Musica 2022: nuovi singoli e album in uscita da ascoltare in primavera

DAVID BLANK, ANDREA DI GIOVANNI - PRAY

Come è nata PRAY, e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico?  
Siamo entrambi nati e cresciuti in un contesto religioso, e la chiesa è il primo posto dove ci hanno introdotto al senso di comunità: ma essendo entrambe membri della comunità LGBTQI+, la chiesa è anche il primo posto dove abbiamo vissuto l’abbandono e il giudizio negativo da una comunità. Per noi Pray rappresenta la rivalsa e la riappropriazione del senso positivo della comunità, la possibilità di creare noi il safe space per tutti, senza alcun tipo di giudizio.  

Dal punto di vista musicale, come descrivereste la traccia? 
È una bomba di energia, volevamo allacciarci musicalmente alla nuova chiesa della comunità LGBTQI+, le ballroom.   

Ci raccontate qualcosa in più sul bellissimo video di PRAY? 
Con il video si voleva creare un parallelismo fra presente e passato. Le immagini dei moti di Stonewall insieme alle note attiviste queer Marsha P Johnson e Sylvia Riviera, in contrasto con i nostri movimenti e look, rappresentano le origini di un nuova chiesa queer e il suo futuro.  

Come è nato questo featuring, e come è stato collaborare tra voi? 
È da mesi che ci inseguivamo, essendo due artisti internazionali del mondo queer, e con PRAY abbiamo trovato l'occasione perfetta per unire le nostre forze. Lavorare insieme è stato naturale, divertente e veramente un momento magico.   

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare PRAY? 
PRAY è dedicata a tutt* coloro che crescendo si sono sentit* divers* e non accettati da comunità religiose o qualsiasi altro tipo, alle quali appartenevano. E a tutte le persone che tuttora si sentono tagliate fuori e non amate: potete creare voi la vostra comunità e la vostra chiesa.

JAGUAR JONZE - BUNNY MODE

Come è nato BUNNY MODE, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?   
BUNNY MODE è uscito dopo i miei tre anni di sostegno in prima linea al movimento #Metoo nell'industria musicale australiana, dopo avere subito un'aggressione sessuale da due produttori musicali. È stato un viaggio davvero difficile, ma attraverso questo processo, parlando e combattendo per gli altri, sono cresciuta davvero tanto, come persona e come artista. Sono molto orgogliosa di BUNNY MODE, perché immortala la mia traiettoria: da essere una sopravvissuta senza potere, a una combattente con qualcosa da dire.    

Come descriveresti questo nuovo LP, musicalmente parlando?   
Per quanto riguarda la musica, spazia dall'alt-pop, al rock, al punk, alla ballad, all'industrial e alla musica cinematica. Proprio come il multiculturalismo in cui sono cresciuta, anche la mia musica è un crogiolo di tanti suoni e culture diverse.   

C'è una traccia dell'album che ha un significato particolare per te?  
WHO DIED AND MADE YOU KING? Quella era la prima volta che mi lasciavo prendere dalla rabbia. Per tanto tempo ho pensato che la rabbia fosse un'emozione brutta, perché conoscevo solo persone che la usavano nel modo sbagliato. Ora mi rendo conto che la rabbia è un'emozione importante, per prendere coscienza dell'ingiustizia che ho dovuto subire. Questa canzone ha veicolato la mia rabbia verso i leader del nostro settore, per aver abusato del loro potere. Si è trattato di un grosso caso di giornalismo investigativo in Australia, che ha fatto luce e portato alla caduta di un CEO di Sony Australia, che è stato al potere per oltre 34 anni. Era il potere dell'arte dell'attivismo in tutta la sua forza, e sono estremamente orgogliosa di aver superato la mia paura e di essermi imposta con la mia voce.

Per la realizzazione dell'album, con chi (e come) hai collaborato?   
La mia band è come la mia famiglia, quindi ho co-prodotto l'album con Aidan Hogg (basso/synth), Joseph Fallon (chitarre/archi) e Jacob Mann (batteria). Hanno sempre sostenuto la mia voce e la mia visione, e di questo sono molto grata. La parte collaborativa è il mio aspetto preferito della musica, e questo album è il frutto di tanti meravigliosi rapporti di lavoro. Comprese alcune incredibili cantanti e cantautrici, che hanno intrapreso percorsi di carriera simili al mio. La parte artistica e visiva della musica è molto importante per me: quindi ogni video musicale è stato diretto, prodotto e modificato anche da me in prima persona. Questo non sarebbe stato possibile senza il team creativo locale, con cui lavoro e di cui mi fido: ce la mettono tutta per trasformare la mia visione in realtà con risorse limitate.   

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare BUNNY MODE?  
Dedico BUNNY MODE a tutti coloro che hanno dovuto lottare per qualcosa più grande di loro. Lo dedico ai sopravvissuti: spero di poter dare loro forza e speranza, nel safe space di questo album. Insieme, possiamo definire il nostro trauma e riprenderci le nostre vite.

BARTEES STRANGE - FARM TO TABLE

Come è nato Farm to Table, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica? 
Ho fatto il disco nello stesso modo in cui ho fatto la maggior parte della musica che ho realizzato, ovvero con amici. Dopo Live Forever, ho sentito molta pressione per "aggiornarmi", e lavorare con produttori e studi più grandi. Ma mi è sembrato giusto continuare a fare le mie cose con i miei amici - e sono davvero contento di averlo fatto, perché era un'altra opportunità per stare insieme. Come artista, il processo di questo album è stato un altro memento del fatto che è una cosa bellissima investire in te stesso e nelle persone intorno a te.     

Come descriveresti questo nuovo progetto, dal punto di vista musicale?  
Mi sembra molto completo e chiaro: sono davvero orgoglioso di questo album. Credo sia il progetto più completo che ho registrato finora. Mi ha reso entusiasta questo ulteriore capitolo della mia carriera: non vedo l'ora di fare un altro album e crescere ancora.  

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?  
Tutte le canzoni di Farm to Table hanno una storia da raccontare. La canzone che probabilmente ha il retroscena più interessante è Co-signs. Ho scritto il ritmo e l'arrangiamento della canzone più o meno due o tre anni fa. Ma credo che in quel momento non fossi abbastanza bravo per completare la canzone. Ci sono tornato su più e più volte - semplicemente era qualcosa che non potevo finire. Poi sono andato in tour con Lucy Dacus e Phoebe Bridgers, e attraverso quell'esperienza - e la mia firma con 4AD - ho sentito come se avessi trovato un nuovo focus, e un'atmosfera che potevo apportare a quel brano. Dopo il tour, sono andato a Londra per finire l'album. Ero in una stanza in cui Ed, il mio A&R alla 4AD, mi ha raccontato questa storia dei TV On The Radio, che avevano usato per qualche registrazione la stanza in cui stavo dormendo: sono una delle mie band preferite!    

Con chi (e come) hai collaborato, per la realizzazione dell'album?  
La maggior parte di questo disco è stata fatta con Chris Connors, un caro amico, che in realtà ha mixato la mia prima uscita. Poi Steph Marziano, che ho conosciuto un paio di anni fa grazie al suo lavoro con Hayley Williams: ha avuto una parte importante nella canzone Tours. C'è poi Dan Kleederman, un fantastico chitarrista della mia band dal vivo e in molte canzoni dell'album. Graham Richman è il mio tastierista e il principale arrangiatore, ascolta tutto quello che scrivo per primo: se supera il test di Graham allora è un buon prodotto! E infine Dave Cerminara, un produttore a Los Angeles che ho incontrato e con cui ho lavorato su Wretched. Bella persona e grande testa!    

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Farm to Table? 
Vorrei dedicare Farm to Table a tutte le persone che hanno supportato me e la mia musica nel corso degli anni. In particolare i miei genitori.  

 FUERA - CIRCO MEZZALUNA

Come è nato Circo Mezzaluna, e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico?
Questo album nasce in due anni di sperimentazione e introspezione, con l'unico presupposto di essere autentici quanto più possibile. La ricerca di una nostra verità è stata estenuante e talvolta ci ha prosciugati, ma alla fine sentiamo che abbia preso forma un progetto compatto e sincero. La dualità che il circo nasconde ci ha sempre affascinato: da un lato la festa e lo spettacolo, dall’altro la malinconia del vivere perennemente in bilico. Sentiamo che tutto ciò ci rappresenti molto. Mezzaluna invece è la divinità che ha scelto di ispirarci lungo il percorso, una figura immaginaria che per noi significa femminilità, creazione, spirito. L'album rappresenta un punto di arrivo e partenza allo stesso tempo, maturità raggiunta, ma anche nuova rinascita.  

Come descrivereste l'album, musicalmente parlando? 
Una lucida allucinazione pop in cui fondiamo cantautorato, elettronica, influenze etniche, jazz e ambient, lasciando trasparire il calore delle nostre origini partenopee.  

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Vorremmo parlare di Profondo Rosso: è un brano dal gusto minimal che prova a spiegare il concetto di amore nell’esistenzialismo. La storia di un individuo sfinito dalla grande ricerca che si abbandona alla naturalezza della casualità, lasciandosi cadere e dislocare fin negli strati più interiori dei suoi mari. Il titolo era impresso in noi da anni ma aspettavamo di trovare il modo giusto per raccontarlo. Le storie di Circo Mezzaluna somigliano in parte alle nostre ma ci appaiono annebbiate, come in uno stato onirico. Ci tenevamo a ringraziare il maestro Paolo Conte per essere stato di immensa ispirazione. 

Non vediamo l'ora di vedervi suonare all'Oltre Festival. Ci svelate cosa ci aspetta dal vostro show? 
La solita energia e qualche strumento in più!  

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Circo Mezzaluna?
Dedichiamo questo disco alla femminilità, quella di tutti gli esseri umani e della natura.

EVA SHAW - SOLO

Come è nato SOLO, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?    
SOLO rappresenta il punto di partenza della mia carriera. Ho lasciato tutte le barriere alle spalle e ho scoperto dove voglio andare, musicalmente e visivamente. Quando ero giovane ho sempre saputo che volevo essere un'artista, ma onestamente non pensavo che sarebbe stato nella musica, perché sentivo di non avere abbastanza talento. La mia carriera è decollata così velocemente, che sono passata da imparare a fare la DJ, ad avere una residenza nel più grande club di Las Vegas e a calcare i palchi dei principali festival del mondo: ho anche avuto un contratto discografico con la Sony. Tutto ciò non è successo per caso, ma è avvenuto così in fretta che non mi sono fermata a pensare se fosse esattamente quello che volevo. Sapevo di amare la produzione musicale e di fare la DJ, ma al contempo volevo coltivare una direzione artistica mia personale. Ho sempre sentito di avere personalità diverse che vivono dentro di me, e con questo progetto ho sviluppato la fiducia necessaria per mostrare chi sono realmente. Questo album non riguarda solo la creazione della musica in sé: ne ho curato anche la direzione creativa generale e, nel processo, sto imparando a essere più autentica.

Come descriveresti questo nuovo LP, musicalmente parlando? 
È decisamente un album in chiave hip-hop. Sono cresciuta ascoltando musica molto varia, ma l'hip-hop e l'R&B sono sempre stati i miei generi preferiti. Ci sono anche elementi dance, rock e funk, perché mi piacciono molto, e mi relaziono con davvero tanti tipi di musica. Ho sperimentato con le sonorità, cercando di prendere aspetti della produzione EDM e fonderli nell'hip-hop, e viceversa. Al di là del genere, direi che anche l'atmosfera e l'energia generale sono molto variegate. Io ho curato il lato musicale, ma tendo a lasciare che i rapper si esprimano su qualunque cosa vogliano dal punto di vista dei testi, perché quella è la loro verità, e la loro storia. Quindi, sebbene questo sia il mio album, lo considero come una collaborazione con tutti questi artisti: è una situazione interessante in cui trovarsi quella del produttore, perché non hai sempre una voce e la voce e i testi sono una parte importante, soprattutto nel rap. Penso che sia per questo che ho iniziato a cantare e rappare io stessa in alcuni brani: anche se sento di potermi esprimere attraverso la musica, a volte devi dire letteralmente le parole. 

C'è un brano che ha un significato particolare per te? 
La prima traccia, chiamata SOLO, è quella che ha ispirato il nome dell'album. L'altro artista sulla traccia è Kris The $pirit: un artista estremamente talentuoso che ha firmato con la mia etichetta Mad Fatti. Il modo in cui si è espresso con la sua voce ha tanta potenza ed emozione, e al contempo è molto semplice. Ho scritto anche io la mia strofa: dato che è il titolo dell'album, sentivo che includendo la mia voce si sarebbe creata una connessione più forte. Ricordo che stavo bevendo del vino e stavo pensando a quanto volevo semplicemente creare quello che avevo in testa, senza che le opinioni degli altri mi fossero costantemente sbattute in faccia. 

Da Pressa a Thouxanbanfauni, collabori nell'LP con moltissimi artisti. Qual è il filo conduttore dei featuring del progetto?  
Penso che ciò che lo rende unico sia che non c'è alcun filo conduttore tra gli artisti che ne fanno parte. Molti di questi artisti probabilmente non avrebbero mai lavorato insieme se io non li avessi messi in connessione, e questo è il succo del progetto: segue la mia linea attuale, che è quella di non avere regole. Anche il fatto che ci siano 27 canzoni e 30 artisti: è davvero lunghissimo per un album di esordio, ma realizzarlo così era l'unico modo che aveva senso per me. Avevo bisogno di tutte queste tracce per mostrare il mio repertorio. Ogni rapper ha il suo stile, e la sua energia, e per ogni canzone ne ho contattato uno con un mood specifico in mente: semplicemente quelli che avrebbero reso meglio su quel beat.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare SOLO?  
È per chiunque abbia fatto parte della mia storia e mi abbia incoraggiato a essere me stessa. Spero di poter fare lo stesso per gli altri. 

WHITEMARY - RADIO WHITEMARY

Come è nato Radio Whitemary, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Radio Whitemary è un disco molto personale, pieno di sensazioni che mi hanno spinto a produrre qualcosa per raccontarle. Nasce da mille giornate passate in studio, a cercare di dare una forma concreta a un’idea. Per me è questo il grande passo in avanti: in Radio Whitemary credo di essermi espressa meglio rispetto al primo EP, di aver creato qualcosa che racconta più sfumature. Le volevo condividere per sentirmi più vicina al mondo esterno.  

Come descriveresti l'album, musicalmente parlando? 
Descrivo i miei pezzi sempre come “pazzi”. Penso a quanto sono poco eleganti alcuni dei synth-lead, kick, o i bassi super distorti; e poi ci sono dei sample sporchissimi e pieni di noise, giri armonici a volte fuori stile. Mi viene quasi da pensare che sia un approccio punk nel mondo elettronico. Direi di sicuro che è un disco artigianale, analogico. Adoro fare le cose manualmente, soprattutto nella produzione, con la presenza fisica dei synth, che occupano spazio, esistono materialmente, hanno una loro voce, e tu ti ci devi sporcare le mani. Anche i testi li scrivo a mano con carta e penna: secondo me ha un effetto molto diverso dalla scrittura su telefono o pc.  

Con chi (e come) hai collaborato per la realizzazione dell'album? 
Tutta roba mia: testi, produzione, recording e anche la parte grafica. Non ci sono featuring un po’ per scelta, ma anche perché non si è mai creata la situazione in modo spontaneo con altri artisti. Ora sto incontrando tantissime persone che mi affascinano e con il ritorno a una vita più sociale qualcosa succederà sicuramente.   

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?  
Non c’è una storia in particolare, però ogni volta che mi chiudo in stanza per registrare le voci, soprattutto quelle strane e urlate - tipo le back in Sembra che tutto - immagino sempre la faccia degli altri ragazzi che lavorano in studio con me. Immagino che si spaventino sempre un pochino.   

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Radio Whitemary? 
Non c’è qualcuno in particolare. Me lo sono auto dedicato per mesi ma, ora che è uscito, Radio Whitemary è per tutti quelli che proveranno un po’ di empatia, che si sentiranno meno strani ascoltando un pezzo pazzo del disco. 

MOONCHILD SANELLY - PHASES

Come è nato Phases, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?   
Phases è stato creato durante il lockdown. Ho affittato una casa in mezzo al nulla, ho preso gli strumenti e il mio produttore - ci siamo messi in “bolla” - e ho semplicemente creato, andando più a fondo di prima con la mia scrittura. Lo devo al Covid, dato che ho sempre dato il mio meglio sotto pressione: ma questa situazione mi ha costretto a esistere nella musica lontana dalla mia zona di comfort, permettendomi di mostrare la mia vulnerabilità. È un doppio album, perché è venuto fuori che c'erano MOLTE emozioni in attesa di uscire! Ecco perché questo disco significa così tanto,    anche perché ha rimosso i limiti musicali che non sapevo di avere. Con la quantità di generi diversi con cui mi destreggio, ho reso omaggio ai miei fan della prima ora di electro e vera gqom, nonché ai nuovi boobeams - i fan di Moonchild. Sono tutte fasi lunari, e spero davvero che vi piaccia.

Come descriveresti questo nuovo LP, musicalmente parlando?  
Gioia, potenza e felicità! È sonoro, empowering e ti accompagna attraverso le fasi che stavo attraversando: soft moon, hard moon, gentle moon, loud moon, quiet moon, new moon, I don’t give a f*ck moon… 

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Over you è stato letteralmente come scrivere una lettera di rottura: nella canzone ci sono io che la sto scaricando senza rimpianti, e la persona coinvolta ha semplicemente scelto di non sentire le parole. Sono single ora! Sento che quella canzone è uno dei messaggi più chiari che abbia mai comunicato a qualcuno, ma è caduto nel vuoto. È stato interessante per me.   

In Soyenza, collabori con Sir Trill. Ci racconti come è nato questo featuring? 
Stavo realizzando un documentario sulla musica e la cultura Amapiano in Sud Africa: le nostre strade si sono incrociate grazie a quel documentario e da lì è partito tutto.     

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Phases?   
Mia madre, per avermi fatto diventare una combattente, mia zia che mi ha aiutato a crescere e mi ha insegnato lo stile, e Nosipho Mandimo che si è presa cura dei miei figli in modo che potessi inseguire il sogno. Possano le loro anime riposare in pace.

PHOENIX - ALPHA ZULU

Come è nata Alpha Zulu, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica?  
Il titolo deriva dall'alfabeto aeronautico. Ero su un piccolo aereo in viaggio al posto del copilota - è lì che ti siedi quando non ci sono più posti disponibili - in un volo turbolento, e la torre di controllo stava dando istruzioni al pilota su come affrontare la situazione: e chiamava la coda dell'aereo Alpha Zulu. E mi è rimasto impresso.

Come descrivereste la traccia, musicalmente parlando? 
Dopo un lungo periodo in cui non siamo stati in grado di stare insieme in studio a causa della pandemia, ne sentivamo l'esigenza: ed è stato un sollievo fare finalmente ciò che amiamo fare di più, ovvero registrare musica e poi suonarla dal vivo. Questa canzone è impregnata di quella esigenza e di entusiasmo: puoi vedere la luce alla fine del tunnel - almeno speriamo.

Puoi dirci qualcosa in più sul fantastico video di Alpha Zulu? 
Intanto grazie! Abbiamo registrato questo album nel Musée des Arts décoratifs all'interno del Louvre durante la pandemia: quindi eravamo soli, circondati da grandi opere che hanno ispirato questo video. Pensiamo che quello sia il miglior studio del mondo per noi, perché non eravamo circondati da dischi d'oro, ma eravamo ispirati dall'arte. E a volte sembrava che le opere prendessero vita, specialmente di notte.

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Alpha Zulu?  
Questa canzone e l'album che la accompagnerà sono dedicati a Philippe Zdar, che era il nostro produttore e nostro amico, ed è venuto a mancare tre anni fa. Abbiamo pensato a lui durante l'intero processo di realizzazione, e credo che la sua presenza Jedi si possa sentire nel disco.

FANTASTIC NEGRITO - WHITE JESUS BLACK PROBLEMS

Come è stato nato White Jesus Black Problems, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?  
Direi che tutto è iniziato con Sting. L'ho incontrato per registrare una canzone per il mio quarto album: volevo anche includere David Byrne, Stevie Wonder, Taj Mahal e George Clinton per elencarne alcuni. Volevo realizzare il mio album dei sogni, in quanto a collaborazioni: ma, dopo aver registrato una canzone con Sting, è arrivata la pandemia, e nessuno era disponibile a collaborare. Successivamente, un anno dopo, ho scoperto una storia, un segreto profondo e oscuro nella storia della mia famiglia. La storia era quella dei miei antenati di settima generazione, una domestica scozzese bianco e uno schiavo nero, che si innamorarono e diedero vita a un'unione proibita: era nel 1759, 270 anni fa, nella colonia della Virginia. Dopo aver scoperto queste informazioni straordinarie, mi girava la testa e mi sono sentito ispirato a creare un album: volevo raccontare la loro storia. Questo potrebbe essere l'ultimo disco di Fantastic Negrito, quindi sono andato alla grande e ho anche creato un film - disponibile su Youtube - per accompagnare l'album.

Come descriveresti questo nuovo progetto, musicalmente parlando? 
White Jesus Black Problems è un album visivo. Lo descriverei come stravagante e stimolante: non solo per me, ma anche per l'ascoltatore, è molto più psichedelico, comprensivo, spinge oltre i confini e travalica il concetto di genere musicale. Questo disco sembrava come un treno in corsa, quindi ho deciso di salirci sopra invece di fermarmici davanti. Ho lasciato che la musica raccontasse la storia, e io ne sono rimasto ai margini. Ci sono tanti sintetizzatori Moog, organo a transistor: c'è leggerezza, ma è comunque groovin'. Mi sentivo come se stessi facendo un album degli anni '70, qualcosa che ascolti dall'inizio alla fine. Ogni canzone è un capitolo della storia dei miei nonni di settima generazione. Il processo era estremamente organico, accadeva naturalmente: e, prima che me ne rendessi conto, si era trasformato in un film.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?  
Sì, tutte, perché questa è una storia molto personale della storia della mia famiglia. Direi che una traccia come Virginia Soil è stata particolarmente bella per me, perché ho immaginato le circostanze davvero difficili dei miei due antenati, negli anni Cinquanta del Settecento. Dovevano essere state persone estremamente coraggiose e ottimiste. Vengo da sette generazioni di afroamericani liberi in Virginia: indipendenza, libertà, resilienza, perseveranza. Era il modo perfetto per concludere l'album. 

Non vediamo l'ora di vederti presto in tour in Italia. Cosa possiamo aspettarci dal tuo live? 
Uno show fatto di storytelling, funk, rock, soul, rhythm, blues, punk, scarpe di coccodrillo, pedali, battiti di mani, gioia e ottimismo. Racconterò la storia d'amore dei miei coraggiosi antenati attraverso la musica. Il pubblico italiano è tra i migliori al mondo: non sono timidi e si esprimono liberamente. Non vedo l'ora di suonare in Italia! Le immagini daranno al live un piccolo twist psichedelico. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare White Jesus Black Problems?  
Sì, dedico questo disco ai miei nonni di settima generazione, Elizabeth Gallimore e Grandfather Courage. E alle persone nel mondo che hanno l'amore nel cuore, che si svegliano ogni giorno e cercano di spingere il mondo in una direzione più positiva.

MARQUIS, MARIANNE MIRAGE & LORIS GENTILE - GRIDO (DI NOTTE)

Grido (Di Notte) fa parte del tuo nuovo album Il Pasto Nudo. Come è nato questo progetto e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico?  
Il Pasto Nudo è nato, come spesso accade, per caso: era da molto tempo che stavo scrivendo brani che rappresentavano appieno la mia identità, e un mio caro amico un giorno mi disse "Ma perché non fai un disco con questi pezzi?". Alla fine ho tenuto solo un paio di brani legati a quel periodo, ma iniziò tutto così.  Nonostante il nome sia preso dal libro di William Burroughs, il significato è diverso. Io do un'estrema importanza al momento del pasto: amo girare per ristoranti, trattorie ed osterie, e parte della mia cultura si radica nel cibo. Quando sono a tavola con le persone sento una sacralità rara che mi permette di aprirmi, e ascoltare le persone in una maniera più viscerale e profonda. Il Pasto Nudo è infatti esattamente quello che sono, rappresenta tutta la mia visione ed estetica attuale della musica: è il mio primo disco quindi ci tenevo a essere genuino nel raccontarmi tramite i suoni e anche tramite i fantastici ospiti che ne hanno fatto parte e ne hanno capito l'essenza. Quando inizi a scrivere un disco non sai mai quando vedrai la fine: vederlo crescere e concretizzarsi è stato molto soddisfacente - e complesso.    

Come descriveresti l'LP, musicalmente parlando?  
È sicuramente una conversazione fra epoche musicali ed influenze: musicalmente parlando possiamo definirlo Disco-pop, ma come sempre mi viene difficile chiudere la mia musica in un genere, essendo molto contaminata. C'è il funky anni '70, c'è la musica elettronica e c'è il cantautorato: diciamo che è il piatto derivato da questi ingredienti, con un pizzico di incoscienza.   

In Grido (Di Notte) collabori con Loris e Marianne, ci racconti come è nato questa joint venture?  
Il pezzo nacque come brano strumentale che volevo inserire nel disco. Un giorno di ottobre io e Marianne andammo in studio e le proposi di cantare sul pezzo per gioco. Grido nacque così, poi lei - come spesso accade - ebbe l'illuminazione di chiamare Loris all'interno: lui accettò, e il resto è storia.    

Puoi dirci di più sul fantastico video di Grido (Di Notte)? 
L'idea del video venne fuori facile con un brano così "filmico". Il pezzo è già una storia di per sé: una classica commedia all'italiana dove turbe amorose, figure professionali di dubbia competenza e amori focosi si mischiano in una telenovela senza fine.  Abbiamo girato tutto in un pomeriggio ed è stato veramente divertente, non capita spesso di divertirsi così tanto su un set video - merito dei NoText. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Il Pasto Nudo?  
Lo vorrei dedicare al me bambino che non ha mai smesso di credere nella musica guardandola sempre con occhi curiosi. E a tutti gli amici cari che mi sono stati vicino in questo percorso: senza di loro questo disco non sarebbe neanche esistito. 

SALAMANDA - ASHBALKUM

Come è nato ashbalkum, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica?  
Ashbalkum racconta la storia di un uomo che si addormenta all'interno della vasca - un regno di sogni - e vive una serie di sogni divertenti e colorati. È stata Manda a inventare questa storia quando ha visto la vecchia pixel art di Sala di una vasca da bagno. Eravamo entrambe d'accordo sul fatto che il sogno sarebbe stato un concetto interessante da esplorare con la nostra musica e da cui ricavarne un disco: quindi l'abbiamo chiamato ashbalkum, che è una reinterpretazione simbolica e fonetica di una frase coreana: "Oh diamine, era un sogno!". Così, aha iniziato a lavorare su brani ispirati alle nostre terre da sogno. Come i sogni, che possono essere molto casuali, misteriosi e maliziosi, volevamo che anche questo album fosse una raccolta di brani color Salamanda con ritmi e stati d'animo diversificati.

Come descriveresti questo nuovo LP, dal punto di vista musicale?  
Tra tutte le nostre uscite, ashbalkum è quella che sembra più groovy e ballabile. Anche se potrebbe non essere adatto al dancefloor, lo vediamo comunque come il disco più ritmato ed energico che abbiamo prodotto finora. Ogni traccia contiene molte trame e campioni relativi al titolo della canzone, e al sogno corrispondente. Ci auguriamo che l'album ti offra un'ora di ascolto piacevole che ti porti da qualche altra parte.  

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
La quarta traccia dell'album, Mad Cat Party, parla di uno dei gatti di Manda chiamato Ringo. Ringo è una gatta molto loquace che ama cantare e abbiamo realizzato questa traccia solo perché volevamo mostrare quanto sia brava come cantante. Mad Tea Party di Alice nel paese delle meraviglie è stata una grande ispirazione per il brano: quindi abbiamo chiamato il brano Mad Cat Party, con Ringo che interpreta il ruolo di Mad Cat.  

Per questo LP, con chi (e come) avete collaborato?  
Con Ringo, che come detto è presente nel nostro brano Mad Cat Party. Registrare il suoi vocale è semplice: inizi a lavorare su una traccia, e una volta che arriva per interrompere il lavoro - che è la sua routine quotidiana - tieni semplicemente il microfono di fronte a lei, e il gioco è fatto. Facile.  

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare ashbalkum?  
A tutti coloro che amano la nostra musica, e ci hanno sostenuto. 

KERRI CHANDLER - SPACES AND PLACES

Come è nato Spaces and Places, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica? 
L'album è stato creato in location, in 24 diversi club in tutto il mondo . Ho creato ogni canzone nel bel mezzo del dancefloor di ogni locale. Questo progetto è stato realizzato nel corso di quattro anni, mentre ero in tour: sto anche mixando l'intero progetto in Dolby Atmos. 

Come descriveresti questo nuovo progetto, musicalmente parlando? 
È un tributo a ogni club con cui ho uno stretto legame, e con cui ho lavorato nel corso degli anni. Alcuni di questi purtroppo hanno chiuso per sempre, quindi per certi versi è un modo per rendergli tributo ispirandosi al mood di ognuno di essi, place to place. 

Il brano Milan è un featuring con Mauro Capitale, ed è registrato ai leggendari Magazzini Generali. Ci puoi dire qualcosa di più su questa proudly Italian track?
Ho suonato più volte ai Magazzini Generali. Io e Mauro abbiamo fatto alcuni show dal vivo in questo locale: è un musicista meraviglioso e un grande amico. Ho pensato che fosse significativo averlo in questa canzone per rappresentare l'Italia, e non vedo l'ora di vederlo di nuovo a Milano. Sono sicuro che faremo insieme live la canzone dell'album Milan quest'estate!

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Spaces and Places? 
A Dio, ai club, al team, alla famiglia, agli amici, agli artisti. E a tutti coloro che hanno supportato la mia musica e le mie performance, in tutti questi anni. 

STEPHAN JOLK - BLOSSOM

Com'è nata Blossom, e cosa rappresenta per te questa traccia?
Blossom è stato il mio primo tentativo di ribellarmi al mio stesso suono: al tempo la cosa mi era anche sembrata strana, ormai succede tutti i mesi. La musica si evolve, perché più viaggi e suoni, e più sei esposto a situazioni diverse, fai errori inaspettati, trovi soluzioni alternative, scappi dalla trappola di ripeterti.   

Musicalmente parlando, come descriveresti Blossom?
Sono convinto che a livello di sound design il lavoro che è stato fatto sia di alto livello e frutto di un processo di sviluppo durato mesi: l'obbiettivo era trovare dinamica e volume per risultare loud. In quell'aspetto ci sono riuscito, sicuramente rispetto ai dischi precedenti: ma ci sono ancora parecchie cose su cui trovare margine. Come ad esempio mettere delle voci importanti, una stesura più da radio, e togliere del tutto le pause che si fermano. Ad ogni modo, con il lavoro fatto su Blossom, ho scritto altri dieci dischi: magari per rispondere meglio alla domanda bisogna aspettare che  alcuni di questi maturino.  

Blossom esce per UPPERGROUND, la label dei nostri amici Artbat. Com'è stato lavorare con loro su questo progetto?
Ci sono arrivato naturalmente e con pazienza: fondamentalmente ho fatto lo stesso percorso degli anni precedenti con Afterlife e Rose Avenue. Mandi dei dischi, se piacciono li suonano, a volte ti danno dei feedback, poi con calma tutto viene al dunque. Con questo tipo di professionisti l'asticella è molto alta: ogni volta si riparte da zero.   

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Blossom?
Tutti i dischi si dedicano alle donne, sono sicuramente loro la più grande fonte d’ispirazione: in tutto, e in particolare alle feste.

FIDELES - OTHERSIDE REMIX

Come è nato il remix di Otherside, e cosa aggiunge al progetto originale?  
Siamo da sempre fan di Monolink: un artista completo, e del tutto in linea con la musicalità espressa dalle sue tracce. Ci è stato chiesto di scegliere una track da remixare, estrapolata dal suo ultimo album, e il nostro orecchio è stato da subito rapito da Otherside. Abbiamo fin da subito capito la direzione che volevamo dare al remix, aggiunto alcuni dettagli tipici del nostro sound, e alla fine, dopo settimane di intenso lavoro, siamo riusciti a raggiungere esattamente il risultato che ci eravamo prefissati. La musica è assolutamente soggettiva: se tecnicamente possiamo spiegare cosa abbiamo cercato di realizzare, emotivamente lasciamo agli ascoltatori il feedback finale.  

Come descrivereste la traccia, musicalmente parlando?   
Quasi tutte le tracks di Monolink sono volte ad emozionare l'ascoltatore, e non essendo anche noi molto lontani da questa definizione artistica, abbiamo aggiunto specifici dettagli nel breakdown per enfatizzare questo concetto, mentre nel resto della track abbiamo dato spazio a drums incisive, a synth bass percussivi e talvolta aggressivi. Nel complesso non abbiamo del tutto snaturato l'originale, ma abbiamo semplicemente cercato di renderla più in linea con il dancefloor: in un certo senso l'abbiamo fatta "arrabbiare" un po' di più.   

Quest'estate, vi vedremo al Decibel Open Air. Cosa significa per voi esibirvi a un festival così importante, e che act state preparando?  
Siamo davvero contenti di essere parte di questo Festival, che seguiamo da molto ormai: a maggior ragione sapendo che è una realtà 100% Made in Italy, con una line up di assoluto spessore artistico. Non siamo soliti preparare un set, non lo abbiamo mai fatto fino ad ora: ogni set varia a seconda del club, festival o qualunque sia il format in questione. Non si può prevedere la vibe di ciascun evento: non sappiamo nemmeno quale è il mood con cui approcceremo ad un determinato show. Ma quello che facciamo sempre è dare tutto noi stessi in termini di performance, cercando di stabilire una connessione intima ed emozionale con il pubblico. Quello è esattamente quello che facciamo in ogni set. 

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Otherside Rmx?   
La lista sarebbe davvero lunga, ma senza essere banali la dedichiamo a tutti i nostri fan, quelli che con tanti sacrifici ci seguono dappertutto, e ci regalano le emozioni più profonde. Loro sono e restano la ragione per cui ciascun artista dovrebbe sentirsi un privilegiato: We love them all! 

NOTHER FEAT. MOON LEAP - US

Com'è nata US, e cosa rappresenta per te questa traccia? 
La prima versione è stata scritta tre anni fa in studio, durante una session di quattro giorni, con l’intento di sperimentare nuovi mondi. Avevo da poco perso un’amica e sentivo il bisogno di liberarmi dai pensieri. Probabilmente, è stato in quel momento che è nata l’idea di realizzare un progetto solista. Poi c’è stato l’incontro con Moon Leap, che ha dato una voce alle mie idee. Adesso mi piace pensare che sia stata proprio US ad unirci. Il brano era quindi nel cassetto da un po’ ma, come spesso accade, non ero mai riuscito a dargli una forma ed un suono che rendesse giustizia alle tante emozioni che racchiudeva. Qualche mese fa Alessandra - Moon Leap, che è oggi la mia compagna - la stava riascoltando e scherzando mi ha detto: “Ma perchè non la facciamo uscire?”. Così mi sono deciso a riaprire il progetto e trovargli una nuova identità. Tre anni non sono pochi, ma è il tempo che mi è servito per metabolizzare i cambiamenti e riordinare tutto quello che prima mi sembrava solo un groviglio. Direi che US rappresenta letteralmente la fine e l’inizio di tutto.   

Musicalmente parlando, come descriveresti US? 
Una distorta canzone d'amore, dove beat violenti e sintetizzatori si scontrano con un pianoforte delicato e la voce di Moon Leap. Qualcuno l’ha definita Future Trip Hop, e forse non mi dispiace affatto questa definizione.   

Puoi dirci di più sul bel video di US?  
Marco (Santi) è un amico, un tipo serio e folle allo stesso tempo: un po’ come me, sempre pieno di idee fuori dal comune. Insieme ci divertiamo a sperimentare e a spingere in direzioni non convenzionali. È un’ossessione la nostra: siamo entrambi appassionati di cinema e abbiamo molti gusti in comune. Confrontandoci per questo nuovo brano abbiamo capito subito che doveva legarsi ad un preciso protagonista ed un immaginario: il ballo. Non un ballo professionista e preciso: avevamo bisogno di movimenti sgraziati e goffi, che andassero in contrasto con la dolcezza del brano. È partito tutto così, e Marco è andato per la tangente, come fa sempre, e non si è più fermato. Ha creato questa storia bizzarra con personaggi freak: la adoro. Poi c'era quest’auto d’epoca che si vede verso la fine del video che li ha fatti dannare non poco. Proprio quando la stavano portando in location si è spenta. L’hanno spinta a mano a Roma per non so quanti chilometri! Ho scoperto tutto dopo ovviamente: mi piace farmi raccontare il dietro le quinte dei set, e Marco non mi risparmia dettagli. Ci tengo davvero a ringraziare lui e tutto il cast artistico e tecnico: hanno fatto davvero un ottimo lavoro, superiore ad ogni aspettativa.  

Hai presentato ieri la traccia al Primavera Sound. Cosa vuol dire per te calcare questo palco? Se un anno fa, in piena pandemia, qualcuno mi avesse detto: “tranquillo, l’anno prossimo suonerai al Primavera Sound”, gli avrei sicuramente dato del folle. Ricominciare a suonare dal vivo su uno dei palchi più importanti d’Europa - 300 artisti e 10 palchi - con migliaia di persone pronte ad ascoltare e ballare, è in assoluto il regalo più bello che potessi ricevere. E sentire le vibrazioni del pubblico suonando per la prima volta US dal vivo è uno di quei ricordi per cui vale la pena vivere. - 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare US? 
Questa canzone è tanto mia quanto di Moon Leap, e la dedichiamo a tutte quelle persone che stanno vivendo un momento di difficoltà, che si sentono sole o incomprese, che arrancano o pensano di non farcela.

GLAUCO DI MAMBRO - ASSONANZA

Com’è nata Assonanza, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico?  
Assonanza è un EP a cui tengo moltissimo perché rappresenta allo stesso tempo una continuità ed un punto di svolta per me. La track è figlia del fascino irrefrenabile che provo verso il Medio Oriente: quella spiritualità, quel modo di vivere e vedere le cose. E ancora i colori terrosi, intensi, i profumi inebrianti, i sapori decisi, e ovviamente quelle sonorità e quelle ritmiche, sono una fonte di ispirazione continua. Stavolta però, con Assonanza ho voluto provare a fare un passo più: non semplicemente “omaggiare” quella cultura, come avevo fatto ad esempio con Khumba su Sol Selectas, che pure aveva funzionato molto bene, ma tentare di aggiungere il mio tocco personale. E allora ho osato di più, inserendo elementi che apparentemente sono in forte contrasto con  quell’identità: ti aspetti delicatezza, ritmi suadenti, sensualità, passo morbido. Invece ho voluto i synth acid, le percussioni con incastri tesi, la stesura “tirata” e uplifting, il mood ipnotico.  Come sempre, la ritmica è stata elaborata in studio di registrazione insieme al maestro Simone Pulvano, musicista sopraffino che padroneggia il linguaggio delle percussioni orientali come nessuno in Italia. Le ore passate insieme a cercare le figure ritmiche che ci fanno vibrare, sono sempre illuminanti. Dopo, c’è stata la fase di produzione con Gianluigi Mendozza, nel suo Otta Res Lab: anche qui, parliamo di un vero fuoriclasse con il quale il sodalizio è ormai un punto fermo nel mio modo di vedere e produrre la musica. Assonanza rappresenta un evoluzione, partendo da una radice chiara e solida: e sono molto contento che esca su Gouranga, che ringrazio ancora per aver creduto in una follia così.   

Come definiresti Assonanza, musicalmente parlando? 
Questa è la domanda che mi piace di più, e che allo stesso tempo mi  mi mette più in difficoltà. Per questo di solito la rigiro sempre a chi me la pone. Quando mi chiedono che genere suono, io rispondo sempre “Secondo te?”. Davvero non so definire quello che faccio: le mie produzioni, i miei set: e quindi, anche Assonanza. Non so dare un nome: ma sono sempre attentissimo alle definizioni che gli ascoltatori voglio dare. E intendo tutti gli ascoltatori: dai critici musicali ai profani, dai colleghi artisti agli addetti ai lavori, dai clubber ai promoter. Credo che attualmente ci muoviamo in un mondo musicale vastissimo, come mai prima d’ora: un mondo che però è sempre più  schiavo degli algoritmi e delle definizioni in cui incasellare gli artisti e la loro musica, gli eventi e il pubblico che li frequenta, gli stili e le tendenze.  In questo contesto, credo che la missione di un artista sia creare qualcosa che non sia identificabile, che non sia categorizzabile in qualcosa di predeterminato. Ma che allo stesso tempo funzioni, sia fruibile e comprensibile, e soprattutto susciti delle emozioni in chi ascolta. Assonanza, come il titolo, è un’intersezione: tra indie e organica, tra Mistica ed elettronica, tra acid e cosmic. Sicuramente, Assonanza è Mistica Ritmica Ipnotica Galattica.  

Nell’EP sono inclusi i rmx di Deer Jade, Shubostar e Inigo. Come sono nate le collaborazioni, e qual’è stato il vostro metodo di lavoro sulla traccia?  
Sono davvero entusiasta dei Remixers di Assonanza: credo sia un trittico pazzesco. Il metodo di lavoro è stato estremamente semplice, perché quando hai a che fare con artisti così, sembra tutto facilissimo. Fortunatamente abbiamo tutti un’attività di touring molto intensa, e quindi vedersi di persona in studio rispettando le deadline dell’uscita era materialmente impossibile: perciò ho inviato a tutti le stems di Assonanza: ognuno ci ha lavorato singolarmente e poi mi hanno mandato il Remix per farmelo ascoltare. Inutile dire che è stata “buona la prima” per tutti, erano perfetti già al primo ascolto! Jade è un’amica ormai da tanti anni: siamo nello stesso “giro” e abbiamo lo stesso management. Abbiamo suonato spesso insieme al Woomoon, a Storytellers e in vari festival in giro per il mondo: nonostante sia giovanissima, Jade è una delle artiste con cui sento più sintonia, soprattutto nel modo di intendere il set. Jade è stata una delle prime ad ascoltare lqa traccia dal vivo: eravamo al Pacha di Formentera, suonavamo insieme. Ho provato Assonanza per testarla, e le è piaciuta subito, è rimasta decisamente colpita: quando le ho chiesto il remix, mi ha risposto immediatamente di sì. Per Shubostar devo ringraziare il mio amico Simone Sinatti: dj, producer, curatore di Circoloco Radio, manager, booker: penso che poche persone in Italia conoscano la musica elettronica come lui. Quando mi ha fatto conoscere Shubostar, è stato un colpo di fulmine. Ci siamo visti in Messico, sia a DF sia a Tulum: poi è venuta a Roma e Milano per suonare al The Sanctuary, e il feeling artistico è cresciuto spontaneamente. Ero curioso di vedere come potesse lavorare su una traccia come Assonanza, che è piuttosto distante dalle sue sonorità:  temevo che fosse così lontana sonoramente, che avrebbe rifiutato il mio invito. Invece, anche lei ha accettato immediatamente, e il risultato è sorprendente: questo mi piace molto di Shubo, ti sorprende sempre. Inigo Vontier è stata invece un’idea della label: e non potevano avere un’idea migliore. Tra l'altro, Luigi Ambrosi di Gouranga ha avuto questa intuizione geniale senza sapere che Inigo è uno dei producer che rispetto di più sulla scena: appena esce qualcosa di suo, vado a comprarla immediatamente. Non la ascolto neanche: vado sulla fiducia perché tanto so che sarà qualcosa di unico, originale.  Per questo quando mi è stato proposto come remixer, ho pensato che Luigi mi leggesse nel pensiero. Inigo ha fatto un lavoro incredibile, come al solito il suo remix è fuori dai classici binari: e per questo molto interessante.  

Dove ti possiamo vedere quest’estate in Tour?  
L’estate è partita molto presto quest’anno, ed oltre al DJ Set, sto proponendo anche uno show con Live Band, dove insieme a Simone Pulvano alle percussioni e Donato Barbaro alla voce e bansuri eseguiamo solo brani originali. Con questa formazione abbiamo aperto il Tour a Maggio allo Scorpios Mykonos: suonare in quello scenario al tramonto è un’emozione unica, è un giorno che ricorderemo. Sempre con la Band chiuderemo il Tour Estivo  il 13 Ottobre al Teatro Comunale di Reggio Calabria, per un evento di beneficenza  a cui tengo molto: supportiamo la LILT - Lega Italiana Lotta contro i Tumori - e la costruzione di un villaggio in Uganda. Portare la musica elettronica in un Teatro così grande e prestigioso era un mio sogno, a maggior ragione per una causa così importante.  La maggior parte delle date sono DJ Set: sarò ovviamente nei vari The Sanctuary per le mie residency - Roma, Milano, Porto Cervo, Mykonos, Ostuni. Sono confermate anche un po' di date al Cova Santa Ibiza per Woomoon e Storytellers, due eventi ormai iconici per chi fa il nostro genere e che regalano sempre un pubblico stupendo, in una cornice ineguagliabile . E ancora, festival importanti come il Marvellous Island a Parigi e il Never Sea a Costanza, tanti paesi dove suonerò per la prima volta - Estonia, Albania, Svizzera - e dei ritorni graditissimi come Tel Aviv e Haifa: farò due minitour in Israele, uno dei miei posti preferiti dove suonare. C'è una scena pazzesca, e le vibes sono davvero uniche al mondo. Per chiudere, ovviamente un po’ di date in Italia tra Salento, Umbria, Riviera Adriatica, Maremma e il mio amato litorale pontino, dove sono nato!  Tornerò anche al Faro di Canos de Meca, vicino Cadiz, uno dei posti più incredibili per l’atmosfera che si respira, e al Klein di Istanbul. 

RIMON - 20/20

Come è nata 20/20, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico?
20/20 è stato girato nella mia patria di origine, l'Etiopia. Girare un video musicale lì è sempre stato il mio sogno. Quando pensavo alle idee per un video musicale di 20/20, ho subito sentito che era giusto andare in Etiopia a girarlo: l'ho proposto a Bleu Nuit ed erano tutti d'accordo. Significa tanto poter rappresentare la bellezza del paese e della sua gente: onestamente questa è una delle esperienze più profonde della mia vita 

Come descriveresti la traccia, e il suo significato? 
La canzone 20/20 parla del ritorno a Madre Natura. È un modo di chiedere scusa: ero così distratta dal mondo digitale, dai nostri telefoni, dai social media, che mi sono dimenticata di prestare attenzione alle cose più importanti. È il viaggio del mio EP Digital Tears: nel video abbiamo cercato di mostrare quel ritorno alla natura, ma anche un ritorno a casa, che nel mio caso è l'Etiopia. 

Puoi dirci qualcosa in più sul fantastico video di 20/20? 
Voglio mantenere il video aperto all'interpretazione dello spettatore, ma l'elemento chiave del concept rappresenta un viaggio che segue tutti i protagonisti provenienti da tutto il paese, ognuno con la propria storia, che alla fine si conclude con un incontro. Tutti uniti gli uni con gli altri, e con la natura. 

Quali sono i tuoi piani per il 2022? 
In questo momento sono nella fase finale di preparazione del mio tour, che inizierà la prossima settimana, e dopo questo video mi appresto a chiudere l'era del mio EP Digital Tears, che era un progetto concettuale. Pubblicherò alcuni altri singoli, e mi accingerò a finire il mio album. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare 20/20? 
"To her who provides so selfessly'', ovvero alla Terra. Ma anche a tutte le persone meravigliose che hanno reso possibile questo film, a tutti i volti e le anime incredibili che hanno intrapreso questo viaggio.

SUPERORGANISM - ON & ON

On & On sarà inclusa nel vostro prossimo album, World Wide Pop. Come è nato questo progetto, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica? 
World Wide Pop è il culmine di alcuni anni della vita dei Superorganism. L'abbiamo registrato in tutto il mondo: dalle jam a Chicago e Los Angeles, alle sessioni vocali in Giappone, passando per il lavoro a casa nelle nostre camerette, a Londra. Abbiamo cercato di immortalare l'ottovolante di emozioni che tutti abbiamo vissuto con l'uscita del nostro primo album e il successivo tour, e nel processo che rifletteva gli alti e bassi che la società nel suo insieme ha attraversato negli ultimi anni. 

Come descrivereste l'LP, dal punto di vista musicale? 
È un mix caotico dei nostri gusti. Cerchiamo sempre di mantenere un approccio infantile di sperimentazione e scoperta in tutto ciò che facciamo, quindi risulta davvero eclettico. Detto questo, è molto più raffinato rispetto ai nostri lavori precedenti. È più personale, e allo stesso tempo più esistenziale, più maestoso e al contempo molto più intimo: abbiamo cercato di esplorare quegli estremi sia dal punto di vista sonoro sia tematico, per dare all'ascoltatore un senso di scala. 

C'è una traccia dell'album che ha una bella storia da raccontare? 
Inizialmente abbiamo scritto la canzone Flying con l'idea che fosse inclusa in un film. È per questo che la canzone ha quel gallop quasi alla Springsteen e sembra così edificante e potenziante. Alla fine ha funzionato meglio per il nostro disco che per il film, quindi l'abbiamo tenuto per noi stessi. - 

Potete raccontarci qualcosa di più sul fantastico video di On and On?
Abbiamo avuto l'idea per il video la scorsa estate. La canzone affronta vari temi sulla percezione del tempo, e su come alcune cose siano cicliche. Il video è nato dall'idea che alcune persone hanno nostalgia di epoche che non hanno mai realmente vissuto - ad esempio alcuni giovani mitizzano gli anni '60 o '80, ma ogni epoca ha i suoi problemi e non esistono età dell'oro. Dato che stiamo uscendo da una pandemia e da alcuni anni particolarmente pessimisti, abbiamo pensato che sarebbe stato interessante guardare indietro alla nostra era attuale vista come un'età dell'oro, attraverso gli occhi di qualcuno in un futuro remoto. Dalla prospettiva di qualcuno che è nato in una città in orbita attorno a Saturno, e che non ha mai visitato la Terra, il mondo attuale potrebbe sembrare loro un paradiso. Volevamo che Superorganism fosse il personaggio guida degli anni 2020, un passato che detto personaggio non potrebbe mai vivere.

RIEL - ELEFANTE

Come è nato Elefante, e cosa rappresenta per voi e per il vostro percorso artistico? 
Elefante è un assaggio del cosmo emotivo de Il Giardiniere di Serpenti, la prima delle molteplici band che presenteremo nella cornice Riel. A livello simbolico significa molto, perché è il primo passo di un percorso che ci auguriamo sarà ricco di significato per gli altri tanto quanto lo è per noi. Quando si crea qualcosa c’è sempre questo lasso di tempo, questo limbo che intercorre tra quando si finisce un’opera e il momento in cui questa diventa di tutti. È un po’ come trattenere il respiro prima di lanciarsi. Ora, finalmente, siamo in volo. 

Come descrivereste Il Giardiniere di Serpenti, musicalmente parlando? 
L’anima millenaria di una foresta decide di possedere i corpi di tre amici per parlare al mondo. Loro non hanno idea di cosa stanno facendo ma si fidano della foresta. 

Elefante sancisce la nascita della vostra label, Riel. Quali sono i programmi e la visione per questa etichetta? 
Riel è la grande casa che abbiamo costruito per accogliere tutti i nostri progetti, ma da dove viene quest’esigenza? Molti artisti, per via di come funziona l’industria musicale e creativa in generale, si trovano a dover mantenere una stessa identità per tutta la vita. Questo avviene perché si richiede che i progetti, spesso trattati come dei brand, siano sempre riconoscibili da tratti distintivi come il sound, il linguaggio, l’estetica. La verità però è che nessuno rimane uguale per tutta la vita; le persone cambiano nel tempo, addirittura da un giorno all’altro. Siamo esseri complessi, e sopprimere questa complessità perché ritenuta poco funzionale è un ragionamento davvero miope. Si fotta il funzionale, siamo orgogliosi di essere le cose più inutili; siamo fiori, e mai diventeremo ingranaggi. Riel vuole dimostrare che si può giocare con regole diverse, mettendo al centro del discorso ciò che c’è di più prezioso: l’arte e le persone. La prossima release di Riel ad esempio, prevista tra poco, avrà uno spirito molto diverso dalla prima uscita. 

Con chi (e come) avete collaborato per la realizzazione dell'EP? 
Molti dei progetti Riel sono realizzati insieme a cari amici di una vita, persone alle quali siamo fortemente legati. Questo piccolo dettaglio fa sì che in ogni progetto ci sia una forte alchimia interna. Una grande connessione emotiva spesso riesce a andare al di là del talento e della tecnica, permettendo di aprirti e scavare a fondo nella tua persona e nel tuo vissuto. Abbiamo realizzato Il Giardiniere di Serpenti insieme ad Alessandro Biscarini, un amico di lunghissima data e una delle persone più follemente brillanti che si possa immaginare: poeta, medico, maestro in conservatorio. Un vero sperimentatore pronto ad abbracciare l’ignoto ogni volta, proprio come noi. Per quel che riguarda invece il livello discografico e tecnico abbiamo deciso di continuare a lavorare con Asian Fake, una realtà molto dinamica, che ha subito capito e sostenuto la sfida di un progetto sofisticato come Riel.

C’è qualcuno a cui vorreste dedicare Elefante? 
Cristopher, il bambino fantasma che gioca di notte al piano di sopra dello studio. 

NISSI FEAT. MAJOR LEAGUE - GRAVITY

Come è nata Gravity, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico?
Il primo passo di Gravity è quando i MajorLeagueDJz mi hanno contattato, dicendo che avrebbero voluto lavorare insieme e inviarmi dei beat. Mentre stavo ascoltando le strumentali in studio, questo beat particolare mi è rimasto impresso, e ho deciso di andare in freestyle con la melodia, che poi si è trasformata in parole. Il disco è stato praticamente realizzato tutto in una sessione, e gliel'ho rimandato. Questa canzone per me porta un certo tipo di mood, che ti fa sentire spensierato: quasi come se non potessi toccare terra mentre sei in compagnia di chi ti fa sentire in quel modo. È una canzone che allarga ulteriormente l'orizzonte della mia espressione musicale.

Come descriveresti il ​​brano, dal punto di vista musicale? 
Direi che è Soul, condito da un'atmosfera Amapiano, e con un sottotono Afrobeat nel suo bounce lirico, specialmente nella seconda strofa. 

Puoi dirci di più sul fantastico video di Gravity?  
Volevo davvero qualcosa che urlasse: "ARTE", e che fosse fatto in modo che rappresentasse il messaggio della canzone, anche visivamente. Ho mandato questi pensieri e riferimenti dettagliati al nostro straordinario direttore creativo, che ha poi messo insieme il tutto e ha scelto il regista perfetto per dare vita alla mia visione. Adoro davvero questo video!

Nella traccia, collabori con i fratelli gemelli Major League DJz. Come è nata questa featuring? 
Direi che è stata una congiunzione davvero naturale e organica. Ho ricevuto un loro messaggio, in cui mi dicevano che volevano inviarmi alcuni beat su cui lavorare: ho accettato e registrato senza indugi. Sono davvero dei ragazzi fantastici e con i piedi per terra, e hanno un grande orecchio per la musica. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Gravity? 
Vorrei che Gravity trasmetta una sensazione di elevazione, e che da me passi a chiunque ascolti, e a sua volta arrivi a quella persona speciale per te.

CECILIA - IL SENSO DI QUESTO CAOS

Come è nato il senso di questo caos, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico?
Il concetto caos-ordine mi perseguita da un bel po’ di tempo. Alterno periodi in cui sono disorganizzata e dissociata - emotivamente - a periodi più dritti e più a fuoco. Ho raccolto brani che avevo iniziato a scrivere durante il lockdown e li ho messi insieme. Rappresentano l’inizio di una nuova consapevolezza personale: dall’accettazione del mio caos, all’accettazione di parti di me che prima tendevo a nascondere per insicurezza, per paura di non essere abbastanza. È una parte importante del percorso, ma è anche un passaggio per qualcosa che ha bisogno della seconda parte per definirsi meglio. 

Come descriveresti l'EP, musicalmente parlando? 
In fase di arrangiamento, ho voluto dare voce a questa emotività energica con chitarre distorte, parti strumentali simil epiche - proprio per dare spazio a questa parte del mio carattere che è da sempre predominante. Non sono mai legata ad un genere, il periodo e l’emozione mi fanno uscire la musica in modo diverso. Dipende tutto da come mi sento, la mia musica si basa principalmente su questo. Ho compreso che le dinamiche sono parti fondamentali per l’arrangiamento dei miei brani. Parti più vuote per la malinconia, rassegnazione si alternano a parti più piene di rabbia e reazione. 

Con chi (e come) hai collaborato per la realizzazione de il senso di questo caos? 
Ho formato una squadra per me speciale: Giacomo Greco - produttore, musicista e componente della band inude, con cui andrò in tour questa estate - Donato Emma (batterista, con me in tour), Daniele Bronzini (chitarrista e co-produttore di ?, il mio primo EP), Edoardo Castroni (produttore), Marco Fasolo (produttore e artista ). Per quanto riguarda i testi, ho co-scritto i brani insieme ad Alberto Citterio. Per quanto riguarda infine la parte visiva: lo stylist Michele Previsani, il fotografo Manuel Grazia, il grafico Enrico Dalla Vecchia, e Mattia Rosa, per i canvas di Spotify. 

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
Una traccia che nasconde una storia divertente è fumo e sassi. Il mio ragazzo tendeva a storpiare tutti i testi delle mie canzoni. Da vera scorpione permalosa un giorno l’ho sfidato! Ho tirato giù melodia e accordi del brano e gli ho chiesto di scrivere un testo con delle parole serie - se ne fosse stato capace. Così è uscita fumo e sassi, che oltretutto parla del nostro primo incontro. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare il senso di questo caos? 
Lo dedico alla mia famiglia: mia madre, mio fratello, il mio ragazzo e mia cugina, parti fondamentali della mia vita. A mio padre, che sono sicura ne sarebbe stato fiero. A Giacomo e a Flavia, per supportarmi sempre.

ALFIE TEMPLEMAN - MELLOW MOON

Come è nato Mellow Moon, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica? 
Mellow Moon è stato creato tra il 2020 e il 2021, ed è nato in due periodi di tempo molto diversi. Nella prima fase, sperimentavo essenzialmente tutti i diversi tipi di sound che mi venivano in mente, e ogni giorno creavo tracce da zero: in questa fase, non avevo ultimato praticamente nulla. Ho completato le tracce nel 2021, aggiungendo nuovi elementi e scrivendo anche i testi. Questo in un momento in cui si era appena usciti dal lockdown, e io sperimentavo molte cose, mi abituavo a uscire in pubblico e affrontavo l'ansia. I due periodi, combinati insieme, creano un congiunto piuttosto interessante, perché musicalmente suona molto allegro, ma al contempo i testi sono piuttosto tristi. 

Come descriveresti questo nuovo LP, musicalmente parlando? 
Direi che questo album per me è davvero un'ottima porta che mi permette di esplorare, a livello musicale. In tutto l'album ci sono moltissimi strumenti, come mai fino ad ora. Ho suonato il violoncello, la chitarra e un sacco di altre cose. Ha molte influenze diverse: dall'R&B al Pop, passanso per il Jazz, c'è un po' di tutto. 

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare? 
Just Below Above, che è l'ultima canzone dell'album: l'ho scritta quando avevo 14 anni, e poi ci sono ritornato su anni dopo, rimettendo un po' mano ai testi. È stato un momento molto tenero: pensare che c'è una vecchia canzone, che ho scritto quando ero in uno stato mentale molto diverso. Ho apportato alcune modifiche, ma ho mantenuto il carattere della traccia. 

Per questo LP, con chi (e come) hai collaborato? 
La maggior parte delle volte che finisco una canzone la mando a Tom McFarland - Jungle - Charlie J. Perry - Common Saints - o Kieran Shudall - Circa Waves - e da lì,  suggerimenti che potrebbero avere . È interessante notare che Charlie ha aggiunto alcuni elementi a A Western, la canzone di apertura dell'album. È stato bello perché è una persona che non ho mai incontrato dal vivo, anche se ci siamo salutati su Zoom, mentre tutto il resto è stato via mail. Quindi in definitiva: sono io a produrre le canzoni, e ricevo un po' di aiuto da parte loro. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Mellow Moon? 
Per scoprirlo, dovrai guardare le dediche all'interno del vinile!

ELASI FT. MERYEM ABOULOUAFA - OASI

Oasi fa parte del tuo ultimo EP, Oasi Elasi, uscito il 27 maggio. Come è nato questo progetto, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Oasi Elasi è per me l’inizio di un nuovo viaggio in mondo che non sapevo che esistesse e che si è materializzato nella mia testa, come un’oasi di luce in mezzo al buio, quando ho scritto questo disco durante il periodo di lockdown. Il fatto di non poter viaggiare fisicamente mi ha fatto soffrire, e quindi ho creato il mio elisir guaritivo scrivendo musica che mi/ci potesse portare in posti lontanissimi ballando a occhi chiusi. Ecco perché ho lavorato a distanza con Eva De Marce dal Messico, Meryem Aboulouafa dal Marocco e con Populous, che da sempre esplora e crea come un mago nuove dancefloor nomadi intorno al pianeta. Quest’ultimo è stato un hermano importante in questo viaggio, perché mi ha presentato il produttore che meglio poteva trovare gli ingredienti magici per questo disco: Rocco Rampino, al mio fianco da qui in poi per questo progetto. 

Come descriveresti Oasi Elasi, musicalmente parlando? 
Tessuti elettronici che si mescolano a campioni di konnakol indiani, canti aborigeni e cori gospel; razzi-limousine di sintetizzatori che si intrecciano a ritmiche etniche; voci e lingue diverse che cantano nuovi incantesimi personali, dolci e leggeri. I testi parlano di rinascita, la musica è una danza su un tappeto volante. Saranno benvenute per sempre tutte le menti sognatrici che avranno voglia di salirci, danzando senza paura tra meridiani e paralleli. 

In Oasi collabori con Meryem Aboulouafa, ci racconti come è nato questo featuring? 
Ho scoperto la potenza artistica di Meryem in una delle mie ricerche di musica per il mio show mensile su Radio Raheem. La sua voce mi ha ipnotizzata: le ho scritto su Instagram e l’ho invitata a provare a scrivere una strofa su un brano che avevo iniziato da poco a comporre. Meryem è marocchina, ma ha vissuto a lungo in Francia, e ha lavorato per diverso tempo a Roma per il suo disco, infatti parla italiano fluentemente. Su Oasi ha intessuto una melodia e il testo in arabo di cui il brano aveva bisogno per volare lontano, su un’isola che non c’è. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Oasi Elasi? 
Lo dedico a chi non smette di sognare extralarge, vie di fuga e nuovi mondi, colorando quello in cui viviamo.

KADEBOSTANY FEAT. SENA ŞENER - TWO LOVEBIRDS IN A CAGE

Come è nata Two Lovebirds in a cage, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica? 
Ho sempre voluto fare una canzone molto romantica. Per prima cosa, ho composto diverse versioni di questa canzone, e poi ho lavorato con un'artista texana chiamata Katie Wallace: avevo già lavorato in precedenza con lei, e Katie ha scritto i testi e la top line. Sapevo di aver bisogno di una voce molto speciale per questa canzone: l'ho mandata a Sena che l'ha adorata, e il resto è storia! 

Come descriveresti questa traccia, dal punto di vista musicale? 
Mi sono ispirato agli artisti classici degli anni '70 come Dolly Parton e Brian Eno. Volevo catturare quel sentimento anni '70, e allo stesso tempo dargli un tocco super moderno e senza tempo. 

Ci racconti come è nata la collaborazione con Sena Şener? 
Stavo cercando una voce fuori dal mondo per interpretare la canzone. Nella primavera del 2019, eravamo gli headliner di un importante festival in Turchia e Sena Şener ha suonato prima di noi. Sono rimasto colpito dalla sua voce e dalla sua presenza scenica. Da lì le ho proposto di cantare Two lovebirds in a cage. È stato molto spontaneo; conosceva già la mia musica e c'era questo desiderio reciproco di creare qualcosa insieme.  

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Two Lovebirds in a cage? 
Questo pezzo è per i romantici, e per tutte le persone che vogliono uscire dalla loro vita quotidiana ed entrare in un mondo migliore.

HAAi - BABY, WE'RE ASCENDING

Come è nato Baby, We're Ascending, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?Baby, We're Ascending è stato scritto e composto da casa mia durante il lockdown. Mi sono sempre sentita a mio agio nel fare musica con il mio laptop ma, una volta che sono stata in grado di farlo, è stato fantastico portare quello che avevo fatto in studio e passarlo attraverso le macchine, registrare la voce dal vivo e utilizzare alcuni dei Sintetizzatori presso gli studi Mute. Con il senno di poi, per me l'album è molto riflessivo. Penso che le tante collaborazioni siano state una reazione al fatto che non potevamo essere fisicamente vicini, gli uni agli altri, per così tanto tempo. Quindi avere questo tipo di connettività creativa con le persone che amavo e rispettavo musicalmente mi ha davvero aiutato in quel periodo. 

Come descriveresti questo nuovo progetto, dal punto di vista musicale?
Direi che nel complesso il progetto è un viaggio, onesto e iperattivo. Sento che riflette il funzionamento interno del mio cervello. È una svolta incredibile, a livello di genere.

C'è una traccia che ha un bella storia da raccontare?
Ogni traccia ha la sua storia, che sento molto. Ma una traccia molto importante per me è Human Sound con Kai Issaih - Jamaal e Obi Franky. La storia all'interno della traccia, e il pre parlato di Kai, ha un significato particolare per me, ma sento davvero che dipende dall'interpretazione dell'ascoltatore. 

Nella title-track, collabori con il leggendario Jon Hopkins. Come è nato questo featuring?
Siamo amici intimi da tempo: Jon ha ascoltato parte della traccia che ho postato sul mio Instagram, e mi ha chiesto di mandargliela per ascoltarla. Così ho fatto e lui mi ha chiamato subito e mi ha chiesto di collaborare. Ovviamente ho accettato. È stata un'esperienza così rispettosa e adorabile, adatta a entrambi ed eravamo davvero orgogliosi di ciò che abbiamo creato. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Baby, We're Ascending?
In primo luogo alla mia ragazza, Alice. Tuttavia, Baby, We're Ascending è davvero dedicato a tutti. Sento che quando pubblichi qualcosa che ti rende più vulnerabile, una volta che è uscita, devi liberarti di quella proprietà, e permettere che appartenga anche agli altri. Penso che questa sia una cosa bellissima.

WHOMADEWHO - UUUU

Come è nato UUUU, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica? 
UUUU significa molto per noi: è sempre importante creare un album poiché ci vuole molta energia condivisa tra di noi per realizzarlo. Anche se la musica elettronica è sempre stata parte del nostro DNA, negli ultimi anni ci siamo sempre più orientati verso quella scena. Una parte molto interessante di questo viaggio è stata lavorare con Rampa dei Keinemusik, ci ha guidato in momenti in cui eravamo bloccati e ha sviluppato molte delle nostre demo - che sarebbero finite nel cestino - su grandi canzoni. Questo album punta decisamente verso nuove avventure, sia in studio, che dal vivo in giro per il mondo. 

Come descrivereste questo nuovo LP, dal punto di vista musicale? 
È molto pulito e allo stesso tempo molto spensierato: il che significa che ci sono molti esperimenti con metodi e strumenti di produzione diversi. Ma abbiamo passato molto tempo a semplificare tutte le canzoni, quindi sono solo le parti essenziali ad essere rimaste nel canzoni. Siamo stati ispirati sia dall'elettronica degli anni '90 / '00 che dalla post-disco degli anni '80, ma abbiamo aggiunto la nostra solita cornice indie-club.

C'è una traccia in particolare che ha una bella storia da raccontare? 
UUUU ha una bella storia, che descrive molto bene come il processo creativo spesso sia imprevedibile. Ci siamo incontrati con Rampa a Berlino nell'estate 2020 per una sessione in studio. Abbiamo fatto una demo molto approssimativa, che a noi - WhoMadeWho - non faceva impazzire; tuttavia, Rampa ha continuato a sollecitarci a finire la traccia per oltre un anno. Di quando in quando abbiamo provato ad aggiungere sintetizzatori e voci, ma non ci soddifsaceva mai. Ad un certo punto, molto vicino alla consegna, abbiamo fatto l'ennesimo tentativo, ma in realtà poi ce ne siamo dimenticati. E poi all'improvviso Rampa ci ha inviato questa bellissimo strumentale, che ci ha dato nuova ispirazione per fare il cantato. Abbiamo iniziato a lavorare con la cantante Kat Frankie che ha fatto un sacco di vocals: gran parte di questi non sembravano adatti a noi, ma c'erano alcune parti che avevano qualcosa di davvero unico! Li abbiamo "ritagliati" ed elaborati, sia la sua voce che quella di Høffdings. Il tutto si è concluso con una speciale parte vocale dal suono malinconico, che ha finito per completare questa canzone, che è una delle migliori della nostra carriera. Ci abbiamo lavorato per quasi due anni! 

Per la realizzazione di UUUU, con chi (e come) avete collaborato? 
Come accennato in precedenza, Rampa è stato una parte importante di questo album, ha messo le mani su più della metà dell'album e oltre a produrre abbiamo anche passato molto tempo a condividere la visione con lui. Ci ha aiutato anche Kat Frankie per alcune tracce, ed è anche presente in una canzone; inoltre, abbiamo realizzato una canzone con Frank Weideman di Âme e AVA4K. Tutti gli artisti menzionati sono di Berlino in realtà. 

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare UUUU? 
Sì, a tutti quelli che hanno tenuto alto il nostro umore, e ci hanno ispirato durante la realizzazione di questo album. Senza di loro, niente musica!

DEER JADE, VANDER ft. MÂHFOUD - INTERGALACTIC TANGO

Intergalactic Tango è una joint venture tra te, Mâhfoud e Vander. Come è nata questa collaborazione, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?
Intergalactic Tango è un invito a danzare tra infiniti regni e possibilità, che spinge la nostra immaginazione a viaggiare attraverso le dimensioni. Sia Vander sia Mâhfoud sono miei grandi amici da molti anni, poiché siamo con la stessa agenzia. Sono stato a casa di Vander per alcuni giorni ad Amsterdam, e abbiamo avviato spontaneamente il progetto, suonando e registrando la mia voce. Poi Mâhfoud è passato a salutarci, e ha improvvisato dei begli accordi e melodie sulla traccia. Ci siamo divertiti davvero tanto a stare insieme facendo la canzone, e spero che quell'atmosfera si riviva sul dancefloor, e si trasmetta a chiunque la ascolti! :) 

Come descriveresti l'EP, musicalmente parlando? 
Questo EP è un viaggio sonoro galattico funk indie dance, groovy e colorato. Spero che l'interpretazione di ogni artista si completi a vicenda a seconda del mood che stai cercando.

Quali sono i tuoi piani per il 2022? 
Sono davvero euforica per questi mesi a venire, perché suonerò in alcuni dei festival dei miei sogni come - Fusion, The Monastery, We Can Dance, Marvelous Island, Pleinvrees, Voodoo - e a club come il Pacha di Ibiza, il Fabric di Londra o il Kater Blau di Berlino. Sarò anche all'Off Sònar Barcelona per Woomoon, e come parte della mia residenza mi potrete vedere a Storytellers/Day Trip in Ibiza... Verso la fine dell'anno, andrò poi in tour in Australia, Asia e Centro/Sud America. Nei giorni di riposo mi concentrerò completamente sulla produzione di brani nuovi e sul lavoro in progetti interessanti. Spero di poter ballare insieme a voi molto presto da qualche parte in giro per il mondo: stay tuned! 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Intergalactic Tango? 
A mia mamma! La mia più grande ispirazione, sia per il buon gusto nella musica,  sia per la folle energia quando ballo !

TATUM RUSH - SPARRING PARTNER

Com'è nata Sparring partner, e cosa rappresenta per te questa traccia? 
Il brano lo scrissi prendendo il sole dal terrazzo di uno chalet ,guardando i picchi innevati delle Alpi. Eravamo al di sopra del brutto tempo, che c’era giù in valle: qualcuno stappò uno Chardonnay forse un po’ troppo presto nel pomeriggio e pensai: “questo è un momento George Clooney”. E allora a questo party in una villa a bordo lago mi sono permesso di invitare anche Carla Bruni, Gianluca Vacchi, Pasolini, Frank Sinatra, Ava Garner e Werner Herzog  - Klaus Kinski non è voluto venire. Calata la notte, dalla sponda opposta del lago, un voyeur osserva attraverso le finestre della villa il movimento delle sagome, abbandonate alle modulazioni languide di una voce del jazz.

Musicalmente parlando, come descriveresti Sparring partner? 
Le atmosfere sono diverse, e si mescolano come la vodka e il cranberry juice. L’ho prodotta con Stefano Ceri, che all’R&B swingato alla D’Angelo ci ha aggiunto un arrangiamento dai colori che mi fanno pensare ai soffitti di un loft di Brian de Palma a New York nel 1984. Lo riassumerei come Pop Cosmopolita, o forse: Mario Biondi incontra Enrico Ghezzi? Non so, so solo che ne sarei veramente fiero se finisse sui titoli di coda di una puntata di Blob. 

Puoi dirci di più sul bel video di Sparring partner?  
L’idea del video nacque da un aneddoto reale che mi raccontò Aisha Sparkles, la protagonista del video e performer ai miei spettacoli, quando vide anni fa una persona che conosceva correre nuda fuori dal Grand Hotel Swiss Majestic di Montreux e giù per la strada in pieno inverno, in preda a chissà quale delirio. L’altra ispirazione fu il film Gli occhi senza volto di Franju, del 1960, che mi consigliò un noto regista francese. Come si può dedurre dai testi dei miei brani, sono amante di un certo tipo di cinema, e quando giro i miei video con i fidatissimi Theodor Guelat alla regia e Gianluca Oliva alla fotografia è sempre impossibile non farlo diventare un mini progetto alla Fitzcarraldo.

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Sparring partner? 
Il brano è dedicato a tutti quelli che fanno esperienza della vita con leggerezza e intelligenza, che non si prendono sul serio nemmeno se ti stanno spiegando Uccellacci e Uccellini; che sono sempre pronti a riconoscere il bello nel brutto, e il raro nel banale.

MELODY ECHO'S CHAMBER - EMOTIONAL ETERNAL

Come è nato Emotional Eternal, e cosa significa per te e per la tua traiettoria artistica?
Emotional Eternal è stato creato dagli echi del Silenzio, dopo un lungo periodo di indietreggiamento per avere una altra prospettiva. È stato un po' un incidente, ma positivo, perché pensavo di aver finito di fare dischi dopo Bon Voyage. Ritrovare i miei compagni di viaggio in Svezia è stata davvero la parte migliore, una bolla temporale molto gioiosa 

Come descriveresti questo nuovo progetto, dal punto di vista musicale? 
Penso che suoni come un campo emotivo, qualcosa come un lento sorgere di pace. Ho cercato di desaturarlo un po' di più dalla mia stessa introspezione per aprirlo, dargli più spazio e aria per una sensazione più universale: è un'idea che voglio elaborare ancora di più in futuro, se possibile. Penso che la musica sia ispirata dal rock psichico progressivo e dal folk: sembra comunque moderna, e in qualche modo sento che è più vicina al lavoro di poesia. Abbiamo prestato particolare attenzione al groove. 

C'è una traccia che ha un bella storia da raccontare? 
Adoro la traccia di chiusura The Voyage, rendendola una sorta di esperienza spirituale avevo registrato la parte degli archi su una tastiera midi che suonava in modo sbagliato, ma sentivo comunque che doveva essere nel disco, ed ero bloccata. Quindi ricordo di averlo immaginato e di aver semplicemente creduto che Swahn e Reine lo avrebbero registrato con la sensazione, l'emozione e i suoni esatti che volevo esprimere. Ci hanno provato ed è stato così gratificante aprirsi con loro, perché in realtà hanno trasceso la parte: sembrava che ci stessimo connettendo a un altro livello, posso sentire le mie stesse emozioni anche se non ero lì a registrare con loro; è stato davvero bello. Per me la canzone sembra un portale tra due terre o qualcosa del genere. 

Con chi (e come) hai collaborato? 
Con Reine Fiske, dell'iconica band psych rock svedese Dungen, e Lars Fredrik Swahn - dei The amazing, un altro grande gruppo folk svedese da sogno - ho incontrato Reine in questo grande festival Levitation ad Angers; conoscevo la loro musica dal 2012 poiché il mio ex produttore era un loro grande fan. Ci siamo riconosciuti ad un altro livello e naturalmente abbiamo deciso di lavorare insieme: mi sono trasferita a Stoccolma quasi subito e da lì siamo partiti, imparando a conoscerci, lavoriamo in modo triangolare e ci completiamo. Sono due anime buone!

C'è qualcuno a cui vorresi dedicare Emotional Eternal? 
L'ho dedicato ai miei figli, Natanaele e Alma.

DEHD - BLUE SKIES

Come è nato Blue Skies, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica? 
(Jason) Blue Skies è stato scritto nella prima metà del 2021 e auto-registrato a Chicago. Tratta principalmente di mantenere l'ottimismo e la speranza di fronte a tempi bui. Sentire il peso del mondo sulle spalle giorno e notte, aiuta a ricordare di guardare in alto: c'è sempre una piccola porzione di cielo sereno da qualche parte. Facciamo musica insieme e tour da alcuni anni ormai, e ogni volta che facciamo un disco riversiamo tutte le nostre nuove esperienze e lezioni nella creazione delle canzoni. È davvero un'istantanea di dove eravamo noi tre come individui in quel periodo. Penso che tutti stessero cercando una piccola promessa di bei tempi futuri e il processo di creazione di questo disco ce l'ha data. 
(Emily) Sì, la speranza e l'eccitazione che tutti noi proviamo con il cielo azzurro sopra di noi: spero che l'album si presenti in quel modo. Abbiamo registrato il disco in un mese e il processo ci ha davvero concesso più spazio per creare, esplorare e giocare con le canzoni. 

Come descrivereste l'LP, dal punto di vista musicale? 
(Jason) Abbiamo davvero cercato di esplorare alcuni nuovi sapori in questo disco, ma credo che lo chiamerei rock'n'roll. Direi anche che ha molte facce. C'è molta più consistenza e profondità in cui vogliamo che le persone si perdano dentro. Laddove prima i nostri dischi erano più incentrati sulla chitarra, qui mettiamo davvero la voce e la batteria in primo piano e al centro. Questo disco parla di sentire un ritmo, e cantare ad alta voce. 
(Emily)Lo descriverei come un disco pieno di sentimento e giocoso pensato per ballare e suscitare emozioni. 

C'è una traccia del disco che ha una bella storia da raccontare? 
(Jason) Abbiamo scritto Stars quando molte cose nella mia vita sembravano andare in pezzi. Ero circondato da un sacco di cose tristi che accadevano e mancavano persone ed era davvero così tanto per un cuore da prendere. Mi sentivo come se potessi sbriciolarmi. Cantare quella canzone è catartico e lasciami rilasciare la pressione anche solo per pochi minuti. Parlo un po' del trovare conforto nell'ambiente circostante e per me la mia città natale è un vero luogo di rassicurazione. Anche solo passeggiare nel mio quartiere mi dà un senso di radicamento.
(Emily)Abbiamo scritto Window nel corso di più anni, e il patchwork che ne è venuto fuori si è concretizzato in questo disco. Mi sembra di essere un cavallo che galoppa a tutta velocità su una pianura infinita - sono libera dalle mie catene e sono felicissima di essere ancora viva, dopo tutto. 

Quali sono i vostri piani per il 2022? 
(Jason) Stiamo facendo un sacco di date negli Stati Uniti e in Europa! Sono davvero entusiasta di suonare all'estero e incontrare tutta questa bella gente. Abbiamo aspettato così tanto tempo per suonare di nuovo dal vivo, e i live sono il grande obiettivo in questo momento. Riprendiamoci il palco! 
(Emily) Sì, ci sono molti tour in programma, tutti si preparano a ballare, sudare e cantare insieme a noi. Quest'anno è dedicato a muovere il corpo, festeggiare e ricordare perché siamo tutti ancora vivi - per divertirci e celebrare relazioni che hanno un significato.

C'è qualcuno a cui vorreste dedicare Blue Skies?
(Jason) Chiunque abbia bisogno di una piccola pausa dai propri momenti di oscurità, questo è per te. 
(Emily) Sì, a tutti i miei migliori amici! Sapete chi siete, vi amo e non sarei qui se non potessi affrontare tutte le cose che affronto giorno per giorno. I migliori amici salvano la vita!

CAMILLA MAGLI FEAT. BIGMAMA - KNOCK OUT

Come è nata Knock Out, e cosa rappresenta per te e per il tuo percorso artistico? 
Knock Out è nata in un momento di grande cambiamento della mia vita: ero appena guarita dal Covid che mi aveva costretta a passare un mese chiusa nella mia vecchia camera a casa dei miei in Puglia. In quella stanza sono riaffiorati tanti ricordi che pensavo fossero ormai alle spalle. Ho deciso così che dovevo  liberarmene, e il mezzo che ho scelto, come al solito, è stata la musica. E ho cominciato a scrivere appena tornata a Milano. 

Come descriveresti la traccia, musicalmente parlando? 
Questa traccia rispecchia completamente il sentimento che mi ha spinto a scriverla, per questo ho utilizzato un linguaggio diretto e crudo nelle strofe, mentre nel ritornello la melodia è pop. Un cortocircuito interno! Il testo diventa così un vero e proprio attacco diretto a chi giudica, a chi usa il pregiudizio come arma per ferire; il tappeto sonoro invece è leggero, gentile e crea così l’atmosfera per sferzare un pugno immaginario. 

In Knock Out collabori con BigMama: ci racconti come è nato questo featuring? 
Quando ho ascoltato l’EP di BigMama sono andata subito in fissa. Mi sono piaciuti tanto i suoi pezzi, così come la sua attitudine. Avevo Knock Out nella cartella delle canzoni che stavo scrivendo per il mio di EP e ho subito pensato che, anche per il messaggio che volevo trasmettere con il pezzo, mi sarebbe piaciuto molto condividere questa traccia con lei. Le ho semplicemente scritto e da lì è stato tutto naturale: il pezzo le è piaciuto, siamo andate in studio e c’è subito stata intesa. 

Domani ti vedremo al Mi Ami. Cosa significa per te calcare un palco così importante? Ci puoi anticipare qualcosa del tuo live? 
Il Mi Ami è il palco a cui tutti quelli che come me iniziano a fare musica e di musica vogliono vivere ambiscono. L’atmosfera che si respira durante quel weekend è bellissima. Il fatto poi che sia a Milano, la città che mi ha accolta quando a 17 anni ho lasciato la Puglia, rende ancora più importante questa esibizione. Sarà una grande emozione e un momento di crescita professionale. Oltre a Knock Out, farò sentire alcuni inediti che saranno contenuti nel mio prossimo progetto discografico. 

C'è qualcuno a cui vorresti dedicare Knock Out? 
Sicuramente a tutte le persone che reagiscono, che rompono il muro invisibile della vergogna e iniziano a scegliere sé stesse. E soprattutto, a chi vorrebbe farlo ma non ha ancora trovato il coraggio di vivere liberamente e incondizionatamente la propria vita.

WILMA VRITRA - GROTTO

Come è nato Grotto, e cosa significa per voi e per la vostra traiettoria artistica? 
(Wilma Archer) Per metà, è stato creato di persona durante una visita a Los Angeles: l'altra metà da remoto. 
(VRITRA) Questo ha anche cambiato le mie prospettive dal punto di vista dei testi. Essendo da remoto, ho registrato ad Atlanta e Los Angeles, ambienti diversi da quelli in cui mi trovavo per il nostro ultimo album: emozioni diverse, flussi diversi. Anche se siamo ancora per lo più lontani dal periodo in cui lavoravamo insieme spesso, ci capiamo un po' di più: c'è una connessione più profonda tra noi in questo album. 

Come descriveresti questo nuovo progetto, dal punto di vista musicale? 
(Wilma Archer) C'è una registrazione sul campo del Greenwich foot tunnel: l'ho fatta nel 2011, e a un certo punto viene utilizzato nella maggior parte delle canzoni, per rafforzare il senso di viaggio e rifugio dal mondo esterno.

C'è una traccia che ha una bella storia da raccontare?
(VRITRA) Clean Me Clean: è un riflesso delle situazioni di cui ho parlato per il brano The Hill, del nostro primo progetto Burd. Rappresenta le fasi di accettazione, solitudine e libertà quando si conclude una relazione tossica. Analizzare difetti e passi falsi. 

Quali sono i vostri piani per il 2022?
(Wilma Archer) Un album solista! 
(VRITRA) Anche io ho in cantiere un album solista, uscirà alla fine di quest'anno o all'inizio del prossimo. E poi un talk show chiamato [TUNNELING]. 

C'è qualcuno a cui dedichereste Grotto?
(Wilma Archer) Non a qualcuno, ma a qualcosa, essendo i miei spazi interni preferiti. 
(VRITRA) Alla voce dentro la tua testa. Il tuo io interiore, e cercare di capirlo.

MALAKAY FT. BLUEM - GRAZIE