miei amici produttori di musica, ed è quello che ho fatto con questo. Mi aiuta a trovare la giusta direzione e ad assicurarmi che la traccia funzioni.

Puoi raccontarci qualcosa del fantastico video di Homes?
Intanto grazie mille, sono felice che vi sia piaciuto! Beh, è ​​stato il primo video musicale che ho prodotto da solo, e non potrei essere più felice di dire che è stato fatto tutto collettivamente con l'aiuto dei miei amici. È stato girato, montato e diretto del fantastico Phil Rouleau, che ho conosciuto tramite uno dei miei migliori amici. Per il concept del video, volevo che fosse molto
autentico e personale, e che rappresentasse adeguatamente le mie case. Volevo che gli ascoltatori
conoscessero me e la mia storia, vedessero dove sono cresciuto al Cairo, il mio quartiere, la mia scuola, la mia famiglia, i miei cibi locali preferiti, i miei amici e la mia vita a Montreal. Sono davvero grato che i miei cari siano stati così coinvolti in questo progetto: ci siamo seduti tutti insieme una notte, abbiamo preso un pezzo di carta e abbiamo iniziato a fare brainstorming su alcuni luoghi chiave e significativi e cose al Cairo e Montreal che avremmo dovuto filmare. Poi Phil e io siamo volati al Cairo per iniziare a filmare tutto. È stata un'esperienza straordinaria, soprattutto tornare alla mia vecchia scuola e filmare lì.

C'è qualcuno a cui dedicheresti About Life?
Lo dedico a tutti i miei fan, l'ho fatto per loro, in modo che conoscano me e tutto ciò che
riguarda la mia vita.

Come è nato Quantum Love, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Quantum Love è nato tra il 2020 e il 2021, un periodo molto particolare per tutti noi. Dopo aver letto un’interessante biografia su Einstein e dopo aver scoperto che fosse anche un talentuoso musicista, ho iniziato ad esplorare tematiche trasversali tra neuroscienza, filosofia orientale ed energy healing. Da questo percorso deriva il titolo, appunto legato alla fisica quantistica che pone l’attenzione sul linguaggio invisibile ma tangibile dell’energia, poiché tutto è vibrazione. Questo album rappresenta per me una trasformazione per quanto riguarda il mio modo di comunicare, ovvero, utilizzare la mia  musica come un abbraccio sonoro, per poter dare speranza alle persone che l’ascolteranno. We are all connected. 

Musicalmente parlando, come descriveresti Quantum Love? 
E’ un lavoro abbastanza eclettico che va da brani intimi con solo pianoforte fino a sonorità più melodic techno e progressive. I brani sono nati in modo molto spontaneo e non ho mai pensato ad una precisa direzione musicale. Ho usato la mia voce in molte tracce dell’album, con dei brevi messaggi positivi, legati a tutte le splendide letture che ho potuto fare negli ultimi mesi. Mi piace definirlo come un connubio tra Oriente e Occidente nella fusione imparziale delle nuove tecnologie. Il sound è moderno, ho utilizzato molti sintetizzatori analogici e digitali ma il messaggio è antico e prende luce dagli insegnamenti della saggezza ancestrale.  

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Sono molto legata al brano Tears of Bliss nato dopo aver letto due testi per me fondamentali: Bliss Brain di Dawson Church e L’autobiografia di uno yogi di Yogananda. Questo secondo testo dovrebbero leggerlo tutti perché rende più visibile l’invisibile che ci circonda e di cui noi stessi siamo fatti. Questa traccia è legata ad un momento topico di ogni vita umana, quando per un attimo sembra di essersi persi:  è li che può rivelarsi la più grande occasione di rivoluzione. Ma è necessario fermarsi e stare in ascolto, riconnettersi con la Natura, la più grande guida, in quanto noi siamo ovunque. Siamo circondati da un flusso continuo d’amore se solo ci concedessimo il permesso di vederlo, sentirlo, viverlo… in questa dimensione anche una goccia di pioggia può risvegliarci, ‘benedirci’. Bisogna perseverare ad accogliere la bellezza. Sempre. - 

Con chi (e come) hai collaborato per la realizzazione dell'album? 
Ho composto tutti i brani da sola, nel mio studietto colorato e ho collaborato su Nevermind con Nors Kode e Squ4re ha aggiunto dei leads sul mio brano Renew. Questi due producers li avevo conosciuti durante un contest sulla mia etichetta discografica; avevo invitato artisti da tutto il mondo a creare un brano tutti insieme per poi devolvere i ricavi alla Croce Rossa italiana. E’ stata un’esperienza meravigliosa. Il covid ci ha fatto comprendere quanto essere uniti possa fare la differenza, supportandoci con amore reciproco. - 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Quantum Love? 
Alla mia mamma e a tutto il mio team che mi ha supportato in questo progetto, il mio management Dskonnect, Dominic, Lydia, Veek, Tina, John, Roman. E a tutti coloro che si sentono smarriti, che non ripongono più fiducia nella vita, negli altri, in se stessi affinché riescano a ritrovare la gioia, di sceglierla ogni giorno, perché è lì. Sempre presente.

Blenda sarà incluso nel vostro album d'esordio Topical Dancer, in uscita il 4 marzo. Cosa significa questo progetto per voi e per il vostro percorso artistico? 
(Bolis) Questo disco è il risultato di più di tre anni scrivendo in studio, in tour, in vacanza, nei nostri sogni - e persino nei nostri incubi. È un lavoro di cui sono molto orgoglioso e spero che si distinguerà ancora tra trent'anni: riflette chi siamo in questo momento. Questo era in realtà anche il concetto che abbiamo adottato quando abbiamo iniziato a lavorare su questo album, per creare una capsula del tempo immaginaria, da cui osserviamo il nostro zeitgeist e come ci relazioniamo a questo mondo. 

Come descrivereste l'LP, dal punto di vista musicale? 
(Bolis) È pop con un twist più orecchiabile, anche se a tratti d'avanguardia, semplice e al contempo complesso. Usiamo molti sintetizzatori e drum computer, sovrapposti a voci campionate, come uno strumento percussivo o un synth polifonico. Suoniamo con chiavi minori e maggiori a qualsiasi cosa si adatti al messaggio che vogliamo veicolare. 
(Charlotte) Il miglior complimento che puoi farci con queste canzoni, è dire che hai voglia di ballarle  e al contempo anche di recepirne il messaggio. Musica per balli contemplativi. ;-) 

Per questa release, con chi (e come) avete collaborato?
Abbiamo lavorato insieme negli studi DEEWEE a Gent, dove viviamo. Ci sono molti strumenti che adoriamo, e abbiamo trovato uno spazio sicuro in cui possiamo sperimentare, e all'occasione anche sbagliare. Ci sono anche Stephen e David Dewaele, con cui abbiamo lavorato all'album, due artisti di grande esperienza e talento che sono stati il ​​nostro primo pubblico: se ne escono sempre con grandi prospettive su come scavare più a fondo in noi stessi. Riconoscono una buona idea e sanno come farci sbloccare quando ci areniamo. 

Potete raccontarci qualcosa riguardo al fantastico video di Blenda?  
Quando eravamo in studio a scrivere Blenda, era fondamentale trovare il tono giusto. Ovvero come affrontare il tema del razzismo, ma senza suonare troppo moralisti. Abbiamo avuto una sensazione simile quando abbiamo iniziato a pensare al video. Pensavamo a tutti i prodotti di importazione come una metafora per le persone di colore, e vederli attraverso gli occhi di un bambino ha dato all'intera idea una connotazione più umana e assimilabile. Come delle verdure ricoperte di caramelle! La metafora dei prodotti importati è un modo per cercare di mostrare l'assurdità di quel tipico commento: "Tornatene nel tuo paese". Essendo di origine mista, dov'è la mia casa? Dove sarò veramente accettato? La chiave è che tutti abbiamo bisogno l'uno dell'altro e, soprattutto, siamo uguali!

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Topical Dance? 
In primo luogo abbiamo fatto questo disco per noi stessi, ma speriamo anche di poter far ballare, ridere, piangere e riflettere le persone. 
(Bolis) Spero anche che la gente possa comprendere ciò che stiamo dicendo: che in un certo qual modo possiamo fare unire le persone invece di allontanarle. 
(Charlotte) Lo vorrei dedicare a mio figlio, che ora ha tre mesi. Forse in futuro sarà in grado di farsi un'idea del mondo in cui vivevamo, e capire il background di sua madre da un'altra angolazione. E posso solo sperare che possa ispirarlo a fare tutto ciò che gli sembra giusto nella sua vita. Sii un pensatore libero: critico, ma anche empatico.

Come è nato Petrichor, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Ho creato Petrichor ripercorrendo i miei ricordi di adolescente, e ispirandomi a quei momenti unici della vita in un piccolo paese di campagna dove ho vissuto, con i miei compagni e la natura come un territorio di libertà. Quindi questo album ha un lato autobiografico, ma non solo: è anche sulle persone di quei luoghi, e sulla mia generazione, quella prima di Internet, in un'epoca in cui i social network non esistevano.

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
Direi che ho cercato il più possibile di dargli un colore organico, per adattarlo al mio background di ispirazione. Anche contemplativo: un po' come sedersi in mezzo alla natura con qualche amico, e guardare il più lontano possibile, verso un orizzonte senza luci e senza una città nel raggio di chilometri.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Il paese da cui vengo è a tre ore di treno da Parigi: c'è un treno diretto che attraversa la campagna e si ferma in decine di piccoli paesi, e quel treno è spesso vuoto perché ci vanno poche persone. Ricordo di aver scritto la canzone Force Fields su quel treno, guardando il paesaggio che passava attraverso il finestrino. C'era qualcosa di poetico in quel momento, come se più andavo in là, e più mi addentrassi nel passato, nei miei ricordi. Questa canzone parla della forza del luogo da cui vengo, che mi riporterà sempre indietro, non importa quanto lontano sia andato. In quel giorno in particolare, era quella forza che guidava il treno.  

Per la realizzazione dell'album, con chi (e come) hai collaborato? 
Ho scritto la musica e realizzato i video da solo. L'unica persona che ho coinvolto nel processo creativo è stato il mio manager e direttore artistico Manu Barron. È una persona che mi conosce, che sa guidarmi, consigliarmi e interrogarmi quando è necessario. È importante per il mio lavoro avere questa visione esterna. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Petrichor? 
Penso che lo dedicherei all'adolescente che ero, ma anche a tutte le persone che vivono lì e nei piccoli paesi di campagna in generale. Spero che riconoscano una parte di se stessi sia nella musica, sia soprattutto nei video.

Come è nato Beautiful Disaster e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Ho iniziato a fare Beautiful Disaster all'inizio del primo lockdown. Avevo in programma di realizzare un album da molto tempo e sebbene il lockdown sia stato un periodo difficile per molti aspetti, mi ha permesso di immergermi nella creazione di questo album. Volevo fare un album ispirato al rock perché è da lì che vengo, quindi sono partito ascoltando tutte le band e gli album con cui sono cresciuto. Studiandoli, riproducendoli e campionando riff e giri di chitarra; ho studiato la loro melodia e ho guardato molti film, per l'ispirazione visiva e creativa della scrittura. È il mio album di debutto, quindi è un grande traguardo, ed è anche molto importante perché ci sono riferimenti a tutta la musica che ho ascoltato crescendo; con Beautiful Disaster sento di mostrare davvero a tutti chi sono e i diversi lati della mia personalità, e l'essenza che crea Santino  Le Saint. Ho molti piani per la direzione in cui voglio che la mia arte vada, ma per ora amo questo feeling diretto ispirata al rock alternativo, per tutto ciò che è e che mi ha reso il chitarrista e il cantautore che sono. 

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
È fortemente influenzato dai miei gruppi rock preferiti della mia infanzia, in particolare rock alternativo, post rock e gruppi indie della fine degli Novanta e inizio Duemila. Paramore, Nirvana, Three Days Grace, Linkin Park, Nickleback - anche se tutti li odiano, io li amo - Bullet For My Valentine e Red Hot Chilli Peppers. Descriverei Beautiful Disaster come un album R'n'B alternativo con sfumature rock, che racconta storie di amore, sesso, droga, anarchia e romanticismo dal punto di vista del tuo anti-rolemodel preferito, un cattivo ragazzo dal cuore tenero.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Sì, più di una. Quando eravamo nel Kent in una fattoria a realizzare la maggior parte dell'album, c'è stato un giorno in cui è andata via la corrente: volevo fare una canzone acustica per l'album ma non c'ero mai riuscito, quindi quella sembrava l'occasione perfetta. Tutte le altre canzoni che avevamo fatto fino a quel momento erano maestose e da bad boy, quindi dopo tre notti passate a bere, ho pensato che avremmo dovuto scrivere una canzone più sensibile. Avevo letto una poesia la sera prima, e un verso diceva più o meno: Where can I rest but in your Hurricane? L'ho scritto immediatamente nelle note del mio telefono. Quella frase mi ha davvero toccato, perché stavo attraversando qualche difficoltà nella mia relazione in quel momento, e l'album racconta la storia di una relazione appassionata e disastrosa: ho scritto Hurricane perché volevo concludere l'album dicendo che mentre l'amore e la vita possono essere un disastro, c'è bellezza nel dolore e nel caos, e questo è ciò che ci rende umani e ciò che ci rende resilienti. Hurricane lo conferma spiegando che non c'è nessun posto dove qualcuno preferirebbe essere, se non nell'occhio del ciclone di una relazione insieme. Trovare pace nel caos dell'amore, e non voler affrontare quel caos insieme a nessun altro.

Per la realizzazione dell'album, con chi (e come) hai collaborato? 
Ho realizzato la maggior parte dell'album con tre ottimi amici, e l'ho prodotto esecutivamente con i miei due manager, David e Ben, che gestiscono Cloud X e sono i miei migliori amici. Benji e Thomas Totten sono due fratelli con cui avevo lavorato in precedenza nell'EP Red Pill per la traccia 118, che aveva avuto molto successo nel 2019. Visto che volevo fare un album ispirato al rock, pensavo che la cosa migliore era chiedere ai due migliori chitarristi che conosco, e a due persone con cui esco a prescindere dalla musica. Il mio manager ha poi contattato Elevated, che è un produttore pazzesco, e ora uno della mia banda: nella prima sessione ci siamo incontrati e abbiamo fatto due pezzi, da lì il resto era storia. Abbiamo composto più o meno due canzoni ogni volta che ci siamo riuniti e non abbiamo mai rallentato. Connor Barkhouse, che ho incontrato a Los Angeles nel 2018, ha mixato tutta la mia musica da Rage of Angels in poi, ha collaborato con Kevin Tuffy, un sound engineer del Regno Unito con cui ho lavorato per mettere a punto il sound dell'album. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Beautiful Disaster? 
Voglio dedicare questo album ai ragazzi con cui l'ho realizzato al campo. Ci siamo avvicinati molto durante il lockdown e creando questo album, ci siamo tuffati in profondità, creativamente parlando, e ci siamo aperti. Voglio dedicare Beautiful Disaster anche alla mia musa, la mia principale fonte di ispirazione. Non siamo perfetti ma è questo che ci rende belli e umani. L'album non esisterebbe senza di lei.

Come è nato Move your Body e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Move Your Body è stato creato pensando ai DJ e a chi balla. Volevo fare qualcosa che ti emozionasse sulle dancefloor, oltre che alla radio. Spero che si possano notare i progressi, rispetto alle release precedenti, in termini di abilità artistica. 

Come descriveresti questa release, dal punto di vista musicale? 
Musicalmente, il disco è molto guidato dai vocals e dal groove. Partendo da Closer e Only One, mi sto davvero divertendo con il sound che sto producendo in questo periodo, e lo noto nella reazione del pubblico.

Hai appena lanciato la tua etichetta Midnight Parade. Quali sono i tuoi piani per questo nuovo progetto? 
Sì, è qualcosa che volevo fare da molto tempo, e alla fine ho deciso che ora è il momento migliore per iniziarlo. Ho intenzione di pubblicare più singoli ed EP con la label durante l'anno nuovo, e a dilettarmi con altri sound di livello. Mi occupo anche della direzione artistica dell'etichetta, perché è una cosa che mi appassiona. 

Questa sera ti vedremo all'Amnesia. Puoi raccontarci di questa data e di che spettacolo ci attende? 
Sono davvero entusiasta di fare il mio debutto a Milano, e nientemeno che all'Amnesia! Aprirò la serata del club con un set di tre ore, che sarà un viaggio musicale nella notte, partendo dalle origini. L'ultima volta che ho suonato in Italia al Classic di Rimini è stato davvero fantastico. Il pubblico italiano è davvero unico nel suo genere; è molto ricettivo e sa come divertirsi!

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Move Your Body?
A tutti i festaioli!

Come è nato Belfast (30 something) e cosa aggiunge al progetto originale? 
L'originale è un classico senza tempo intergenerazionale, uno dei miei brani preferiti di sempre. Quindi l'intenzione non era quella di aggiungere nulla, ma di dargli una nuova interpretazione. Ho lavorato sui suoni dell'originale con le mie sonorità techno più pesanti per portare un remix energico e underground che potesse essere suonato nei momenti di punta nei più grandi festival techno. Ma con il massimo rispetto per lo spirito e l'atmosfera della traccia originale: ecco da dove viene la magia. 

Cosa significa per te remixare un brano così leggendario? 
Onestamente non ci potevo credere: quando mi si è presentata l'opportunità di remixare questa traccia, mi sono sentita estremamente orgogliosa. Avere i suoni con cui lavorare di uno dei brani più belli che conosco, di una band di cui sono una grande fan da molto tempo, è davvero stimolante. Non sono riuscita a trattenermi e ho finito per fare due versioni completamente diverse. Un remix ambient e anche un remix techno: c'erano così tante idee che scorrevano ascoltando quei suoni. Sono felice che agli Orbital siano piaciute entrambe le versioni e di poterle condividere con il mondo. 

Come descriveresti i tuoi due remix, dal punto di vista musicale? 
Il remix techno è un brano musicale industriale molto energico, grezzo: un'interpretazione dell'originale che potrebbe essere suonata sulla pista da ballo di club e festival durante i momenti di punta. Nella versione ambient, il focus principale è sul pianoforte e sulle melodie dell'arpeggio dell'originale, ma con il mio tocco inedito. È una traccia più ipnotica e introspettiva, volevo portare alcuni aspetti contemplativi ed espansivi a chi l'ascolta. 

Puoi dirci qualcosa della realizzazione dei brani? 
Quando ho ricevuto gli stems del brano originale è stato un momento incredibile per me. L'idea per il remix techno, come sarebbe suonato e come arrangiarlo mi è venuta molto velocemente: era puro flow, come se stesse solo aspettando l'opportunità di prendere vita. Una volta pronto il remix techno, i miei manager, conoscendo la mia passione per la musica ambient, mi hanno detto che potevamo provare a lavorare su una versione ambient e inviarla agli Orbital e vedere che ne pensavano. Hanno adorato anche quella versione e la volevano pubblicare anche loro, quindi ovviamente sono al settimo cielo per il risultato dell'intero progetto.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare questa release? 
Sicuramente a tutti i fan di Orbital, che come me sono stati ispirati dalla loro musica per così tanto tempo.

Come è nato .dev, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
È il mio quinto album quindi non è più quello che potremmo chiamare l'album della maturità! È più un concept album con un tipo di sound. Tranquillo, ma intenso direi. .dev rimanda molto al nostro periodo attuale, circondato da ogni tipo di tecnologia. Mi piace vederlo come parte di un oggetto globale e non solo come un LP: l‘album è solo una parte del progetto complessivo. È in arrivo un lettore AI che ho realizzato con la tecnologia Bronze: ogni volta che si schiaccia play si scopre una versione totalmente nuova della canzone. Tutte sono versioni uniche, e tu sarai il solo a fruirne; in un certo senso, abbiamo creato la versione infinita! Personalmente vedo l’AI non come un'intelligenza artificiale, ma come un'intelligenza aumentata. Penso che sia una definizione più interessante. Il lavoro sull'immagine che accompagna la musica è sempre stato molto importante per me. Non video musicali, ma opere d'arte. Ho fatto la foto della copertina dell'album e ritengo che fosse il perfetto contrappunto alla tecnologia utilizzata durante il processo di registrazione. Una capra su una cover di un album! Ma direi che non è la solita capra... Per quanto paradossale sia, sento che l'algoritmo e la natura sono totalmente connessi. Vedo in tutte le mie ricerche un legame profondo tra la crescita di ciò che è vivo, e il coding. Potrebbero fondersi tutti, un giorno. Esploro molto verso questa direzione e sto pubblicando dei lavori su Foundation e Objkt, due piattaforme NFT. 

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
Direi che il mio album è elettrico! Torno alle mie origini con questa uscita, ma sperimentando nuovi formati. Non ho seguito nessuna regola degli arrangiamenti classici della musica da club, e non ci sono format tipici da dancefloor in .dev: tutte le tracce hanno le loro proprie storie e i loro sviluppi. Ho lavorato a stretto contatto con Nicolas Becker, che ha appena vinto l'Oscar per il film Sound of Metal. Abbiamo registrato un sacco di suoni strani, persino i suoni di un Kärcher nella mia piscina, e abbiamo usato tonnellate di sintetizzatori non comuni e geek. Sono stato anche contento di registrare con un cantante di flamenco di Barcellona - Niño de Elche - o i rapper Rome Fortune e STS di Atlanta, per sperimentare con loro e vedere dove ci portava il vento. In questo senso immagino che la melodia con il poeta Niño de Elche sia potentissima a livello sonoro! Sembra che la maggior parte del pubblico sia molto attratto da questa traccia, perché suona come nessun altro brano. Non c'era un piano iniziale quando ho iniziato a registrare questo album, il che credo lo renda particolare ai miei occhi. Spero che vi piacerà!

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Credo che il singolo con Ela Minus abbia una storia incredibile. Ho fatto una canzone con il titolo: What if the dead dream. Quando gliel'ho inviata le ho detto che amavo il suo album uscito sull'etichetta Domino, e le ho chiesto perché avesse deciso di chiamare la sua traccia di apertura N19N5F. Mi ha risposto che era il codice postale dell'ospedale in cui si è svegliata dopo aver vissuto un'esperienza di premorte…. Ovviamente non avevo idea di quella terribile esperienza che aveva vissuto. Se credi nelle equazioni cosmiche, non puoi trovare un esempio migliore di connessioni tra gli universi. Sono rimasto scioccato di averle inviato una canzone, in cui si metteva in dubbio il fatto che i morti potessero sognare, mentre lei si era appena svegliata dopo pochi giorni di coma. La mia sensazione su questo argomento è che il nostro ultimo secondo potrebbe essere eterno. Spero di saperlo prima!

A gennaio potremo finalmente vederti al Volt. Puoi anticiparci qualcosa della tua esibizione? 
Sì! Finalmente! Il Volt è uno dei migliori club europei. E Tommaso Dibello, il direttore artistico, non scende a compromessi: riesce a riunire un pubblico molto cool a una programmazione di artisti che definirei lungimiranti. Il mio lavoro come dj è sentire l'atmosfera della notte, quindi è difficile prevedere cosa accadrà in anticipo. Di una cosa però sono sicuro: sarà elettrico come sempre!

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare .dev? 
Lo vorrei dedicare a tutti coloro che costruiscono il proprio presente, pensando alle complessità del futuro.

Stingray Pete sarà nel tuo album Rose Pink Cadillac, in uscita il 7 gennaio per BMG. Ci racconti qualcosa su questo nuovo progetto e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Nel mio ranch c'è questo vecchio fienile, che si affaccia sulla campagna, con le montagne in lontananza e i cavalli che pascolano. Ho sempre voluto convertirlo in uno spazio in cui potessi entrare e creare musica, poiché è pervaso da una magia davvero speciale quando ci entri. Abbiamo finito per andarci a lavorare durante l'inverno e creare un bellissimo studio nel soppalco. Il catalizzatore principale dell'album Rose Pink Cadillac è stato il caminetto che abbiamo creato lì, accanto allo studio. È anni '70, con una grande cappa di rame martellata su misura, una parete di roccia e piastrelle in marmo. Stare nello studio è stato fantastico, a tarda notte con un whisky in mano: ascoltando le canzoni che avevamo registrato e guardando il fuoco, rimuginando su storie e nuove idee per creare ulteriormente. Si è trattato di un momento magico.

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
Vorrei chiamare questo disco il mio album d'amore. A volte mi sento fortunato ad avere la mia musica e le mie piccole creazioni. È la mia forma di sognare ad occhi aperti, per quanto la mia immaginazione me lo permette durante la giornata. Penso che tutto ciò che stava succedendo nel mondo durante la pandemia, mi ha solo spinto a immergermi più a fondo nell'esplorazione di quel sentimento d'amore e del suo caldo bagliore, che ti tiene al riparo da tutto ciò che altrimenti sarebbe una distrazione.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Ho sempre avuto questo sogno di poter convertire alcune mie poesie dall'inglese al francese. Ho chiamato la mia amica francofona, è venuta e abbiamo iniziato il processo di traduzione. Sono sempre stato affascinato dal modo in cui il linguaggio, quando viene tradotto, ha questo potere di far sì che una frase semplice assuma un significato completamente nuovo. Stranamente poi alcune cose semplicemente non si traducono.

Per la realizzazione dell'album, con chi (e come) hai collaborato? 
Ho collaborato con varie persone fantastiche in questo disco, ma una in particolare è stata in questa canzone in francese di cui parlavo. Dopo averla tradotta, la mia amica mi ha consigliato di ascoltare questa ragazza della scena parigina: il suo nome è Louise Verneuil. Alla fine mi sono innamorato della sua voce, quindi una volta avuto il suo numero l'ho chiamata. Siamo entrati in connessione e c'era una buona atmosfera al telefono. E così abbiamo iniziato il processo di reciproco invio di idee. Adoro il fatto che al giorno d'oggi è come essere praticamente seduti nella stanza insieme a creare, anche se a distanza. Certo, in carne e ossa è sempre meglio, ma ci accontentiamo dei tempi in cui viviamo. Verrò in Europa per un tour a marzo, quindi speriamo di poter suonare insieme in uno show e celebrare il successo della nostra creazione. La canzone si chiama High Rollin.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Rose Pink Cadillac? 
Rose Pink Cadillac ha una storia tutta sua, ma immagino che mi piaccia pensare che risplenda di luce propria quando la sento suonare. Quella di coloro che si innamorano di una persona speciale incontrata durante un viaggio. L'atmosfera racchiude quei primi stadi di quella sensazione: nell'ammirazione per le cose più semplici che la nuova persona fa, che finisce per far brillare i nostri cuori e ci fa innamorare.

Come è nato The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows, e cosa rappresenta per te? 
Ho avuto modo di conoscere Marc Cardonnel perché ha diretto il Festival di Lione, che è un bellissimo evento annuale in un antico anfiteatro romano. Stavamo conversando e lui ha detto: "cosa ti piacerebbe fare?... puoi fare qualsiasi cosa". In realtà c'era qualcosa che avevo fantasticato di fare per anni, ovvero sedermi nel mio soggiorno in Islanda - perché ho avuto una casa lì per molto tempo - e fare musica, semplicemente guardando fuori dalla finestra la Montagna Esja e il mare in lontananza. Questo disco è stato il mio conforto nei giorni molto bui di gennaio e febbraio di quest'anno. Mi ha dato un motivo per alzarmi dal letto. Inevitabilmente penso che molti dischi realizzati in questo periodo saranno documenti dell'epoca.

Con chi (e come) hai collaborato per il processo di scrittura?
Mi sono ritrovato con il mio vecchio amico André de Ridder, con cui ho collaborato per anni: con lui ho lavorato a Damasco e abbiamo fatto un sacco di cose insieme nel corso degli anni. Abbiamo messo insieme un gruppo di musicisti e abbiamo iniziato a fare questi workshop, dove letteralmente tutti si presentavano mentre era ancora buio e si preparavano; poi suonavamo mentre la luce cambiava. Alcuni giorni c'erano tempeste di neve, altri giorni era sereno: ma c'era sempre qualcosa da fare. L'idea era che avremmo fatto musica concentrandoci a volte su uno stormo di uccelli sull'acqua e poi sulla nuvola che arriva su Esja. 

Come hai utilizzato i suoni del mondo naturale nella registrazione? 
Tutta quella roba è stata registrata dal mio amico Arnie in Islanda, è un tecnico del suono cinematografico. Ci sono registrazioni di cascate, di uccelli della costa: e poi di onde, di passeggiate sulle spiagge e del suono dell'attività vulcanica. In effetti, la melodia che aveva tutto questo non è in questo disco, ma la esplorerò di nuovo quando diventerà una cosa più orchestrale. Tutto è iniziato con questa registrazione nel profondo di un vulcano, con il ghiaccio che si spezza. Non c'è nessun altro posto sulla terra dove la tua acqua calda arriva letteralmente dal profondo della terra. Non è artificiale, non c'è un processo di riscaldamento. È semplicemente un posto fantastico.

Ci racconti qualcosa del bellissimo artwork e dell'immaginario visual di The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows?
L'artwork e l'immaginario hanno preso vita durante un fine settimana nel Devon con questi ragazzi che hanno messo insieme il tutto. Volevo qualcosa che fosse fedele al luogo in cui è stato registrato il disco. C'è una foto islandese di Esja, la montagna, ma il resto è tutto intorno a dove vivo. Che è proprio sul mare, nel Devon, quindi c'è quella connessione: il mare è estremamente importante in questo disco. L'immagine di copertina è molto forte, con lo scoglio che oscura il mare. Conosco quello scoglio da oltre 25 anni ma non l'ho mai visto come un ostacolo. È una metafora molto forte del muro che la pandemia ha creato intorno a tutti noi.

Come è nato Mystic Motel, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Mystic Motel è nato nell’estate 2020, quando ho iniziato a dedicarmi interamente al mio progetto senza distrazioni. È il mio primo disco e rappresenta per me un punto di inizio per la mia musica che, sicuramente, muterà insieme a me col tempo. 

Dal punto di vista musicale, come descriveresti l'album? 
Lo definirei R’n’B e Pop, con molte influenze italiane anni Sessanta e Settanta.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Ponza è la prima traccia che ho fatto con Niccolò Contessa, il primo giorno in cui sono andata nel suo studio. Mi ricordo che iniziammo a lavorare partendo da un audio che avevo fatto qualche notte prima, perché sognai la topline del ritornello. Mi svegliai di soprassalto per registrare la melodia col telefono, poi tornai a dormire. Col tempo mi sono totalmente dimenticata di questo sogno: poi, spulciando tra le note vocali l’ho ritrovata e ho notato che la registrazione era del 21 maggio 2020. Ponza è uscita il 21 maggio 2021. Assurda coincidenza temporale.

Ci racconti del featuring con Coez? Com'è stato collaborare con lui? 
Avevo una demo, non sapevo bene cosa farci e gliel’ho mandata pensando potesse piacergli. Così è stato: abbiamo scritto il testo in una notte, a distanza, io a Milano e lui a Roma. Poi ci siamo incontrati in studio e abbiamo ultimato il tutto. Silvano ha una voce potentissima, appena arriva lui sulla traccia già sembra che la canzone subisca un upgrade istantaneo. E poi è una penna incredibile.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Mystic Motel? 
No, nessuno. Ai miei 22 anni forse. Nel senso: proprio a quest’anno in cui ne ho avuti 22, perché sono stati 365 giorni colmi di turbolenze, soddisfazioni, amici, cambiamenti improvvisi e fortuna.

Come è nata Tell It To My Heart e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico? 
Siamo sempre stati grandi fan di Hozier e del suo stile indie-pop dark: Take Me To Church, la sua più grande hit per cui è conosciuto in tutto il mondo, si è sempre distinta per la sua originalità ed è indubbiamente una tra le nostre canzoni preferite. Tramite la label abbiamo proposto ad Andrew la nostra demo di Tell It To My Heart ed abbiamo iniziato a lavorare insieme - tramite Zoom - per portare a termine la canzone. Collaborare con lui è stata un’esperienza incredibile: a nostro parere è uno dei migliori talenti al mondo e siamo davvero onorati abbia voluto partecipare a questo progetto. Amiamo collaborare con artisti come lui - o come  Dermot Kennedy in Paradise - non contaminati dal mondo elettronico, in modo da avere la possibilità di sperimentare e dar vita, quando la formula funziona, a musica nuova e non scontata. Cerchiamo, per quanto si può, di uscire dai soliti standard per creare qualcosa di unico e alternativo. In Tell It To My Heart, come nei singoli precedenti, abbiamo perseguito un’atmosfera intensa piena di sfumature dark in modo da poter accogliere la storia d’amore che raccontiamo nella topline: la musica è emozione ed i nostri suoni e le nostre melodie cercano, singolo dopo singolo, di descrivere l’amore che viviamo tutti i giorni, la passione ed ogni emozione legata ad esso da un punto di vista inedito. Dopo Piece of your Heart, Lose Control e Paradise, Tell It To My Heart é come se fosse una quarta puntata di una prima serie di Netflix. 

Dal punto di vista musicale, come descrivereste la canzone? 
Siamo sempre alla ricerca di un’atmosfera intensa che possa accompagnare nel modo giusto la topline: la musica è emozione ed i nostri suoni e le nostre melodie cercano di descrivere al meglio ogni emozione. Esploriamo ambientazioni epiche con sfumature dark e proviamo a reinventare il racconto della classica love story pop in una chiave che sia più personale possibile. 

Ci raccontate qualcosa del video? Dove è stato girato e con chi avete collaborato? 
Chi ci ascolta sa che per ogni singolo in genere lanciamo tre diversi videoclip ed anche stavolta ci siamo mossi in questo modo, con tre versioni differenti del video di Tell It To My Heart. Il primo, uscito già il giorno della release, è un lyric video interamente basato sul nostro logo, disegnato dall’artista inglese Petter Scholander e sviluppato in 3D dal team olandese The Replay Group. Il 19 novembre uscirà il video ufficiale di cui però preferiamo per ora non anticipare nulla: dopo Burj Al Babas in Turchia in Lose Control e Craco in Basilicata in Paradise abbiamo scelto un’altra località suggestiva che farà da sfondo a Tell It To My Heart. Questo video live invece lo abbiamo girato assieme ad Hozier nell’incantevole cornice della Rocca di Cashel in Irlanda. Per questo video abbiamo deciso di proseguire la collaborazione con un team di ragazzi inglesi, con cui l’anno scorso abbiamo girato un dj set davanti al noto aereo abbandonato sulla spiaggia di Solheimasandur in Islanda. 

C’è qualcuno a cui vorreste dedicare Tell It To My Heart? 
Sicuramente ci piacerebbe dedicarla a tutti nostri fan che hanno aspettato per oltre un anno questo singolo. Siamo maniacali nella scelta di ogni singolo e fino a quando non siamo tutti convinti al 100% non facciamo uscire nulla: quality over quantity. Per realizzare questo singolo abbiamo scritto oltre quaranta demo song e in Tell It To My Heart abbiamo poi unito tutti gli elementi migliori di ciò che avevamo scritto. Un processo del genere richiede chiaramente del tempo, sia per scrivere assieme ai songwriters, sia per ascoltare e dare un giudizio su quanto produciamo, in modo che sia fatto il più possibile con orecchie "fresche”.

Come è nato Day/Night, e cosa significa per voi e per il vostro percorso artistico? 
(Jules) Questa è una grande domanda. Ma, se potessi riassumerla, sento che il giorno e la notte sono stati un mezzo per dividerci in due, in molti modi. Come band e cantautori, potremmo esplorare più a fondo ogni opposto e avere un ambiente in cui scrivere. Più esaminavamo il fenomeno di cosa fossero il giorno e la notte, più il significato sembrava confonderci continuamente e crescere. L'album è finito e vedo ancora il mondo attraverso questa strana lente. Mondo esterno e mondo interiore, la personalità che portiamo con noi, fuori nella luce, e quella con cui torniamo a casa la notte. L'incontro con il nostro IO ombra e l'affrontare le nostre paure poi, una volta incontrati, il ritorno al corpo e alla sua presenza. Questi mondi opposti creano un ciclo in movimento e la natura ci insegna tutto questo. Ma anche Carl Jung ha molto da dire su questo: l'enantiodromia. Penso che sia tutto così sconcertante per me, perché è stato anche l'anno in cui ho iniziato a guardarmi bene dentro, scoprendo la meditazione e andando da uno psicologo, ed è tutto così legato a questo album e ha un significato per me. Mi rendo conto che ha a che vedere con l'anno che stiamo vivendo, e forse è qualcosa che stiamo attraversando tutti. Ma a parte questo, penso davvero che siamo anche noi, come band, a ritornare alla natura dopo aver trascorso anni in una città: cercare di trovare casa in un mondo caotico e iniziare a capire che questo sentimento infondato è stato tramandato di generazione in generazione. Ciò che ci ha fatto sentire al sicuro è stato concentrarci davvero sul paesaggio naturale e fare musica con quello che c'era nelle nostre menti. È stato un ottimo modo per connetterci gli uni con gli altri e con noi stessi. Sono molto orgoglioso e grato che siamo rimasti fedeli a quell'intenzione fino in fondo: in un certo senso mi sembra un viaggio che dura tutta la vita. 

Come descriveresti questo nuovo progetto, dal punto di vista musicale? 
Un album della colonna sonora di un film che non è stato realizzato.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Ho avuto un'esperienza straordinaria camminando di notte con la luna piena in un parco nazionale molto speciale nel Byronshire. Ero molto immerso nel mondo dell'album e ricordo di essere rimasto colpito da come avevo completamente frainteso cosa potesse essere la notte, quando ho vissuto questa esperienza camminando nella foresta quella notte. Stavo pensando alla tipica metafora della notte come l'oscuro misterioso sconosciuto ed eccomi qui, camminando attraverso questo set cinematografico in bianco e nero della giungla quasi degli anni Cinquanta, dove mi sono sentito al caldo, al sicuro e totalmente benvenuto. Sembrava che il posto mi stesse semplicemente invitando a entrare e dicendo "sei al sicuro qui". Questi accordi sono usciti da me, e direi che la foresta stessa ha scritto la canzone Nightwalk. 

Con chi (e come) avete collaborato per Day/Night? 
Fin dall'inizio, avevamo in mente dei connettori per entrambi gli album, per legare tutto insieme in questo modo cinematografico. Abbiamo incontrato Owen Pallett, che ha composto tutti gli arrangiamenti degli archi per Day/Night. Ci ha semplicemente stupito con le sue idee. All'epoca avevamo un brief abbastanza concreto che avremmo usato per chiunque fosse coinvolto nel processo dell'album, e ho sentito che Owen capiva davvero cosa stavamo cercando di fare. 

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Day/Night? 
Vorrei dedicare questi album ai fan che hanno aspettato tre interi anni senza nuova musica da parte nostra. È passato un po' di tempo, ma sento che apprezzeranno l'offerta 2x1 - ovvero Day/Night - che stiamo offrendo loro. Grazie per l'attesa ragazzi! Non vediamo l'ora di suonare di nuovo dal vivo!

Come è nato If Words Were Flowers e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico?  
Stavo pensando alla correlazione tra parole e fiori. Un bouquet può essere molto elaborato e vivace, o molto semplice e singolare. Lo stesso vale per le parole con cui ci parliamo quotidianamente. A seconda dell'occasione, ci sono molti modi per articolare il discorso. Per questo disco penso che questo descriva perfettamente l'atmosfera. Tanti segni di protesta, e tante parole di disapprovazione e/o di amore reciproco. I fiori sono piuttosto delicati: e se pensassimo alle nostre parole in quello stesso modo? Staremmo più attenti a ciò che diciamo?

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
È come lo stesso vino, ma di una annata diversa. Questo disco riflette per me l'atmosfera che si è creata durante il lockdown. La musica è molto terapeutica e, come osservatore della vita, l'album suona e sembra un gioco, in qualche modo. Sento che c'è molto più spazio in questo disco. Il mio ambiente era letteralmente libero e privo di persone: inconsciamente ha preparato il terreno. È pazzesco come gli elementi ambientali diano un tono e un'atmosfera.

C'è una traccia che ha una bella storia raccontare? 
With You è stata scritta con molta tristezza, ma anche gioia allo stesso tempo. È una di quelle canzoni che esprime entrambi i lati della medaglia. Mi sentivo come se stessi diventando pazzo: la stessa routine ogni giorno può fare questo effetto. Non ho potuto visitare i miei genitori e mio padre ora ha 91 anni: nessuno sapeva quanto sarebbe durato il lockdown. Mi sono immaginato di trovare un posto in cui tutti saremmo stati bene e avremmo potuto semplicemente stare l'uno con l'altro. Mi ha davvero aiutato a continuare a lavorare anche se non si vedeva una fine. La mia amica e collega musicista Sasami ha cantato in sottofondo e ha anche fatto l'arrangiamento degli archi. È davvero una canzone speciale: sono felice di poterla condividere. 

Con chi (e come) hai collaborato?  
Io e Sam Cohen abbiamo prodotto il disco. Io e lui, insieme a Dangermouse, abbiamo fatto il mio album Face Your Fear. Ho anche scritto una canzone con Van Hunt e Curtis Whitehead (Forevermore). Entrambi sono musicisti che rispetto e da cui ho imparato. Curtis è anche un mio ex membro della band. Anche il mio buon amico Ludo Ludovic - che si esibisce con la band di Lenny Kravitz - suona la tromba nel brano. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare If Words Were Flowers?
Il disco è per chiunque sia aperto all'ascolto. Penso che tutti abbiamo avuto un'esperienza condivisa. Per necessità, ho fatto qualcosa per sentire dove eravamo, quando mi guardo indietro. La mia speranza è che anche l'ascoltatore possa creare una connessione, e ascoltare anche alcuni di loro stessi.

Come è nata Start Over, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico?  
Start Over è stato uno sforzo collaborativo. È stata una delle prime volte che costruivo una canzone da zero con i produttori e altri autori presenti nella stanza. Prima di allora, la musica era stata durante un processo molto solitario, in cui dovevo isolarmi per creare qualcosa che sembrasse originale e unico. Questa volta è stato diverso: l'intera crew si è riunita per dare vita a questa idea collettiva. Per una volta, non si trattava di una storia molto specifica e personale che volevo raccontare; si trattava piuttosto di creare uno spazio in cui chiunque potesse ascoltare la propria storia.  

Come descriveresti questa traccia, dal punto di vista musicale?   
Questa canzone è una testimonianza di amore incondizionato. Ha lo scopo di farti ballare, cantare, ridere e sorridere con la persona o e persone che ami. Vuole riportare un po' di energia estiva nella vita delle persone ora che le foglie hanno iniziato a cadere qui in Canada! 

Parlaci del video: dove è stato girato e con chi hai lavorato?  
Abbiamo raggiunto gli studi La Cour Des Grands con cui ero molto ansioso di lavorare nell'ultimo anno, per girare il video. È successo tutto molto rapidamente: ho spiegato quello che avevo in mente ai ragazzi e poi abbiamo passato i successivi due o tre giorni per le strade di Montréal ricreando sostanzialmente questi flashback di una relazione tumultuosa e alimentata dalla passione.  

In Start Over collabori con Benny Adam. Come è nato questo featuring? 
Benny è un amico. Abbiamo composto la canzone la prima volta che ci siamo incontrati, se ricordo bene. Inizialmente ero con Ruffsound e Billboard, due dei migliori produttori di Montréal, e per caso lui era lì e quindi così è nata. In realtà abbiamo fatto due o tre brani, quella notte, tutti stupid fire.  

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Start Over? 
Certo che sì, lei lo sa….;)

Come è stato creato War & Wonders e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
War & Wonders è nato durante la quarantena e completato nel corso di un anno, con qualche cambiamento. Subito dopo che è stato chiuso tutto, e il nostro tour di Black Habits è stato cancellato, ho iniziato a creare per sfogarmi. La delusione di un tour cancellato mi ha lasciato con due opzioni, continuare a creare o... Continuare a creare! Smettere non mi è mai passato per la mente, nonostante quanto fossi ferito per non essere stato in grado di esibirmi con quelle canzoni. Se Black Habits era una storia di famiglia, War and Wonders è una storia di comunità, che cattura le guerre letterali e personali che affrontiamo come inner city kings. Come nel primo progetto, ho parlato di amore, di dolore, di street shit, e ci ho buttato un po' di saggezza dentro. Nel complesso, mi sono spinto a mostrare una crescita su questo aspetto, e con l'aiuto di alcuni produttori e musicisti, sono fiducioso che ci siamo riusciti. 

Come descriveresti l'album, dal punto di vista musicale? 
War & Wonders è stato creato principalmente in casa, con i produttori chiave che inviavano beat e io che registravo me stesso. Ho contattato gli stessi produttori del primo progetto: DK the Punisher, Seige Monstracity, J. Pounds, Larrance of 1500. Ne ho arruolati anche di nuovi: Marlon Barrows, Andre Harris, Jairus Mozee, Ali Prawl, Cardiak. Verso la fine del processo creativo, sono passato per studi più grandi per canzoni come Good Thing, War & Wonders, Mind My Business e Say Go. Marlon with the glasses è stata la chiave per mettere insieme il progetto come un intero corpo di lavoro. Durante tutto il mio processo creativo mi consulto con il mio manager e mentore DJ Shanxx, che mi aiuta a curare album che siano davvero un'esperienza. Siamo entrambi così appassionati della musica che a volte ci sbattiamo la testa, ma produce sempre il miglior risultato.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
La canzone Good Thing ha un retroscena interessante. Recentemente mi sono sposato, ed è stata una cosa un po ‘difficile da pianificare durante una pandemia, e non sono state invitate molte persone che avremmo invitato in circostanze normali. Ovviamente c’era gente arrabbiata e alcuni hanno addirittura detto che non eravamo più amici. La mia nuova moglie ed io stavamo discutendo della natura fragile di alcune amicizie e siamo giunti alla conclusione che le relazioni, come tutto il resto, si evolvono. E forse è una "cosa buona" quando finiscono. Dopo averne parlato, ho fatto un pisolino e mi sono svegliato con l'idea della canzone. Il giorno dopo, ho contattato Ty Dolla Sign e gli ho parlato del concetto e lui ha immediatamente accettato di farlo. Nel giro di una settimana, eravamo in studio e stava aggiungendo la sua salsa speciale al concetto ispirato alla vita.

In Let Go, canti insieme a tuo fratello minore, SiR. Com'è stata questa collaborazione familiare, soprattutto su un argomento così importante? Puoi dirci un po' come è nata e l'impatto che ne è derivato? 
La canzone Let Go con mio fratello SiR è stata la canzone pubblicata più velocemente sia nella storia della mia carriera e, credo, anche per la mia compagnia partner di distribuzione Empire. Ero in studio con Larrance e Q From 1500 quando ho ricevuto la notizia che George Floyd era stato ucciso. Proprio allora, ho deciso di scrivere riguardo a come mi sentivo. SiR non c'era, ma gli ho chiesto di fermarsi dopo che mi è venuta l'idea. Nel giro di mezz'ora mi ha mandato l'hook, e alla fine della giornata erano già state registrate tre strofe e l'hook. Ho parlato al telefono con Jentry dell'Empire e gli ho detto che Let Go doveva uscire immediatamente. Nel giro di altre 24 ore era già su tutte le piattaforme di streaming, parlando del problema in questione. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare War & Wonders? 
Dedico War & Wonders ai giovani di Inglewood. Hanno bisogno di essere notati, identificati e ispirati per poter navigare nel loro mondo con saggezza e sicurezza.

Take Me To Your Leader sarà incluso nel tuo prossimo LP, The Solution Is Restless. Puoi dirci di più su questo nuovo progetto, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica? 
La collaborazione è sempre stata importante per me. Con ogni disco che pubblico è vitale per me espandere il mio panorama musicale. The Solution Is Restless mi porta nei luoghi in cui avevo bisogno di essere, alla musica che avevo bisogno di fare. Il titolo stesso riflette il costante movimento verso di più: più vita, più amore, più musica, più punti di vista. Take Me To Your Leader è una canzone che ho scritto per Jacinda Ardern, la premier della Nuova Zelanda, mentre la guardavo affrontare la pandemia con grazia e avendo cura della popolazione del suo paese. 

Come descriveresti l'LP, dal punto di vista  musicale? Un disco di canzoni profonde e personali avvolte in un universo espansivo e pieno di sentimento. Ascolterai influenze globali e testi appassionati e potresti anche voler ballare.

Com'è nato il rapporto con Tony Allen e Dave Okumu? 
All'inizio del 2019 ho incontrato Tony Allen, maestro batterista e creatore del genere AfroBeat con Fela Kuti. Ho organizzato una sessione di registrazione con lui e il bassista/chitarrista Dave Okumu a Parigi nel corso dell'anno per fare una jam. Quando è avvenuto il lockdown, ho avuto il tempo di scrivere canzoni usando le tracce come base. 

A marzo potremo finalmente vederti dal vivo qui in Italia! Puoi dirci cosa ci aspetta? 
Sarà uno show favoloso! So che vuoi più dettagli di così…. Ci saranno tre musicisti con me: Parker Kindred alla batteria, Benjamin Lazar Davis al basso ed Eric Lane alle tastiere. Suonerò la chitarra, le tastiere, il violino e canterò. Faremo brani dal nuovo album e canzoni dal mio intero repertorio. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare The Solution is Restless? 
La teoria quantistica ci ha mostrato che gli atomi si comportano in due modi diversi contemporaneamente. La scienza, che sembra scolpita nella pietra, essenzialmente si muove e cambia continuamente. Vedo che questo corrisponde all'idea che non esiste mai UNA soluzione per risolvere qualsiasi cosa. La rigidità è un punto fermo. La flessibilità lascia spazio alla comunicazione, alla collaborazione e alle varie soluzioni. Dedico questo disco ad addolcire il pensiero in bianco e nero. Per me, tutte le varie sfumature di grigio sono il luogo in cui risiedono la bellezza e la sensualità.

Com'è nata Twenties, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico?
Stavo facendo beat da tutto il giorno e ho creato questa linea di basso: non avevo un progetto iniziamente per questa traccia, così ho iniziato a buttare giù un po' di idee. Mentre creavo il ritmo il tutto ha preso forma un po' alla volta, fino a quando è nata Twenties.

Come descriveresti questa traccia, musicalmente parlando?
La considero una hype song: ti fa entrare in quella attitudine che ti fa dire: “do it” o “go for it!”.

Qual è la storia della traccia?
Sostanzialmente Twenties parla degli obiettivi che voglio raggiungere nei prossimi anni, e di quali sono i miei piani futuri.

Dicci di più di questo bellissimo video: dove è stato girato e con chi hai lavorato per realizzarlo? 
Abbiamo realizzato in uno studio visivo locale il video, che è stato girato da Rowanin. Inizialmente stavamo facendo un servizio fotografico, e abbiamo messo su la canzone mentre facevamo lo shooting. Non era una cosa pianificata: Rowan ha tirato fuori la telecamera e ha iniziato a filmare. Il giorno successivo, mi ha mostrato cosa aveva creato: l'abbiamo pubblicato ed è così che Twenties ha visto la luce. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Twenties? 
Twenties è dedicata a tutti coloro che hanno grandi sogni.

Com'è nata Piano, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico?
Piano è stata creata nella mia cucina, con mio marito e il mio produttore. In quel momento stavo attraversando un periodo difficile, ed è stato un enorme sollievo per me scrivere questa canzone. Mi ha anche mostrato, per la prima volta, quanto sia importante esprimere i miei sentimenti attraverso la mia arte. 

Come descriveresti questa traccia, musicalmente parlando? 
Volevo fare qualcosa di molto pop anni 2000 ma che fosse anche un po' oscuro: la linea di basso e alcune doppie voci sono di un Barbershop Quartet, che dovrebbero essere rane che cantano. L'intera canzone è stata scritta per adattarsi alla mia idea di video musicale: ad esempio, il middle eight è un breve assolo di chitarra che è stato suonato appositamente dal mio chitarrista Zé, uno dei miei amici rana.

Qual è la storia della traccia?
Questa canzone parla di vedere le persone che ami farsi del male. Sento che questo è un argomento di cui non si parla molto spesso; quando ti senti impotente, perché non puoi fare altro che sperare che l'altra persona trovi la via d'uscita. È abbastanza emozionante per me, perché ogni volta che l'ascolto mi sento come se fossi finalmente ascoltata.

Dicci di più di questo bellissimo video: dove è stato girato e con chi hai lavorato per realizzarlo? 
È stato girato a Londra, ho scritto e disegnato lo storyboard per il video e l'ho diretto insieme a mio marito Oli Sykes: è stato prodotto da Craig Dixon e Nathalie Pitter è la direttrice di produzione.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Piano? 
Lo voglio dedicare a chiunque voglia essere ascoltato e visto: tu sei importante. ♥

Come è nato Il coraggio di provare e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Come tutte le cose più belle, la canzone è frutto di una bellissima amicizia ed è nata dallo scambio musicale con il mio carissimo amico Gigi Chord, musicista di grande talento e senza il quale non potrei suonare i miei dischi dal vivo. Tutto è partito da un suo loop musicale, voleva che lo aiutassi a dargli una struttura, un senso compiuto, un anima e così è stato. Appena l’ho ascoltato ho subito pensato di cantarla in italiano. Mi sono sorpresa io per prima nel pensare una cosa del genere, io, che ho sempre cantato in inglese e mai avrei pensato di scrivere un testo in italiano. Ma quella piccola bozza sintetizzava magistralmente quella stupenda Italia degli anni Sessanta e Settanta, che mi porto gelosamente dentro al cuore. E così, dopo averle dato una forma e una voce, l’ abbiamo suonata insieme e cesellata in ogni suo singolo momento. Per me rappresenta un passaggio artistico nuovo e unico. Mi sono sentita per la prima volta totalmente nuda e vulnerabile. Avevo una paura matta per questa canzone, che non piacesse a nessuno o che addirittura qualcuno potesse trovarla stupida o banale. Per fortuna non è andata affatto così… almeno fino ad ora! 

Dal punto di vista musicale, come descriveresti la canzone? 
Gli echi di Battisti credo siano espliciti, le suggestioni sonore che portano il suo nome sono forti. Mi piace paragonarla come a un oceano che non è mai calmo ma sempre inquieto, sempre pronto a sfogarsi in una tempesta. Ed è una tempesta sonora in questo caso, che mi circonda e mi trasporta verso emozioni nascoste. E io amo le tempeste sonore, amo quel famoso “wall of sound” creato da Phil Spector.

Qual è la storia della traccia? 
Non c’è una storia precisa. Il brano non racconta un avvenimento specifico ma parla delle emozioni provate in seguito a un’esperienza vissuta. Mi piaceva l’idea di scrivere qualcosa che potesse appartenere e coinvolgere tutti senza descrivere nulla di specifico. Il testo si adatta a mille situazioni ed emozioni diverse ed ognuno le può interpretare come vuole facendole sue. 

Ci racconti qualcosa di questo bellissimo video? 
Mi sono commossa quando ho visto il video finito per la prima volta. Niccolò è riuscito a dare un senso speciale al mio testo super ermetico. Proprio quello che dicevo prima, ognuno può cogliere da questo brano quello che più lo emoziona. All’inizio abbiamo parlato tanto di questa canzone: di quello che ho provato io quando l’ho scritta e di quello che lui ha visto mentre l’ascoltava. Dopo qualche giorno mi ha chiamato al telefono raccontandomi la dolcissima storia che potete vedere nel video, descrivendomela nei minimi dettagli, come se l’avesse già girata. Mi sono davvero emozionata quando mi ha detto che sua nonna sarebbe stata la protagonista. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Il coraggio di provare? 
Io vorrei davvero dedicare questa canzone a tutti noi. Tutti nella vita abbiamo bisogno di trovare il coraggio di provare a fare qualcosa, specialmente per noi stessi. Le nostre paure e le nostre emozioni soffocano quella forza nascosta in ognuno di noi capace di cambiare le cose, il mondo che ci circonda, la nostra vita. Non dobbiamo scordarlo mai, quel coraggio ce l’abbiamo tutti, dentro, bisogna solo lasciarlo fare.

Come è nato Crisalide e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Crisalide ha preso forma nel periodo subito dopo il lockdown, quando finalmente sono potuta tornare in studio e a respirare la vita di prima. Avevo intenzione di pubblicare un album già da diverso tempo: il mio pubblico lo chiedeva ed io ero pronta, ma sono contenta di essere stata costretta ad aspettare. Ho avuto il tempo necessario per fare chiarezza sulla direzione da prendere e sul tipo di artista che volevo essere. Quindi Crisalide per me rappresenta un nuovo inizio, una nuova me più consapevole che non teme di rivelarsi in tutte le sue fragilità, perché è l’unico modo per essere autentica. 

Dal punto di vista musicale, come descriveresti l'album? 
È un album con sonorità decise che spazia dal melodico all’urban. Ho voluto sperimentare moltissimo perché per me era necessario allontanarmi dalla categorizzazione limitante di “rapper”, nonostante io sia molto fedele alle mie radici e quindi le mantenga nella maggior parte dei brani.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Chiara è il mio pezzo preferito dell’album, ed è anche il primo che ho scritto. È un elogio a quella amicizia che vivi una volta nella vita, come il primo amore. Nonostante si vivano moltissime altre amicizie, quella che ti ha visto crescere e con cui hai condiviso le prime esperienze e le prime battaglie manterrà sempre una magia tutta sua. E quando la perdi non puoi riviverla. Io l’ho persa, e Chiara parla di questo. È una lettera scritta e mai inviata ad una persona con cui non parlo da anni, ma che è sempre nel mio cuore. Questo album non mi avrebbe raccontato del tutto se non ci fosse stata anche lei. 

Ci racconti del featuring con Myss Keta? Come è stato collaborare con la Myss? 
Io e Myss ci siamo conosciute a Milano ed è da subito nata una grande amicizia! Collaborare con lei era assolutamente uno degli obiettivi della mia carriera, la stimo come donna e come artista.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Crisalide? 
Crisalide la dedico alla me bambina con il sogno di fare un album e a tutti coloro che mi hanno aiutato a crescere e a realizzarlo.

Come è nato Jimmy, e cosa significa per te e per il tuo percorso artistico? 
Questo disco è più di un semplice album di un sassofonista: io mi considero un compositore, un musicista, un produttore. Non voglio essere visto solo come un sassofonista. Questo non sono io, sono molto di più. E con questo approccio sono libero di fare tutto ciò che voglio! 

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
È un viaggio! C'è un po' di elettronica, un po' di pop; ci sono molti sentimenti come gioia, tristezza, malinconia, speranza... This is life! 

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
La canzone Supreme Circle inizia con un campione del battito del cuore di mio figlio quando era dentro la pancia di sua madre: in quel momento volevamo che il genere fosse una sorpresa, e non sapevamo se sarebbe stato un maschio o una femmina! Nella canzone dico Charlie - nome femminile - e Cesar - nome maschile… Oggi sappiamo che è Cesar, ha nove mesi ed è in perfetta salute! 

Per la realizzazione di Jimmy, con chi (e come) hai collaborato? 
Come ho detto prima questo album è un viaggio, ma lo è stato anche per me.. Contiene una canzone che ho composto anni fa come No Man No Cry, e poi Time, Mama, Life. Inoltre, ci sono nuove vibe più electro, che ho provato a Napoli con due grandi produttori come Dat Boi Dee e Paci Ciotola. Per me, è stato qualcosa di diverso lasciare che le persone "toccassero" la mia musica. Io però personalmente credo che da soli si va veloci, ma in squadra si va lontano! I mastering sono stati curati dall'unico e solo Peppe Folliero. L'etichetta Wonder è di proprietà del mio manager che voglio ringraziare per tutto l'incredibile lavoro che ha svolto, mentre la distribuzione dell'album è di Warner Music.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Jimmy? 
Sono un vero e proprio family guy: quindi lo vorrei dedicare a mia moglie, mio ​​figlio, mio ​​fratello e le mie sorelle, a mia mamma e ovviamente molto a mio padre, che è venuto a mancare durante la realizzazione dell'album.

Com'è nato Re:Generate, e cosa significa per te?
Si tratta di una release che mostra la longevità della mia eredità, e di quanti produttori diversi siano stati ispirati dal mio lavoro. È una cosa incredibile che accada dopo così tanti anni: una cosa che davvero non ti aspetti all'inizio della tua carriera!

Musicalmente parlando, come descriveresti Re:Generate?
È techno, vista dagli occhi di artisti successivi alla nascita del genere, che hanno avuto la possibilità di lasciare la loro impronta sulla base della mia musica originale. Un'estensione di ciò che ho iniziato e di come loro lo vedono. Il remix di Warp di Len Faki è uno dei miei preferiti, insieme a quello di World Of Deep realizzato da Adam Beyer, e Pump The Move di Bart Skils.

La release è stata pubblicata da Drumcode, l'etichetta di Adam Beyer. Come è nato questo crossover? 
Abbiamo parlato a lungo io e Adam di una collaborazione, e visto che eravamo nel pieno di una pandemia globale e avevamo più tempo a disposizione, l'ho chiamato per vedere se voleva lavorare insieme a me in qualche modo. Inizialmente avremmo dovuto fare una semplice collaborazione, ma mi ha mandato un edit che Whebba aveva fatto di Velocity Funk di E-Dancer. Abbiamo quindi deciso di fare un album di remix perché era perfetto.

Da DJ Bone a Special Request, Re:Generate include un'ampia e variegata gamma di artisti. Qual è il leitmotiv che lega gli artisti coinvolti? 
Innanzitutto dovevano essere tutti artisti ispirati dalla mia musica. Poi volevamo trovare un equilibrio tra artisti di Detroit e americani e artisti europei, e includere persone che stanno “spaccando” attualmente. Una combinazione di dove si trova la techno oggi, pur continuando a educare le persone sulle origini black di questa musica. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Re:Generate? 
Mi piacerebbe dedicarlo a tutti i fan della techno, passati, presenti e futuri, affinché si possa continuare a mantenere viva l'eredità di questa musica per molti anni a venire.

Come è nato Bromance, e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico? 
(Mecna) Aver trovato qualcuno che ha la stessa mia visione della musica, di ciò che deve rappresentare, per me è essenziale. A livello di creazione per me è stato un momento importante, perché c’è stato davvero uno scambio. Lo si dice sempre del disco appena fatto, ma sono molto, molto soddisfatto.

Come descrivereste Bromance, dal punto di vista musicale? 
(CoCo) Sicuramente è un excursus nei nostri mondi. C’è un po’ tutto quello che ci piace, quello che ci accomuna e che ci muove. Tocca diverse sonorità, influenze e mix: dall’urban all’r&b, passando per il neo-soul, il pop e anche l’hip hop classico, come piace a noi. C’è un po’ tutto il nostro mondo
(Mecna)Esatto, è un po’ una versione 2.0 della nostra musica.

C'è una traccia con una bella storia da raccontare?
Non su una traccia in sé, più sul metodo di lavoro a 4 mani: siamo andati in Toscana per la realizzazione del disco, e prima di iniziare pensavamo l'un l'altro di essere dei tiratardi. Invece abbiamo scoperto di essere dei gran stakanovisti. Entrambi alle undici eravamo già a letto, e ci ritrovavamo puntualmente alle sette del mattino già in studio a registrare. :)

Con chi avete collaborato per la realizzazione della disco? 
In Bromance ci sono tutti i produttori con cui ormai lavoriamo da anni: Lvnar, Seife, Geeno, Sick Luke, Alessandro Cianci, Pierfrancesco Pasini, e il giovane Kina. 

C’è qualcuno a cui vorreste dedicare Bromance? 
Non vale dire a vicenda, vero? Direi che lo dedichiamo a tutte le persone che si rispecchiano in queste canzoni e che si rispecchiano in questo modo di vedere la musica. Quindi ai nostri fan!

Come è nato Ailleurs e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Un mio caro amico sostiene che si vivono tre vite. E tra la fine di una e l’inizio dell’altra c’è sempre un evento importante, uno di quelli che ti segna e rimane indelebile. Ecco, Ailleurs è l’inizio della mia terza vita, quella in cui scelgo di lasciarmi alle spalle le strade intraprese per forza di cose, perché non si può fare altrimenti. Nelle mie “vite precedenti” ho imparato che sì, la vita è dura, ma mai come vedere i propri sogni morire lentamente dentro il famoso cassetto. Ailleurs in francese vuol dire “altrove” ed è il mio pane quotidiano. Lo è da quando ero bambina, quando dall’ospedale in cui sono nata, in Kenya, sono stata riportata nel mio paese d’origine, il Burundi, quando mi è stato detto che ci saremmo trasferiti in Italia, quando mi hanno comunicato che ero stata accettata all’Università La Sapienza e quando mi hanno detto che avrebbero voluto vedermi per un colloquio conoscitivo a Milano. Direi quindi che Ailleurs è semplicemente un nuovo inizio in un posto nuovo, come al solito. 

Dal punto di vista musicale, come descriveresti Ailleurs? 
Dal punto di vista musicale è una piccola presentazione di me. C’è Lasciami, che è un pezzo pop che nelle sonorità presenta la mia parte più leggera e gioiosa; e poi c’è Non c’è spazio per le foto, che racchiude il mio amore per l’R&B dei primi anni 2000 e si trasforma per adeguarsi ai tempi nostri. Nonostante siano due pezzi profondamente diversi tra loro, credo che siano uniti dalla scrittura, che riguarda un argomento comune, ossia le “tentate relazioni”. In Lasciami la relazione è più esplosiva ma è di quelle in cui, nonostante la passione e la chimica siano palesi, tutto sembra indicare una fine poco felice; in Non c’è spazio per le foto racconto una relazione più intima, che si inserisce in un contesto in cui due persone provano a impegnarsi, ma una delle due non è coinvolta quanto l’altra, e questo costringe la prima ad andarsene. Quindi la soluzione a entrambe le situazioni è semplicemente fuggire “altrove”, che a seconda dei casi può voler dire verso qualcun altro o verso sé stessi. Per me i due pezzi hanno un ordine strettamente cronologico: sono stata prima la ragazza di Lasciami, quella convinta di dover lottare contro il destino, gli dei, l’universo e anche sé stessa per poter stare con la persona desiderata; dal fallimento di questa impresa sono diventata la donna di Non c’è spazio per le foto, ho iniziato a riconoscere i segnali delle mancanze di rispetto, di attenzioni, di tempo delle persone non interessate a costruire con me. Allora ho fatto un enorme passo verso me stessa, mi sono abbracciata e mi sono portata via da tutte le situazioni che mi toglievano energie ed autostima.

Con chi (e come) hai collaborato per la realizzazione della release? 
La parte più bella di Ailleurs sono state proprio le collaborazioni. Venendo dal mio salotto, dove scrivevo e registravo le canzoni sui type beat da sola, è stato meraviglioso entrare in studio e conoscere una marea di persone unite dalla voglia di rendere le mie piccole canzoni qualcosa di musicalmente bello e riproducibile. La produzione di Lasciami è di Adel, che si è trovato una versione del pezzo ai limiti di una ballad e mi ha detto “l’ho fatta un po’ uptempo”. Al primo ascolto della produzione sono impazzita. Essendo anche un bravissimo autore mi ha aiutata a sistemare parti di testo e a renderle più scorrevoli. A completare il tutto, delle meravigliose chitarre e un sax pazzesco registrato con precisione dieci minuti prima della chiusura dello studio. Non c’è spazio per le foto prende vita nello studio di Tommaso Colliva. Fin da subito mi sono sentita a mio agio, ascoltata e capita. Si è creato un ambiente più simile a una famiglia che a uno studio. Insieme a musicisti stupendi è riuscito a dare risalto alla mia voce e alle parti del brano in francese a cui sono particolarmente legata. Per la copertina ho avuto l’opportunità di coinvolgere mia sorella. Ho sempre adorato i suoi disegni e il suo stile. Nessuno mi conosce come lei e ha saputo racchiudere in un disegno tutto ciò che ho scritto nei brani e che rappresentano per me. Per lo shooting ho avuto la fortuna di lavorare con un team d’eccellenza, dallo stylist Fabrizio Talia, con cui è stato un onore collaborare, al fotografo Alek Pierre, che mi ha permesso di riscoprire me stessa perché ha catturato molto più della mia immagine. Per tutto quello che riguarda l’uscita, l’organizzazione e il mantenimento della mia sanità mentale, devo ringraziare il mio management, che ha curato ogni dettaglio senza mai permettermi di sentirmi sola in questo grande salto. 

Ailleurs esce per la mitica Island Records. Cosa significa per te questo riconoscimento da parte di una realtà così prestigiosa? 
La prima volta che Island ha attirato la mia attenzione avevo 19/20 anni. Guardavo la loro pagina Instagram e desideravo avvicinarmi anche solo geograficamente a una delle loro sedi. Vorrei tornare indietro e dire a quella Paola, che non si sente ancora Kaze, che tra qualche anno firmerà con loro. Island è molto più di quanto mi aspettassi. Stavo dando il massimo e speravo di poter uscire il prima possibile. Scrivevo giorno e notte e cercavo di imparare da qualunque artista incontrassi. Avevo grandi aspirazioni ma poche aspettative e di certo fra queste non c’era Island. Firmare con loro è stata un’enorme conferma e un’enorme scommessa che spero di vincere.